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The Real Mckenzies en acústico, 24/08/10 – Gruta 77

javijb — Wed, 01 Sep 2010 01:09:25 +0000

Todos los que amamos la música, sea cual sea, tenemos en nuestro corazón y nuestra memoria, marcas imborrables que perduran año tras año; que sobreviven a las modas y la evolución de los gustos personales, pase lo que pase. Esas marcas pueden ser una canción, un disco, un concierto, una letra, un grupo o lo que tú quieras. O mejor dicho, lo que ellas quieran, ya que son ellas las que nos eligen a nosotros. Como las mujeres, vaya, y es que la belleza es así de caprichosa. En esta ocasión yo les vengo a hablar una vez más de los Real Mckenzies. Ese grupo canadiense de celtic punk con tan merecida fama de borrachos, fiesteros y cachondos en todas sus expresiones. Aunque no pueda parecerlo en un principio, ellos son la marca a la que me refería al comenzar esta crónica. Y es que después de tantos años de grandísimos conciertos se han ganado un respeto especial en mí. Uno que incluso alguno de mis grupos preferidos no tienen y que está construido con una solemnidad juerguista, una humildad, aumento imparable de calidad y factor emocional ligado a recuerdos inolvidables de la que pocos gozan.

Llevan desde principios de los 90 dando guerra sin tregua. Calidad discográfica a raudales desde sus comienzos gracias a esa perfecta combinación del folk tradicional escocés y el punk rock más característico que definía aquella época. No han cesado de girar, haciéndolo sin parar durante un año seguido y actuando junto a grupos de la talla de Rancid, NOFX, los Misfits o Metallica. Lo tienen todo para triunfar y sin embargo siguen siendo un grupo de culto para los que les adoramos, sin llegar nunca a agotar entradas por estas tierras como otras bandas como los Dropkick Murphys o Flogging Molly. Pero a ellos se la suda porque en cada ocasión que les he visto, bien sea en sala, festival o fiestas populares, han dado lo mejor de si mismos, indiferentes de si estaban tocando para 10.000 o para 50 personas. El concierto del pasado martes 24 de agosto fue más bien uno de estos últimos. Un martes de agosto, sin teloneros y tan sólo cuatro meses después de la última vez que estuvieron por aquí, hacían presagiar una asistencia bastante pobre y así fue. Pero bueno, había que aprovechar que venían a tocar gratis a Mas Nou y las fiestas de Bilbao. En ambas citas la gente enloqueció hasta la extenuación pero a nosotros nos prepararon un menú muy distinto: dos horas de set acústico. Una auténtica delicia que a mí personalmente me apetecía más que ninguna otra cosa, y más aún después del concierto con el que nos deleitaron en el pasado mes de mayo en el que ya tocaron unas cuantas canciones desenchufados. Tal y como nos figuramos, fue una noche inolvidable, una de tantas otras, pero única e irrepetible al mismo tiempo. Al fin y al cabo, ellos son The Real Mckenzies.

¿Y quiénes son ellos? Pues en esta ocasión el incombustible y poderoso frontman Paul Mckenzie, acompañado del grandísimo batera Sean Sellers (de Good Riddance), Robbie (de Exploited), el ya no tan nuevo gaitero Gord Taylor y el incorporado a última hora Gwomper (de Avail y Smoke or Fire). En esta ocasión lamentamos sobre todo la ausencia de otro gaitero, tal y como se comentó, pero que finalmente y por tratarse de un acústico no se le echó en falta, y al carismático Dave Gregg, que esta vez se quedó en casa pintando cuadros. Esta vez Karl Álvarez (de All y Descendents) tampoco vino con ellos ya que su participación en la anterior gira fue algo meramente puntual.

Después de llenar el buche con un buen filete con patatas en la cervecería de al lado de Gruta 77, los Mckenzies saltaron a la palestra bien alineados para comenzar con el set. Todos ellos ataviados con sus atuendos escoceses habituales e incluso Paul, con la misma camiseta Nitroactive de siempre, nos regalaron un exhaustivo repaso a toda su carrera discográfica en clave acústica. Fue una auténtica maravilla escuchar canciones de sus primeros discos como “Scots Wha’ Ha’e”, “Bastards” o “Mainland” sin las guitarras eléctricas pisando sus cánticos tabernarios. Cantando impetuosamente que lo único que desean es ir al cielo del whisky para beber ríos del dorado elixir sirviéndose de sus pulmones, tres guitarras acústicas, una caja percutida con escobas por Sean y la gaita de Gord daba la sensación de viajar con ellos a la Escocia profunda. Entrar de su mano en un pub humeante y desvencijado para golpear con fuerza las mesas de madera de roble y alzar las pintas de oro negro para bañarnos todos juntos en siglos de hermandad.

Dio igual que gritaran a la reina de Inglaterra que se fuera a tomar por el culo (“Bitch Off The Money”) o que reivindicaran su tesoro más preciado (“Whiskey Scotch Whiskey”). Cada una de ellas puede ser considerada un auténtico himno con el que desgañitarse la garganta. Algunas más bailongas, “Droppin’ Like Flies” o “Drink The Way I Do”, otras más emotivas, como dos de nuestras adoradas “Best Day Until Tomorrow” o “Cross the Ocean”. Aunque si hablamos de emotividad, esas canciones tradicionales que mr. Mckenzie canta a capella y que le enseñó su abuela en su infancia, se llevan la palma. La idea es que todo el público coree con él y la sala se llene de compadreo, pero aquí unas pocas palmas como mucho y arreando. Aunque la situación mejoró un poco respecto a la última vez y la gente respondió bastante bien creando cierta calidez. Bueno, eso y que quitaron el aire acondicionado un rato.

Grata sorpresa como se desenvolvió Gordon Taylor. Si ya estaba integrado en el primer tour, ahora se ha convertido incluso en uno de los principales protagonistas del directo de los Mckenzies. También es cierto que era el único que iba realmente borracho y eso hizo que bailara, enseñara el mondongo y cantara como ninguno. Y es que ya lo comenté la vez anterior y esta vez he de volver a decirlo: desde que los punkrockers canadienses tocan medio sobrios sus conciertos han ganado muchísimo en calidad. Su ejecución es realmente perfecta y hay que reconocer que son unos auténticos musicazos. Combinan a la perfección la sobriedad y solemnidad de algunas canciones con el cachondeo y la diversión en otras, muchas veces todo ello mezclado en un directo de los que pocos pueden presumir. “Pour Decisions”, “Smokin’ Bowl”, “Bugger Off”, “Get Lost” o la siempre hilarante “I Hate My Band” son una prueba de ello. Todas ellas en clave acústica y todas ellas perfectamente adaptadas. Misma fuerza y melodía pero más sentimiento y pulcritud. Eléctricos o acústicos, da lo mismo, su genialidad brota por sus poros tanto como su sudor cervecero. Y es que da igual cuantas contemplemos su directo porque siempre nos dejaran asombrados de lo tremendamente buenos que son. Aunque les viésemos cada semana, y a este paso va camino de ser así, nunca dejarían de maravillarnos con su energía, abnegación, pasión y fuerza céltica. Y mira tú por donde, vuelven dentro de un mes. En esta próxima ocasión tocarán en una fiesta de Eastpack en la sala Heineken dentro de una de las sesiones Zombie. Creo que esta será la única vez desde el 2004 que me pierda un concierto de los Real Mckenzies en Madrid, pero quien conozca el lugar en el que actuarán podrá imaginar por qué. Si tú no padeces misantropía focalizada en el fashionismo ridículo y superficial, acércate. Ellos seguro que lo harán muy bien. La próxima vez que vuelvan al Gruta 77 o alguna similar, allí estaremos nosotros otra vez. Hasta entonces, suerte y salud.

Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco

Festival Xacobeo – Muse (Santiago de Compostela) – 27/08/10

javieramosa — Wed, 01 Sep 2010 01:09:23 +0000

The Right Ons

El Festival Xacobeo acabo siendo el Festival de Muse. Normal si recordamos que las entradas se pusieron a la venta sólo con la banda inglesa y Jònsi contratados y se agotaron en unos días. Vergonzosos los spots de televisión anunciando el evento con sólo dos nombres. Diez días antes del concierto se añadía otra parte del cartel con Pet Shop Boys y The Right Ons. El set de DJ’s aún tardaría una semana más….Este cúmulo de desastres ha hecho que los fans de las bandas restantes no tuviesen opción para ver a sus ídolos, sólo la reventa. Por eso desde primera hora de la tarde sólo se veían camisetas de Muse, sobre todo en legiones de fans veinteañeros. Así se creó un ambiente enrarecido con el resto de conciertos. Poco respeto por el resto de las bandas en cartel y ambiente frío en general. Sólo una palabra en mente para el 80 por ciento del público del auditorio, Muse. Y no hablemos de los precios dentro del recinto, al que no te dejaban acceder con comida ni bebida. El litro de cerveza 10 euros, la copa doble a 16 euros y un bocata frío unos 5 euros. Vamos, que si nos sangra a los trabajadores no quiero pensar como se lo montó la juventud…si tenemos en cuenta que los conciertos duraban unas nueve horas!! Cojan la calculadora y échense a reír. Los precios más caros que he visto en un concierto, festival o evento musical. Menos mal que hay crisis…

Y con este panorama, a DJ POTI, residente del Playa Club de A Coruña, le tocó ambientar mientras la gente iba llegando gradualmente al recinto, pero sin más. Su sesión básica de indie rock, a lo populacho con temas de Bloc Party, The Rakes o Kasabian, no encajaba mal con The Right Ons, que eran los primeros en salir, pero su sesión me pareció muy simple y con poco trabajo detrás.

Puntuales salieron a escena THE RIGHT ONS, quinteto medio gallego, medio madrileño, liderado por Álvaro Guzmán. Les faltó fuerza y potencia. Su sonido no fue bueno, por momentos costaba diferenciar las guitarras. Más pose y estilismo que rock and roll, y ni siquiera había legiones de fans adolescentes para meter ruído de por medio con temas de su último disco “Look Inside, Now!” como “That´s New York” o “Take It Easy”. Las primeras filas sólo se movieron agitadamente con “Thanks” o “Do your thing baby?”, y es que como vengo diciendo, esto era más que nada un concierto de Muse, el resto fue un pegote anunciado a dos semanas. Para mí se les quedaba algo grande el auditorio del Monte del Gozo, que a esa hora no registraba ni la tercera parte de la entrada. El garaje rock se quedó sin explosión de sonido. Parcos en palabras, se dedicaron más a tocar y aprovechar su tiempo, que en los festivales es más que nunca de oro. Poca conexión con el respetable, que si bien es cierto, tampoco intentó meterse en el concierto. Y como broche final mientras sonaban los últimos acordes, Álvaro ondeó una bandera gallega. Pero ni así llegó la empatía.

Jònsi

Y llegaba la hora de ver al líder de Sigur Ròs, JÒNSI, en su nueva andadura en solitario. Era uno de los más esperados por un sector del público, me temo que el restante no supo entender su música. Con una potente percusión, su voz parecía salida del cielo, con unos agudos imposibles dejando a más de uno boquiabierto y a otros que entraban en el recinto con la música de Muse dentro de sus oídos, desconcertados. Increíble lo que puede aguantar un agudo el islandés, espeluznante por momentos. Parecía estar sonando la banda sonora de una película fantástica. Una fantasía y un mundo irreal del que formaba parte también el vestuario de la banda, o el tocado de plumas del islandés, que nunca pasa desapercibido. La extravagancia es uno de sus sellos personales. Sonido en directo impecable. Su show empezó más frío pero fue adquiriendo forma y volumen. Repaso a su disco “Go”, un trabajo mucho más abierto y donde Jònsi parece más liberado de esa búsqueda introspectiva. De lo mejor fueron temas como “Tornado”, “Go Do”, “Boy Lilikoi” o la genial interpretación de “Animal Aritmethic”. Faltaron las proyecciones visuales que lleva en su gira y que redonden aún más su espectáculo. No es mi estilo musical pero si supo crear la atmósfera onírica adecuada para ese mundo de ensueño que emana de unas cuerdas vocales impresionantes. Para algunos aburrido, para otros un genio. Guste o no, no deja indiferente. Muy islandés.

Muse

El nerviosismo se dejaba sentir en el auditorio durante el montaje de las pantallas de LED, cual panal de abejas, para las proyecciones de MUSE. A esa hora el aforo era completo y palpable la expectación. Y entre algunos gritos de jóvenes en primera fila aparecieron por fin las estrellas de la noche abriendo con “New Born” de uno de sus mejores discos, “Origin of Symmetry” (2001). Fue el primer momento de locura. El estilismo es otra parte muy cuidada, para muchos hortera, para otros futurista. Fashion son desde luego, pero esto es lo menos relevante. Continuaron con “Map of the Problematiqué” y “Supermassive Black Hole”. Temas que funcionan por si solos en un directo que se presenta como una máquina perfectamente rodada. Bastante fríos en general y Matthew Bellamy menos comunicativo que en otras ocasiones. Aunque no importaba, el público estaba entregado desde hacía meses. A mí me pareció mejor su concierto de 2004 para ser un grupo mucho menor por entonces, y sin duda su show del FIB en 2006. El directo sigue siendo contundente y lo que hacen, guste o no, lo materializan en directo a la perfección. Pero esta vez parecían más distantes. Faltaba parte del despliegue de su gira, como el impresionante escenario piramidal, pero los visuales y el láser no perdonaron, para enloquecimiento de la masa.

Muse

Sus últimos dos discos no son tan buenos como los primeros. De su último trabajo “The Resistance” (2009) rescataron “Uprising”, “Resistance”, “Guiding Light” o “United States Of Eurasia”, quizás los momentos más planos del concierto. Entremedias guitarras dobles, con kaoss pad integrado, y como no, el piano al que ya nos tiene acostumbrado Bellamy para juguetear con la operística. Superada la mitad del concierto “Time Is Running Out” y “Plug In Baby”, de sus primeros trabajos, desataron el segundo momento de locura en el Monte do Gozo.

Sonido de calidad y con potencia, adornado por un espectáculo de luz bastante cuidado que la masa agradeció. En eso machacan. Del anterior álbum “Black Holes and Revelations” (2006), la canción “Starlight” se sigue erigiendo como uno de sus himnos, y un tema imprescindible como se demostró una vez más. Y con estos tres éxitos desaparecieron casi sin decir adiós, su línea general en este espectáculo, y con los presentes sabiendo que quedaban un par de hits más. Así fue. “Hysteria” y “Knights of Cydonia” desataron la locura en la grada por tercera vez, poniendo el mejor final al tan ansiado concierto del Xacobeo.

Caradeniño DJ + KAZE

A CARADENIÑO DJ acompañado de KAZE les tocaba aguantar el cotarro desde la salida de Muse hasta la entrada de los veteranos Pet Shop Boys. Y se hicieron notar con su electrorock, dancepunk y nurave, a pesar de que ya legiones de fans de la banda de Matthew Bellamy huyeron en cuanto acabó el concierto de sus ídolos. Su sesión llenó el auditorio por mucho que pese a algunos más acostumbrados a los remixes indie estilo DJ POTI. Nada que ver. Se dejaron caer sampleados a buen nivel y sonaron remixes de Rage Against The Machine o de los propios Muse, sacrilegio para algunos, subidón para otros. Y entremedias algún tema propio como “Vampire”, o la sintonía del Equipo A (momento para la complicidad con el público) o los saltos del enmascarado batería de los rockeros Doctor Gringo. Sin duda, lo primero era la diversión, y eso emanaban los dos jóvenes encima del escenario. Se lo estaban pasando en grande y lo transmitieron a parte del público. La otra los critica sin ningún respeto por el trabajo ajeno. A Caradeniño ya lo pudimos ver en el Sónar Galicia, coincidiendo en horario con 2ManyDJS. Lleva desde los 14 años sobre una mesa de mezclas, del hip hop a la electrónica pasando por muchos estilos. Su compañero de escena KAZE, con años de trabajo detrás, forma parte además del grupo VOID CAMP y ambos tienen recorrido por diferentes salas en el panorama nacional. Sobre todo se divierten y tienen ganas de comerse el mundo. Ángeles o demonios el que no arriesga no gana.

Pet Shop Boys

Colocar los cubos para la escenografía de PET SHOP BOYS fue una tarea demasiado lenta y esto provocó una segunda estampida de los fans de Muse, unido al frío y al viento que no conformaban una noche veraniega. Lo primero a tener en cuenta eran los pocos seguidores de los ingleses en el auditorio, debido a lo comentado anteriormente de su anuncio en cartel con todo vendido. El resto, fans de Muse que quisieron amortizar la entrada, pero muy reacios y recios ante el show de los chicos de la tienda de mascotas.

El concierto me pareció soso en pegada. La escenografía lo más destacado y divertido. Colores, formas geométricas, proyecciones en los malditos cubos que recordaban al tetris y bailarines ataviados con todo tipo de vestimentas y disfraces, que interpretaban los temas. Neil Tennant y Chris Lowe tampoco escatimaron en trapitos memorables. Un “Pandemonium Tour” que cosechó muy buenas críticas en el pasado Primavera Sound. Como buenos británicos, un espectáculo muy sobrio y muy ensayado, sin lugar a margen de error.

Pet Shop Boys

En la parte musical, basaron el repertorio en sus clásicos como “Always On My Mind” (1987), “Heart” (1988), “It’s A Sin” (1987), “Go West” (1993), “New York City Boy” (1999), “Se A Vida È” (1996) o el más reciente “Love Etc” (2009). Y con estos hits consiguieron sus mejores momentos de baile entre el público. Algunos temas más lentos como “Do I Have To?”, de su doble disco de b-sides “Alternative” (1995), no fueron muy acertados en el meridiano del concierto provocando algunas huidas más en las gradas. El ambiente era extraño al no haber muchos más fans que algunos veteranos que lograrían comprar de segunda mano. Eso le dio una frialdad extrema al auditorio que con la temperatura existente fue difícil de cambiar para el dúo inglés.

Y para cerrar la electrónica del DJ francés VITALIC que no empezó mal su sesión con un tema de Tiga, pero su progresión fue totalmente descendente. En resumen, más nombre que buena música. Cerrar el cartel a menos de 15 días del inicio del Festival dejó una lista de grupos sin sentido y elementos de la organización muy mejorables. Lo mejor, que se reactivasen las actuaciones en el Monte del Gozo después de la debacle del concierto de Bruce Springsteen el verano pasado.

Texto: Nadia Corbeira / Fotos: Javier Amosa

BugGirl – Gruta 77 (Madrid) – 17/08/2010

maixta — Wed, 25 Aug 2010 02:08:28 +0000

La escena rock australiana, prólija en formaciones de escasa originalidad pero innegable entrega y energía, es sin embargo poco propicia a compartir sus tesoros con el resto del universo. Tanto así que, cuando alguna formación logra saltar la aparentemente infranqueable barrera del océano, lo hace de manera arrolladora, si no en cuanto a repercusión mediática, al menos sí en cuanto a vocación de dejar bien alto el pabellón. Ruidosos, demoledores, visulamente impactantes, BugGirl no han inventado la pólvora, pero han mezclado a concienccia todo tipo de explosivos conocidos para crear un sonido propio y reconocible, al que se añade el mérito de organizar el mismo escándalo que un combo tradicional siendo sólo dos.

He aquí el verdadero leitmotiv de los hermanos Amber y Clinno BugGirl: la exhibición de una brutalidad y agresividad que oscilan permanentemente entre el Punk más gamberro y un Metal absolutamente clásico, de la mano de dos únicas personas. Así, merced a una única guitarra, bien es cierto que muy alejada del virtuosismo, pero efectiva en cuanto a su vocación de muro sónico, a una demente batería y, sobre todo, a la fantástica voz de Amber, este combo ha sabido diferenciarse de otros miles que han buscado el mismo camino. Es cierto que en ocasiones se echaría de menos la presencia de un bajo o de una segunda guitarra que aliviaran la tarea de la instrumentista, sin embargo también es cierto que, de hacerlo así, perderían una de sus más impactantes señas de identidad.

Todo ello quedó bien patente en su actuación en la sala Gruta 77 de Madrid el pasado día 18; ante un público escaso, en su mayoría seguidores de los madrileños 5 Cobras que abrieron en esta ocasión y por segunda vez para los australianos, saltaron a escena con ánimo de revalidar el éxito que cosecharon en su anterior visita y ante aún menos gente, pero que produjo un notable efecto boca-oreja. Con peor suerte esta vez: los constantes fallos técnicos, una cierta debilidad en la habitualmente potente voz de Amber y el más que palpable malestar que todo ello producía en la australiana deslucieron en cierta medida un concierto que, sin embargo, supo proporcionar la sificiente dosis de energía y diversión.

Pese a todos los contratiempos, pildorazos como ´Rock n´Roll Hell´, ‘Hot Tonite‘ o la gamberra ‘Hungry as Hell‘ sirvieron para calentar la velada más allá de la visible preocupación de la australiana, más concentrada en comprobar que todo el maltrecho equipo funcionaba correctamente que en proporcionar el espectáculo que se esperaba. Un calor el del público que fue recompensado con la siempre efectiva versión del ‘(You Gotta) Fight For Your Right (To Party)‘ de Beasty Boys a modo de único bis, tras el cual los hermanos huyeron de un escenario que se les estaba haciendo demasiado cuesta arriba. Final agridulce para una velada que pudo ser mejor.

Texto y fotos: Almudena Eced

Concierto de Versailles en París

selina — Tue, 24 Aug 2010 02:08:54 +0000

El pasado día 13 de Julio se celebro en París el último concierto del grupo Versailles -Philharmonic Quintet-, actuación que ponía fin a su exitosa gira “Versailles World Tour 2010″.

La actuación que nos presento Versailles en la sala Le Trabendo fue elegantemente exquisita, intensa y especial, como dijo el mismo Kamijo nada más empezar el concierto. Una verdadera demostración de lo que es el estilo musical japonés denominado “Elegant Aristocratic”

Ya unos días antes los primeros fans del grupo empezaron a aparecer por las puertas de Le Trabendo para realizar la cola de entrada al recinto y la noche anterior a la esperada actuación, la cola, ya superaba las 20 personas, número que se fue incrementado progresivamente por que a las 7 de la mañana del esperado día 13, el número de seguidores que esperaban en las puertas ya superaba los 50 y a las 17 horas de la tarde, seguramente, todos los fans de Versailles ya se encontraban en Le Trabendo por que la cola de entrada era tan larga que daba la vuelta a todo el local y se perdía en la lejanía a simple vista.

La espera fue larga pero calmada y sin ningún incidente ya que los mismos fans se preocuparon de ello marcándose con rotulador en la muñeca el número que ocupaban en la cola para que nadie se pudiera colar y a las 17:30 horas más o menos los miembros de Versailles -Philharmonic Quintet- llegaron al local en una furgoneta de color amarillo y entre los gritos y saludos de sus seguidores entraron en le Le Trabendo y poco tiempo después y para la impaciencia de todo los que se quedaron fuera, empezaron a ensayar la actuación, ensayo que se podía escuchar perfectamente por que los miembros de seguridad del local dejaron las puertas abiertas y la música se oía perfectamente, consiguiendo con esa acción que los que ocupaban las primeras filas de la cola canturrearan ansiosos.

Y a las 19 horas de la tarde por fin se abrieron las puertas de Le Trabendo y las fans empezaron entrar en pequeños grupos para no causar incidentes y una hora después Versailles entro en escena, causando que todo el local temblara por culpa las ovaciones de todos los presentes, que entre gritos decían “¡Versailles!” “¡Versailles!” “¡Versailles!”

Pero cuando Kamijo solicito silencio por que quería hablar, todos los chillidos cesaron de inmediato para después volver al alzarse como un terremoto por que el vocal del grupo dijo que estaba feliz de estar en Francia por que París y su gente eran especiales para él.

Y tras la conmovedora revelación de Kamijo la música de “Aristocrat’s Symphony” empezó a sonar, por que como sucedió en Barcelona al líder de Versailles no se le oía cantar, ni lo que estábamos en primera fila delante de él (Yo misma) escuchábamos su voz… Pero podíamos ver su colosal esfuerzo por ser escuchado, aun así, Kamijo seguía afónico y toda la actuación fue en mayor e menos medida, básicamente instrumental.

Una verdadera lastima por que todo el grupo, en espacial su líder, realizaban todas las coreografías de los temas y estaban eufóricos por la entrega de su publico que no dejo de animarlos, cantar, saltar y bailar durante las casi dos horas que duro el concierto.

Después del primer tema le siguió “Shout and Bites”, “Zombie” y “Ai to Kanashimi no Nocturne” y con este último pudimos escuchar un poco más a Kamijo por que el ser una canción con una base instrumental, menos intensa por decirlo de alguna manera, la voz del vocal se oyó en algunos momentos.

Entonces tras esta canción se realizó la primera pausa con el hermoso tema instrumental “Pilgrim” seguido del solo “SILENT KNIGHT” donde aparecieron en el escenario Hizaki y Teru con unos trajes nuevos muy hermosos y elegantes que con unas largas y trasparentes capas de color rosa (Hizaki) y azul (Teru) asombraron al publico, para después Yuki aparecer en escena y con una energía arrolladora empezó a tocar su batería y enseguida Hizaki con Teru y Masashi le siguieron regalando a sus fans una verdadera demostración de su espectacular talento al tocar sus instrumentos donde todo Le Trabendo resonó por los vítores de los presentes y al finalizar el solo Yuki regalo una de sus baquetas y una presente (es decir yo) la cogió “¡Gracias Yuki!”

Y después de que Hizaki y Teru regalara sus púas, el concierto continúo con “Reminescence” entrando Kamijo y tras unas palabras, donde dijo que seria nuestro “teacher” de japonés y nos enseño unas palabras en su idioma y seguido nos pidió que le enseñáramos algo de ingles a cambio. Continuó la actuación con “Catharsis”, “Gekkakou”, “Amorphous” y cuando sonó los primeros acordes de la preciosa y conmovedora canción “Serenade” todos los fans se callaron de golpe y alzaron los brazos al son de la música en memoria del desaparecido bajo del Versailles, Jasmine You, por el cual escribieron este tema y que todo Le Trabendo termino cantando al final, y causando las lagrimas de más de un seguidor.

“Ascendead Master” fue la canción siguiente, tema que enciendo al publico de inmediato, consiguiendo que gritaran, saltaran y bailaran moviendo salvajemente sus cabezas el son de la música, después continuaron con “God Palace -Method of Inheritance-” y se finalizo el concierto con “Princess”

Claro que los gritos de “¡otra!” en francés no tardaron en aparecer y los combinaron con “¡Versailles!” haciendo que a los pocos minutos el grupo entrara de nuevo en el escenario y les regalara dos canciones más: “The Red Carpet Day” y “The Revenant Choir” que entre palabras de agradecimiento y satisfacción cantaron y una vez finalizada la actuación regalaron también una autentica lluvia de púas y las baquetas de Yuki.

Y como he dicho antes el concierto de Versailles en París fue elegante, intenso y especial. Elegante por que el grupo hizo una verdadera muestra de su profesionalidad y buenas maneras, animando e interactuando con su publico siempre.

Kamijo pese a no ser escuchado demasiado, no dejo de realizar sus coreografías y estuve pendiente de las primeras filas, intentado ayudar a aquellos que por culpa del insoportable calor que llegaba a hacer se desmayaban. Al igual que Teru y Hizaki, que este último se llevo un buen susto a medio concierto, cuando una chica que estaba delante suyo (en la parte mas interior del recinto) se desmayo quedado completamente inconciente y Hizaki mismo aviso a los de seguridad que terminaron retirándola entre 4, pasado por detrás de Kamijo y Teru, y Hizaki quedo tan espantado que tuvo que sentarse por unos segundos en la plataforma de la batería de Yuki. Y fue Hizaki también quien al finalizar el concierto vio que se desmayaban dos fans más delante de él y sin ningún problema fue el mismo a retirarlas, haciendo que los de seguridad corrieran detrás suyo a ayudarle.

Y en verdad el calor fue un verdadero problema por que pese a que repartieron agua, no fue suficiente y los de seguridad (muy amables y atentos hay que decir) no daban a basto con la cantidad de personas que llegaban a perder el conocimiento, así que más por el calor que por la actuación en si, donde la parte de atrás gritaba “Water” en vez de Versailles, fue intenso “Muy intenso” el concierto, yo misma estuve apunto de desmayarme y fue gracias a las chicas que tenia a mi lado y le magnifico equipo de seguridad, que no fue así “¡Gracias a todos!”

“Espacial” La actuación fue única, ya que los fans no intentaron manosear o tocar a los miembros de Versailles y estos parecían estar encanados y disfrutaron tanto como su público, donde prometieron volver y dieron las gracias en más de una ocasión.

Por lo tanto si tuviera que puntualizar la actuación de Versailles -Philharmonic Quintet- en París del 1 al 10, le pondría un merecido 8 por que a Kamijo no se le escuchaba demasiado. Esperemos que el año que viene los podemos ver de nuevo en la capital francesa y que el líder de Versailles este completamente recuperado de su afonía. Estamos impacientes por ello “¡Au Revoir!”

Setlist

Aristocrat’s Symphony

Shout and Bites

Zombie

Ai to Kanashimi no Nocturne

Pilgrim

Silent Knight

Reminescence

Catharsis

Gekkakou

Amorphous

Serenade

Ascendead Master

God Palace -Method of Inheritance-

Princess

Encore:

The Red Carpet Day

The Revenant Choir

Páginas Web de Versailles:

http://www.myspace.com/versaillesjp

http://versailles.syncl.jp/

http://www.myspace.com/versailles_spain

Página web de Le Trabendo: http://www.trabendo.fr/

Selina

Flaming Sideburns + Ángeles – Gruta 77 (Madrid), 11/08/2010

charly — Mon, 23 Aug 2010 03:08:18 +0000

Llevan rockeando desde 1997 y tras un parón, la banda vuelve a escena, sin duda un enorme placer para todos los que amamos el rock and roll con mayúsculas y al margen de cualquier etiqueta, ya que la banda finlandesa nos hace disfrutar con trallazos musicales donde abarca desde el sonido más sucio y garajero hasta el rock and roll más estoniano.Por todo esto el concierto dado en el gruta era algo que no nos podíamos perder de ninguna manera a pesar de los calores de agosto.

Para abrir la velada pudimos ver al grupo madrileño Angeles que practican un hard rock de buenas melodías y ritmos sucios a partes iguales que hasta el momento no tienen nada grabado pero que en directo son toda una bomba, siendo sus miembros gente curtida en el mundo musical que tienen otros proyectos al margen de esta banda.En la batería nos encontramos con Jotagenial músico que también participa en Grazy Mandingo,69 revoluciones y la banda tributo Gansos y rosas junto a Charly “Bastard” a la guitarra que también está con Gansos y Rosas y los geniales Stereo Junks, (una banda que me permito recomendaros si os gusta el rock and roll potente) y miembros que han estado en los excelentes Star velvet revolution.Hicieron un concierto lleno de intensidad que disfrutamos al máximo, donde las guitarras mandan regalándonos temas propios y versiones como el “Attitude” de los Mistfits o el clásico “My Sharona” que interpretan de manera incendiaria.

Tuvimos que esperar tiempo para ver sobre el escenario a Flaming Sideburns pero valió la espera cada minuto que tardó la banda en salir por la gran fuerza con la que salieron llenos de ganas de comerse el escenario,demostrando su calidad con creces, realizando un set list que daba cabida a todos sus grandes éxitos para no decepcionar a nadie,encadenando tema tras tema y dando poco tiempo para respirar con Speedo Martinez a la voz y ejerciendo como un perfecto maestro de ceremonias que en muchos momentos nos recodaba a Mick Jagger acompañado por una fantástica banda que no le van a la zaga como el guitarrista Peevo De luxe, la última incorporación a la banda con unos riffs verdaderamente incendiarios que se complementa de manera perfecta con Ski, el otro guitarrista que da unas pinceladas más garajeras,e incluso con sonidos más rockabilly, sin olvidarnos de la excelente base rítmica formada por The punisher al bajo y Jay a la batería.

Como decíamos, sonaron todas las canciones que esperábamos como “Blow the roof”,la tremenda “Spanish blood”,la estoniana “Save rock and roll”,una de mis favoritas que no podía faltar para alegría mía junto a otras que respiraban rock and roll y sentimiento por los cuatro costados como “Loose my soul” donde a uno le hacen vender y perder su alma por su adictivo y venenoso rock and roll, “heavy tiger” suena poderosa al igual que el resto que van cayendo como “Street Survivor” o “Flowers”.Una noche fantástica llena de buen rock and roll que esperamos se repita más veces con la vuelta de una de las bandas que nos han dado muchas noches de “High energy rock and roll” y de la que estamos deseando tener disco con nuevas composiciones para saciar nuestra hambre de buen rock and roll.

Texto y fotos: Charly Rock and Roll

Luna Lunera 2010: Nick Lowe & Maika Makovski – Sos del Rey Católico

javijb — Thu, 19 Aug 2010 02:08:47 +0000

El Luna Lunera continuaba y después de que viernes disfrutáramos de los conciertos de The Brew y Marah, sobre todo de los primeros, el sábado la primera encargada de llenar Sos del Rey Católico de música fue la última sensación del Rock en España, Maika Makovski y su banda. A día de hoy muchos coinciden en que es la mejor cantante del país y tras verla en directo, me sumo a esa opinión. Vino a Sos para presentar su tercer y homónimo disco grabado entre Bristol y Bath bajo la supervisión de John Parish y además lo hizo con un nuevo estilo, look y evolución. Con la mirada de quien está muy satisfecha de estar en el punto en el que se encuentran, mirando a las grandas de la Lonja y sonriendo desde el primer momento, con orgullo y agradecimiento a partes iguales.

Yo no la he escuchado decir lo harta que está de que se la compare con PJ Harvey pero se le nota que así es. Es innegable que tiene puntos en común con ella, como el productor sin ir más lejos, pero creo que ambas poseen un estilo propio. Si bien es cierto que Maika aún no ha construido totalmente su castillo artístico puesto que sigue tejiendo su traje musical con retazos de aquí y allá, con este nuevo trabajo sin duda ha alcanzado la cima que llevaba muchos años construyendo. O una de las grandes cimas, al menos. Segura de sí misma y de las nuevas canciones, versó el concierto en su mayor parte en presentarlas. Y de este modo, con “No Blood” y su canto al énfasis, la emocional y distorsionada “Oh M Ah”, la pasional “Lava Love”, la sensible y de corte pop “The Bastard And The Tramp” o la rabiosa y energética “Devil Tricks” nos presentó su cara más blues, alejándose un poco de su pasado más crudo y garagero. A título personal, no puedo evitar confesar que, si por mi fuera, en el próximo disco me gustaría que combinara la faceta actual, más trabajada, sensual y llena de registros, con una más cañera y virulenta, propia de la juventud más primeriza y que ya dejó atrás. Una especie de madurez contenida estaría bien. Pero bueno, por lo pronto me dejaré guiar por su viaje de atmósferas, tal y como hice en el Luna Lunera y por supuesto, seguiré reconociendo su creciente talento.

Aunque la mallorquina dio ligeras pinceladas del Kradiaw y el Kraj So Kóferot, fue sobre el terreno de Maika sobre el que desplegó toda su sutileza vocal, con la que además hizo gala de su versatilidad de registros. Donde también destaca el vaivén es en la variedad de estilos ya que mientras unas canciones son oscuras, e incluso tenebristas en algunos matices, otras invitan a ser coreadas y están plagadas de luz y positivismo. A lo largo de todo el concierto, tal y como ocurre cuando escuchas el disco, se produce una espiral en la que se entremezclan guitarras rockeras con folk lleno de feminidad o instrumentación minimalista. Una formación perfectamente conectada salta de una sordidez vibrante a melodías sencillas y con una estructura claramente definida.

Es innegable que la nueva Maika, más intimista y conceptual, es tremendamente estimulante, pero no puedo evitar echar en falta un poco de bilis satinada como la que vomitaba al versionar “Ace of Spades” de Motörhead y que ya ha dejado a un lado. Es lo que tiene el nuevo comienzo bajo este cielo renovado, claro. En cualquier caso, el concierto fue sobresaliente y Maika Makovski no pudieron ponernos más a tono de lo que lo hicieron. Y sí, dicho así en plural ya que, como la cantante se despidió diciendo “somos Maika Makovski”, ese nombre, más que una sola persona, es un concepto y un sólido grupo capaz de llegar al corazón.

Tras ella y ellos, fue el turno de uno de los principales iconos de la música británica de los últimos tiempos, el maestro Nick Lowe. Hay algunos a los que quizá les sorprenda esta afirmación e incluso otros que se pregunten quién demonios es Nick Lowe. Luego les pones el “Cruel to be Kind” y ya caen pero sí es cierto que, aunque siempre ha gozado del respeto de los cientos de artistas a los que ha influenciado, ha vendido muchísimos discos, aparecido en bandas sonoras, codeado con los grandes (como su gran amigo Elvis Costello con el que desgraciadamente no pudo coincidir para compartir velada en el Luna Lunera) y ser también un reconocido productor, toda su carrera se ha mantenido en un discreto segundo plano, en cuanto al mainstream rock/pop se refiere. Y esto es así a pesar de que hace treinta años se diera a conocer como uno de los adalides de la new wave tras la eclosión del Punk. Pero bueno, una cosa no quita la otra y hay que reconocer que Nick ha tenido una carrera honesta, coherente y llena de calidad musical.

El inglés vino a Sos para repasar toda su carrera en un concierto intimista y lleno de la poesía que sólo un lugar como éste puede rodear un escenario. Vestido como de andar por casa, con su pelo inmaculado perfectamente atusado y la sonrisa de quien está orgulloso de su senectud, apareció él solo y comenzó con su repertorio. Disfruta tanto de su directo en solitario como con una banda detrás que le respalde y, aunque estaban los instrumentos esperando sobre las tablas, se quiso dar el gusto de tocar unos temas únicamente en compañía de su guitarra. Poco después apareció la añeja comitiva de entre bastidores y electrizaron el concierto.

No tardaron en caer grandes temas como “People Change”, “So it goes”, “Long Limbed Girl”, “Heart” o la tremendamente popular “Cruel to be Kind” que todo el público coreó con él. El concierto iba rodado y a Lowe se le notaba muy cómodo sobre el escenario. Con la confianza de la madurez y de quien ha caminado, de una u otra forma, por el new age, el pop rock, el pub rock, el punk rock y el country, fue desgranando lo mejor de tres décadas de impecable trayectoria. Atrás quedaron los tiempos en los que se instaló en Estados Unidos, se casó con Carlene Carter (la hijastra de Johnny Cash), se infló a alcohol y estimulantes y tocó en infinidad de estadios abarrotados junto con Dave Edmunds en Rockpile, en la época en la que eran los teloneros habituales de grupos como Tom Petty, The Cars, Blondie o Bad Company, pero donde a él se le ve realmente feliz es tocando ante una pequeña audiencia con una banda tan sólida como la que le acompaña (en especial ese genio que lleva por teclista y que, cantando a dúo con Nick, protagonizó uno de los momentos más emotivos de la noche). Se le nota que quiere morir tocando y haciendo música, aunque cada vez le cueste más componer, porque ser un vejete no es un impedimento para seguir rockeando, que se lo digan sino a B.B.King. Y al fin y al cabo, Nick Lowe siempre ha transpirado más madurez que el resto de los de su generación. Por eso mismo los Damned, cuando éste produjo su debut en el 77, ya le llamaban abuelo.

A fuerza de baladas, algunas más entrañables, otras más emotivas y otras más animadas, Nick nos repasó toda su carrera con dos bises incluidos y puso la banda sonora perfecta a una noche que, como todas las demás, quedará impregnada en el recuerdo de los muros de Sos. En esta ocasión y a pesar de encontrarnos en la época que nos encontramos, creo que también fue puro pop para gente de ahora, como entonaba Lowe y gracias a canciones inmortales como “(What’s so funny bout) peace, love and understanding” nosotros nos despedimos de un fin de semana lleno de belleza repartida en todos los sentidos. La forma más idónea de redondearlo hubiera sido quedarse un día y una noche más en Sos para poder haber asistido al concierto de Drive-by Truckers pero, desgraciadamente, no pudo ser. Además, dicen que fue impresionante y nos lo creemos. Durante el camino de regreso pudimos hacer unas cuantas paradas en lugares como Foz de Lumbier y Pamplona y mientras degustábamos unos cuantos pinchos en la Estafeta no podíamos parar de repetir “qué ganas de volver al Luna Lunera”. Así que lo dicho, hasta el año que viene.

Texto: Javi JB & Pat Blanco

Fotos: Luna Lunera

Pendejo (12-08-2010 Barcelona) Emotiva lección de distorsión stoner con aromas sudamericanos… y trompeta

locky — Thu, 19 Aug 2010 02:08:08 +0000

FECHA: 12-08-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Rocksound
GRUPO: Pendejo
DURACIÓN: 55 minutos
INVITADOS: Mescaleros y Jolly Roller
PROMOTOR: Stage Promotion

Antes de iniciar esta crónica hay que agradecer a los organizadores de la gira de los holandeses Pendejo, el esfuerzo realizado para traerlos hasta Barcelona en el último instante, después de que ya se hubieran concretado el resto de sus fechas por la geografía hispana. De esta forma, el puñado de incondicionales seguidores que se han ganado por tierras catalanas a raíz del lanzamiento de su disco Cantos A La Vida, tuvimos la oportunidad de disfrutar de su música en directo.

Obviamente, muy mal lo tenían que hacer para defraudar a los asistentes, quienes asumían una posición positiva de antemano. No fue el caso, Pendejo dejaron constancia de su eficiente puesta en escena con El Pastuso haciendo sus decisivas labores de frontman, trompeta en mano, y el resto de la formación imponiendo sus competentes habilidades, Jaap Melman, inundando la sala de robustas líneas de bajo; Argen Rijnen mostrando sus distorsionadas ráfagas guitarreras y Jos Roosen entonándose a medida que transcurría el tiempo hasta dar la sensación de que iba a desmontar la batería en cualquier instante.

Así las cosas, la actuación estuvo protagonizada enteramente por su álbum debut Cantos A La Vida, del que únicamente dejaron fuera “La Ola Negra”. Comenzaron arrasando con “Flotadores”, “Nadadoras”, “Llorón” y la imprescindible “Arrecho Vengo”, suficiente material para subir la euforia de los asistentes y, en plan futbolero, dejar sentenciado “el partido” a su favor.

Si de entrada ya habían conseguido entusiasmar, la presentación por parte de El Pastuso de “El Taxista Limeño”, levantó aún más los ánimos del público, sobre todo, de la colonia sudamericana que se identificaba con mayor profundidad con las letras y los giros lingüísticos territoriales que contienen las canciones, además de las experiencias que narran.

Si bien todos los componentes estuvieron a un nivel magnífico, El Pastuso, por su cometido dentro del escenario, acaparó más la atención, con una pinta que esconde sus raíces holandesas y refleja, con mayor calado, su estancia en el continente americano. Resultó una completa gozada verle tocar la trompeta en el corrosivo entorno de metal/stoner en las que están envueltas las composiciones de Pendejo.

Por otra parte, el concierto tuvo momentos para el lucimiento de todos los implicados. En diversas partes, el bajo de Jaap dominaba la atmósfera incluso por encima de la guitarra. Sin embargo Arjen se desquitó con algunas intervenciones frenéticas, en una en concreto, se quedó prácticamente solo sacando saturados sonidos y erosivos riffs. Por su parte, Jos dejó evidencia de sus habilidades en el último tema antes del bis, golpeando la batería con tal vehemencia que, una vez concluida su intervención, tuvo que salir del local para recuperar aire y afrontar el bis final.

El Pastuso anunció “Eclypse 2000” y explicó que se trata de una droga que el gobierno holandés prohibió. En la parte final instrumental dejó a sus compañeros y desapareció durante unos minutos para regresar con dos incensarios colgados de los hombros de los que surgía una “fragancia” de acorde con el tema que iba a despedir el concierto “Juanita”, dedicado a la reconocida “hierba aromática”.

La actuación no llegó a la hora de duración pero, por intensidad y entrega, fue suficiente para que los seguidores de los holandeses salieran completamente satisfechos con la actuación de una banda que merece una mayor atención por parte de los aficionados que, como nos comentó El Pastuso en una entrevista anterior, tocan “helmetstoner con los cojones del tamaño de Danny De Vito”.

MESCALEROS Y JOLLY ROLLER

Los barceloneses Mescaleros, se encargaron de abrir el evento con su hard rock de orientación clásica y vibrantes guitarras, seguidos de los también catalanes Jolly Roger, con su apuesta por los perfiles stoner de excelentes desarrollos guitarreros, quienes dieron la sensación de ser una banda que tiene sobrados argumentos como para ofrecer interesantes cosas en el futuro.

SET LIST

1. Flotadores
2. Nadadoras
3. Llorón
4. Arrecho Vengo
5. El Taxista Limeño
6. La Ruta
7. Comunicado
8. Tan Tan Tan
9. La Vagancia (No Me Cuesta)
10. Eclypse 2000
BIS
11. Juanita

CRÓNICA: LOCKY PEREZ / FOTOS: RAÚL RANZ

Luna Lunera 2010: The Brew & Marah – Sos del Rey Católico

javijb — Wed, 18 Aug 2010 02:08:41 +0000

No entiendo cómo he podido tardar ocho años en descubrir el Luna Lunera pero sobre todo no asimilo el haber tardado toda mi vida en conocer Sos del Rey Católico y la comarca de las Cinco Villas, en general. Menos mal que al final he puesto remedio y he vivido la experiencia que supone embarcarse en este evento. Este año el cartel que lo conformaba era de auténtico fasto gracias a artistas de la talla de Ben Harper, Imelda May, Elvis Costello, Jakob Dylan y tantos otros. Desgraciadamente, al ser un festival dividido en doce conciertos diseminados por julio y agosto, no hubo más remedio que elegir. Tras una extenuante cavilación, finalmente nos decantamos por el fin de semana del 6 y 7 de agosto. El viernes fue de Marah y The Brew mientras que el sábado correspondió a Nick Lowe y Maika Makovski. Un grupo consagrado, un cantante histórico, una de las bandas emergentes del momento y la cantante española que más está dando que hablar actualmente en el circuito rockero. Un programa exquisito que nos hizo salivar antes, durante y después con el recuerdo. Porque el recuerdo que nos llevamos del Luna Lunera fue inolvidable.

Antes de meterme en harina con las actuaciones intentaré describir brevemente el festival. Enmarcado en una pétrea localidad perdida cerca de los Pirineos, humildemente situada entre Navarra y Aragón y llamada Sos del Rey Católico hay una lonja medieval del siglo XIV. Ese es el foco que lleva iluminando las noches de verano desde el año 2002 para dar cabida a joyas del Rock provenientes de todo el mundo. Bajo unos arcos iluminados, el escenario, y como marco la Iglesia de san Esteban y la torre del Homenaje del Castillo. Y es que hacía ya tres siglos que dichas construcciones se habían erigido cuando nació a unos metros de allí, en el caserón de Sada, el mismísimo Fernando el Católico. Un lugar histórico en el que artistas como los citados han cincelado ya actuaciones enclavadas en la memoria del Rock en España. Y la de las 450 personas que cada noche han gozado del honor de asistir a uno de esos exclusivos conciertos bajo la luna.

Maravillados por lo perfectamente cuidado, restaurado y conservado que está el pueblo, nos fuimos abriendo paso a través de sus angostas callejuelas hasta llegar a la plaza de la Villa. Tras contemplar la exposición de fotografías de artistas dispuesta por todos los muros, a destacar el velludo rostro de la señorita Patti Smith, era la hora de beber cerveza Ambar hasta que la Lonja abriera sus puertas. De hecho, en la terraza ubicada frente al Ayuntamiento, donde durante la Edad Media estuvo el mercado, ya se encontraba el amigo Bielanko de Marah dándole duro al zumo de cebada. Sembrando la simiente que daría lugar a su actuación de esa noche y que en ese momento aún no podíamos imaginar.

Los encargados de abrir la velada del viernes fueron un joven grupo que llevaba mucho tiempo deseando ver, The Brew. Dos chavales y un cincuentón vestidos con atuendos que parecen haber sido sacados del baúl de los recuerdos de Led Zep y una gran sonrisa pintada en las caras. Pues bien, después de asistir a su despliegue de energía, técnica y en definitiva, incendiario directo, aún tengo la boca abierta. No puedo esperar a volver a verles y aunque el factor sorpresa ya está extinto, estoy seguro de que desde este momento seré un asistente fiel de todas sus citas. Me ocurre un poco como con la serie Los Soprano, me gustaría no haberla visto nunca para disfrutar cada vez como la primera vez. Aunque está claro que cada vez que descubres un grupo que te fascina, es algo irrepetible y el hecho de que en esta ocasión fuera en un lugar como Sos, lo hace si cabe aún más especial.

Es sorprendente hasta la ofensa que esa demoledora combinación de blues rock, experimental y hard setentero pueda ser facturada por un par de veinteañeros y el padre de uno de ellos. Es como si hace cuatro años, en un día de aburrimiento en Grimsby, les hubiera dado por ir a improvisar un rato al garage y les hubiera poseído el espíritu de Hendrix. Y es que quien posee un talento como el suyo y no lo explota se traiciona a sí mismo. Gracias a Dios ellos lo exprimen con todas sus fuerzas y por ello no cesan en su empeño por arrasar cada escenario que pisan. Metafóricamente hablando, claro. Acaban de empezar y sería un desperdicio destrozar el backline. Nosotros lo que queríamos era clase, actitud y calidad. Y de eso The Brew nos saciaron de principio a fin.

De lo que no nos sorprendimos fue de la estructura sobre la que construyeron el concierto ya que, al parecer, es la misma que llevan practicando bastante tiempo. Un buen repertorio granado con sus dos únicos discos, desde “Every Gig A Neighbour” a “Post code Hero“, “Hearts Desires” o “A Smile To Lift The Doubt” y una exhibición de maestría por parte de Jason Barwick de los que pocos, muy pocos, pueden hacer gala. Desliza sus dedos por el mástil hasta que parecer emerger fuego de las cuerdas. Y no sólo eso, sino que además se atreve a emular a Jimmy Page tocando la guitarra sirviéndose de un arco de violín y recreando atmósferas hipnóticas. Por su parte, el otro benjamín del grupo, el batera Kurtis Smith, dio paso al bis con un solo de batería espectacular en el que parece entrar en éxtasis percutido. De hecho, si no lo tuviera perfectamente programado, hubiéramos pensado que el lanzamiento de baquetas para empezar a aporrear la batería con sus manos desnudas fue fruto de un fogonazo de locura transitoria. Geniales ambos a pesar de ser un espectáculo un tanto onanístico y un pelín excesivo. Pero bueno, recapitulando, qué duda cabe que estamos ante uno de los grupos de rock and roll del momento. Y ese pequeño revival físico de un Jagger mejorado llamado Jason Barbwick es un auténtico diamante. Tiene el talento y carisma de los grandes y la guinda de “Voodoo Child” de Jimmy Hendrix terminó por bordar en su camisa el adjetivo prodigio. Todos los que nos pusimos en pie aquella noche para aplaudirles emocionados tan sólo deseamos una cosa, que esto sea solo el principio.

Esa noche desgraciadamente hubo una de cal y una de arena. Esperábamos ansiosos el regreso de Marah y nos topamos con una verbena de tomboleros haciendo más payasadas que rock and roll. Y es que una cosa es combinar la cerveza o el whisky, casi un obligado en una buena sesión guitarrera, y otra muy distinta agarrarse una cogorza que haga que a duras penas te puedas mantener en pie. Pues bien, después de unos cuantos tiras y afloja, podemos sentenciar al señor Bielanko (Dave, puesto que Serge ha decidido colgar las botas debido a su reciente paternidad y supongo que a unas cuantas razones más, relacionadas en su mayoría con el clima y arrastre del grupo) ha sucumbido al azote etílico. No es que durante toda su carrera haya paseado por los verdes prados de la abstención, precisamente, pero antes lograba suplir las melopeas sobre el escenario con actitud y un estado de forma musical impecable. Antes los conciertos eran un despliegue rockero de birra, sudor, entusiasmo y poderío en toda regla. Ahora, visto lo visto en el Luna Lunera, no son ni la sombra de lo que fueron. Tan sólo una tropa de bufones ciegos perdidos interpretando buenos temas, y algunos no tanto si nos ceñimos a su renqueante último trabajo, que no fueron dignos de tocar en el sitio en el que tocaron. Eso sí, quizás ingenuamente araño un poco de esperanza a mi ciego deseo y realmente espero que puedan recuperarse de esta caída, que esto simplemente fuera un día pésimo y en un futuro puedan volver a regalarnos música tan buena como la que son (o fueron) capaces de hacer y ejecutar.

Releyendo lo que acabo de escribir parece que el concierto fue poco menos que una tortura y que lo único que hicieron fue limitarse a arrastrarse como babosas por el escenario. Bueno, casi pero no. La verdad es que tuvieron también buenos momentos, incluso alguno genial, y a pesar de la cantidad de morralla que nos hicieron tragar no me aburrí ni un solo instante de las casi dos horas que duró su repertorio. Aunque sí es cierto que gran parte del tiempo cabeceaba incrédulo y preguntaba a los de al lado si ellos sabían qué coño estaban haciendo. También he de reconocer que las asequibles copas de la barra ayudaron a enturbiar un poco las luces y ver con positivismo la jarana de Marah. En frío y en sobriedad, ya es otra cosa. Y si parecieron una banda de bar que a nadie la importa un comino, no nos queda más remedio que recriminárselo. Y más aún cuando nos importan bastante más que un comino y aquello no era un tugurio de barrio, sino la Lonja de Sos.

No sé si es que han perdido la ilusión o simplemente son unos descontrolados. Debería haberles emocionado sacarse la espina de tocar en el Luna Lunera después de que el año pasado un diluvio truncara el concierto. En aquella ocasión sí que supieron estar a la altura de las circunstancias ya que decidieron improvisar un concierto, junto a Vetusta Morla (sic), en los porches de la plaza de la Villa que no creo que olviden nunca todos los que lo presenciaron. El del pasado 6 de agosto nosotros tampoco lo olvidaremos, eso seguro. Vinieron para presentar su nuevo trabajo, Life is a Problem, y después de verles tocar algún tema en directo todavía tengo menos esperanzas de que me acabe entrando. Aunque sí es cierto que hay algún tema de folk rock emocionante no supieron crear el aura necesaria como para que pudiéramos apreciarlo con propiedad. También tocaron algunos de sus temas más conocidos, como “Coughing Up Blood”, “Sooner Or Later” o “The Closer” pero no tiene perdón que se olvidaran de otras como “The Dishwater’s Blues”, si bien es cierto que era Serge Bielanko el que ponía los conciertos patas arriba con su armónica en esa canción.

En cuanto a la ceremonia alcohólica de la chupipandi en la que se ha convertido Marah, pues hubo un poco de todo. Momentos de descoordinación en los que cada uno hacía lo que más le apetecía en ese momento, otros en los que la presencia rockera de Dave era sustituida por un balbuceo inconexo mientras ese extravagante arlequín que tienen por bajista se dedicaba a bailar y hacer aspavientos como si fuera el borracho del pueblo. Ni tan siquiera la colaboración con Barwick de The Brew destiló un poco de emoción, por no decir que aquel embarullamiento no hubo por donde cogerlo. Y la teclista que en su día hacía lo suyo en un discreto segundo plano ahora se ha hecho la dueña y señora de la performance y no para de hacer el ganso. Incluso se atrevió a coger el micrófono para obsequiarnos con una canción hip-popera que no soy capaz de describir. Todo muy freak, en definitiva. Y nosotros que queríamos emocionarnos por momentos y bailotear a ratos finalmente nos quedamos con las ganas. Bueno, puede que si nos agitáramos un poco, pero más por compensar el asunto que por otro motivo. Ah, y no os guíeis por las fotografías, porque son demasiado perfectas como para plasmar lo que fue en realidad. En fin, que la esencia de Marah se ha disipado por completo y mucho nos tememos que no vaya a volver.

Pero bueno, al acabar la jornada del viernes había que celebrar que un concierto había sido sobresaliente y el otro cuanto menos curioso, así que nos fuimos a conocer los guariches del pueblo. Fue pasar por el que había frente a la salida del backstage para ver a Dave sujetando la barra con una cerveza en la mano y la mirada perdida mientras un fan no paraba de decirle cosas al oído que él ignoraba estoicamente. Y así continuó la noche hasta que, con una gran sonrisa, todos perdimos la conciencia.

Texto: Javi JB & Pat Blanco

Fotos: Luna Lunera

Enrique Morente – Veranos de la Villa, Jardines de Sabatini (Madrid) 13/08/2010 – Querencia, quejío y maestría en los jardines de Palacio

vinitials — Wed, 18 Aug 2010 02:08:35 +0000

Enrique Morente conmueve, por su cante, su gusto por rodearse de jóvenes, de involucrarse en proyectos variados con músicos de otros géneros, por respetar la tradición y por renovar el género flamenco. Y todo con mano maestra, con el buen tino del artista hecho a sí mismo, con un don especial y un fraseo espectacular. Porque Morente logra transmitir la esencia del flamenco, esa esencia que no se ve pero se siente, se escucha y se respira.

En directo se rodea de una numerosa ‘troupe’ de lujo. Un elenco de nueve personas (palmeros, cantaores, guitarras, cajón y percusiones, teclista y bailaores) de primer nivel. Entre los cantaores dos grandes como Ángel Gabarre y Antonio Carbonell, junto a su hijo el joven Enrique Morente, del que aventuro un gran provenir porque su registro y su destreza vocal no hacen más que ganar con los años (le vi hace cuatro años y ya era un portento). A las guitarras un maestro como David Cerrezuela, demostrando una clase y elegancia descomunales, mimando a la guitarra, extrayendo toda clase de arpegios y luciendo el sonido de las seis cuerdas. Junto a él y como segundas guitarras su hijo Israel y Monty Melón. Bandolero al cajón y las percusiones. Y como palmeros y al baile Pedro Gabarre e Isaac de los Reyes, formidables y con dos maneras de entender el baile, una más vistosa y robusta, con más lucimiento y otra pura pasión.

Ni tan siquiera el aire logró enfriar semejante muestra de poderío, a pesar de que a veces se acoplaba el viento en la microfonía. Un lugar real donde la nobleza se rindió ante la música del pueblo, que conquistó a todos por igual. Y eso a pesar de los precios cada vez menos populares. Morente ofreció su particular visión del flamenco, a base de de soleares, martinetes, tangos, bulerías, nanas, alegrías, fandangos, malagueñas y otros ramos del género. Y conquista desde ese primer momento en el que en corro se junta con sus nueve compadres ante un micrófono y en el que se ‘desnudan’ ante el público a capella y con palmas. Muestra de que aquí no hay trampa, sino entrega y devoción por tocar en público, y una manera de darse al natural.

Un repertorio exquisito que revivía la memoria de Pablo Picasso con “Autorretrato”, que contiene la letra de Pericón de Cádiz (con su hijo entre el público, así como el hijo del barbero de Picasso), así como un homenaje a Nelson Mandela y a África, recuperando ‘El pequeño reloj’ (2003), ‘Sueña la Alhambra’ (2005) (magnífico ese inicio con “Martinete”) y ‘Pablo de Málaga’ (2008). Momentos sentidos, con Morente como capitán del barco. Una mesa que sirve para que los cantaores la utilicen como instrumentos percusivo. Y unos versos que calan hondo “Quiero morir siendo amanecer / quiero morir sin pensar en el ayer”. Y para rematar el espectáculo de nuevo toda la ‘troupe’ en corrillo de pie, como cerrando la cuadratura del círculo, en familia y en armonía, en un amplio agradecimiento al público presente. La música del pueblo en los jardines de Palacio, porque el flamenco tiene un reinado popular. Hora y media del flamenco en su grandeza.

Texto: Andrés Castaño

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Slackers + Upsttemians – Sala Gruta 77 (Madrid) – 06/08/2010

pauleras — Tue, 17 Aug 2010 02:08:40 +0000

Quién diría que con el mes de Agosto recién entrado El Gruta presentaría el cartel de no hay localidades para ver a los neoyorquinos Slackers, acompañados de la cada vez más consolidada formación madrileña Upsttemians. No sé si será por la crisis- cuidado, creo que ya se puede hablar de ella abiertamente- pero no esperaba tanta gente este día. El gruta- o La Gruta-es una gran sala con un sonido magnífico cuando se pone pero hay que reconocer que en ocasiones carece de aforo para determinados conciertos, lo que genera unos grandes problemas de visión y de agobio que hacen que a veces tengas ganas de que acabe el bolo cuanto antes.

Para preparar el ambiente abrieron la función Upsttemians, en el que destaca un nuevo cambio de formación; dejando el grupo el trombonista y fichando un nuevo viento procedente de un lozano grupo en construcción llamado Back in Band, y del que esperemos que en poco tiempo estén reventando los escenarios con su early reggae. El instrumento en cuestión es una especie de tuba, sin llegar a serlo, que está a medio camino entre una trompeta y un trombón con un sonido muy fino y agradable para los oídos.

Los de Majadahonda siguen dándolo todo en el escenario, apoyados por un público cada vez más numeroso y que no para de corear todas las canciones. Con su repertorio actual, combinan temas de sus dos primeros compactos (Summer, So Easy, I need you baby) con temas nuevos, cada vez más reggaes, como el precioso skinhead reggae en castellano Si Tú Lo Quieres, Much Louder o Don’t Worry y que esperemos vean pronto la luz, y grandes versiones de Alton Ellis- Here I Stand-,The Blues Busters -soon you’ll be gone-, Justin Hinds- Here I Stand con un bonito solo de saxo de Perfidia- y su petardazo final con Reggae from the Ghetto de John Holt.

Turno de los maestros yanquis, The Slackers. Tras casi 15 años por los escenarios y algún que otro cambio de formación, estos tíos son increíbles, demostrando a la perfección como se pueden combinar las raíces más jamaiquinas con las raíces más americanas del blues, soul, big bands e incluso country.

Su repertorio fue totalmente diferente al de otras ocasiones, haciendo un repaso a toda su abultada discografía, desde canciones como Sarah de su primer lp Better late than ever (1996), pasando a Redlight(1997) con clásicos como Watch This (que llegó a ser un temazo muy radiado en las emisoras norteamericanas) y Still Love You,; y, lo que para mí fue la gran sorpresa del concierto , Manuel, de su lp The Question(1998) y la que hacía años que no sonaba sobre el escenario-¡pues no les habré gritado veces que la tocaran!-.

Con un homenaje a los chopitos-Ruggiero sabrá porque lo decía-siguieron descargando sus viejos clásicos como Wasted Days y Walking on de su cuarto trabajo Wasted Days (2000), Bin Waitin del Close My Eyes (2003),y canciones más actuales de sus dos últimas grabaciones como If You See My Baby y What Went Wrong (recuperada de su disco Peculiar, 2006) y unos cuantos temas de su último disco titulado The Great Rocksteady Swindle y motivo de su gira estatal, como How It Feels, gran homenaje al soul más bailable con Thank You, The Same Everyday y el colofón final de su actuación con A Long Way Off con el trombonista Glen Pine a la voz.

Es lo que tienen estos chicos, aparte de su amalgama musical e instrumental –la guitarra de bajos tocada por el bigotón Marcus Geard era un placer escucharla- también saben cantar, y cuando no canta Ruggiero El Grande lo hace el trombonista y si no, pues el magnífico saxofonista David Hillyard, que, por cierto, también tocó en los primeros Hepcat..

Con este magnífico jolgorio se llegó el tercer tiempo, mítico ya en El Gruta. Larga vida a Slackers. Do The Reggae, Do The Ska! Nos vemos en el Rototom 2010.

Tío Pauleras

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Regardless of Me + Port Jackson + Secret Signs – Sala Excalibur, 06/08/2010

charly — Sun, 15 Aug 2010 02:08:32 +0000

Nada mejor que combatir el aburrimiento y el tedio producido por el calor en un mes como agosto en Madrid, que disfrutar de una buena noche de metal y rock de buena calidad como la que vimos en la sala Excalibur, así que armados de nuestra cámara de fotos nos dirigimos a disfrutar de una velada bajo el título de “Queens of the night”, y es que esa noche el aspecto vocal estaba cubierto por tres chicas con diferentes estilos y que se desenvolvían fantásticamente sobre un escenario en todos los aspectos.

Los primeros en salir a escena fueron Secret Signs , grupo madrileño de metal gótico que recuerda al estilo de los también madrileños Crownless .Salieron dispuestos a darlo todo para presentar su primer disco..Riffs potentes, dramatismo y fantasía épica en sus letras acompañados de la bellísima voz de la cantante, dan un resultado más que aceptable en sus actuaciones. Tengo que reconocer que aunque no soy muy amante de este estilo musical me dejaron con muy buen sabor de boca y me convencieron plenamente con temas como “Words” o “Through the Stars”

Port Jackson fueron los que más me convencieron con su hard rock ochenteno cargado de energía, y es que desde el comienzo se dejan la piel sobre el escenario. Una banda madrileña que cuenta con miembros veteranos y curtidos en el duro mundo del rock and roll que no han tenido el éxito merecido acorde con su calidad como Sebastián Arroyo de los míticos Hiroshima,una fantástica banda que en los años ochenta nos hacía disfrutar a ritmo de buen hard rock, y Fran Zafra de los geniales Menphis, comenzando su andadura en 2004.Desde entonces no han parado de girar dándonos muchas alegrías a todos los amantes del hard rock de toda la vida. Sería imperdonable no mencionar a Rose la nueva vocalista, que ha sabido adaptarse a las mil maravillas al estilo del grupo, con su voz cargada de energía y matices a pesar de no grabar el primer disco de la banda, y coger las riendas del aspecto vocal siendo en directo una verdadera bestia sobre el escenario y por supuesto la excelente base rítmica, formada por la batería de Kelo y Sebatian al bajo que se combinan a la perfección dotando a las canciones de una gran fuerza. Hard rock, frescura, potencia, melodía y composiciones excelentes como “Mind Revolution”, “Coming for blood” o “Forgive and forget” donde nos estalla y desborda el sentimiento y la fuerza.

A continuación tendríamos a los italianos Regardless of me que se marcaron una actuación potente, llena de metal resultante de sonidos extremos y buenas melodías, destacando el juego que dan las voces de la preciosa Pamela con la más oscura y desgarradora del guitarrista Emiliano ,algo que sin duda hace atractivo al grupo y a sus composiciones. Dieron tralla a raudales con temas de su primer trabajo como “Never Losse myself”con ese arranque extremecedor y oscuro que da paso a momentos de claridad a cargo de la cristalina voz de Pamela, la salvaje “Bitter end” que es de las que más me gusta o la más melódica “The way you are”. Sin duda una buena banda a descubrir que desconocía y que tras su descarga en Madrid me ha animado a conocerles, que me permito recomendarte si te gustan los sonidos potentes de metal donde tienen cabida melodías y pinceladas góticas. Con los italianos llegó el final a una estupenda noche de la que me quedo sin dudarlo con Port Jackson sin querer con esto desmerecer la gran calidad de las otras dos bandas pero es que el buen hard rock es una de mis debilidades.

Texto y fotos: Charly Rock and roll

Motörhead (Vigo) – 3/08/10

javieramosa — Fri, 06 Aug 2010 03:08:27 +0000

El motor de los rockeros Motörhead no rugió tanto como esperaba en el Pabellón de As Travesas de Vigo. El sitio pequeño, sin apenas ventilación y con una acústica que deja bastante que desear, no fue una buena elección para los cerca de 130 dbs de sonido que se trae la banda británica, con uno de los directos más potentes hoy en día.

El escenario me pareció muy pobre, nada espectacular para un grupo de este calibre. Apenas se apreciaba el único motivo referente a la banda, el escudo de la portada de su último trabajo, sobre un telón negro de fondo. Esto nos lleva a mencionar la pésima iluminación durante el espectáculo. Sólo el batería estuvo decentemente iluminado y el juego de luces fue inexistente.

Con estas condiciones sólo cabía un buen sonido y las ganas de Motörhead, pero tampoco se vieron. Como he comentado, el lugar registra unas malas condiciones acústicas y eso fue lo que nuevamente escuchamos. Sucio si, pero demasiado, incluso cuando Lemmy se dirigía al público costaba entenderlo. Y su voz, potente y carismática, no se elevaba por encima de la instrumentación como debería.

La última vez que pisaron Galicia, hace 8 años, tocaron también en un recinto cerrado (El Multiusos de Sar, en Santiago de Compostela), otro de esos lugares que deberían estar prohibidos para acoger conciertos por su deplorable acústica. Y la historia se repite.

Aparecieron bastante puntuales y con Lemmy Kilmister ataviado con su habitual conjunto de sombrero vaquero y botas. El color negro los inundaba, como a la mayoría del público, que se dividía entre los veteranos que han seguido durante décadas a la banda y los jóvenes que venían dispuestos a botar y vibrar con uno de esos nombres que han hecho historia en la música y que conviene ver alguna vez en la vida. No llenaron, el grueso se congregó en la pista pero las gradas estaban semivacías.

Los primeros acordes fueron para “Iron Fist” de su álbum homónimo de 1982, y poco después para “Stay Clean” del disco “Overkill” (1979) o “Be My Baby” del más reciente “Kiss of Death” (2006). El arranque fue bueno, pero después bajaron el ritmo. Rescataron además “Over The Top” y de su nuevo trabajo “Motorizer” (2009) se escucharon, entre otras, “Rock Out” y “The Thousand Names Of God”.

Letras sobre sexo, drogas, rock and roll y carretera son su principal base, y como tal demostraron que esa es su filosofía de vida con las exigencias a la promotora del concierto, Articket. Bombonas de oxígeno, alcoholes varios desde cerveza a Jack Daniels (el suero de Lemmy), tabaco o hielo en cantidades ingentes. No parece preocuparles el colesterol porque durante varios días en Vigo, su dieta se basaba en desayuno inglés completo, pizzas, dulces de todo tipo y bebidas de cola y energéticas. Vivir como les gusta y cantar lo que les gusta.

Cuando se rozaba la hora de concierto, un solo del batería hizo ver que si existían luces suficientes para jugar y para hacer algo más vistoso el show de los curtidos británicos. A continuación, el hombre de las patillas preguntó si queríamos rock and roll y como tal presentó el tema “Killed By Death” (aparece en el álbum recopilatorio “No Remorse” (1984) junto a otras canciones inéditas), aprovechando para advertir que Motörhead son un grupo de rock and roll. Se abre el eterno debate: metal? como se le ha considerado desde muchos espacios y públicos, o rock?, como se empeña en subrayar su líder y único miembro permanente desde sus inicios en 1975. Yo estoy con Lemmy.

Esa parte, enlazada con “Born To Raise Hell”, canción escrita por Kilmister para la banda germana “Skew Siskin” fue sin duda de lo mejor, y el público empezó a encender motores. Tema que por cierto pertenece a la banda sonora de la película americana “Airheads”, donde Lemmy hace incluso un cameo. Con esto llegaban al final, para regresar en el bis con su potente “Ace of Spades” y “Overkill”. Delirio absoluto de la masa entre púas y baquetas voladoras.

Y como en tantas ocasiones, el broche lo puso el señor Lemmy disparándonos uno a uno con su bajo a modo de metralleta y con su cara de malote. Prefería haberme quedado muerta de impresión, pero lejos de eso, su show esta vez me pareció bastante decepcionante. Y noventa minutos escasos. Mucho ruido y pocas nueces.

Texto: Nadia Corbeira / Fotos: Javier Amosa

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Concierto de GACKT en Barcelona

selina — Fri, 06 Aug 2010 02:08:09 +0000

Como ya habíamos informado anteriormente el pasado día 20 de Julio se celebró en Barcelona el primer concierto en España del famoso y reconocido solista GACKT, esta actuación fue una de las cinco que el cantante tenía programadas dentro de su gira “GACKT en Europa 2010 -ATTACK OF THE YELLOW FRIED CHICKENz- TOUR”

Y gracias a la promotora RocknRock el sueño de 800 fans se cumplió ya que esta era la primera gira mundial que realizaba GACKT y como comunicamos anteriormente las entradas en la sala Salamandra se agotaron antes de pasar 24 horas desde su puesta en venta.

La puesta en escena del cantante y todo el Gackt Job solo se puede describir con la palabra “IMPRESIONANTE” con mayúsculas, por que solo fue salir al escenario, todo el recinto de Salamandra 1 tembló y no dejó de hacerlo durante la hora y media larga que duró la actuación, GACKT supo dar a todos sus seguidores lo que querían y estos no dejaron de gritar, saltar y cantar todas las canciones que interpretaban hasta llegar a un autentico desenfreno colectivo.

Ya el día 16 de Julio llegaron los primeros seguidores a las puertas de Salamandra, para realizar la cola de entrada al recinto, ellos mismos y con la autorización de la sala repartieron números para que nadie se pudiera colar durante los días que quedaban para que se celebrara el concierto. Y mientras pasaban las largas horas y noches en vela, no sucedió ningún problema, todo lo contrario, los diferentes seguidores se ayudaron entre ellos y cuidaron unos de otros formando un grupo bien diverso y variado ya que en entre ellos se encontraban personas de todas las partes del mundo: Venezuela, Italia, Hong Kong, Escocia, Japón, Reino Unido.. Junto a fans de todos los rincones de España.

Los seguidores de GACKT aguantaron con paciencia y buen humor hasta el día 20 y cuando este finalmente llegó, la cola de entrada paso de ser de unas 50 personas a ser más de 100, y al aparecer los Gackt Job en su autobús rojo, sin ninguna duda, todos los fans ya se encontraban en la puerta de Salamandra 1 por que las ovaciones y gritos de felicidad estallaron formado un verdadero escándalo nunca visto antes en el recinto. Poco tiempo después, y tras que algunos seguidores consiguieran las firma y alguna foto de Chirolyn el bajo del grupo (ya este que había salido del recinto para fumarse un cigarro) la hora esperada llego y las puerta de la Sala Salamandra al fin se abrieron para dejar entrar a los primeros fans en pequeños grupos de unas 15 personas para que no sucediera ningún altercado y una hora más tarde y después de muchos gritos por parte de los presentes “¡¡¡Gackt, Gackt, Gackt!!!” el concierto comenzó apareciendo una voz en off que en inglés que informó que no se podía grabar o fotografiar la actuación, que apagaran todos sus móviles y que si no lo hacían apagarían las luces de emergencia y obligarían a todos a practicarse el harakiri, entre alguna que otra palabrota pero siempre con buen humor.

Entonces los Gackt Job salieron al escenario y con los primeros acordes del tema “斬～Zan～” entro GACKT que con katana en mano consiguió enloquecer a toda la sala en una verdadera explosión colectiva, ya que los fans empezaron a gritar, cantar y saltar completamente entregados, luego siguió con la canción “Dybbuk” mientras provocaba a los presentes tocándose a si mismo de forma sexy o mostrando parte de su torso. Continuó con “Nine Spiral” y luego con “Speed Master” y el autentico caos se desplegó con “Lu:na” y aun fue mayor el escándalo cuando GACKT se saco la corbata y la lanzo al público (También lo hizo Chachamaru) y acto seguido se abrió la camisa de un tirón donde volaron todo los botones, al mismo tiempo que los gritos histéricos y vítores alzaban con un huracán y luego al regalar la camisa a sus fans provocó una verdadera batalla campal donde la camisa quedo completamente desfragmentada en un sin fin de trozos.

Y hay que comentar que GACKT no dejó de animar y excitar a su público durante todo el concierto, gritándoles en ingles cosas como: “sisters!” y “brothers!” “You are my family!” Varias veces, “fuck me!” muchas veces más y “Let me feel your fucking souls” entre otros, acción que solo conseguía encender más y más los fans que no dejaron de chillar, saltar y cantar sin descanso alguno.

El espectáculo continuo con “Kimi ga matteiru kara” tema más lento que hizo levantar algunos brazos y donde GACKT compartió la canción acercado el micro al publico para que cantaran con él, después le siguió “MIND FOREST” pero en una versión completamente en ingles, aun así el cambió no impidió que los presentes la entonaran contentos, generalmente en japonés.

Luego con la canción “EVER”, tema que su single a salido a la venta el pasado 28 de Julio, sorprendió a todos y consiguió que volvieran a perder el juicio por culpa de los movimientos insinuantes que realizaba al mover sus desnudos pezones al ritmo de la base musical y además no dejo de incitarlos a cantar y pese a ser una canción que para entonces aun no había sido lanzada, todos pararían conocerla por que sus voces se escucharon por todo el recinto enérgicamente “Justified” fue el tema siguiente y luego “JESUS” Y después de este se realizo una pequeña pausa donde los fans continuaron gritando “¡Vanilla!” “¡Vanilla!” “¡Vanilla!” canción que ya antes había sido solicitada durante las pausas anteriores, y se convierto en el tema estrella de la noche, pese a que no llego a ser cantada realmente, solo se escucho en un momento cuando el publico de forma espontánea empezó a entonarla, sorprendido al Gackt Job.

Tras el paréntesis GACKT empezó a cantar en solitario el tema “Flower” y luego el grupo se le unió sin hacer caso a las voces que seguían pidiendo “Vanilla” pero antes de llegar al estribillo de la canción, ya toda la sala la estaba cantando, continuaron la actuación con un tema más lento “Kagero” donde el cantante hizo una verdadera muestra de su potente voz, maravillando a todos donde los gritos de “¡Gackt!” se escucharon de nuevo. Y entonces tras esta última canción dieron por finalizado el concierto, dejando a los fans con ganas de más y estos no tardaron en alzarse entre gritos de “¡Encore!” “¡Encore!” “¡Encore!” Que significa otra en japonés, luego cambiaron a “Gackt” de nuevo o ha “Vanilla” y alguno que otro “¡Oe, oe, oe, oe oe oeee!” consiguiendo que el grupo saliera de nuevo al escenario y tocaran el tema “Uncontrol” con una puesta en escena impresiónate hizo que todos los fans cantaran, gritar y movieran sus cabezas sin control alguno, y al terminar la canción GACKT saltó y dado una patada de karate en el aire se dio por finalizada la actuación.

Como ya he dicho antes el concierto solo se puede describir como “IMPRESIÓNATE”, “UNICO” y algunos fans de GACKT dirían que hasta “HISTORICO” con letras mayúsculas. La puesta en escena de todo el Gackt Job es realmente buena, el cantante tiene una voz magnifica y sabe sacarle el mayor partido posible y además no se detuvo ni un momento desde que salió al escenario, en más de una ocasión parecía que iba a desfallecer por el calor que hacia en el recinto, pero aguanto hasta el final, haciendo que el publico interactuará con él, gritándoles “fuck me!” y “sisters!” y “brothers!” entre otras muchas cosas y el final prometió que volvería y cantaría Vanilla y que también dijo que aunque todos éramos diferentes, éramos una familia y que el siempre estaría con nosotros… Por supuesto la reacción a sus palabras estallo como una bomba haciendo que Salamandra 1 resonara por culpa de los gritos de jubilo y vítores hasta parecer que se quedaba pequeña.

Y fue entonces cuando el público volvió a entonar ese cántico más típico del futbol “¡Oe, oe, oe, oe oe oeee!” consiguiendo que el grupo pusiera cara de interrogante como preguntando “¡¿Qué están diciendo?!” sin comprender nada de nada y hasta Chacha llego a confundirlo con el típico español “Ole” y se unió a los fans entonado eso “¡Ole!” acción que causo mucha gracia a los presentes, que llegaron a gritarle algún “¡torero!” y luego le entregaron un abanico cosa que Chachamaru agradeció con una radiante sonrisa y un corazón formado con sus manos.

Por que hay que decir que el calor seguía estado presente y el Gackt Job no tuvo la suerte de ser mojado por el magnifica equipo de seguridad de la Sala Salamandra que estuvo todo el concierto pendiente del los presentes y no dejaron de dar botellas de agua desde que comenzó la actuación y a medio concierto simplemente optaron por mojar al publico arrojando agua que empapo a las primeras filas y muchas de las personas que estuvieron en el concierto me pidieron que diera gracias a la seguridad de Salamadra por su gran profesionalidad, así que de parte de todos ellos “¡ Muchas Gracias!”

Y después de las promesas de GACKT y un “¡Os quiero!” en castellano que fue el broche final causado las lágrimas de más de una fangirl, el primer concierto del Gackt Job en España finalizo con la sensación de que fue muy corto pero no por ello menos intenso y esperamos y deseamos de corazón que el cantante cumpla su promesa “¡Te esperamos GACKT!”

Setlist:

01. Intro

02. Zan

03. Dybbuk

04. Nine Spiral

05. Speed Master

06. Lu:na

07. Kimi ga Matteiru kara

08. Mind Forest

09. EVER

10. Justified

11. JESUS

12. Flower

13. Kagerou

Encore:

14. Uncontrol Remix

Página Web de ROCKNROCK: http://www.rocknrock.com/

Página Web de Salamandra: http://www.salamandra.cat/

Páginas Web de Gackt: http://gackt.com/

http://www.myspace.com/gackt

http://www.crownrecord.co.jp/

Selina

Crónica del festival High Voltage (2ª parte)

musicopolis — Thu, 05 Aug 2010 11:08:40 +0000

Las actuaciones – Sábado, 24 julio 2010

Pendragon (13:20)

Centrándonos ya en las actuaciones, comencemos por los pocos que pudimos ver. Insisto que de los 41 grupos que tocaron -si no me fallan las cuentas-, asistimos a unos 20. Y como antes os decíamos: algunos no de forma completa. En el caso de Pendragon, fue un debut insuperable. Muy buenos otra vez. Les he visto con ésta tres veces en los últimos años y puedo asegurar que han reencaminado su carrera hasta el punto de que si les sale otro álbum como ‘Pure‘ y siguen tan fuertes en directo, serán una referencia internacional. Una pena que no sean reconocidos como merecen. Llegamos algo tarde a verles por el tema del problema en los accesos que os comentamos anteriormente, así que vimos la parte final. Muy bien ‘Indigo’, ‘The Freak Show‘ y tremendo final con ‘Masters of Illusion‘. Increíble ver el manejo de Barrett en las guitarras y con el público, así como la maestría de Nolan con los teclados. Es un genio. Lo único negativo, el sonido: algo distorsionado, notándose que aún eran de los primeros, tras abrir el escenario Prog los Touchstone a mediodía.

(Setlist: Indigo, Eraserhead, The Freak Show, Masters Of Illusion)

Focus (14:25)

Sin tiempo para pensar en lo bueno que fueron Pendragon, tuvimos la suerte de ver a los históricos Focus. Los holandeses, comandados por el grandísimo Thijs van Leer -en todos los sentidos lo de grande-, se salieron. Tuvieron un pequeño bache a la mitad del set list, algo que vi como ‘pecado’ que cometieron por lo general todas las bandas del festival. Pero el final de nuevo fue mágico, con ‘Hocus Pocus‘ haciendo a la gente vibrar tras ser también un hit durante el Mundial gracias al anuncio de una conocida firma de ropa deportiva. Muy bueno su nuevo guitarrista, Niels van der Steenhoven, que está desde 2006. Aunque por supuesto que faltaba la esencia especial que sabe dar Jan Akkerman a la música de Focus. Llamó la atención que siendo actualmente la banda de Van Leer y no de Akkerman, el setlist estuviera más dedicado a temas guitarreros que a los de teclados y flauta. Cosas que pasan…

(Setlist: 1. Focus III 2. Answers? Questions! Questions? Answers! 3. Focus II 4. House of the King 5. Eruption 6. Sylvia 7. Hocus Pocus / Encore: 8. Neurotika)

The Answer (15:05)

Esto de ser un festival masificado de bandas es lo que tiene… que ver a Focus conllevaba perderse casi todo el concierto de los norirlandeses The Answer. No había elección: a los míticos holandeses jamás les había visto y mereció la pena, aunque se hicieran cortos sus 40 minutos, y a The Answer les había visto dos veces antes: como teloneros de AC/DC y en Madrid, en una actuación memorable en la sala Joy. Como siempre, rompieron con sus grandes hits a pesar de su corta carrera discográfica. Están empezando, sí, pero con fuerza. Me encanta su mezcla de rock setentero con toques de blues y hard rock y en especial la soltura y el descaro de sus integrantes. Genial en especial fue Cormac Neeson, un gamberro sobre el escenario y un tipo muy divertido y auténtico fuera de él.

Bigelf (15:40)

También vimos ya empezados a estos genios que, insisto, van a ser el futuro del rock progresivo junto a Pain of Salvation, Opeth, Dream Theater y alguna banda más de su generación, aunque algo más joven en este caso. Los angelinos comandados por Damon Fox se comieron el escenario y no dejaron nada de tregua al público. Su progresivo setentero mezclado con psicodelia, blues y soul no tiene desperdicio. Los teclados sonaron hipnotizadores y Ace Mark (guitarra), Duffy Snowhill (bajo) y Froth (drums) volvieron a estar tan enormes como en las dos anteriores veces que les había visto en los últimos meses. Ace es otro crack sin discusión: pocas personas tocan en un directo como él, sin extravagancias ni solos de guitar-hero. ‘Money, It’s Pure Evil’, ‘Dissappear’ y alguna más de sus mejores canciones sonaron tan brutales que fueron de los grupos de segunda línea más aplaudidos. Para mi gusto, la sorpresa del festival. Los mejores.

(Setlist: The Evils of Rock & Roll, Neuropsychopathic Eye, Frustration, Blackball, Disappear, Hydra, Money, It’s Pure Evil+Money Machine)

Gary Moore (16:15)

El mítico Gary Moore tocaba en el escenario principal, nuestro segundo paso por esos lares. El irlandés estuvo correcto sin más, con el único mérito de rescatar temas de los 80, como había prometido, como ‘Out in the Fields’, ‘Over the Hills and Far Away’ o ‘Empty Rooms’. Se despidió con ‘Walking by Myself’, quizás dando o mejor de sí. Pero al parecer actuó mosqueado por los horarios que le impuso la organización y se notó: más soso de lo habitual, hierático y frío. Quizás, la decepción del festival, sin duda.

(Setlist: Over the Hills and Far Away, Thunder Rising, Days Of Heroes, Where are you now, Empty Rooms, Old Wild One, Out in the Fields, Walking by Myself)

Dweezil Zappa (17:00)

Me sorprendió la banda del hijísimo de Frank Zappa. Un nivel grandísimo el mostrado sobre el escenario, con temas bien escogidos, propios de un festival, pegadizos, rockeros y muy adecuados para tocar con todos sus instrumentos. Y es que impresionaban sus 8 integrantes: 2 percusionistas-baterías, 2 guitarristas -uno de ellos, Zappa- 2 teclistas, un bajista y un cantante-corista-multiinstrumentista. Gustaron mucho y fueron bastante seguidos, aunque tuvieran de rival, a la misma hora, bastantes retos musicales en los otros escenarios.

(Setlist: Florentine Pogen, Cosmik Debris, Inca Roads, Big Swifty, Easy Meat, Latex Solar Beef, Apostrophe, Keep It Greasy, Peaches En Regalia)

Foreigner (17:45)

Aunque nos perdiéremos a los metaleros Saxon, había que ver a estos mitos vivientes del soft rock, previo paso por el avituallamiento de víveres y bebida, puesto que el calor era brutal durante las horas de sol. Eso nos hizo perdernos casi toda su actuación, ya que ya había comenzado. Pudimos ver a los supervivientes de esta aventura ochentera, comandados por un Kelly Hansen muy en forma y que actuó de buen frontman. Lo mejor, la sorpresa final con ‘I Want To Know What Love Is’, cierre de la actuación y que contó con la presencia de un coro infantil de unos 30 miembros, con un sonido espectacular. Broche de oro y gesto de Foreigner que encantó al público, olvidando que no se tocó la ‘otra’ mejor canción de Foreigner, para mi gusto, ‘Waiting for a Girl Like You’.

(Setlist: Double Vision, Head Games, Cold as Ice, Can’t Slow Down, Starrider, Feels Like the First Time, Urgent, Juke Box Hero / Encore: I Want To Know What Love Is)

Saxon (18:15)

Era la hora crítica. Lo peor del festival, casi, porque había que elegir entre muchos grupos. Ir a ver a Foreigner nos supuso perdernos a Saxon, a quien vimos en una canción. Lo peor fue conocer después el setlist. Para llorar, porque fue tremendo…

(Setlist: 1. Heavy Metal Thunder 2. Dogs Of War 3. Motorcycle Man 4. Live To Rock 5. 747 (Strangers In The Night) 6. To Hell And Back Again 7. Princess Of The Night 8. Crusader 9. Wheels Of Steel 10. Denim And Leather 11. 20000 Feet)

Asia (18:30)

Otra decepción… entre unos y otros grupos apenas pudimos disfrutar de Howe, Wetton, Downes y Palmer. Había que asistir sin falta al histórico concierto de Heaven & Hell, el tributo a Dio que supondría también el final de este proyecto musical que rescataba a los Black Sabbath de los años 80. Tenía esperanzas de escuchar ‘Heat Of The Moment’ antes de tener que irnos, pero fue el cierre, así que me quedé con las ganas. Asia sonaron muy bien y se pudo ver cómo Downes y Howe estaban protagonizando la noche. Una lástima, aunque en 2008 ya pude disfrutar de su directo y fue un consuelo.

(Setlist: Only Time Will Tell, Wildest Dreams, One Step Closer, An Extraordinary Life, Time Again, Cutting It Fine, Without You, I Believe, Here Comes The Feeling, Sole Survivor, Heat Of The Moment)

Heaven & Hell (19:20)

Sin ser cabezas de cartel oficialmente, todos sabíamos que era el plato fuerte de la jornada del sábado y un momento especialmente memorable. Era la despedida musical a Dio. Debo de reconocer que fue algo frío por momentos, distante y nada para el recuerdo. No se grabó, por cierto, y los asistentes que algún día podremos decir que vimos su final sobre el escenario, deberemos reconocer que fue más emotivo que otra cosa. Un greatest hits bien capitaneados por un Jorn Lande imitando la voz de Dio y sus complejos registros -todo lo bien que podía hacerlo- y un Glenn Hughes correcto, pero sin excesos, para tocar algún tema de su etapa en Sabbath. El setlist bueno en términos generales y con un Iommy estelar. Hubo alguna que otra dedicatoria para Ronnie, pocas para mi gusto, quizás porque no querían que fuese una melosa actuación, sino un homenaje de rock contundente para el malogrado vocalista. Yo estuve emocionado y qué queréis que os diga… no soy supersticioso ni creo firmemente en el más allá. Pero cada vez que pedían vivas para Ronnie soplaba un viento que me erizaba el vello y me ponía la piel de gallina. Como si Dio estuviera por allí, devolviéndonos los gritos al viento. Cuando Wendy, su esposa, leyó un comunicado al final, temblorosa, emocionada y sin voz por las lágrimas, las aproximadamente 30.000 almas allí presentes compartimos su sentimiento de tristeza y al mismo tiempo de agradecimiento. Que se lo digan a Phil Anselmo, que subió también a cantar, como invitado, y no pudo reprimir las lágrimas. A nadie le pareció un concierto repleto de gestos pastelosos. Era pura emoción. Y la voz de Dio, que nadie lo dude, sigue viva.

(Setlist: 1. E5150 2. The Mob Rules 3. I 4. Country Girl 5. Children of the Sea 6. Turn Up The Night 7. Voodoo 8. Bible Black 9. Falling Off the Edge of the World 10. Die Young 11. Heaven and Hell / Encore: 12. Neon Knights)

Transatlantic (20:00)

Ver tanto Dio sobre el escenario tuvo el precio que pagamos con pena pero con gusto. Nos perdimos casi todo el show de los geniales Transatlantic. E incluso había que elegir entre ellos y los Black Label Society de Zakk Wylde. Allí eran el principal reclamo, vendiendo más camisetas que nadie. Era increíble la legión de fans que arrastra. Pero lo nuestro era lo progresivo así que acabamos disfrutando unos 15 minutos de las genialidades de Neal Morse, Mike Portnoy, Pete Trewavas, Roine Stolt y Daniel Gildenlow, este último como invitado en la presente gira. Ya les vimos esta primavera en Madrid y gozamos de su ‘The Whirlwind‘, que interpretaron íntegramente pasándose del tiempo, claro está. De regalo, un único tema fuera de la suite mencionada: ‘The Return Of The Giant Hogweed‘ de Genesis, con la actuación sorpresa de Steve Hackett, quien actuaba al día siguiente. No vimos ni el final de ‘The Whirlwind‘, ya que optamos por conocer a los ZZ Top.

(Setlist: 1. The Whirlwind / Encore: 2. The Return Of The Giant Hogweed)

ZZ Top (21:15)

Los cabeza de cartel de la primera jornada me decepcionaron. Mucha alegría, fiesta y demás gracietas sobre el escenario, pero musicalmente no me aportaron mucho. Esperaba algo más ameno, pero su setlist fue algo soso. Demasiado blues y rock sureño para un festival, aunque tampoco engañaron a nadie, porque es su esencia. Digamos que dieron su cara menos comercial para apostar por lo que ellos prefieren hacer. De hecho sus primeros discos me entusiasman y tienen ese estilo musical, pero sobre el escenario no convencieron. Eso sí, lo dicho: mil gracias y guiños al público que no permitían que nadie bostezara. Desde subir a una cría a tocar la guitarra durante los bises a dejarse engalanar por tres bellas jóvenes, que trajeron a Billy Gibbons su sombrero. En realidad, lo musicalmente más reseñable fue la gran actuación a la batería de Frank Beard, con un solo muy convincente. La versión que hicieron de ‘Hey Joe‘, y sus éxitos ‘Gimme All Your Lovin” y ‘La Grange‘, lo mejor de la noche. El resto… pasable. Incluso ‘Cheap Sunglasses‘, que sonó sosísima.

(Setlist: Got Me Under Pressure, Waitin For A Bus, Jesus Just Left Chicago, Pincushion, I’m Bad I’m Nationwide, Future Blues (Willie Brown cover), Rock Me Baby (B.B. King cover), Cheap Sunglasses, I Need You Tonight, My Head’s in Mississippi, Hey Joe (Jimi Hendrix cover), Brown Sugar, Party on the Patio, Just Got Paid, Gimme All Your Lovin’, Sharp Dressed Man, Legs / Encore: La Grange, Tush)

En la tercera y última entrega de esta crónica os contamos la jornada del domingo del festival.

· Lea la primera parte de la crónica

Pablo M. Beleña www.portalesquizofrenia.com

Crónica del festival High Voltage (3ª parte y última)

musicopolis — Thu, 05 Aug 2010 11:08:35 +0000

Actuaciones del domingo, 25 julio 2010

Wishbone Ash (13:10)

El proyecto de rescate de esta mítica formación progresiva que comanda Martin Turner dio un gran concierto, con el sol y la hora como únicos enemigos. Por lo demás, conciertazo del grupo, que interpretó el disco ‘Argus‘, otro icono del género. Con ‘Warrior‘ y otros temas del álbum consiguieron ilusionar a los más veteranos del festival, que acudieron este domingo en masa para ver a Emerson, Lake & Palmer. El proyecto de Martin Turner, ya lo saben, vive en paralelo con los actuales Wishbone Ash de Andy Powell, pero eso no quitó nada de interés por la actuación y la expectación que despertaba la banda. Muy buen concierto, aunque con altibajos.

(Setlist: 1. Time Was 2. Sometime World 3. The King Will Come 4. Leaf and Stream 5. Warrior 6. Throw Down the Sword 7. Blowin’ Free 8. Why Don’t We? 9. Jail Bait)

Steve Hackett (14:45)

Era la primera vez con el ex guitarrista de Genesis y debo reconocer que no me satisfizo. Tenía tan alto el listón para Hackett que quizás por el setlist no terminé convencido de su concierto en este High Voltage. Lo mejor fue la versión de Genesis de ‘Los Endos’, curiosamente no de la época Gabriel, pero en la que él aún tenía un peso en la banda antes de comenzar la etapa Phil Collins. Tampoco le vi muy entregado, aunque la calidad de su guitarra y del grupo con el que toca está fuera de toda duda. Fue, simplemente, un concierto para ver sentado.

(Setlist: Every Day, Fire On The Moon, Ace Of Wands, Sleepers, Los Endos)

Bachman Turner – Magnum (15:50)

A la misma hora teníamos estos dos conciertos interesantes, así que entre uno y otro escenario perdimos la noción de ambos. Ya os decimos que la gran pega de este festival fue la saturación de grupos, que obligaba a hacer una oferta de actuaciones con solapamientos o la obligación de perderse alguno de ellos. Los canadienses Bachman–Turner dieron su dosis de boogie y blues rock a lo grande, tanto que así se les quedó el escenario principal: grande. Poco público y mala hora, como les sucedió a los hardrockeros y progresivos Magnum, que tuvieron enfrente a un público que reservaba sus energías para la tarde-noche.

(Setlist de Bachman Turner: Roll Down the Highway, Rock Is My Life, and This Is My Song, Not Fragile, Hey You, Rollin’ Along, Stayed Awake All Night, American Woman, Slave To The Rhythm, Four Wheel Drive, Sledgehammer, Four Wheel Drive, Let It Ride, Takin Care of Business, You Ain’t Seen Nothing Yet)
(Setlist de Magnum: Cry To Yourself, Brand New Morning, The Moonking, When We Were Younger, Les Morts Dansant, All My Bridges, All England’s Eyes, Kingdom Of Madness)

Uriah Heep (17:00)

Pero entre tanto cansancio disfrutamos de unos tremendísimos Uriah Heep, definitivamente renacidos de sus cenizas con unas fuerzas increíbles. Suenan como si de una joven banda se tratara, con energía y creatividad a mansalva. Interpretaron íntegramente el ‘Demons and Wizards‘ de 1972, sin ningún bonus. Sonaron excepcionales y a la gente se la vio emocionada viendo a esta vieja banda. Imaginaos a los veteranos del rock que asistían al festival, que en una misma jornada vieron a ELP, Wishbone Ash, a los Uriah… Y todo esto diciendo que fue la interpretación en directo de un disco, no un ‘greatest hits’. Si llegan a hacerlo, salen por la puerta grande, como los Bigelf.

(Setlist: 1. Wizard 2. Traveller in Time 3. Easy Livin’ 4. Poet’s Justice 5. Circle of Hands 6. Rainbow Demon 7. All My Life 8. Paradise 9. Spell)

Joe Bonamassa (17:20)

Queríamos ver de nuevo a este (nuevo) genio de la guitarra y no pudimos ver el final de los Uriah, pero mereció la pena. Aún así, vi muy distinta su actuación respecto a la que dio el año pasado en la sala Heineken. Nada que ver en cuanto a la potencialidad de este gran artista, que no es de grandes pabellones o escenarios de festival. Su música es para pequeños recintos, eso está claro. No llegó a tanto como para decir que fue una decepción, pero tampoco me entusiasmó apenas.

(Setlist: The Ballad of John Henry, When the Fire Hits the Sea, Young Man Blues, So Many Roads, So, It’s Like That, Sloe Gin, Blue and Evil, Mountain Time, Just Got Paid (ZZ Top)+Dazed and Confused (Led Zeppelin))

Opeth (18:20)

Sin espacio para respirar, nos fuimos directos al Hammer Stage, siendo nuestra segunda y mínima visita a este centro del metal. Los suecos de oro, que son la gran banda pujante de su país en el progresivo, al menos en este momento, no tuvieron espacio para dejar decepciones. Corto setlist, de temas largos, con apenas 5 canciones. El final, con ‘The Lotus Eater‘ y ‘Deliverance‘, fue mágico y los guturales de Akerfeldt envolvieron de grandiosidad la cálida tarde en este parque londinense. Eso sí, no pudimos ver a Argent. Casi era a la misma hora… ¿Qué hacía Opeth en un escenario de metal y no en el de progresivo?

(Setlist: Windowpane, The Grand Conjuration, The Drapery Falls, The Lotus Eater, Deliverance)

Marillion (19:40)

Nos pudo dar tiempo a ver a la banda de Joe Elliott, llamada Down n’Outz, pero no teníamos tanto cuerpo ni energías como para otra actuación más. Repusimos sólidos y líquidos para disfrutar en poco tiempo de Marillion. Era mi tercera vez, y ojalá que pueda verles muchas veces más. Lo que más me gustó de la banda es que tienen una gran ilusión que sabe transmitir a la perfección Steve H. y el público al final está atontado, gozando y sin tiempo para pestañear. Pocas bandas consiguen, sin un sonido duro, encandilar tanto sin permitir despistes o altibajos. Y eso que el setlist no me terminó de convencer. ‘This Strange Engine‘ es un gran disco, pero no una canción para festivales… En todo caso, grandísimo el arranque con ‘The Invisible Man‘ -una de mis canciones favoritas de sus últimos tiempos-, seguidos de ‘Cover My Eyes‘ y ‘Slaìnte Mhath‘, las primera y segunda de Rock in Rio Madrid hace cosa de un mes. Ésta última fue el único guiño a la etapa Fish. El resto, mucho ‘Afraid of Sunlight‘ y un final con ‘Neverland‘ y el mix de ‘This Town’, ‘The Rakes Progress’ y ‘100 Nights‘. Eso sí, la parte final no la pude ver… porque la organización tuvo o cometió el gran delito, el gran pecado musical que es solapar Marillion con Emerson, Lake & Palmer. Como a casi nadie le gustan esos dos grupos al mismo tiempo… Como anécdota, los fallos técnicos con el bajo de Trewavas, que le llevaron por el camino de la amargura (ver foto de la derecha). Cambió el bajo una vez y arrastró problemas hasta la mitad del show, aproximadamente. Pero lo llevaron con humor y naturalidad, en parte gracias a un siempre genial Hogarth, sabedor de que el concierto se estaba grabando para audio y DVD.

(Setlist: The Invisible Man, Cover My Eyes, Slaìnte Mhath, King, This Strange Engine, Afraid Of Sunlight, The Great Escape, Neverland / Encore: This Town+The Rakes Progress+100 Nights)

Emerson, Lake & Palmer (20:45)

Era la gran apuesta. La gran ilusión. Ver a estos mitos vivientes del progresivo. Quizás la banda de este género que más éxito comercial ha tenido y más pegada mediática, sin comparación con otros grupos que han tenido una discografía más elaborada. Estos tres genios se metieron en el bolsillo a los aproximadamente 40.000 aficionados que estaban esa noche velando armas por ver la primera actuación de ELP en más de una década. Evidentemente es una banda muerta en el sentido profesional, pero aún tienen mucho que contar en el plano emotivo si se juntan de vez en cuanto para hacer las maravillas de sus fans.

Fue una emoción oírles anunciarles por megafonía, verles aparecer en plena forma -aunque no física, en tanto que Lake está algo orondo- y arrancar fuerte con la ‘1st Impression, Part 2′ de la suite ‘Karn Evil 9′, con aquellas inolvidables estrofas que cantan las palabras más mágicas del progresivo: “Welcome back my friends to the show that never ends / We’re so glad you could attend / Come inside! Come inside! (…) Come and see the show! See the show!”. Una invitación irrenunciable. Luego el setlist no fue lo mejor imaginado: nada de ‘Jerusalem‘, pero se gozó de temas más ásperos del primer disco, como ‘Knife Edge‘. Estuvieron geniales ‘From The Beginning’ y ‘AquaTarkus’, pero me sobraron ‘Bitches Crystal’, ‘Barbarian’, ‘Touch and Go’ y ‘Farewell To Arms’. Por otra parte, ‘Lucky Man’ fue emotiva pero terminó por bajar el nivel y la carga rockera. Y como ya tocaba elevar el listón, acabaron con un mix del disco ‘Pictures At An Exhibition’ y un bonus basado en solos de Palmer y Emerson tocando ‘Fanfare for the Common Man’ y ‘Rondo’. Os aseguro que fue mítico, mágico, inolvidable… 10 minutos finales de infarto que parecieron de otro planeta. Merecía la pena pagar lo que fuera por ver aquello. Emerson destrozando sus teclados y lanzando cohetes con ellos… Palmer con un solo para el recuerdo, con mil y una diabluras con sus baquetas, mientras la batería giraba sobre su plataforma. Lake, mientras, era un convidado de piedra.

(Setlist: Karn Evil 9: 1st Impression, Part 2, Barbarian, Bitches Crystal, Knife Edge, From The Beginning, Touch and Go, Take a Pebble/Tarkus, AquaTarkus, Farewell To Arms, Lucky Man, Pictures At An Exhibition Medley / Encore: Fanfare for the Common Man+Rondo)

Cierre

Pues eso es todo amigos y compañeros del progresivo. Un festival de notable alto al que le faltó menos pretensiones para ser su primera edición, ya que ahora habrá nuevas en Estados Unidos y Reino Unido. Planet Rock y Mama Festivals se lo trabajaron a conciencia, y sólo nos cabe darles las pertinentes felicitaciones, ya que es cierto el eslogan que servía de promoción para el High Voltage: un festival hecho por fans del rock para fans del rock.

¿Qué grandes sorpresas nos deparará la edición o ediciones de 2011? Welcome to the show that never ends…

· Lea la primera parte de la crónica

· Lea la segunda parte de la crónica

Pablo M. Beleña www.portalesquizofrenia.com

Crónica del festival High Voltage (1ª parte)

musicopolis — Wed, 04 Aug 2010 02:08:44 +0000



Lo hemos dado todo. Portal Esquizofrenia -en colaboración con Musicópolis- no se ha querido perder la gran cita de rock progresivo del año, así que habéis contado con nuestra presencia en el festival High Voltage de Londres del fin de semana del 24 y 25 de julio. Allí vimos a muchos de vosotros y al resto, os representamos en cuerpo y alma. Las dos jornadas fueron mágicas y quizás faltó algo para la leyenda, pero estuvimos más que contentos y satisfechos con este festival dejó para siempre en el recuerdo la reunificación por una noche de Emerson, Lake & Palmer y la despedida-tributo a Dio. Os contamos todo.

Lo primero que debo decir es que el High Voltage me ha sorprendido por el concepto de festival y cómo la gente lo vive y lo disfruta fuera de España. Hasta ahora sólo había ido a los que se habían celebrado en territorio nacional, y si acaso, algún concierto de un grupo en otro país. Pero un festival es otra historia. Y más si era este High Voltage, con una media de edad de 40-50 años en algunos momentos.

El nivel adquisitivo era alto. Para empezar, la entrada de los dos días valía 163 euros, 135 libras. Algo impensable en nuestro país. Y si es cierto que consumir dentro del festival no era algo alocado -precios parecidos a los de España-, la suma total de gastos es algo que pocos podemos permitirnos en el día a día. La mentalidad era de pasarlo bien y disfrutar el momento, sin mirar el extracto del banco.

Y más allá de otras anécdotas que vayamos contando, lo que llamó mucho la atención es que lo más habitual era ver matrimonios, incluso con hijos, asistiendo sentados a cada concierto, en sillas de camping y esterillas para tumbarse a tomar el sol, escuchando la música de fondo. Por supuesto que había público en las primeras filas dándolo todo, pero mayoritariamente españoles, italianos, nórdicos, centroeuropeos… los ingleses disfrutaban más en los laterales y en sitios tranquilos, mientras tomaban una buena cerveza. O sin corear las letras, saltar, sacar brazos…

Son conceptos distintos de ‘consumir’ la música. También era distinto el público de cada escenario (el Hammer, el Prog y el Main Stage). Los metaleros sí vestían de negro, con camisetas de grupos, y daban todo con sus grupos de heavy, metal… Los progs éramos más variados en grupos de edad, sexo… y como ya sabemos por costumbre, nos entregamos pero con calma ante una música que es más propia de disfrutar escuchando y no moviéndose o saltando. En el escenario principal, por último, se juntaban las dos esencias del rock, dependiendo de los horarios, cada actuación…



El cartel

Lo único criticable a este festival, que no será el precio, porque todo tendrá su explicación financiera -bastante mérito tiene juntar a estos grupos en plena crisis económica y montar tal despliegue-, es que se ha querido lucir tanto en el cartel que ha descuidado al oyente. No se trata de traer a los mejores por decenas, sino que considero que es mejor distribuirlos con algo de mesura. Era imposible ver más de la mitad de las actuaciones y nos perdimos a grandes grupos entera o parcialmente. El primer día los accesos fallaron, y eso sí es una crítica directa a la organización logística. La mayoría de la gente venía sin pulsera con el código de barras, imprescindible para entrar al recinto, así que tocó hacer una cola de casi una hora, obligándonos a perdernos a los primeros grupos. Y eso, con previsión de tiempo. La parte buena de la organización musical: el sonido. (Casi) todo sonó genial y funcionó de maravilla.

Instalaciones

El parque Victoria era increíble. Londres es tan grande como cinco veces Madrid y se puede permitir tener grandes zonas verdes impensables en nuestra capital, o incluso en Barcelona, Valencia… el caso es que este parque permitía a los organizadores cerrar una gran zona de recinto con vallado y dejar el parque al margen. Este recinto contaba con los tres mencionados escenarios, todos ellos grandes y bien montados para la acústica y la visibilidad de los espectadores. Sólo el principal tenía pantallas gigantes, pero era más que suficiente. Arreglos y adornos fríos, sin excesos. Buenos focos y alguna pantalla de efectos en el escenario Prog. Cervezas y sidras -que se consume mucho allí- bien repartidos: en carpas, barriles agrupados y mochileros. También zona de restaurantes muy grande, zona de atracciones -algo innecesarias e infantiles, que tenían un objetivo puramente ornamental- y alguna exposición: de coches y de fotografía y vídeo. Los precios bastante normalitos: 4,5 euros la pinta de cerveza y unos 7 euros comer algún plato de comida rápida-. Los baños bien generosos, bastante limpios y repartidos con sentido de las proporciones. Además, 3 tiendas de merchandising más un pequeño mercadillo de ropa y complementos heavies, hippies… Los servicios de información, llevados por gente muy capaz y amable, aunque sin conocimiento de idiomas. Ya se sabe: muchos anglosajones piensan que no hay nada más allá de su lengua…

En la siguiente entrega de esta crónica os contamos el resto del festival: las actuaciones musicales. Mini-crónicas de cada concierto al que asistimos.

Pablo M. Beleña www.portalesquizofrenia.com

Diana Krall + Elvis Costello & The Sugarcanes (Santiago de Compostela) – 27/07/10

javieramosa — Tue, 03 Aug 2010 03:08:40 +0000

Elegante, cómplice y monumental, se podría definir el concierto ofrecido por una de las parejas musicales más famosas, Elvis Costello y Diana Krall. Todo un lujo en un escenario de altura, la Plaza de la Quintana de Santiago, bajo las campanadas de la Catedral. Y la ocasión no era para menos, ya que están girando por separado, y en España esta era la única posibilidad para disfrutarlos en conjunto.

Ante casi dos mil espectadores salió la canadiense Diana Krall muy puntual, con un vestido negro y sentada al piano de cola. La buena temperatura y la luna llena ponían otra guinda a una noche que se presentaba para recordar.

Su nuevo trabajo con ritmos de bossa nova, “Quiet Nights” (2009), centró la mayor parte del recital, disco que ya ha sido premiado con un Grammy y con mucha aceptación en Brasil. Una de las primeras canciones fue una versión del “So Nice”, la samba veraniega que popularizó Astrud Gilberto. La verdad es que los músicos que la acompañan son excepcionales: el guitarrista Anthony Wilson, el batería Karriem Riggins y Robert Hurst al bajo. Prueba de ello fueron los aplausos recibidos en más de una ocasión, a los solos de sus compañeros de escena. Tremendos. Sin duda ofrecieron algunos de los mejores momentos.

Además de repasar su nuevo trabajo hubo tiempo para temas clásicos y para oír en innumerables ocasiones la voz de esta diva del jazz acompañada sólo por su piano. Esperaba algo más pasional, pero sus solos me parecieron algo fríos y con poca conexión con el público. Eso si, el sonido impecable durante todo el concierto.

La cantante y pianista de jazz hizo alusión en más de una ocasión a su familia, y como suele ser habitual, sus dos hijos gemelos de 3 años, los acompañan. En una de estas menciones y con un grito al respetable de “Are you ready?” aparecía Elvis Costello, guitarra en mano, para deleitarnos a dúo con una canción del gran Tom Waits, “Clap Hands”. Primera aparición de Elvis y primera inyección de adrenalina. La pareja si demostró complicidad, y en cada aparición juntos, un beso de por medio.

Fueron los momentos más calurosos, además de la romántica canción “I’ve Grown Accustomed to your Face, del musical “My Fair Lady”, dedicada a su marido, porque en general Diana me pareció distante y altiva. Tuvo un momento para homenajear a Nat King Cole con “Frim Fram Sauce”, y de lo más aplaudido fue su versión de “Cheeck to Cheeck” de Irvin Berlin. Sólo las campanas de la Catedral en varias ocasiones, suscitaron algunos comentarios simpáticos de Krall, como en el tramo final del concierto cuando soltó mientras tocaba, un “son las once y media”, haciendo reír y aplaudir al público. Con este guiño terminó su recital, aunque hubo tiempo para un bis más. Y todos juntos de la mano, uno por uno haciendo reverencia al público, se despidieron cual obra teatral.

La iluminación fue uno de los elementos más sobresalientes que rodearon al espectáculo, y lo peor los fallos de la organización. En prensa la peor parte para los gráficos, situados a unos 20 metros del escenario (tras las filas VIP), y sin consigna alguna para depositar sus equipos gráficos durante el resto del espectáculo, al estar prohibida la permanencia de los mismos en el recinto, a petición de la pareja artista.

En cuanto al público, sólo tres aseos para 1800 personas… Y otra cosa inusual y criticada, fueron las carreras de los guardias de seguridad, a veces verdaderos sprints, cada vez que se encendía un mísero dispositivo electrónico en la plaza. La prohibición de grabar se llevó a raja tabla, a petición del matrimonio. Para mi gusto desorbitado. Y las carreras por el medio del público rompían el silencio y la magia de la noche.

Tras el cambio de backline, llegaba la segunda parte del evento a cargo de Elvis Costello & The Sugarcanes, también con nuevo trabajo bajo el brazo “Secret, profane & sugarcane” (2009). Más country-folk que rock. En general más intimista de lo que me gustaría, pero siendo quien es, se le perdona.

Este estilo más pausado hizo que algunos temas sonasen más desangelados, perdiendo fuerza y energía. Pero con su impresionante trayectoria, y habiendo tocado tantos estilos a lo largo de las últimas décadas, imaginamos que en la variedad está el gusto, sobre todo para no caer en el aburrimiento musical. Error que cometen muchos y nada recomendable.

Ataviado con su clásico sombrero, “Buenos días, buenas noches” fue su saludo confuso pero cómplice ante un público expectante. La elección para arrancar fue perfecta con “Mistery Train” de su tocayo con mayúsculas, Elvis Presley. Su voz y sus guitarras estuvieron adornadas a la perfección por toda una banda al completo, con mandolina, violín, contrabajo, acordeón y guitarras acústicas.

De su último disco surgió el grueso de su repertorio, aunque rescató algunas canciones de su extensa carrera. Entre cambio y cambio de guitarra, sonaron “Good Year for the Roses” de 1981, “Delivery Man” de 2004, o “Red Shoes” de 1977 con coros del público incluídos. No fue parco en las intros de sus canciones haciéndolo más cercano que Diana, y hubo tiempo para “el rock and roll del 1921”, en palabras del artista, con el tema “A Show Drag With Josephine”, recordando por momentos al Costello de antaño..

Pasada la hora de concierto y asegurando ser todo un placer, presentó de nuevo a su mujer, que sinceramente se queda pequeña a su lado, y no por estatura. Fue momento para “Simple Twist of Fate” de Bob Dylan o “It had to be you” entre palmas de los presentes.

Nuevamente solo, el británico y su banda tocaron “Friend of Devil”, tema compuesto por Jerry García de los “Greatful Death”, y explicando que hace unas semanas, mientras la tocaba en otro evento, la selección inglesa marcaba su gol en octavos del Mundial, aunque le sirviese de poco. Felicitación para los campeones españoles, al igual que Patti Smith en Vigo, hace un par de semanas.

Tras casi dos horas, Elvis se despidió con “Don’t lie to me” para regresar sin mucha demora con cuatro temas más, “She” de Charles Aznavour, “Sulphur to Sugarcane”, de su último trabajo, “Everyday I write the book” y un nuevo dúo con Diana para poner el broche y final, entre fuegos de artificio, a una gira que continuarán por separado. Y mejor así. Una noche en la que Costello fue la luz y Krall su sombra.

Texto: Nadia Corbeira / Fotos: Javier Amosa

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Desde entonces Pienso Distinto…

tespada — Tue, 03 Aug 2010 02:08:49 +0000

Madrid, 25 de Junio de 2010, 8 p.m. Podría haber sido un día cualquiera en la capital del reino pero algo lo convirtió en un día totalmente distinto a los demás.

No sé si fue el sonido de las vuvuzelas de imitación que hacían sonar aquellos fervorosos seguidores de “la Roja” que marchaban hacia el centro de la capital en busca de una pantalla grande, de jarana y pandereta regada de algo fresquito y ataviados con la fe de ganar el pase a otra eliminatoria. Quién les iba a decir en aquel momento que, pocos días después, “la Roja” se convertiría en campeona del Mundo de fútbol… Sorpresas que te da la vida, ¿no?

Puede que, tal vez, la lluvia y el calor sofocante que caían aquella tarde-noche hiciesen de Madrid un lugar encharcado, agobiante, de paraguas rotos y “humores alterados” por el mal tiempo. Ya se sabe que: nunca llueve a gusto de todos…
O tal vez fuese que había un concierto en la capital. Bueno, vale, en Madrid siempre hay muchos conciertos todos los días del año y a todas horas pero éste guardaba y tenía un toque especial.

Por primera vez y, no sin darse buenos golpes contra lo absurdo de algunos dueños de salas que siguen apostando por Bisbales y Shakiras y que no dan opciones a los demás (esto es algo de lo que ya hablaré más adelante), Opal perdía la virginidad (musicalmente hablando) y daba su primer concierto en Madrid, de la mano de Patricia Durán que, gustosa (como siempre), le abrió las puertas de su casa y la nuestra, de esa sala Trovadicta que enamora cada noche con su ambiente y con la música que allí podemos escuchar.

Como aderezo a todo esto; la dulce voz de Opal y la música, un cómputo perfecto que hicieron que una noche de fútbol se convirtiese en el concierto perfecto, en la canción adecuada en el momento adecuado, en el lugar en el que unir corazones y sueños, en risas, en momentos aún hoy inolvidables.

Allí sonaron las canciones de una “Dulce Princesa” (acompañada de una Barbie sobre el escenario) que se mantiene “Atrapada en el tiempo“. Tras dejar pasar una “Nube Negra” y siempre “Después de Ti“, nos desveló los “Recuerdos” que traía “El Viento“.
Fue mágico escuchar esas historias escritas en “Hojas de otoño“, cuya caída sigue grabada “En tus ojos” y ver que no hay nada mejor que los sabores de ese “Agua y Pan“.
Y aunque creas que “Pienso Distinto” no dejó de sorprenderme ese “Conectada a ti” que cantaste a viva voz y que, seguro, a pesar de la distancia, escuchó tu hermano y se emocionó al igual que todos los presentes.
Y, en fin, Opal nunca dejes de cantar “Aïcha” y de hacer locuras sobre el escenario, ni de bailar mientras suena una danza del vientre.

No ha pasado más que un mes y poco más y ya se echan de menos esos gorgoritos imposibles, ese guitarrista que lo mismo te hacía un blues, que se arrancaba por bulerías o te cantaba un la, la, la… Imágenes y momentos que pudimos disfrutar aquellos que sabemos que la música no sólo es vender millones de discos, no sólo es llenar las Ventas o el Palacio de los Deportes. La música es llenar los corazones de ritmo a los arrítmicos, hacer cantar a quien nunca lo ha hecho, hacer vibrar al más frío de los humanos.

Vuelve pronto Opal, déjate querer por esta triste y gris ciudad que a veces es demasiado desagradecida con quienes menos se lo merecen.

Y siempre, siempre, sigue Pensando Distinto…

Fotos y texto: Toñy Espada

Elvis Costello & The Sugarcanes – Veranos de la Villa – Escenario Puerta del Ángel (Madrid) 22/07/2010 – La música que te atrapa desde las raíces

vinitials — Tue, 03 Aug 2010 02:08:46 +0000

Cuando se tiene, se tiene. Y es que Elvis Costello (el alias artístico de Declan Patrick MacManus) es un gentleman en toda regla de talante cercano. Y un cancionero brutal, inmenso, para regocijo de melómanos sin prejuicios. Ha grabado con Burt Bacharach, Allen Toussaint, Bill Frisell y Anne Sophie Mutter, ha compuesto jazz, música sinfónica, de cámara y hasta coral, ha tocado rock visceral nuevaolero con The Attractions y The Imposters. Y tras treinta y siete discos donde ha buscado el rock más elegante de la nueva ola, el country, la clásica y multitud de estilos (el jazz, la canción americana, el pop orquestal entre muchos otros), ahora parece estar buscando las raíces del bluegrass y otros géneros de la campiña estadounidense.

Costello sabe codearse con músicos de primera línea y es que el sexteto que compone The Sugarcanes (podría pasar como un manjar musical de primer orden. Su concierto en Madrid fue magnífico, hora y media magistral, que acabó con todo el mundo en pie rindiéndose ante lo evidente.

The Sugarcanes son una banda de acompañamiento de lujo, brillante, que da otra nueva capa, embelleciendo si cabe aún más las canciones de Costello. No hay percusión, reducen la esencia del repertorio a las formaciones del bluegrass y del hillbilly. Un sexteto formado por dobro (una especie de pedal steel guitar que se toca de pie), violín, acordeón, acústica, eléctrica y contrabajo.

Desde un primer momento la intensidad fue emocionante. Consiguió conectar con el público a base de tocar la fibra con composiciones que arrancan de lo acústico, de las raíces emocionantes del blues, del folk y que dotan a sus composiciones de un carácter cercano, campestre. A pesar de que su disco ‘Secret, profane and sugarcane’ (2009) no es de lo mejor de su carrera, con altibajos. Para su concierto de Madrid actualizó y adaptó sus canciones al formato de The Sugarcanes y supo extraer lo mejor de sus últimas composiciones.

Revisó clásicos de ‘My aim is true’ (1979) como “Alison”, “(The angels gonna wear my) Red shoes” o “Blame it on Cain”. O esa joya que es “New Amsterdam” de ‘Get happy’ (1980). Versionó a The Beatles con un mágico “You got to hide your love away” e incluso a los Grateful Dead. Tocó una canción nueva deliciosa, “Jimmy standing in the rain”. En definitiva, una noche mágica con un maestro de ceremonias apabullante, que contó multitud de anécdotas sobre la vida, la música, la familia y los entresijos de la vida de un músico (en un festival, gira, tocando para otros). Deslumbró sin necesidad de quitarse el sombrero, arropado por unos Sugarcanes impresionantes. Una estrella sin parangón.

Texto: Andrés Castaño

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Concierto de Versailles en Barcelona

selina — Thu, 29 Jul 2010 02:07:48 +0000

Como ya habíamos informado anteriormente el pasado día 2 de Julio el grupo de visual kei Versailles -Philharmonic Quintet- realizó un concierto en la cuidad de Barcelona dentro de su gira “Versailles World Tour 2010″.

El espectáculo que nos presento la banda en la Sala Apolo solo se puede describir con la palabra “Extremo” ya que Versailles supo motivar a sus fans esta hacerlos llegar al extremo de sus fuerzas, haciéndolos gritar, cantar, bailar y saltar, desencadenando en una autentica histeria colectiva.

Ya el día antes del concierto cerca de la Sala Apolo se pudieron ver los primeros fans que llevaban para hacer cola, pero la normativa de esta los prohibió pasar la noche en las puertas del recinto y mientras unos pocos se fueron, un grupo de unos 20 seguidores de Versailles se quedaron por los alrededores para pasar la noche.

Cerca de las 7 de la mañana del día siguiente, la cola de entrada a la sala ya estaba formada con unas 30 personas y antes de llegar a la 10 de la mañana se empezaron a repartir números para que los fans despejaran la calle. Y pasadas unas horas más tarde, a las 19:30 horas y con todas las entradas vendidas y un cambio de sala a última hora para poner a la venta más entradas, los más de 400 fans empezaron a entrar en el recinto.

El concierto empezó más tarde de lo previsto, haciendo que los seguidores del grupo se impacientaran y los llamaran a gritos mientras sonaba “Prelude” tema instrumental de su segundo álbum “Noble” y luego “Sound in Gate” canciones también instrumental de su último álbum “Jubilee” y pasado ya de las 20:30 horas Versailles -Philharmonic Quintet- hizo acto de presencia saliendo uno a uno al escenario, primero salió Yuki, seguido de Teru, Hizaki y Kamijo que dio la bienvenida, mientras entraba Masashi, el bajo de soporte, y enseguida sonó la música de “Aristocrat’s Symphony” consiguiendo que todos los presentes se entregaran de inmediato a la banda, saltando, gritando, cantando y haciendo que sus cabezas se movieran al son de la base instrumental de la canción, por que a Kamijo no se lo oía en absoluto y lo mismo paso con las canciones que le siguieron “Gekkakou”, “Zombie” “Aito no kanashimi no nocturne”

Y no fue hasta que sonó “The umbrella of glass” cuando Kamijo fue concierte de que no se lo escuchaba y ajusto el micrófono y aun así en comparación con la parte instrumental, al vocal de Versailles, no se le escuchaba mucho, Kamijo estaba algo afónico y desde la primera fila se podía apreciar el esfuerzo titánico que realizaba al cantar, claro que su falta de voz la suplió muy bien con su magnifica puesta en escena. Kamijo era el único de toda la banda que realizaba coreografías con los temas y que animaba al publico todo el rato, o que intentaba hablar con ellos, acción que si hablamos de esta última, no llego a efectuarse por que los fans estaban tan eufóricos que ni caso le hacían y solo intentaban tocarlo o agarrarlo durante todo el espectáculo.

Al final Kamijo simplemente se rindió y no intento ningún tipo de dialogo con su publico y se centro hacer su trabajo que era cantar, realizar las coreografías en los temas que las necesitaban y resistir estoicamente a todos los estirones, tocamientos y alguna que otra agresión por algunos fanáticos de pocas luces que por ejemplo, intento tocarle sus partes nobles.

El espectáculo siguió con las canciones: “Catharsis”, “Shout & Bites”, “Amorphous” en la misma línea que las anteriores, Kamijo cantaba mientras intentaba que los fans le siguieran y estos (No todos) no le hacían ni caso e intentaban tocarle a él o a Teru y Hizaki como si fueran algún tipo de dioses sagrados … Y no fue esta que llego “Serenade” que la histeria colectiva se calmo un poco y los presentes cantaron, levantaron las manos o lloraron, recordado a Jasmine You, el bajo de Versailles que falleció el pasado 9 de Agosto y que este tema es una canción muy hermosa que le escribió el grupo como homenaje y despedida a su compañero y amigo.

Y a Kamijo incluso se le pudieron ver algunas lágrimas durante la interpretación de este tema y lo mismo sucedió con Taru y Hizaki, que este ultimo tuvo que girarse durante unos segundos para limpiarse los ojos con una toalla.

Continuaron con el magnifico y largo tema “God Palace -Method of Inheritance-“ que volvió a encender el publico y el frenesí estallo con “Ascendead master” haciendo que toda la sala resonara con las vítores y gritos de los presentes, para después finalizar con la canción “Princess”

Entonces Versailles se retiro y los fans no tardaron en chillar “Encore” que significa otra en Japonés y el grupo no se hizo de regar demasiado por que a los escasos cinco minutos aparecieron con el tema “The red carpet day” y terminaron el espectáculo con “The revenant Choir” despidiéndose todos después, incluso con Masashi que despertó el interés de muchos fans, dando las gracias a sus seguidores y con una última provocación de Kamijo que se desabrocho unos botes la camisa de forma sexy.

Y como he dicho antes el concierto solo se podía explicar con la palabra “Extremo” y verdaderamente esta palabra esta completamente dirigida a los fans de Versailles que llegaron a eclipsar al mismo grupo que iba a ver y es que el espectáculo que se vivió en la sala fue aun mayor que el de arriba del escenario, algunos de los presentes se dedicaron simplemente a agredir verbalmente y físicamente a la banda consiguiente que estos se asustaran en algunos momento o que simplemente se horrorizaran como Kamijo que tuvo que soportar que le gritaran palabras más cercanas a las películas de temática X, Teru que le tocaran el trasero o que a Hizaki le rompieran el vestido para quedarse con sus rosas de adorno de recuerdo y los únicos que se libraron de tan vergonzosos actos fueron Masashi, que ni se acerco a los fans y Yuki que estaba protegido por su gran batería.

Por lo tanto solo puedo decir que Versailles -Philharmonic Quintet- tiene un 10 por su profesionalidad y valor por soportar tan comportamiento, y tengo que aclarar que estas malas acciones fueron por parte de una minoría que por desgracia se hizo notar demasiado. Y pese a estos inconvenientes el espectáculo del grupo fue bueno, espectacular, y esperamos y deseamos de corazón que vuelvan pronto aunque sea con una armadura para protegerse.

Setlist:

01. Prelude

02. Sound in Gate

03. Aristocrat’s symphony

04. Gekkakou

05. Zombie

06. Aito no kanashimi no nocturne

07. Prince

08. The umbrella of glass

09. Catharsis

10. Shout & Bites

11. Amorphous

12. Serenade

13. God palace

14. Ascendead master

15. Princess

ENCORE

16. The red carpet day

17. The revenant Choir

Selina

The Pains of Being Pure at Heart – Playa Club (A Coruña) 20/07/2010

musicopolis — Tue, 27 Jul 2010 02:07:24 +0000

La noche estaba servida: The Pains of Being Pure at Heart, uno de los principales grupos de 2009, en una sesión en solitario para disfrute de los fans del joven grupo estadounidense y los aficionados al buen indie rock.

El Playa Club de A Coruña, lleno hasta la bandera, parecía a priori un buen lugar para los Pains, pero desde que comenzó el concierto quedó patente que el sonido no era el adecuado. El guitarreo fuerte y continuo de los Pains ensordeció cada uno de los temas hasta el punto en que no se distinguían las voces entre el ruido. En ocasiones hasta costaba distinguir los estribillos. Los yanquis acostumbran a hacer canciones un poco sucias, en las que las melodías de las guitarras tienen más protagonismo que las letras, pero debe haber un límite y en este caso se sobrepasó. Una lástima.

El inicio de la velada puso a prueba a los fieles con “Belong”, un nuevo single, que seguramente descolocó a gran parte de los asistentes. Tanto como la segunda canción de la noche: “Heaven’s gonna happen now”, que tampoco se encuentra ni en su flamante debut ni en su posterior EP Higher than the stars. Los puros de corazón eligieron caldear el ambiente poco a poco arrancando con temas inéditos y canciones secundarias como “103″ -el segundo corte de su EP-. Este hecho no es del todo malo, su nueva música es tan buena como la que encontramos en su primer disco, pero descartar canciones de su aclamado LP -ni rastro de “Contender”- por otras que la gente no sabe corear impide meterse de lleno en el directo. Viendo la otra cara, los neoyorquinos dejan patente que no quieren vivir de rentas y trabajan en nuevos éxitos, y estoy seguro de que parte del público prefiere escuchar de primera mano lo nuevo de su grupo favorito.

La segunda mitad de la noche, una vez acostumbrados al sonido de la sala, fue un paseo. Sonaron los hits: “Young Adult Friction”, su ultimísimo single “Say no to love”, “A teenager in love”, “Come saturday”, la genial “Higher than the stars”, intercalados con chapurreos en español de los integrantes del grupo. Este fue el setlist oficial:

Belong
Heaven’s Gonna Happen Now
This Love is Fucking Right
103
Young Adult Friction
Say No to Love
A Teenager in Love
Come Saturday
Higher Than the Stars
The Heart in Your Heartbreak
Stay Alive
Pains of Being Pure at Heart

El concierto se cerraría con dos temas extra: el prometedor “My terrible friend” y, para dejar un buen sabor de boca y una afonía en las gargantas de los presentes, “Everything with you” -presentada por Kip Berman como “todo contigo”-. Hit en toda regla.

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Caetano Veloso & Cê band – Veranos de la Villa (Madrid) 21/07/2010 – Rock n’ bossa pata negra

vinitials — Sun, 25 Jul 2010 02:07:19 +0000

En la vida hay que reinventarse o morir. Seguir fiel a tus principios pero ir más allá, extenderse más allá de los límites franqueados. Caetano Veloso es de esa clase de hombres. Aunque haya alcanzado el éxito a base de cantar bossa novas deliciosas (apelando a clásicos como Tom Jobim, Joao Gilberto, Paulinho da Viola), acudir a los ritmos africanos presente en las raíces de su pueblo, o tomar al poder orquestal de la música occidental, interpretar clásicos de la música latinoamericana o versionar standards de la música estadounidense. Pero no quiere quedarse ahí, porque sigue teniendo ese espíritu de buscador y un entusiasmo joven, ya apuntó sus maneras del rock progresivo en “Rock n’ Raul” en un álbum tan bossa, tribal, rítmico y orquestal como ‘Noites do Norte’ (2001). Luego vino su proyecto más experimental y rock, ‘Cê’ (2006), con el guitarrista Pedro Sá como cómplice, y reducido casi todo a un cuarteto rock, era una ampliación de lo que puede ser Caetano: rockear inscribiendo ese espíritu bossa, resultar cáustico y seductor a la par, y abrir nuevas sonoridades a su estilo tan singular de un autor capital. Porque Caetano está entre los grandes.

Su concierto dentro de los Veranos de la Villa 2010 era una de las citas ineludibles en una semana de primera categoría (junto a Patti Smith y Elvis Costello). Por eso el lleno de más de 3.000 persona era más que previsible. El público gozó, pero no como en otras ocasiones. Creo que el público se esperaba otra cosa, más de lo mismo que se había visto en las giras de ‘Livro’ y ‘Noites du Norte’. Y eso que el programa del ciclo avisaba que venía con la Cê Band (Pedro Sá, guitarra; Ricardo Dias Gomes, bajo; Marcelo Calado, batería), un trío rock y que el repertorio se centraría en uno de sus discos más experimentales dentro del rock más progresivo. Un escenario enorme coronado por un ala delta detrás del batería anticipaba que en la siguiente hora y media íbamos a volar por parajes hasta entonces desconocidos. Y muchos quisimos embarcarnos por completo en ese viaje.

La historia de Caetano está plagada de viajes y aventuras. En los setenta estuvo exiliado en Londres, a causa de la dictadura militar brasileña, también practico una fusión de música brasileña con el rock progresivo del momento y estuvo dentro del movimiento tropicalista de finales de los sesenta, para luego inscribirse dentro de la nova bossa nova. Lo mismo homenajea a Amalia Rodrigues, a Federico Fellini como a Lecuona o a Kurt Cobain. Algo representativo de un espíritu heterogéneo y que gusta de empaparse de las músicas del globo, de todo el planeta, sin ningún tipo de prejuicio.

Su repertorio fue de lujo, se ajustó al guión de ‘Zii e Zie’ (2009) su último trabajo que sigue la línea rock iniciada por ‘Cê’. Hubo un momento íntimo e intenso de ‘voz e violao’ donde recuperó tema “Desde que samba é samba” de su álbum ‘Tropicalia 2’ que compuso junto a Gilberto Gil o el tema “Volver”, original de Estrella Morente, un guiño al director manchego presente entre el público. Pero también recuperó temas clásicos y emocionantes composiciones, “Irene” y “Nao Identificado”, de su segundo disco, ‘Caetano Veloso’ (1969), o “Trem das Cores” del disco ‘Cores, Nomes’ (1972). Todo ello bajo el tamiz de un cuarteto rock y sin perder el gusto y la sustancia de la pieza original, sino actualizando su sonido. Hubo experimentación, ruido de guitarras, pero también bossa, ritmos cálidos y grandes canciones, acompañadas de unas visuales en el fondo del escenario que creaban atmósfera a base de agua, mar, playas, cielos, paisajes urbanos y otros paisajes sugerentes. La ovación final con parte del público en pie, fue el merecido reconocimiento a un artista que sabe impregnar de nueva luminosidad la música. Muchos quedamos ‘caetanizados’. Y tan contentos, porque a nadie le disgusta quedarse en un estado mágico.

Texto: Andrés Castaño

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Karma To Burn + Year Long Disaster (Apolo 2 Barcelona 21-07-2010). Estampida de riffs mastodónticos

locky — Fri, 23 Jul 2010 02:07:41 +0000

FECHA: 21-07-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Sala Apolo 2
GRUPO: Karma To Burn
DURACION: 65 minutos
INVITADO: Year Long Disaster (30 m.)
PROMOTORA: Funhouse

Peculiar gira la que realizan en conjunto Year Long Disaster y Karma To Burn. Peculiar porque son dos bandas distintas con los mismos componentes, un dos por uno que, en realidad, no es tan así porque, bajo el primer nombre tocaron media hora y con el segundo lo hicieron durante 65 minutos, lo que hace un total de algo más de hora y media.

Pero, lo cierto, es que fue un tiempo bien aprovechado ya que, ante la algo más de media entrada de público que se citó en la sala Apolo 2 de Barcelona, los protagonistas ofrecieron una consistente actuación, sobre todo en lo que respecta a Karma To Burn. Y no es que Year Long Disaster estuvieran bajos de forma (imposible tratándose de los mismos músicos), sino que, como si se tratara de unos teloneros cualquiera, cumplieron con su papel a rajatabla además de dejar el protagonismo a su “alma mater”, Daniel Davies (hijo de Dave Davies de los legendarios Kinks). De hecho, Daniel ejecutó los dos primeros temas solo en el escenario durante los 10 primeros minutos, con guitarra en mano, luego sus colegas William Mecum (guitarra), Rich Mullins (bajo) y Rob Oswald (batería) le acompañaron hasta el final de una actuación en la que, si no me equivoco, sonaron temas de su último álbum, Black Magic All Mysteries Reveleaded, como, “Love Like Blood” y “Show Me Your Teeth”, junto con canciones antiguas como “Pel Qualche Dollaro In Piu”.

La salida del grupo del escenario dejó a los aficionados un tanto descolocados, muchos de los cuales no entendían lo que pasaba. El propio Rich Mullins tuvo que realizar gestos trabquilizadores, asegurando que volverían a salir…

William Mecum

KARMA TO BURN

Mismo escenario, mismos músicos… nuevo nombre, distinta actitud. Transformados en Karma To Burn, los músicos salieron al escenario con energías renovadas tras un cuarto de hora de descanso, sobre todo, William Mecum, quien había tenido una actitud bastante pasiva bajo la forma de Year Long Disaster cediendo espacio a Daniel Davies, y ahora se mostraba mucho más activo. Incluso, al mismo Daniel se le veía más “entonado” en la “piel” de Karma To Burn.

Fuera como fuere, arrancaron con tres composiciones que levantaron el inmediato entusiasmo de los asistentes y que, como es habitual en casi todos los títulos del grupo, correspondían a un número: “Nineteen”, “Thirty Six” y “Fourty Two”; las dos primeras del álbum Almost Heathen y la tercera de su más reciente grabación Appalachian Incantation.

Acto seguido el concierto se convirtió en una auténtica estampida de riffs mastodónticos, guitarras corrosivas y ritmos hipnóticos que esparcieron su compacta densidad sobre le local creando una atmósfera electrizante. Aquello se convirtió en la sabana africana donde rugidos, aullidos y mugidos, presagiaban la repentina aparición en el escenario de una manada de elefantes o la frenética irrupción el mismísimo rinoceronte de Jumanji.

La pareja Daniel/William, hombro con hombro, se despachaba a gusto con las seis cuerdas impregnando el escenario de una sobredosis de saturación sonora, mientras la actitud vitalista de Rich y Rob conformaba el cuadro perfecto para acometer una serie de temas repartidos entre sus cuatro álbumes, con menor representación para su debut homónimo de 1997.

Con tanto predomino de las partes instrumentales (recordemos que la mayoría de temas de Karma To Burn no son cantados), Daniel tuvo que esforzarse muy mucho para que su voz pudiera emerger de semejante estrépito, siendo, sin duda, la parte más perjudicada en sus escasas apariciones (entre ellas “Waiting On The Western World”), ya que, al menos en las primeras filas, era prácticamente imposible escuchar su voz, tal como quedó refrendado en el imprevisto bis con el que regalaron a sus entusiasmados seguidores, nada menos que “Never Say Die” de Black Sabbath.

Fue una actuación directa y “a por la faena”, nada de desperdiciar el tiempo en charlas inútiles, un par de agradecimientos y fuera tonterías. Karma To Burn salieron a repartir decibelios además de clavar riffs aplastantes en el corazón los fans y punto.

CRONICA Y FOTOS POR LOCKY PEREZ

Johnny Winter- Sala Joy Eslava 19.7.10

maxcalloway — Fri, 23 Jul 2010 02:07:27 +0000

A pocos minutos de las 9:00 haciendo alarde de la puntualidad Inglesa Paul Nelson a la guitarra, Scott Spray al bajo y Vito Liuzzi con sus potentes redobles a la batería subieron al escenario, calentaron al público para “el diablo blanco”. No se hizo de rogar mucho Johnny Winter ya que apareció mientras sus compañeros seguían improvisando acompañado del brazo, como no podía ser de otra manera, de una chica del equipo.

Johnny presentaba una silueta mas bien delgada, muy pálida que dejaba entrever sus numerosos tatuajes, sus cejas casi transparentes y su larga cabellera rubia, casi blanquecina bajo ese sombrero negro que le caracteriza. Con sus manos sujetaba con fuerza una guitarra que nos llamó bastante la atención, una Erlewine Lazer negra. El público ovacionó a esta leyenda del Blues-rock de la década de los 60 nada más tocar la primera nota de su guitarra.

Comenzó la noche con un ‘Hideaway’ después de entregar unas pocas palabras al público, quizás las únicas que pronunció durante todo el concierto ya que fue bastante escueto en ese sentido, pero casi todo lo que podría o quisiera decir lo dijo deslizando las llamas de sus dedos por los trastes de la guitarra. Nos deleitó también con temas como ‘Sugar coated love’ de The Fabulous Thunderbirds, ‘Blackjack’ de Ray Charles o ‘It’s all over now’ de los Rolling Stones, temas que incluye en los últimos recopilatorios que lanzó Johnny Winter al mercado.

La velada empezó floja, quizás por la ecualización o la acústica de la sala ya que el bajo de Scott hacía retumbar toda la sala, a penas se oían los arreglos de Paul cuando Johnny hacía sus solos, que seguramente el tampoco oyera dentro del escenario ya que alguna vez se le escapaba una mueca de desaprobación y se acercaba a los amplificadores que tenía detrás. Pero a lo largo del resto de la velada esto se fue arreglando y no nos impidieron disfrutar de un gran show que terminó con una ‘Highway 61 revisited’ con la legendaria guitarra Firebird entre sus manos.

Texto por Max Ilzarbe

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Johnny Winter – Joy Eslava (Madrid), 19/07/2010

maxcalloway — Thu, 22 Jul 2010 02:07:26 +0000

A pocos minutos de las 9:00 haciendo alarde de la puntualidad Inglesa Paul Nelson a la guitarra, Scott Spray al bajo y Vito Liuzzi con sus potentes redobles a la batería subieron al escenario, calentaron al público para “el diablo blanco”. No se hizo de rogar mucho Johnny Winter ya que apareció mientras sus compañeros seguían improvisando acompañado del brazo, como no podía ser de otra manera, de una chica del equipo.

Johnny presentaba una silueta mas bien delgada, muy pálida que dejaba entrever sus numerosos tatuajes, sus cejas casi transparentes y su larga cabellera rubia, casi blanquecina bajo ese sombrero negro que le caracteriza. Con sus manos sujetaba con fuerza una guitarra que nos llamó bastante la atención, una Erlewine Lazer negra. El público ovacionó a esta leyenda del Blues-rock de la década de los 60 nada más tocar la primera nota de su guitarra.

Comenzó la noche con un ‘Hideaway’ después de entregar unas pocas palabras al público, quizás las únicas que pronunció durante todo el concierto ya que fue bastante escueto en ese sentido, pero casi todo lo que podría o quisiera decir lo dijo deslizando las llamas de sus dedos por los trastes de la guitarra. Nos deleitó también con temas como ‘Sugar coated love’ de The Fabulous Thunderbirds, ‘Blackjack’ de Ray Charles o ‘It’s all over now’ de los Rolling Stones, temas que incluye en los últimos recopilatorios que lanzó Johnny Winter al mercado.

La velada empezó floja, quizás por la ecualización o la acústica de la sala ya que el bajo de Scott hacía retumbar toda la sala, a penas se oían los arreglos de Paul cuando Johnny hacía sus solos, que seguramente el tampoco oyera dentro del escenario ya que alguna vez se le escapaba una mueca de desaprobación y se acercaba a los amplificadores que tenía detrás. Pero a lo largo del resto de la velada esto se fue arreglando y no nos impidieron disfrutar de un gran show que terminó con una ‘Highway 61 revisited’ con la legendaria guitarra Firebird entre sus manos.

Texto por Max Ilzarbe

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Kokoshca + Remate + Palisandro + Joaquín Pascual Ciclo El Subterráneo – Costello Club (Madrid) 14&15/07/2010 – La juventud que viene y las estrellas de aquí

vinitials — Thu, 22 Jul 2010 02:07:24 +0000

Foto: Kokoshca

Foto: Remate

Foto: Palisandro

Foto: Joaquín Pascual

Las noches del Costello en verano contienen el elixir del oasis en el desierto. Una defensa de los grupos emergentes, bajo el nombre del ciclo El Subterráneo, que podrán verse en la entrañable cueva del club del centro de Madrid, junto artistas más consolidados de la escena independiente nacional. La tercera semana de julio arrancó con una tanda de conciertos dedicada al sello barcelonés Repetidor discos, que cuenta en sus filas con grupos que pueden dar mucho que hablar en los años venideros, como Alado Sincera y Dúo Cobra, y que combina una diversidad de géneros. Asistimos a dos de las noches de esa semana, que también presentaba a un grupo del sello Birra y Perdiz.

El miércoles pudimos ver a unos pamplonicas Kokoshca muy guitarreros siguiendo la estela punk-rock con frescura y atendiendo a una filosofía del hazlo tú mismo bajo el legado del grunge de los 90, que recuperan el sonido de The Cramps y de Beat Happening. Graban en el sello Birra y Perdiz, y cuentan con fans como Antonna, guitarra de Los Punsetes, presente entre el público. Remate cerró la velada con un acústico desbordante, aunque menos afinado que en otras ocasiones. Y eso que es uno de los grandes crooners de nuestro país. A pesar de ser su cumpleaños, no fue el ambiente ideal para su música elaborada y tranquila. No encajaba en el cartel, más aún después de la energía punk expuesta antes por Kokoscha y con un público que no respetaba el silencio y al artista en escena. Remate presentó canciones en español de lo que será su próximo disco, que muestran más aristas de un cantautor que tiene mucho talento por descubrir. En español posee la misma fuerza que ha demostrado hasta la fecha en inglés. Ataviado con una camiseta de Michael Jackson, rescató grandes canciones de sus dos últimos discos ‘Safe & sound’ (Mushroom Pillow, 2008) y ‘On junk’ (Mushroom Pillow, 2006) que sonaron al desnudo, con su esqueleto primario y poderoso.

El jueves Palisandro encendió con un hardcore melódico que apunta alto y es que este trío barcelonés tiene madera. Y pueden proyectar más allá de la sombra de las bandas de BCore. Lo de Joaquín Pascual (ex Surfin’ Bichos y Mercromina) pertenece a otro planeta, provoca elogios hasta en otros músicos de la escena Indie (véase Javier Sánchez, guitarra de La Buena Vida y en Ama). Parado su proyecto colectivo como Travolta ahora apuesta por lo personal. Y es que se le ve cada vez más pletórico defendiendo las canciones de ‘El ritmo de los acontecimientos’ (El Genio Equivocado, 2010), un disco de escucha íntima, sincera, repleto de textos y músicas que incitan a la reflexión, a ubicarse en este mundo complejo que desdibuja al ser. Bajo esa maraña directa, instantánea, con un sonido de baja fidelidad, que refleja la energía, la rabia y la realidad con sus lado borroso, sucio, gris o multicolor. Estrenó una bonita Fender, a la que extrajo el sonido más limpio y lo-fi, ¡y eso que reconoció que estaba aún por domar! Pascual perfila su sentir en este mundo tan sumamente jodido, sensaciones y pinceladas que compartimos muchos y que retratan a una persona que va más allá de lo visible. Y es que Pascual además resulta doblemente interesante acompañado por una excelente cómplice como Ana Galletero (teclados, bajo). Interpretó trece de las diecinueve canciones que componen su disco, con estampas tan curiosas como la presencia de la religión, el tipo que te suelta un rollo y tu sólo le habías pedido un cigarro, las noches confusas y extrañas que producen colapso o cómo ver un beso de una pareja te llama la atención, te da buenas vibraciones, y ves las coincidencias porque es la unión y es la fuerza. También nos regaló dos canciones nuevas que saben a gloria, “Perdidos en el páramo” y “Estaré perdiendo el tiempo”, ésta última que parece que seduce a su perro. Fue una noche memorable. La grandeza del indie en petit comité.

Texto: Andrés Castaño

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Five Alarm Fire + Widow Makers – Gruta 77 (Madrid), 15/07/2010

charly — Wed, 21 Jul 2010 02:07:22 +0000

No puedo mentir y tengo que ser sincero y es que la razón que nos hizo acercarnos en el caluroso mes de julio es John Maurer que estuvo tocando el bajo en los fantásticos Social Distortion y que se nos presentaba con este nuevo proyecto llamado Five Alarm Fire ,razón suficiente para acercarnos.Las comparaciones con Social Distortion son inevitables y más teniendo en cuenta que en la última visita de Mike Ness en Madrid personalmente me desilusionó bastante y es que la banda salió con el piloto automático puesto algo que no pasó con John Maurer que salió al escenario con muchísimas ganas de de facturar una buena descarga, sin arrogancias y con un humor ciertamente particular que en más de un momento de la noche nos hizo sonreir y con una humildad y cercanía con la gente como pocas veces se pueden ver.

Pero antes de la descarga de John Maurer para abrir apetito teníamos a los excelentes Widow makers que provienen de las calles de Madrid y que personalmente desconocía su existencia causándome una grata impresión, con sonidos resultantes de combinar Country, soul y unas buenas pinceladas de punk rock, que dan como resultado a un grupo enérgico que saben mover a la gente y hacerles disfrutar con cada tema.Muy grandes, y la verdad es que uno no sabe como ha cometido el error de no verles en directo.Si te gusta el rock and roll de los 50, el punk, el soul y el country échales un ojo.

Al rato teníamos sobre el escenario a Five alarm fire comenzando con “This thing”, dispuesto a darlo todo sobre el escenario, a dejarse la piel, (con lo que de entrada ya nos tenía ganados), además de un buen humor como comentábamos antes, entre canción y canción.Musicalmente sus composiciones navegan por territorios muy cercanos a Social Distortion con pinceladas de punk y buenas melodías, lo que sin duda da como resultado unos temas frescos que se disfrutan.Cierto es que palidecen al compararlos con los de Social que aparecieron durante la noche, como “So far away”,“let it be me” o “Story of my life” que sonaría en la parte final del concierto, pero no debemos de caer en el error de compararlas ya que Five Alarm Fire son un buen grupo con composiciones que suenan realmente bien en directo, como “Workin man”, “Paids for” o “Back Home”.

Aparte hay que mencionar dos regalitos jugosos como las versiones de “Blitzkrieg bob” de Ramones y “Ring of fire” del grandísimo J. Cash que sonó cruda y salvaje en una actuación formidable que como única pega es la de la corta duración sobre el escenario,aunque para nada empaña el hecho de ver como una banda se deja la piel y desprende honestidad con cada acorde que toca como bandas legenedarias de nuestro rollo. En definitiva: Fabuloso

Texto y Fotos:Charly Rock and roll

Canned Heat – Sala Heineken (Madrid), 15/07/2010

charly — Sun, 18 Jul 2010 02:07:25 +0000

Celebran 40 años de historia y son uno de los grupos que han dejado una huella inborrable en todos los que amamos el rock con mayúsculas sin importarnos estilos,nacionalidad o edad y es que Canned Heat pertenecen a esa serie de grupos que nos dieron dos décadas gloriosas como los 60 y 70 que tenían el rock and roll y el blues por bandera,virtuosos de sus instrumentos, amantes de improvisaciones en directo y como no,metidos en el torbellino del sexo, drogas y rock and roll que se llevó a tanta gente y que en este caso lo hizo con dos miembros de la formación original como Alan Wilson y Bob Hite. Por todo esto era lógico que no nos perdiéramos su actuación en Madrid donde veríamos un concierto lleno de sentimiento como pocas veces hemos podido ver en un escenario y es que salvo contadas ocasiones que la banda acusaba algo de cansancio, (lógico, si tenemos en cuenta con que no son niños) disfrutamos de una noche de blues y rock and roll intenso.

La primera duda para aquellos que desconocíamos que la banda siguiera en pié era la formación que se acercaba a los escenarios españoles y es algo que fué resuelto nada más sonar los primeros acordes de “On the road again” con la que comenzaron. A la guitarra estaba Harvey Mandel,virtuoso con su instrumento que estuvo junto a Larry Taylor en John Mayal and the Bluesbreakers y una temporada en la banda mientras que en la otra guitarra teníamos a Dave Spalding, no demasiado conocido para el gran público pero es un músico curtido en mil batallas y que ha colaborado en muchas bandas que por desgracia no han pasado del anonimato y los dos miembros originales de la banda.Fito de la Parra a la batería y Larry Taylor al bajo.

La segunda duda estaba también muy clara y era respecto al set list, algo que se nos fué desvelando durante la noche y que para alegría de todos fué clásico tras clásico,tocados de manera magistral y perfecta,haciéndonos a todos retroceder a los setenta y disfrutar de placer como el tremendo “Bullfrog blues” , “Time was” o “Sugar bee” donde Dave Spaldingcogía la batuta cantando el tema estupendamente durante la primera parte del show que encadenaría con la segunda mitad donde aparecieron otros temas como “Goin up the country”, rock americano cien por cien que nos dejaba a todos locos y es que es una verdadera joya al igual que otros clásicos como “On the road again” y “lets work together”, siendo esta última la que apareciera en la recta final junto a ” Shake n Boogie” que daría fín al concierto en el que también hay que destacar el instrumental “Cristo redentor” perteneciente al primer trabajo en solitario de Harvey Mandel que también nos dejaría un buen sabor de boca.

Texto y Fotos:Charly Rock and roll

Festival Vigo Transforma (Vigo) – 9/07/2010

javieramosa — Fri, 16 Jul 2010 02:07:20 +0000

Devendra Banhart

Arte, tecnología y música se reunieron en Vigo para transformar por una semana la ciudad con la primera edición del “Vigo Transforma”. A ello ayudaba la propuesta de “Vasos Comunicantes”, dirigida por el gallego Isaac Cordal, desplegando en algunos espacios urbanos proyectos artísticos frescos y atractivos tales como performance, instalaciones multimedia o street art.

Rozando la ría de Vigo, en el muelle de Trasatlánticos, se situaba el montaje de dos escenarios para el festival de música, aunque las vistas al mar eran limitadas debido a la propia estructura del recinto. Eso si, la brisa se agradecía dado el calor del fin de semana.

Las puertas se abrían al público el viernes muy poco antes de empezar el primer concierto. Demasiado justo. Así la mayoría del público disfrutaba de la primera actuación de los coruñeses Triángulo De Amor Bizarro desde las enormes colas que se iban formando para comprar los tickets de las barras. Quizás la inexperiencia motivó este caos de organización el primer día.

The XX

Media hora tuvo la banda gallega para demostrar que siguen siendo lo mejor de nuestro panorama musical a un público que todavía estaba empezando a llegar. Nueva formación para presentar además su nuevo y segundo trabajo “Año Santo” por primera vez en Galicia. El sonido que ofrecieron no fue de lo mejor del festival, pero su potencia y garra sobre el escenario Heineken lo compensaron. Una buena oportunidad para disfrutarlos con más calma será a finales de julio en el Festival de Paredes de Coura, en Portugal, rozando con la frontera gallega.

Justo enfrente se ubicaba el escenario Xacobeo donde algunas legiones de fans ya estaban apiñadas en las primeras filas para no perder detalle del concierto de Devendra Banhart, uno de los más esperados en la tarde. La puntualidad si fue estricta en el festival y a las ocho aparecía el venezolano con nuevo corte de pelo. Y para convencer.

Además de la melena, aparcó en esta ocasión su psicodelia y mantra para dejar paso a un concierto más animado y divertido. O lo que es lo mismo, menos folk y más rock. Haciendo gala de un humor desconocido para muchos, se metió al público en el bolsillo, seguidores o no, con ritmos latinos como el tema “Carmensita”.

Y hubo tiempo para la melancolía y los ochenta con una versión del clásico “Tell it to my Heart” de la canadiense Taylor Dayne. Momento para disfrutar y bailar, como lo hacía el propio Devendra, arrancando más de una sonrisa. Y así respondió el respetable. Buen sonido y un recital muy entretenido de una hora, que quizás se hubiese merecido algo más de tiempo.

En un abrir y cerrar de ojos, las guitarras acústicas esperaban ya en el otro escenario a la voz de Jeff Tweedy, su única compañía sumada a una harmónica. El toque bizarro lo ponía una bandera española junto a él, para mostrar su apoyo a la selección en la Copa del Mundo.

Fanfarlo

Ofreció un bonito recital que luciría mucho más en un auditorio o en una sala pequeña que en un festival a pleno sol donde el público todavía estaba calentando motores y buscando una sombra para evitar el cañonazo de calor.

El set del cantante y guitarrista de Wilco, banda con uno de los mejores directos de los últimos años, se basaba en canciones del grupo en formato acústico. Abrió con un tema que ya tiene 14 años a sus espaldas, “Skunken Treasure” del segundo álbum de la banda de Chicago “Being there”.

Sin dialogar demasiado con la audiencia, repasó la trayectoria de la formación con canciones más recientes de su último trabajo “Wilco” (2009) como “One wing” o “I’ll fight”, sin dejar en el tintero “Theologians” o “The late greats”, clásicos del álbum “A ghost is born” (2004).

Rescató también “Please be patient with me” del álbum que sacarían tres años más tarde “Sky blue sky” (2007) y con “Jesús etc” se vivió uno de los momentos más mágicos de la tarde, canción del disco “Yankee Hotel Foxtrot”. Y le llegó la hora para promocionar una de los dos temas que ha escrito para el nuevo trabajo de Mavis Staples, “You are not alone”, producido además por el propio Tweedy. Concierto muy completo, aunque no encajó bien en el cartel y el público no le prestó demasiada atención. Y menos a última hora cuando cientos de fans ya se agolpaban en el escenario principal para ver a The XX.

Los primeros acordes de la formación inglesa fueron para “Intro”, mientras los cuatro componentes de la banda salían a la escena enfundados de negro. Mucha expectación por parte del público, en su mayor parte joven, para ver a uno de los grupos revelación del 2009 en el panorama indie, con su disco “XX”, editado hace apenas un año, en el mes de agosto.

Después de verlos en directo, en mi opinión les falta algo más de pegada, suenan como a menos revoluciones que en el disco y por momentos aburren. Es cierto que los conciertos pierden mucha vistosidad en horario diurno y no ayudan a crear en este caso, esa atmósfera gótica e intimista que pide su trabajo, como lo pedía a gritos la parte central del show con “Nigth Time” y “VCR”. Si en el Primavera Sound la iluminación de su concierto estuvo muy acertada, aquí brilló por su ausencia. Eso si, con todo un lujo de público, el señor Jeff Tweedy.

Os Mutantes

Tocaron su disco prácticamente entero y los temas casi en el orden de aparición del mismo. “Crystalised” y “Islands” enloquecieron a los más jóvenes, alargaron “Shelter”, tocaron su habitual cover “Do you mind?” y fueron varias veces ovacionados por sus fans. Poco expresivos, Romy y Oliver en escasas ocasiones sonrieron, y en lo que respecta a su show, el ambiente de su disco debut no llegó a empapar el recinto a última hora de la tarde. Quizás la noche fuese mejor campo de batalla.

Tres cuartos de hora tuvo a continuación Fanfarlo para hacer mover a los presentes con violines, trompetas o mandolinas. Inevitable recordar a Beirut, Clap your hands say yeah o Arcade Fire, banda que por cierto visitará este verano Galicia. Pero lo cierto es que estos chicos tienen nombre propio y lo hacen realmente bien, encabezados por el sueco Simon Balthazar.

De nuevo repaso a su por ahora único álbum, “Reservoir”, empezando con “The walls are comino down”, al igual que hicieron en el mes de mayo en el Festival do Norte, en Vilagarcía de Arousa. El disco, grabado en Conéctica en 2008 y producido por Peter Katis (Interpol, The Nacional…), ha conseguido también contar con fans declarados y de lujo, como David Bowie.

En su línea, ofrecieron un espectáculo divertido y con buen sonido. De lo más agradecido para un festival, y rozando ya la noche, donde los juegos de luces por fin empezaban a hacerse visibles y a crear un buen ambiente. Para cerrar el tema “Luna”. Un directo muy recomendable.

A continuación batallones de jóvenes esperaban ya excitados a Love Of Lesbian. He de decir que es un grupo que nunca me ha convencido y que me parece extremadamente aburrido. Algo en lo que me reafirmo después de ver un nuevo concierto de los catalanes. Eso si, sus fans los siguen allá donde vayan, porque a pesar de las innumerables ocasiones en las que han caído por tierras gallegas últimamente, la concentración de público fue de las más altas de la jornada.

Santi Balmes salió al escenario ovacionado desde el principio al final para repasar su carrera. No se salieron de lo habitual en sus recitales, y en el medio de todo, más de lo mismo, coros desangelados y sin fuerza, poca improvisación, pero eso si, unos seguidores totalmente entregados como en cada show, hagan lo que hagan. Y para ellos fueron algunas de las canciones más antiguas como “Noches reversibles”, “Los colores de una sombra”. El momento anecdótico surgió cuando Iván Ferreiro subió con ellos a escena en el tema “Incendios de Nieve”. Después vendrían “Ectoplasta” o “Me amo”.

Miike Snow

Totalmente predecibles, su tema escogido para cerrar fue “El club de fans de John Boy”, por supuesto sin obviar su tradicional playback como broche final con el tema “Algunas Plantas”, con coreografía incluida a lo full monthy (o fiesta de pueblo?). ¿Y todavía se hacen llamar artistas cerrando con semejante frikada?…

Sin duda Os Mutantes conformaban la cabeza de cartel de este primer día. La vuelta de los brasileños en 2006 después de más de tres décadas de silencio ofrecía una nueva oportunidad de ver en directo a Sergio Dias, el único componente que sobrevive de la formación original.

Sonaron bien pero hubo más pachanga que psicodelia en la balanza, con momentos estrella con el tema “El Justiciero”, uno de los obligados, sonando a orquestilla. En su repaso a la banda rescataron “Bat Macumbá”, “Panis er circenses” o “A minha menina”, de las más cantadas por el público. Las túnicas escogidas como vestimenta tampoco ayudaron en la puesta en escena. Evidente que no son lo mismo que lo que fueron. Quedan sólo las cenizas. Pero si estuvieron entretenidos e intentando empatizar en todo momento con el público, que siempre se agradece.

Y entremedias sonaron algunos temas de su último trabajo “Hair or amortecedor”, mucho menos conocidos para el público en general y más aburridos. Y para los amantes del baile, aún quedaba lo mejor, desde Suecia, la banda de electropop Miike Snow.

Hacía falta un poco más de carne en el asador y ellos la trajeron. Pena que muchos se marchasen dejando el aforo a medias. Envueltos en negro y con unas máscaras blancas que daban paso a la inexpresividad absoluta de sus rostros, aparecieron entre aplausos de la audiencia con la mejor puesta en escena del viernes. Con sólo un trabajo a sus espaldas, bajo su mismo nombre, lograron un buen cierre, haciendo mover a todos y cada uno de los presentes, que pedían más cuando sonaban los últimos acordes de “Animal”. Vista la jornada, de lo mejor para el punto y seguido de cara al sábado. No convenció nada la programación del cartel por horarios, deberían de fijarse más en el ritmo y en la intensidad de los conciertos, de menos a más, y no como ocurrió, que aquello era peor que el vaivén de una montaña rusa.

Texto: Nadia Corbeira

Fotos: Javier Amosa

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Crónica Fresh Weekend Festival – 2 y 3 de julio de 2010 – Cerceda, A Coruña

javijb — Thu, 15 Jul 2010 02:07:08 +0000

A mí modo de verlo, hay tres tipos de festivales: los que se centran en sangrar todo lo que pueden al público (la comodidad brilla por su ausencia y están repletos de cláusulas abusivas), los que simplemente están bien organizados (consiguen aprobar en todos los requisitos básicos y están montados con bastante profesionalidad) y los que están hechos con cariño, aquellos que se hacen desde el corazón por y para la música. Creo que Fresh Weekend corresponde a esta última categoría, aunque también tiene mucho de la segunda y nada de la primera. La gente de Progeve Music y LP45 Producciones logró una perfecta combinación entre la calidad del cartel, un recinto muy bien escogido y el deseo de bienestar de todos los que nos acercamos hasta Cerceda para disfrutar el que desde aquí calificamos como “el festival de música de electrónica del verano en España”. Y tras haber vivido la experiencia y pasado la resaca, el cansancio y el aturdimiento propio de un fin de semana demencial, lo reafirmo. De hecho, me atrevería a decir que la primera edición del Fresh Weekend fue de notable alto a pesar de unos cuantos fallos técnicos y climatológicos. Los primeros evitables, los segundos no tanto.
En cualquier caso, lo importante es el recuerdo que albergamos todos los que estuvimos allí de los dos días de música y diversión sin tregua que vivimos gracias a una gran organización, cartel y espíritu positivo que se encargó de llenar hasta el último rincón de esa localidad gallega.

Llegamos al mediodía del viernes y para entonces aquello era un ir y venir constante de coches, gente con tiendas sobre el hombro y bolsas de plástico con avituallamiento. Varias zonas de acampada situadas a ambos lados de la carretera, algunas más improvisadas que otras, comenzaron a ver brotar Quechuas como si de setas se tratara. Los prados que hasta hacía unos días parecían haber servido de zona de pasto de ganado se convirtieron en campings. Cerceda es un pueblo bastante gris y desprovisto de mucho encanto, más allá del de sus gentes, pero el paraje en el que está ubicado, como casi toda Galicia, es una auténtica maravilla natural. Y es que no concibo mejor ambiente para que fluya el techno que un paisaje rural rodeado de árboles como este.

Entonces ya sonaba la música pero no fue hasta la hora del vermú cuando nos acercamos al escenario azul a ver qué hacían Los Suruba. Tech-house fresco, que es lo que tocaba para abrir la jornada, aunque antes ya habían inaugurado la cabina los Freshquitos y Tintín. Me sorprendió que a esa hora la gente ya medio abarrotara la carpa. Había muchas ganas de bailar bajo las nubes que tapaban en sol pero no el voraz apetito de fiesta de las miles de personas que empezaban a abarrotar la zona. Sin duda alguna este era el mejor escenario de los cuatro. Grandísimo sonido, pantallas de leds, iluminación espectacular…En cuanto al recinto es una explanada de hierba circular que rodeaba el parque acuático. A lo largo de la misma muchos árboles, un riachuelo, bancos, numerosas casetas de tickets (freshquitos), comida, bebida…En fin, algo parecido al paraíso. Además, si hay algo reseñable es el precio tremendamente popular tanto de la comida como de la bebida. Que una copa cueste 4 euros en un festival a estas alturas de la vida me parecía algo impensable hasta que conocí el Fresh Weekend.

Después de llenar el estómago el festival comenzó a coger vida. Ubi tomó el escenario Rojo, los chicos de Downbeat el blanco, el más pequeño de todos y el que la gente se encargó de ignorar durante casi todo el festival y Uner tomó los mandos la zona azul. Este último sonó muy potente pero demasiado estirado, pero a la gente no pareció importarle en exceso ya que la carpa siguió llena en detrimento del resto de zonas. Pero bueno, había que tomárselo con calma, que aún teníamos unas catorce horas por delante, así que optamos por la degustación de uno de los fantásticos mojitos que fabricaban con mimo los chicos de la caseta junto al río y nos espanzurramos encima del césped.

La fiesta comenzó realmente en el escenario grande con John Axiom & David Granha. Correctos pero sin sorpresas. Mientras tanto el showcase de Cadenza puso en el aire las primeras notas rebosantes de clase del día a cargo de Darya y Robert Dietz. Tech-house bailable y genuino que disfrutamos brevemente ya que era el turno de ir a por uno de los nombres a los que más ganas teníamos de ver el viernes, Aril Brikha. A pesar de que no logró deslumbrar sí que dispuso máxima elegancia sobre los platos. Atmósferas bien recreadas y aunque pecó un poco de linealidad y renqueante estructuración de su live, hits como “Winter” consiguieron hacernos entrar en calor. A las que parece que no les convenció su directo fue a las nubes. Estuvieron aguantando hasta entonces pero tras el sueco se desató el diluvio. El gran perjudicado fue Marc Marzenit, mago del sonido y poseedor de producciones tan magistrales como “Spheere”, pero para bañarnos ya teníamos las piscinas, así que hubo que salir corriendo de allí. El chaparrón cesó a tiempo para Octave One pero por alguna razón que desconozco nos perdimos al que dijeron que fue de lo mejor del festival y acabamos retomando la fiesta frente a Brodinski. Éste hizo lo que mejor sabe, tirar de su maleta repleta de electro pachanguero y hacer botar al personal. Divertido pero sin sustancia. Música idónea para cuando vas profundamente cocido. Como no era el caso al rato tiramos para el maestro del bailoteo, el señor Alexander Kowalski. El día en el que deje de deleitarme con una sesión que me vuelva loco cambiará mi parecer sobre él, pero hasta entonces seguiré disfrutando de su genial olfato para dar al público lo que quiere como el que más. Creo que con él pasa un poco lo mismo que con 2Many dj’s. Aunque la música que pinchan es distinta ambos son de esa clase de dj’s cuya misión es reventar las pistas con canciones impredecibles que consiguen funcionar tremendamente bien, véase por ejemplo el remix de “Idioteque” de Radiohead que se le ocurrió cascar al alemán. Luego ya gracias a clásicos como “Lock My Up” o “Speaker Attack” nos hizo botar como posesos. Tanto que casi rodamos a causa del barrizal y lo empinada que era la cuesta de la más que discutida ubicación del escenario Verde.

Lamentablemente hubo problemas con el vuelo de Luciano, a causa de la tormenta que asoló el cielo de Madrid y nos quedamos sin disfrutar de uno de los principales cabezas de cartel viernes. Y con esta, la segunda jugada que el jodido clima nos hacía en la primera jornada del festival.
Pero bueno, la noche seguía su curso y tras Kevin Saunderson, que dejó a un lado su faceta más verbenera para hacer una correcta sesión de techno sin florituras, aunque con temas tan tremendamente trillados como “The Bells” o “Spastik”, llegó el turno de dos piezas básicas del electro actual, The Hacker y dj Hell. Desgraciadamente decidieron no complicarse la vida y se acomodaron frente a la mesa sin tomar ningún riesgo. Y quien no arriesga no gana, de modo que lo de ambos fue un tanto mediocre, aunque efectivo. Y es que muy mal se te tiene que dar para que el público no responda a esas horas de la noche. Si a la falta de demasiada materia gris musical añadimos algún que otro problema técnico, el resultado es evidente, ambos pasaron por Cerceda sin pena ni gloria. Hell se fue muy cabreado una hora después de comenzar a pinchar por lo que The Glimmers tuvieron que suplir su hueco para rellenar. En el escenario Verde Sandwell District pusieron el broche final a la jornada del viernes olvidándose del directo y dedicándose a pinchar de la forma tan mediocre que Regis y Function saben hacerlo. Un rato después dieron la razón al cansancio de nuestras extremidades y decidimos encaminarnos hacia la salida.

Nos hubiese gustado que la noche hubiera acabado cuando el reloj estaba a punto de marcar las seis de la mañana, pero no fue así. Raves improvisadas en la zona de acampada asesinaron nuestro descanso a ritmo de techno machacón.

Así que nada, un rato después comenzaba el día. Unas cuantas zambullidas en el discreto Aquapark y camino de Cerceda a buscar un chuletón con el que reponer nuestras maltrechas energías. Acabamos en el restaurante Tío Pepe en el que una parrillada nos devolvió la vida para enfrentarnos a la jornada del sábado.

La fiesta debería haber comenzado con Henry Saiz pero una enfermedad impidió que pudiera acudir a su cita. Le sustituyó Tintín pero se acercaba la hora del partido de España- Paraguay y había que animar a la Roja. Sí, sí, ya sé, puto país en el que se antepone el fútbol a cualquier otra cosa, pero qué podíamos hacer después del detallazo de la organización. Y es que pusieron una pantalla gigante frente a la explanada principal para que todo el mundo pudiera ver el Mundial. Así que nada, miles de personas se agolparon allí para celebrar con un grandísimo clamor el gol de Villa que nos llevó a la victoria. Quién iba a decir días después acabaríamos ganando la copa… Lo que sí estaba un poco más claro es que Convextion iba a entrar en el podium de lo mejor de todo el festival. Una pena que coincidiera con el fútbol y fueran pocos los que presenciásemos, en intervalos fragmentados, su impresionante despliegue de dubstep con matices minimal e IDM. Por suerte, los que se lo perdieron y estuvieron un poco espabilados tuvieron la oportunidad –azarosa, eso sí- de disfrutar de su directo en el escenario Blanco debido a la cancelación repentina de Patrice Scott por haber perdido el vuelo. Seguro que alguno de sus vicios incontrolables tuvo algo que ver. En cualquier caso el bueno de Convextion se marcó un live totalmente improvisado y que ni siquiera se anunció; la única forma de enterarse fue el boca a boca. Lo cierto es que la última hora de la tarde fue el momento de coincidencias más desesperante. Si no teníamos bastante con la solapación del texano con la Roja súmale también la actuación de Aeroplane. Sólo pudimos ver un rato a la versión individualizada de los italianos pero sus remixes cósmicos y sus punteos del Chart Mix lograron hacernos bastante felices.

Christian Wünch lo hizo bien pero sin ofrecernos nada que incitara a algo más que un leve contoneo. Todo lo contrario que Oxia un rato más tarde. El francés logró sorprendernos con su techno-house melódico granado de producciones tan exitosas como “Domino” o “Whole Life” y enfilar con gran destreza lo que sería una noche de saltos y compadreo con todo aquel con el que nos topamos. Reeko nos hubiera obsequiado con una sesión vibrante si no hubiera sido por un sonido embarrado y carente de nitidez. La saturación de los graves nos forzó a caminar en dirección a la carpa para disfrutar de Guy Gerber. Y vaya que si disfrutamos. Se marcó un live de techno melódico impresionante y lleno de clásicos con los que saltar sin control. Tras éste la calidad no menguó en la zona azul ya que Steve Lawler logró fascinar al público con un gran sonido, espectáculo e impactantes visuales. Lo que sí es cierto es que daba igual quien pinchara en la carpa porque estaba llena a todas horas. De hecho diría que el 75% del público femenino se pasó allí prácticamente todo el festival.
A ratos también pudimos acercarnos al escenario blanco a ver qué estaba haciendo el mejor que pasó por esa pequeña carpa en todo el fin de semana, el señor Fred P. Nada menos que 6 horas de sesión que a algunos incondicionales les hizo echar raíces encandilados con su magnetismo a caballo entre el house y el techno más profundo e incluso alguna concesión al nu-jazz. En definitiva, calidad por los cuatro costados muy bien conducida por sus manos expertas.

Un decepcionante Redshape obvió sus mejores temas y optó por una sesión infectada de vacuidad repetitiva y rancia monotonía. Una hora después daría paso al gran Dave Clarke que se encargaría de clausurar el festival al ritmo de frenética zapatilla technófila pero decidimos alternar también con el escenario Rojo para llenarnos un poco el alma de electro. Y es que allí Arnaud Rebotini y sus Blackstrobe ofrecieron algo totalmente distinto al resto de la jornada. Hicieron un directo arrollador y muy rockero gracias a sintes, guitarras, batería y teclado que a través de trallazos como “Shining Bright Star”, “Burn your Own Church” o “I’m a Man” que hicieron que todos los allí presentes enloqueciéramos sin remedio. Incluso Rebonitini se atrevió a coger el micrófono y deleitarnos con su destreza vocal que, todo sea dicho, es más bien limitada. Este escenario se encargó de cerrarlo el pistero Zombie Nation. Se ganó nuestro beneplácito gracias a un puñado de temas del Zombielicious que aún continúa presentando y bombazos como “Kernkraft 400”. Pero el cierre del Fresh Weekend correspondía al maestro atómico Dave Clarke. Muy inspirado y con ganas de currárselo desempolvó la mesa de mezclas como un loco a base de efectismos, enrevesadas estructuras con atronadores graves emergentes y tecnicismo en estado puro. Dejó a un lado los temas más comerciales a favor de una grandísima sesión de techno por techno. Arrollador como mandan los cánones del estilo. Y con el bombo repicando en nuestra mente maltratada y una fatigada sonrisa pintada en nuestras caras nos fuimos a reposar un poco antes del largo viaje de vuelta a Madrid.

El balance final fue la actuación de más de 70 artistas nacionales e internacionales, un presupuesto cercano a los 350.000 euros y una congregación de más de 16.000 personas. Una arriesgada y victoriosa apuesta que nos deja una gran noticia: esta es la primera, pero no la última edición del Fresh Weekend ya que el próximo año Progeve y compañía volverán a las andadas. Y esperemos que entonces el clima nos conceda un respiro para que el nombre del festival no adquiera, como ocurrió este año, la connotación que nos hizo tener que llevar sudadera y aún así castañear los dientes en algún momento. Asimismo confiamos en que no se produzcan tantas cancelaciones inesperadas y la organización mejore esos pequeños matices de sonido, horarios, aumento de zonas de acampada e irregularidades en el terreno del escenario grande para que la segunda edición del Fresh Weekend sea absolutamente perfecta. Todo lo bueno (que es mucho) mantenedlo, por favor. Y por supuesto que sepáis que nos vemos el año que viene, llueva o nieve.

Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco

Adriana Calcanhotto + Marianne Faithfull – Veranos de la Villa Escenario Puerta del Ángel (Madrid) 9/07/2010 – El lado radiante de Brasil y la musa del rock and roll

vinitials — Tue, 13 Jul 2010 03:07:37 +0000

Foto: Adriana Calcanhotto

Foto: Marianne Faithfull

Una noche atípica por un cartel curioso y desenfocado, no se sabía el motivo, la razón o la excusa para reunir a una brasileña y a una inglesa con estilos musicales distintos. Y generaciones alejadas. Las chicharras cantaban al calor mortal y arrullaban el ambiente cuando salió a escena Adriana Calcanhotto, abriendo la noche. La natural de Porto Alegre vino en solitario pero radiante con un vestido naranja y un chal verde por un lado y amarillo por el otro, como demostrando su brasilidade. Desde el primer momento se ganó a la audiencia. Únicamente acompañada por sus guitarras. A Calcanhotto no se le queda pequeño, ella posee carisma y seduce y se come el escenario. No posee una voz deslumbrante, incluso parece que se le va a quebrar, pero consigue conectar y se muestra cercana. Cumple con homenajes muy sentidos a los grandes de la MPB (Música Popular Brasileña): a Vinicius de Moraes “Ele é carioca” o “Eu sei que vou te amar”; a Joao Gilberto con “Bim Bom” o a Caetano “A cora amarela”. Una vistosa versión del “Resistiré” del Dúo Dinámico saca el lado más revolucionario. Más forzadas quedan las versiones de “Clandestino” (Manu Chao) y “Music” (Madonna). Recupera canciones de toda su discografía que brillan con su propia estrella “Sem saída” es magnífica y contiene intriga y misterio, “Fico assim sem vôce” una deliciosa canción de amor, “Vambora” o “Esquadros” son baladas que brillan y que canta la comunidad brasileña mientras oscurece en Madrid. Ella encantada de tocar en Madrid y el público emocionado con alguien con encanto, con preciosas canciones. Supo a poco su concierto de una hora. Calcanhotto tiene el don de conmover. La queremos ver más a menudo por nuestras latitudes y vivir experiencias grandiosas.

Marianne Faithfull salió acompañada de un guitarrista virtuoso, que con su pedalera conseguía incluir varias guitarras, grabándolas previamente. La musa del rock and roll tiene encanto, humildad, pero su voz quebrada no consigue cautivar. Canta historias malditas que le quedan lejos de sus tiempos de juventud, y que recuerda aquellos setenta como groupie junto Keith Richards y Mick Jagger. Recupera las canciones que le escribieron los dos Rolling, la maravilla que es “As tears go by”, o también “Sister morphine” o la más reciente “Sing me back home”. Rescata “Broken english”, pero algo no encaja en el puzzle. Quizás las piezas no son tan magnas para engancharnos o su voz se pierde en la noche. En sus últimos discos se ha sabido juntar con los mejores músicos de la escena británica, Jarvis Cocker, Beck, Rufus Wainwright, Anthony (& the Jonhnsons) o Nick Cave, pero aún así falta algo. Gustó su canción compuesta por Nick Cave “Crazy love”. Algunas canciones sobresalen pero el resultado global deja indiferente. El público la honró con muchos aplausos. Faithfull desprende simpatía y se rodea de buenos músicos y compositores, pero eso no es suficiente para que la fórmula funcione. Y su concierto no pasó de lo correcto, con canciones memorables y otras que no pasan de lo correcto. Una mujer que fue testigo de lo grande del rock and roll, pero nada más, y nada menos.

Texto: Andrés Castaño

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Alice In Chains (Razzmatazz – Barcelona 06-07-2010) El grunge ha muerto… ¡viva! Alice In Chains!

locky — Sat, 10 Jul 2010 02:07:29 +0000

FECHA: 06-07-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Sala Razzmatazz 1
GRUPO: Alice In Chains
DURACIÓN: 110 minutos
PROMOTOR: Last Tour International

Que el grunge ya es historia es un hecho irrefutable y que Alice In Chains han sabido resurgir de las cenizas con absoluta dignidad quedó patente el pasado 6 de julio durante su brillante actuación en una sala Razzmatazz con algo más de tres cuartos de su aforo copado por los incondicionales de la banda estadounidense quienes pudieron disfrutar de un concierto de los que dejan huella, con un sonido espectacular y una entrega de los protagonistas repleta de empuje y compromiso para con sus seguidores.

Obviamente, en el trasfondo de la presentación estaba marcado por la presencia de William DuVall, finalmente sustituto del fallecido Layne Staley después de haber participado en el proceso de retorno durante cierto periodo.

Tras arrancar con “All Secrets Know”, de su último álbum, Black Gives Way To Blue, el primer “subidon” llegó inmediatamente con “It Ain’t Like That” y su ritmo hipnótico apoyado en esa especie de aullido guitarrero; para continuar con los perfiles desenfadados de “Again” y volver a los tonos densos con una de las mejores piezas de su más reciente disco, “Check My Brain”

Llegados a este punto, y sin entrar en comparaciones inútiles, es de obligación destacar la actitud de William, sabedor de que muchas miradas estaban puestas en su labor, el tipo demostró tener madera de frontman, moviéndose de un lado al otro del escenario para “asomarse” al borde del mismo y quedar prácticamente a dos palmos de las primeras filas de un entusiasmado público. Obviamente, esto no significaría nada si sus condiciones vocales no estuvieran a la altura y, en ese aspecto, sus registros, sin ser iguales que los del malogrado Layne, tienen una gran consistencia y variedad. Por otra parte, al hacerse cargo de las partes rítmicas de guitarra en determinadas canciones, resultaba un soporte adicional para que Jerry Cantrell quedase libre para desarrollar con tranquilidad las partes solistas.

Después de mantener a los seguidores en un estado de continua excitación con canciones como, “Them Bones”, “Dam That River” y “Rain When I Die”, llegó el momento de bajar las revoluciones y afrontar la parte más sosegada del concierto recurriendo de nuevo a Black Gives Way To Blues con “Your Decisión”, seguida de “No Excuses” del EP Jar Of Flies, cuyo inicio con los compases de batería fue recibido con aplausos por la concurrencia.

Con el espectáculo ya en plena ebullición, los agradecimientos por parte de William y Jerry no se hicieron esperar, mientras el bajista Mike Inez mantenía una sonrisa perenne de oreja a oreja dejando constancia visible del buen momento que estaba pasando. Menos vistoso por encontrarse al fondo de un sobrio escenario pero igual de efectivo Sean Kinney manejaba las baquetas con total precisión.

Repartiéndose las tareas de voz solista, Jerry y William acapararon la atención de forma alternativa, el primero algo más estático y recatado y el segundo con una actitud vitalista de principio a fin que terminó por convencer de que, seguramente, es el mejor reemplazo posible que ha podido encontrar Alice In Chains para el puesto de cantante.

Dos irrupciones de carisma guitarrero como “We Die Young” y “Last Of My Kind”, con el grupo arrastrándonos hacia terrenos tan sombríos como desestabilizadores, hicieron de puente para un nuevo momento de calma con “Rotten Apple” y dejar el camino listo para un último tramo donde aún quedaban “suculentos platos” por degustar.

“Lesson Learned”, “Acid Bubble” (con su impresionante cambio de dinámica y la entrada de un riff corrosivo y matador) y la sentimental “Down In A Hole” prepararon el desenlace final compuesto por dos temazos como “Angry Chair” y “Man In A Box”, con la guitarra gimiendo casi de forma humana.

Quienes pudimos presenciar la actuación de Alice In Chains al margen del circuito de festivales, tuvimos la suerte de poder deleitarnos con un set list mucho más amplio con un tiempo cercano a las dos horas de duración y con un bis en el que incluso añadieron un tema no previsto de salida, “Love Hate Love”, al que siguieron “Would?” y “Rooster”.

Fue una actuación de las de recordar, por la entrega de los músicos, respaldados por la nitidez de la parte sonora y un repertorio en el que poco de lo mejor se quedó fuera y del que se pudo sacar la conclusión de que los temas de su último disco, del que tocaron seis canciones de las once que lo componen, encajan perfectamente entre sus mejores obras.

Las buenas vibraciones transmitidas desde el escenario fueron respondidas con pasión por los aficionados y la conjunción de ambas posiciones determinó el reparto de satisfacción entre ambas partes. En la despedida, una generosa lluvia de púas inundó la pista para que los más rápidos y hábiles se zambulleran en busca del preciado recuerdo.

SET LIST

1. All Secrets Known
2. It Ain’t Like That
3. Again
4. Check My Brain
5. Them Bones
6. Dam That River
7. Rain When I Die
8. Your Decision
9. No Excuses
10. We Die Young
11. Last of My Kind
12. Rotten Apple
13. Lesson Learned
14. Acid Bubble
15. Down in a Hole
16. Angry Chair
17. Man in the Box
BISES
18. Love, Hate, Love
19. Would?
20. Rooster

TEXTO, FOTOS Y VIDEO, LOCKY PEREZ

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Azkena Rock 2010 – Mendizabala, Vitoria – 26/06/2010

javijb — Thu, 08 Jul 2010 02:07:44 +0000

Llegó el sábado y con él el agotamiento propio de dos días de excesos, multitud de conciertos, bailes, resaca acumulada y horas de sueño difuminadas a lo largo de la zona de acampada. El cuerpo se resentía pero la mente y el corazón ansiaban más música. Así que unos cuantos chutes de bebida energética a base de cafeína, taurina y vete a saber tú qué más, y a disfrutar de la mejor jornada de todo el Azkena Rock Festival 2010. El cierre del festival rockero por excelencia en España registró la mayor asistencia hasta la fecha y supuso la última edición antes del décimo aniversario, en el que por cierto Last Tour ya está trabajando. En esta ocasión y por primera vez, preguntando a su público más fiel, los foreros, cómo harían ellos que el festival fuera más especial que nunca. A título personal, con que tenga artistas de calidad tan desbordante como los que presenciamos el pasado sábado 26 junio, me conformo.

La jornada comenzó a la hora del vermú en la plaza de la Virgen Blanca. El encargado de quitarnos las legañas fue El Vez, o lo que es lo mismo, el Elvis mexicano. Una plaza abarrotada recibió a los mariachis rockeros con el calor al que está acostumbrado. Y es que es un payaso entrañable y con mucho ritmo. Su misión es divertir al personal y gracias a su explosiva mezcla de rock and roll, rancheras y folklore tradicional lo consigue con creces. Lo normal es que la primera vez te parezca un auténtico genio pero en lo sucesivo te acaba causando la impresión de que es más hortera que genial. Por lo que a mí respecta, estoy seguro de que nunca lograré aburrirme en uno de sus conciertos. Será que siento debilidad por las verbenas kitsch.

Horas después prendió la mecha de nuestra particular selección de pólvora rockera otro heredero del legado de Elvis, el señor Robert Gordon. Lengendario y carismático a partes iguales pero al que le pasaba algo parecido a lo que le pasó a Imelda, el escenario de un festival no consigue arropar su concierto como merecería. Tanto él como su banda tienen un talento indiscutible, qué decir de Chris Spedding, Phil Grasy Carlisi o Slim Jim Phantom y por supuesto de la impresionante voz de Gordon, y sin embargo el concierto fue más frío de lo deseado. Como las gotas que por primera vez en todo el fin de semana comenzaron a caer del cielo, arrugando algún que otro tupé del respetable. Da la sensación de que el mito es un pequeño mercenario al que no le apetece esforzarse mucho por fregar el escenario con su sudor. O dicho de otro modo, es imposible objetar nada de la calidad musical y ejecución del repetorio pero lo que sí se puede hacer es acusar al señor Gordon de ser más vago que los ojos de Espinete. No obstante, aunque sólo fuera por maravillosas concesiones como el “Fire” de Springsteen, mereció mucho la pena disfrutar de su directo. Además, nosotros sí que bailamos, y a base de bien.

Y del rockabilly de los ciencuenta al coctel de Pop, Rock and Roll, Blues y Country sesentero de Terry Adams y los suyos, los tremendos NRBQ. Y es que el nombre es difícil de recordar, y sino que se lo pregunten a mi padre. New Rhythm and Blues Quartet es que es muy largo. Además, como al principio eran un quinteto…Pues eso, un lío. Lo realmente importante es el inolvidable rato que nos hicieron pasar. De hecho, me atrevería a colocar su concierto en el podium del festival, en rivalidad dispar con los Damned, quizá. En definitiva, maravilloso eclecticismo con momentos tremendamente dulces, gracias a bellas canciones como “Little Floater”, y otros poderosamente brillantes como su incitación a convertir la pista en el baile de fin de curso gracias a una de las mejores versiones que se han hecho de Johnny Cash, “Get Rhythm”, con la que además despidieron su concierto. Pletórico Terry Adams, como siempre. Una lástima que tuviera problemas de sonido y eso consiguiera crisparle un poco los nervios y la concentración. No obstante, logró solventarlo bien y lo dicho, gran concierto, caballeros.

Y antes de que nos diéramos cuenta, las 9 de la tarde. La hora más esperada del festival y posiblemente del año, para todos los amantes de la leyenda que estaba a punto de subirse al escenario principal. El compositor más grande de la historia del hombre al fin vino a Mendizabala para saldar la deuda que tenía con el festival. O más bien al revés. Por primera vez en todo el día, el recinto se convirtió en una auténtica marea humana. Quita, expectante y mirando en una única dirección: la puerta por la que aparecería Bob Dylan. Su imprevisibilidad podía hacerle a uno temerse lo peor, en el caso de dejarse tentar por su pesimista desconfianza, y que al maestro le diera por dar la espalda al público durante todo el concierto, acurrucarse en una esquina y balbucear sus temas más desconocidos como si estuviera él sólo en un tugurio de Minnesota. Pero la confianza que te otorga el amor más incodicional llenó de tranquilidad a sus fans. Y es que el único pensamiento que vale cuando realmente amas su música es aquel que definió Ray Loriga en un relato: cuando nuestros hijos nos pregunten ¿por qué estamos en este mundo? La respuesta es muy sencilla: Para escuchar la música de Bob Dylan.

Y eso fue lo que hicimos. Y de qué forma. Dylan agrandó su leyenda con un concierto soberbio. Desde el primer momento comenzó a bailar de instrumento en instrumento, teclado y armónica y sorprendentemente la guitarra, de la que apenas se despegó. “Rainy Day Women” rompió el hielo de forma magistral y con una sonrisa anclada en su rostro impertérrito empezó el recital. El comienzo del concierto estuvo prendido con queroseno y es que tras ésta nos deleitó con nada más y nada menos que “Don’t Think Twice, It’s All Right”, “Stuck Inside Of Mobile With The Memphis Blues Again” y “Just Like A Woman”, canción en la que incluso dio pie al público a que coreara el estribillo. Vaya, que a esas alturas de la velada él y su voz quebrada ya habían cerrado muchas bocas. O mejor dicho las bocachanclas de todos aquellos que se pintaron la jeta para ver a KISS el día anterior y gozan como gorrinos en el barro rajando primorosamente de Dylan. La justicia divina sería que el ardor se apoderara de su organismo pero bueno, mientras Bob tenga noches pletóricas como ésta para demostrar el por qué de su leyenda supongo que es suficiente.

Se le vio satisfecho y disfrutando de las buenas vibraciones que transmite el ya histórico lugar para la historia del Rock en España que es el recinto vitorino. Con el sobrero bien ajustado y las gafas de sol en el bolsillo dedicó miradas cómplices a su genial banda y leves sonrisas al adulador público. Prosiguió con “Honest With Me”, “Simple Twist Of Fate”, “High Water (For Charley Patton)” y “Blind Willie McTell”. Todas ellas tocadas distintas, del modo en el que a él le gusta. Versiones de Dylan hechas por el propio Dylan. Irreconocibles para los oídos poco adiestrados pero llenas hasta los bordes del espíritu grabado con la tinta que pinta de arte el corazón. Y de este modo terminó de rasgar nuestro alma de arriba abajo con su aspereza bluesera, sus casi 70 años y gracias al himno inmortal “Highway 61 Revisited” y la sorprendente y transformada “Shelter From The Storm”. Después se marcó “Thunder On The Mountain” del Modern Times para dar paso a la definitiva “Ballad Of A Thin Man”. Y tal como vino se fue. Podía haber acabado aquí la cosa, pero no. Volvió a salir al escenario, aún estando fuera de tiempo, para rasgar el viento que soplaba en Mendizabala y que precedía a la tormenta, con la canción más influyente de la historia de la música popular, esa obra maestra llamada “Like A Rolling Stone”. Y así, Dylan preguntándonos “How does it feel?”, nosotros respondimos sonrientes “mejor que nunca, señor Dylan”. Y entonces nos dio las gracias a su manera, con elegancia infinita, cogió su guitarra, y se fue.

Mientras comenzó el cambio de backline en el escenario principal, la carpa fue clausurada por Toilet Boys. Ese grupo neoyorkino de Glam Punk que destila crudeza dentro de un amaneramiento extremo, en su mayoría forzado por su enérgico frontman (por no decir frontgirl), Miss Guy. Repasaron los mejores temas de su carrera y homenajearon a los Ramones con una divertida despedida, versionando la canción más versionada de la historia del Punk, “Blitzkrieg Bob”.

Ya en en Limbo parecía que nada ni nadie podría rodearnos con más nubes todavía. Pero no fue así, porque no tardó en subirse al escenario, aún con la estela de Dylan flotando entre los altavoces, el caballero de los caballeros, ese dandi llamado Chris Isaak. Y cómo son las cosas, acabó convirtiéndose en el gran triunfador del festival. No es que nos sorprenda, es de sobras conocido su talento, pero es que el concierto que ofreció está a otro nivel, por encima de cualquier expectative posible. Fue sencillamente maravilloso. Y es que el cielo, incapaz de soportar que Isaak que robara todo el protagonismo y nadie le prestara la más mínima atención, absortos todos en la genialidad de uno de los mejores frontman del mundo del Rock, decidió descargar sobre Vitoria una tormenta malvada. De modo que canciones como “Forever Blue”, “Blue hotel”, “Wicked game”, “Baby did a bad bad thing” o “San Francisco days” pusieron la banda sonora al diluvio más delicioso bajo el que me he encontrado.

Cuesta trabajo concebir cómo se puede cantar con una voz tan prodigiosa. Y sobre todo cuesta creer que se pueda ejecutar cada canción con semejante perfección. Él y su banda engrasados de una forma que haría sonrojar a cualquiera. Y es que piezas artísticas que en boca de otro quedarían en exceso edulcoradas, él logra hacer que le acompañes en sus falsetes con lágrimas en los ojos y tu virilidad se mantenga completamente intacta.
A sus 54 años, que por cierto cumplió durante el festival, este showman absoluto hace ya mucho tiempo que va ligado al calificativo de estrella y gracias a que sigue facturando música tan rebosante de calidad como la encontrada en su último trabajo Mr. Lucky lo será durante mucho, mucho tiempo.
Mientras tanto, en los camerinos unos ladrones de medio pelo birlaron la Skyway del guitarrista de Isaak, Hershel Yatovitz. Al parecer la investigación avanza poco a poco y esperamos que encuentren pronto a los tipos que ahora mismo deben estar mirando la guitarra en sus casas mientras piensan “y ahora qué hacemos con esto”.

El cowboy rockero no dejó ni un solo detalle en el tintero para que el concierto fuera redondo. Estuvo henchido de vitalidad, bromeó, contó anécdotas –como aquella de cuando conoció a James Brown-, se mezcló entre el público para cantar con él una fastuosa “Love Me Tender”, interpretó divertidas coreografías junto a su banda, se convirtió en una bola de discoteca después de desaparecer tras los bastidores y embutirse en un traje de espejos y en definitiva, entró en perfecta comunión con un público entregadísimo, indiferente a la que estaba cayendo. Además de unas cuantas piezas de su último disco, interpretó los mejores temas de su carrera e incluso el cover “Pretty Woman” de su admirado Roy Orbison. Y cuando ya teníamos hasta los gayumbos completamente calados le dijeron que ya era hora de cerrar el chiringo. De modo que con un “hasta pronto, maestro” le despidió una gran ovación. Y diez minutos después la lluvia cesó. El cielo ya había perpetrado su venganza.

Y a estas alturas de la noche ya sólo quedaba la traca final. Los dos grupos más cañeros del día –The Hives y Bad Religion-, que es lo que demandaba la clientela, y más aún después de estar calada hasta los huesos o adormilada tras resguardarse de la lluvia durante casi dos horas.
Si hay un grupo que se crece en los escenarios festivaleros, esos son The Hives. Cada vez que les veo se semejan un poco más a peces que nadan a sus anchas entre algas de metal. A veces consiguen ser tiburones, pero más bien son centollos dándoselas de reyes del océano. Pero bueno, son enormes en lo suyo, que es dar espectáculo y taladrar los oídos del personal con su fiereza rockera de tintes garageros y punkrockers. Gracias a trallazos como “Hate To Say I Told You So”, “Walk Idiot Walk” o “Tick Tick Boom”, los suecos hicieron moverse al público como nadie había conseguido en todo el día. El hecho de que sus canciones ganen tanto en directo, que el volumen fuera atronador y que los allí presentes ya llevaban cerveza en la sangre como para parar el Talgo, hizo que la acogida fuera la esperada por el charlatán Almqvist. Porque sin duda lo esperaba, por algo se cree que su grupo es el mejor que ha pisado nunca cada escenario sobre el que desfila su elenco de marineritos suecos. No obstante y aunque los parones fueron constantes entre canción y canción, he de reconocer que se ha relajado un poco y ya no es el coñazo de fácil vomitona de ego que era antes. Así que lo dicho, una gran puesta de escena y una verbena rockera perfecta carente de los aires de nostalgia que tiñeron el resto de la jornada. Pero bueno, a mí me gusta la nostalgia positiva así que, aunque creo que su presencia era necesaria, me quedo con lo vivido horas antes.

Por último, y como colofón final, el regreso del grupo vivo de Punk Rock más grande del mundo, con el permiso de Social Distortion y Rancid, celebrando su treinta aniversario, Bad Religion. Y cuando digo regreso, quiero decir al Azkena Rock, porque nunca se han ido pero sí que han vuelto a un festival en el que deslumbraron en el 2006. En esta ocasión supusieron el colofón del festival y lo hicieron en el escenario grande, por supuesto. Aunque suele ser así siempre que tocan. De hecho, cada vez que actúan en un festival, lo hacen a unas horas tan intempestivas que siempre llego a verles totalmente derrengado. Pero esta vez no fui sólo yo, o el resto de los que nos amontonábamos frente al escenario, sino que por primera vez les vi algo fundidos.

Aparecieron en escena a eso de las tres de la mañana. Es evidente que es algo que no les hizo especial gracia. De hecho, Greg Graffin nada más pisar las tablas se dirigió a los fans con un “Good Morning”. Pero bueno, no tardaron en empezar su extenso setlist con “Do What You Want”. Durante todo el concierto estuvieron muy correctos pero a medio gas, sobre todo Graffin. En algunas canciones bajó el tono, en otras tuvo que parar debido a un leve ahogamiento, aunque sus compañeros le cubrieron las vocales con absoluta efectividad e incluso recortó un poco el repertorio ya que, por ejemplo, “Sorrow” estaba planeada pero finalmente no la tocaron. También influyó el agobio al que fue sometido desde el lateral del escenario debido a indicaciones contantes del tiempo que le quedaba. La presión y el cansancio nublaron bastante un concierto que posiblemente tuviera la mejor selección de canciones que yo haya visto. “Recipe For Hate”, “No Control”, “Atomic Garden”, “Suffer”, “Conquer The World”, “Generator”, “Materialist”, “American Jesus”, “Punk Rock Song”, “21st Century Digital Boy”… Todo himnos legendarios. Canciones inmortales que siguen posicionando a Bad Religion como uno de los grupos más grandes e influyentes de la historia del Punk Rock. Así que no importa que Graffin no estuviera tan pletórico como siempre. Para mí fue el cierre definitivo de un Azkena para recordar. ¡Hasta el año que viene!

Texto: Javi JB

Fotos: Stuart MacDonald

Última Experiencia + Decalles – Sala El Sol (Madrid), 2/07/10

musicopolis — Wed, 07 Jul 2010 08:07:25 +0000

Mucho tiempo llevaban tocando los madrileños Última Experiencia casi semanalmente en la capital. Sin embargo, durante los últimos meses han estado ocupados en proyectos paralelos y paseando su furgoneta por las salas de toda España, así que su retorno a la sala El Sol con EP nuevo bajo el brazo nos dio la oportunidad de verles de nuevo y escuchar sus más recientes composiciones.

El grupo invitado también pertenece al sello LaPera Records. Decalles vienen de Zaragoza y siendo tan jóvenes parece increíble que calquen tan fielmente los parámetros del rock en español de finales de los 80. Estos nuevos Ronaldos proponen ritmos frescos y canciones orientadas al estribillo. Seis cortes de su actuación y otros tantos del grupo principal quedaron plasmados en un CD que la organización repartió a la salida, gran iniciativa.

Unos solos perfectamente ejecutados repletos de sentimiento blues son la constante en todos los temas de Última Experiencia, con los que cubren un gran abanico de estilos, desde el hendrixiano Castillos de arena hasta el riff hardrockero de La espiral, una variedad que en ocasiones juega en su contra con el público dividido según gustos.

La voz del también guitarrista Miguel Ángel Ariza revela su afición por los cantantes de bandas como Los Bravos o Los Brincos, añadiendo casticismo añejo a la Beatle Tú y yo, ya conocida por todos los asistentes, que se combina con los esquemas clásicos del blues Lo sentido o el sonido Nashville de La rueda gira. La sección rítmica la componen los antagónicos Luis de Diego a las baquetas, siempre concentrado, serio y sin florituras, y el bajista José Alberto Solís, constantemente animando al público y saltando por el escenario. Componer grandes temas no parece un problema para esta banda que continúa con su progresión y que va camino de convertirse en un referente del rock madrileño. Castizos, vacilones y guapos.

Texto: Desdeljergón

Fotos: Raúl Ranz

Paco de Lucía – Veranos de la Villa (Madrid) – 30/06/2010

ladyizabella — Wed, 07 Jul 2010 08:07:19 +0000

“Buenas noches”. Esas fueron las dos únicas palabras que salieron de la boca de Paco de Lucía en toda la noche del miércoles 30, en su segunda noche consecutiva en el escenario de la Puerta del Ángel de Los Veranos de la Villa.

Fueron sus dos únicas palabras pero os aseguro que no paró de decir cosas en toda la velada porque si esa guitarra y esas manos no hablan, por lo menos yo diría que bailan, que lloran, que se enfadan, que susurran…que emocionan al fin y al cabo. Qué pedazo de artista señores.

Esa guitarra sale al escenario ella solita, con un hombre que dice llamarse Paco de Lucía que la sostiene. Se acomoda, cierra los ojos y se pone a hablar, y ves que las notas tienen todas sentido pero no eres capaz de averiguar por qué, de averiguar cómo lo hace…porque es verdad que la técnica es sublime, de otra galaxia pero al fin y al cabo la técnica se adquiere; pero es que lo que sale de esa guitarra no se aprende por muchos años de práctica que uno lleve a cuestas. Es especial, es Paco de Lucía.

Con la bulería como palo dominante durante la mayor parte del concierto y con un repertorio muy basado en su último trabajo discográfico “Cositas Buenas” (2003), Paco de Lucía ofreció a los más de 2.500 espectadores que abarrotaban las gradas un espectáculo de flamenco “total”. No se crean que este hombre escatima en el talento que contrata para sus giras. “El Piraña”, soberbio con la percusión, Alain Pérez espectacular al bajo, un buen cantaor, David de Jacoba, y otro aún mejor, Duquende…qué pena que vaya a tener que vivir toda la vida con la comparación odiosa de su timbre y el de Camarón de la Isla. Uno es uno y el otro es mucho otro. Y si Paco toca, el niño Josele también, uno de los momentos más aplaudidos por el respetable fue la parte en que tanto Paco como él decidieron hacer sonar sus guitarras al unísono para rematar la tanda de solos que sirvieron de presentación de la banda. Mención especial hay que hacer a ese “elemento extraño” dentro del mundo del flamenco que es Antonio Serrano. Si te dicen que una armónica va a quedar así de bonita haciendo las falsetas de una bulería no te lo crees, tienes que escucharlo, increíble el arte que derrocha este músico entre respiraciones entrecortadas.

Con tanto arsenal encima del escenario la banda llegó al que sería fin de la primera parte del concierto y a uno le parecía que se acababa de sentar en la butaca. Para terminar este primer acto ya se contaban los siete músicos encima del escenario y además se les sumó “El Farruco”, no confundir con su hermano mayor “Farruquito”, pero con el que tiene en común mucho más que los apellidos. Pocas cosas hay en el mundo del arte tan atractivas como ver un a un buen bailaor encima de un escenario sintiéndose artista, “El Farruco” consiguió levantar una enorme ovación de la grada al mostrarnos por primera vez en el espectáculo todo su talento bailando.

La segunda parte, con la banda al completo en el escenario de principio a fin, se hizo más corta que la primera si cabe, por eso cuando todo el mundo pedía a gritos el ansiado bis de “Entre dos aguas” a mi lo que me apetecía era que empezase el concierto otra vez desde el principio…a ver si esta vez podía enterarme yo de dónde salían esas dichosas notas que todas juntitas hacen de este artista un artista único, inigualable e irrepetible. Qué suerte haber podido ver y escuchar en directo a Paco de Lucía. Qué suerte.

Texto: Miguel Ángel Ariza

Foto: wikipedia

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Azkena Rock 2010 – Mendizabala (Vitoria), 25/06/2010

charly — Mon, 05 Jul 2010 03:07:25 +0000

Trás una primera jornada inaugural donde pudimos disfrutar de grupos de cabeza de cartel como los fantásticos Gov¨t Mule , que fueron de lo mejor del día o Airburne, uno de los que más congregó gente, dejándose la piel en el escenario y enganchando con todo el respetable nos preparamos a disfrutar uno de los mejores días y es que venía realmente cargadito, no solo por los cabezas de cartel ya que veríamos a bandas nacionales como los fenomenales 77, que desde cataluña nos regalan andanadas de furioso rock and roll en la línea de unos primigenios AC/DC como “Gimme rock and roll” o “Hardworking liar” contenidos en su primer trabajo. A pesar del calor incesante y lo temprana de la hora facturaron una excelente actuación,dejándonos con un excelente sabor de boca al igual que The Hot Dogs que con temas marcadamente stonianos o pasados por el tamiz de Iggy and The Stooges nos obesquiaron con una excelente descarga aunque en determinados momentos me parecieron un poco fríos.

Trás el pertinente descanso nos dispusimos a ver a uno de los platos fuertes del día, aunque fuera temprano .Dan Baird salía a escena para deleitarnos con un concierto de buen rock and roll como hacía en sus tiempos de Georgia Satellites. Rock sureño con guitarras sonando frescas y contundentes en temas tan electrizantes como “Damn thing to be done” o “She Doug me up”, está última con un aire a Tom Petty que se me antoja delicioso. Muy grande, humilde y una exquisitez musical.Al rato tendríamos en el otro escenario a Elvez que nos lo saltaríamos para disfrutar de su descarga al día siguiente en el escenario situado en La plaza de la Virgen Blanca, en pleno centro de Vitoria al igual que de Imelda May, de los que teníamos buenas referencias y que era ideal verles en escenarios pequeños, cosa que quedó demostrada ante nuestros ojos.Elvez es una especie de tributo mejicano a Elvis, que además de tocar temas de este como “In the Ghetto”, rebautizada como “In the barrio”, se marcaba algún tema propio y versiones de Kiss y Alice Cooper con honestidad y brillantez , combinado sonidos plenamente rockabilly con otros más latinos.Eso si,los trajes y las coreografías eran de lo más hortera que uno se puede encontrar pero se le perdona. Por el otro lado tendríamos a Imelda Day,una preciosa cantante con influencias del rock and roll más clásico de la mano de Gene Vincent o de voces femeninas como Nina Simone, que nos dejó a todos locos con canciones como “Johny got a Bom Bom”,”Big bad Hadsome man” o la versión de “Tainted love” que en el recinto del festival no sonaría, pero si cayó la conocida “TRain kept a rolling”.Fantástica y muy especial.

Trás otro pequeño descanso nos acercamos a ver a The Saints, que desgraciadamente nos parecieron flojos y falta de fuelle en directo aunque sus composiciones sean de lo más brillante, algo que no paso con The Damned,sin duda una de las mejores actuaciones de este día, ya que la banda salió directamente a matar, en un estado salvaje, potente que nos volvió locos a todos los reunidos en el escenario cubierto, haciéndonos saltar y cantar frenéticamente cada tema del set list, especialmente los añejos como “New Rose” o “Eloise”.No decepcionaron a nadie y es que la veteranía y el buen hacer sirve para cuajar noches tan destructivas y llenas de rock and roll como esta.

Nada más terminar The Damned ya estaba sonando la presentación de Slash en el escenario principal, que se marcaría una buena actuación, pero que desde mi punto de vista personal tiró bastante de su pasado, lo cual es algo comprensible estando en este festival y queriendo ir a jugada segura. De esta manera sonaron bastantes versiones de Guns n´roses que elevaban bastante la temperatura como “Civil War” o en la recta final unas coreadísimas “Paradise City” y “Sweet child of mine”.Simplemente correcto y con puntualizaciones, al igual que con los esperadísimos Kiss, que iniciaron su descarga con una floja “Modern day deliah” donde se evidenciaba el mal estado de la voz de Paul Stanley, que se resentiría durante todo el show, especialmnente en “Crazy,crazy Nigths” y “I was made for loving you”, con algunos momentos como al comienzo, tras la primera canción, donde para descansar la voz daba cerca de 10 minutos de bacile y cháchara. Gene Simmons al contrario, nos mostraría un estado pletórico desde el primer momento que tomó el protagonismo con “Deuce”, al igual que Eric Singer que estuvo brillante en “Black Diamond” o “Beth” dándoles su toque propio,lo contario que Tomy Thayer a la guitarra que se le ve encerrado en su pantomima de el carismático Ace. Comienzo flojo que luego recuperaron para terminar llenos de fuerza y energía con temas como “Lick it up” o “Rock and roll all nite” rodeados de explosiones y confetti. Aprobado por los pelos y es que los que hemos visto a Kiss desde el comienzo, fuera de una moda para snobs,sabemos lo que pueden dar.

Todavía llenos de confetti y resonaba el “Take me” de Kiss a todo volumen desde el otro escenario por Imperial state Electric, la banda liderada por Nick Royale, fundador de Hellacopters, que se marcaba un fin de jornada lleno de intensidad con temas de marcada influencia Kiss, junto a versiones de Cheap Trick y The Beatles. Bonita guinda de pastel.

Texto:Charly Rock and roll
Fotos: Stuart Mc Donald

Exodus, Behemoth, Decapitated, Ex Deo (25-06-2010 Salamandra Barcelona) Los cuatro jinetes del Apocalipsis

locky — Sat, 03 Jul 2010 02:07:37 +0000

Nergal

FECHA: 25-06-2010
CIUDAD: Hospitalet (Barcelona)
LUGAR: Salamandra 1
GRUPOS: Exodus (85 min.), Behemoth (65 min.), Decapitated (40 min.), Ex Deo (40 min.)
DURACION TOTAL: 225 minutos

Pocos carteles en lo que llevamos de año ofrecían tanto atractivo como el formado por Ex Deo, Decapitated, Exodus y Behemoth. Cuatro formaciones de alto nivel que dejaron distintas sensaciones en su presentación en la sala Salamandra en la noche que España se jugaba el pase a los octavos de final del Mundial 2010 de fútbol ante Chile y que, quizá, privó al local de una mejor entrada.

El resultado final puede catalogarse de exitoso a pesar de que el sonido, en algunas fases, no tuvo la calidad necesaria. Pero, ya se sabe, controlar y calibrar a cuatro auténticos “jinetes del Apocalipsis” con sus diferentes señas de identidad no debe ser tarea fácil.

EX DEO

Debido a la puntualidad con la que dieron comienzo las actuaciones, Ex Deo, el proyecto de Maurizio Iacomo, de Kataklysm, inspirado en el Imperio Romano, ya se había puesto en marcha al acceder a la sala, por lo que solo pude distinguir “The Final War (Battle Of Actium)”, uno de los temas de Romulus, su único disco hasta ahora. El sonido fue impecable, nítido a pesar de la contundencia y de ser la primera formación en desfilar. La puesta en escena dio un toque adicional de vistosidad, con los estandartes propios de las legiones romanas con las siglas S.P.Q.R. flanqueando la batería y los miembros de la banda tocando con unas, me supongo, incómodas corazas, además de observar a Maurizio, siempre muy marcial en sus evoluciones, con el traje romano completo, incluido falda y unas sandalias que le cubrían hasta la rodilla. En definitiva, dejaron una grata impresión.

Maurizio Iacomo

DECAPITATED

Los polacos Decapitated no era la primera vez que nos visitaban pero si lo hacían con una formación casi totalmente remodelada, salvo el guitarrista Vogg, después de aquel accidente de 2007 que dejó en el camino a su batería y fuera de combate al vocalista. Sus dos últimos y alucinantes discos de metal técnico y visceral, Organic Hallucinosis y The Negation, marcaban cierta expectación. Sin llegar a ser desastroso, el sonido tuvo ciertos contrastes distorsionadores que no dejaron apreciar en su verdadera medida los auténticos malabarismos de Vogg con las seis cuerdas. No obstante, pudimos observar su desenfreno a la hora de atacar el mástil y su endiablada técnica, haciendo rechinar de forma abrupta su instrumento, excelentemente secundado por el bajista Heinrich, quien aporreaba el bajo con sin igual vehemencia y con el vocalista Rafal Piotrowski imprimiendo unos tonos vocales más graves que su antecesor.

Sus hirientes y cambiantes ritmos tuvieron como handicap la parte de producción que nunca consiguió domar la saturación sonora y canalizarla de una forma más audible. Con algún posible error de apreciación, los temas que tocaron por orden cronológico fueron: “A Poem About An Old Prison Man”, “Day 69”, “Post(?) Organic” y “Visual Delusion”, todos de Organic Haullucinosis; “Three-Dimensional Defect” (The Negation), “Winds Of Creation”, del disco del mismo título; “Flash-B(l)ack” (Organic Hallucinosis) y, para finalizar, “Spheres Of Madness” (Nihility).

La sensación final fue la de que ofrecieron buenas vibraciones, a pesar de los mencionados defectos de sonido, pero pudieron ser mejores.

Heinrich

BEHEMOTH

Supuestamente, Exodus debían ser los siguientes en aparecer pero sorpresivamente lo hicieron Behemoth, con una puesta en escena simplemente impresionante, con unos micrófonos disimulados con cabezas de cobra, y diversos símbolos colocados sobre el escenario como, el águila de dos cabezas y, por descontado, la estrella de siete puntas. Asimismo, la vestimenta y el maquillaje, terminaba de definir una imagen aterradora y acorde con su estilo musical. Vamos que los tíos plantados allí mirando con caras de “comeniños”, daban vértigo.

Su sonido fue más solvente que el de Exodus y Decapitated, quizá porque sus composiciones, además de la visceralidad intrínseca del black metal aportaban perfiles más marcados y Behemoth supieron dominar de forma inmejorable el control de los tiempos.

Debido a retrasos con el horario establecido el set list (al igual que el de Exodus) sufrió un recorte que no deslució para nada su presentación. Arrancaron con el demoledor “Ov Fire And The Void” , de su último álbum Evangelion, para continuar con “Demigod” del disco del mismo título, al que siguió otra pieza de Demigod, “Conquer All”. Tres canciones y ya habían conquistado a las “almas perdidas” para su causa (exceptuando los pacientes seguidores de Exodus que aguantaban a la espera de “su” momento).

Orion

Se disfrutaba de la música y se disfrutaba del espectáculo. La pinta de Nergal con su mirada amenazante y su forma de acometer las voces, a gritos espeluznantes (menos vigorosos que otras ocasiones y algo opacados por la instrumentación), imponía respeto y daba cierto “yuyu”. Sus colegas no se quedaban atrás, hasta el punto de que Orion, durante la interpretación de “LAM”, tropezó con el sintonizador del PA y cayó de espaldas. Mientras se recuperaba tras bastidores el resto del grupo siguió tocando solventando la situación sin mayor problema.

El concierto continuó con momentos espectaculares como la ejecución de “At The Left Hand Ov God” con un tramo de impresionante percusión tribal. Un corto solo de batería a cargo de Inferno y un “rush” final impactante con “Decade Of Therion”, “Chant For Eschaton 2000” y “Lucifer”, que fue el bis que cerró su celebrada actuación, con Nergal enfundado en su máscara diabólica. Los mejores de la noche, posiblemente.

EXODUS

Algo extenuados por la tralla asimilada, nos dispusimos a presenciar la última actuación de la noche. Llegaba el momento y todos los seguidores de Exodus que había tenido una pasiva actitud sacaron al “Hulk” que llevaban dentro para absorber toda la energía que desprenden las canciones de los legendarios thrashers de la Bay Area.

Gary Holt

Con el respecto que merecen y con el cariño que uno tiene a álbumes como Bonded By Blood. Los actuales Exodus tienden a decantarse hacia el mimetismo compositivo en sus últimos discos y que, expuestos en directo de un manera excesivamente brutal, perjudica el equilibrio dinámico del thrash metal y a sus canciones clásicas. Claro que, fueron las menos, porque en el set list prevalecieron las composiciones de nuevo cuyo como “The Ballad Of Leonard And Charles”, “Beyond The Pale” y “Downfall” del último álbum, “Iconoclasm” del anterior o, “Blacklist” del excelente Tempo Of The Damned, del que también tocaron “War is My Shepherd”. En cambio, sorprendieron al incluir “Fabulous Disaster” del álbum homónimo. Y, concesiones al legado histórico, pocas, “A Lesson In Violence” y “Strike Of The Beast”. Y… si tocaron “Piranha”, como vienen haciendo, un servidor no se enteró.

No se duda de la habilidad de Gary Holt con la guitarra, de hecho, realizó un trabajo brillante en lo que respecta a los solos, aunque en determinados momentos se perdían entre la vorágine sonora y la aplastante maquinaria metálica en que se ha convertido Exodus en la actualidad, primando la ferocidad, la contundencia extrema y los ritmos desaforados, sobre las armonías thrash de otra época. Holt, para quien parece no pasar el tiempo físicamente, parecía tener un cohete donde la espalda pierde su nombre, no paró ni un instante de dar caña y sonreír rayando el histerismo, secundado por el resto de la banda, como digo, en un estado de evidente excitación y con las revoluciones pasadas de rosca.

Rob Dukes

La presencia de Rob Dukes en el apartado vocal, también ha contribuido a endurecer los esquemas de Exodus con su registro de carácter hardcoriano. El rudo cantante, estuvo excesivamente pendiente de que la gente realizara moshing, insistiendo una y otra vez en el mismo tema cuando las fuerzas, después de cuatro largas horas, ya empezaban a flaquear incluso entre los más aguerridos.

Como dato adicional comentar que el amplificador de la guitarra de Gary Holt dejó de funcionar durante diez minutos. Nada extraño si tenemos en cuenta la sobrecarga a la que estuvo sometido el equipo de sonido. Fue un tiempo para recuperar oído y para beber cerveza gratis repartida por el propio guitarrista a quienes tuvieron la suerte de poseer los brazos más largos.

Las conclusiones nos dejan con unos Exodus algo caóticos, excesivamente machacones, demasiado acelerados como para disfrutar plenamente de su música. Al menos esa es la sensación que me transmitieron debido a sus autoimpuestos atributos a semejanza de una banda de metalcore.

Por cierto, su presentación la realizaron de un tirón sin hacer el paripé de los bises de rigor. Una de dos, o fue por motivos de tiempo o, porque iban tan “a piñón” que ni cayeron en cuenta.

SET LIST BEHEMOTH

1. Ov Fire And The Void
2. Demigod
3. Conquer All
4. LAM
5. As Above So Below
6. Slaves Shall Serve
7. At The Left Hand Ov God
8. Solo de batería
9. Alas, Lord Is Upon Me
10. Decade Of Therion
11. Chant For Eschaton 2000
BIS
12. Lucifer

Behemoth

CRONICA Y FOTOS POR LOCKY PEREZ

I Festival Rock De Cervantes – 26-06-2010 – “Si Cervantes levantara la cabeza”

storni — Fri, 02 Jul 2010 02:07:32 +0000

Lo que hace que un festival como el celebrado el pasado 26 de junio en la plaza de toros de Alcalá de Henares haga adictos al rock es, además de los grupos que completan el cartel, el poder sentir la música en todo su esplendor. Por eso la gente que acudió al I Festival Rock de Cervantes, en su gran mayoría menores de edad acompañados de sus padres, pudo adquirir camisetas de sus grupos preferidos, púas, bebida a precio muy razonable, pero sobre todo sentir de cerca a sus ídolos. Por el coso taurino se pasearon Frank y Patricia Tapia, guitarrista y corista de Mago de Oz, Danny, guitarrista de Breed77, o Silver, cantante de Muro, entre otros.

A la una de la tarde dio comienzo su actuación Casa de Fieras, grupo formado por componentes de Easy Rider y Mago de Oz y liderado por Natalia, ex Rosa Rosae. Bajo un calor asfixiante interpretaron temas propios, “Tu Mismo”, “Mala Pata”, además de una espectacular versión del tema de Sweet, “Action”. Un grupo con muy buenas maneras que dejó un buen sabor de boca.

Patricia Tapia, corista de Mago de Oz, nos presentó su último proyecto en solitario, Khy, y su primer disco, el titulado “Volver A Creer”.

A las dos menos cuarto de la tarde salían al escenario unos ilusionados Khy, interpretando “Mil Momentos”, canción que también abre su disco. Luego acudirían a su cita la preciosa “Al Otro Lado Del Papel”, una logradísima versión del tema de Mike Oldfield, “Moonlight Shadow”, y “En Mi Locura”, con la que despedirían su actuación. Media hora fue suficiente para ser testigos de una banda con una profesionalidad y un saber estar encima del escenario dignas de mención y elogio.

A las dos y veinte de la tarde se subían al escenario Beholder, un grupo con una peculiar visión del rock, al que le dan pinceladas de rap y trash metal. Mucho ruido que a veces hacía ininteligible la voz de los dos cantantes y que no bastó para mover al respetable.

Quizás el grupo más peculiar del festival fueran El Gitano de la Cabra y la Trompeta, un grupo con influencias, muchas y geniales, de Extremoduro. A las tres y veinte minutos empezaron a descargar su rock ácido y transgresor con el que los asistentes disfrutaron bailando de lo lindo. Una banda muy bien conjuntada y con todo el futuro por descubrir.

A Dragonfly les tocó cubrir la delicada hora de la sobremesa. Interpretaron temas de su último disco que decoraron con una espectacular versión del tema “Waysted Years” de Iron Maiden, con la que darían por finalizada su actuación.

Leo037 fue la banda que sustituyó a Kraken, grupo colombiano que por problemas de visado, y al igual que le sucedió a los cubanos Tendencia, no pudo acudir al festival. Una actuación que dedicaron a la memoria de Ronnie James Dio y en la que interpretaron temas de su último disco. Sonaron “Desde El Ataúd “, “La Danza De Hyde“, además de una buenísima versión del tema “Enter Sandman”, de Metallica.

En la velada, que fue presentada por Rafa Basa, no podían faltar los preciosos arreglos y los solos imposibles y maravillosos de Jorge Salán.

Tras una malograda introducción de la película “El Gran Dictador” que se atascó en dos ocasiones, Jorge nos presentó los temas de su último disco “Estatuas En La Calle”, cantado íntegramente en español, – “Bajo El Nombre De Dios “, “En La Tormenta”, “Cuando Los Tiempos Cambien”, -. Una actuación en la que el público arropó al músico y en la que el guitar hero demostró porqué es uno de los mejores guitarristas de nuestro país.

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Breed77 es un grupo gibraltareño que mezcla el rock más duro con el flamenco. A las ocho menos veinte y después de que el cielo nos diera un primer aviso con unas leves gotas de lluvia, abrían con la espectacular “Wake Up”, canción que abre su último disco, “Insects”. Luego sonarían “Revolution On My Mind”, “Insects”, la preciosa “Forever”, y una versión muy acelerada y cañera del tema “Zombie”, de Cranberries, y que el público coreó y bailó hasta la extenuación. Con solos espectaculares que intercambiaban ambos guitarristas, la actuación de los gibraltareños estuvo a la altura de un festival como este.

Koma era el segundo grupo que se “colaba” en el cartel cubriendo el vacío dejado por Tendencia. Y la verdad es que la ausencia de los cubanos no se notó.

“Bienvenidos A Degüelto”, “El Marqués De Txorrapelada”, “El Pobre”, “Sakeo”, “Tio Sam”, o “Los Niños De La Posguerra”, fueron algunos de los temas con los que estos navarros de lujo, trajeados y cañeros, animaron a un público ávido de rock.

La noche arropó la actuación de Mago de Oz. A las once menos cuarto los esperados cabezas de cartel se subían al escenario sabedores de que la gente estaba allí por ellos. Antes se entregaron los premios de un sorteo en la que los agraciados recibieron instrumentos firmados por el grupo.

Después de una introducción con la extinción de las especies como mensaje, la banda nos presentaba los temas de su último disco “Gaia III: Atlantia”. Sonaron “Für Immer “, “Vodka & Roll”, arropados por los temas de siempre, “Hasta Que El Cuerpo Aguante”, “Satania”, “Que El Viento Sople A Tu Favor”, “Molinos De Viento”, “La Costa Del Silencio”, para terminar, después de dos horas de actuación, con “Fiesta Pagana” y un fragmento “The Man Of The Silver Mountain”, pequeño gran homenaje a Ronnie James Dio.

Mago de Oz demostraron en Alcalá de Henares el buen momento por el que pasan. Muy conjuntados y llevando al directo temas que en estudio parecen imposibles de ejecutar. El grupo también protagonizó la noticia de la noche al hacernos saber que Fernando deja la banda.

A la una de la madrugada Muro, o lo que es lo mismo Silverio Solórzano, “Silver”, a la voz, José Manuel Navarro, “Largo”, a la guitarra, Julio Rico, “Julito”, al bajo y Juan Ramón Ruiz, “Lapi”, a la batería, levantaba el telón de su actuación con el precioso tema “Telón De Acero”, al que siguieron “Mata “, el himno “Traidor”, que la gente coreó a rabiar, “La Maldición De Kcor”, “Ciclón”, “Amos De La Oscuridad”, “Solo En La Oscuridad”, y la acelerada y frenética versión del tema de Accept, “Fast As A Shark”, que el grupo no pudo terminar porque el tiempo no lo permitió.

La verdad es que fue una grata sorpresa comprobar que la banda sigue teniendo intactas su fuerza y su saber estar encima del escenario.

Y no hubo tiempo para más. La lluvia, convertida en tromba de agua, no permitió que Sinkope salieran al escenario. Una verdadera pena. Los que fuimos partícipes del evento ya estamos esperando con impaciencia la segunda entrega de este festival que demostró que el rock sigue vivo y que como expresión cultural que es no le cierra las puertas a nadie. Todo un ejemplo.

Texto y Fotos: AMADO STORNI

Kiss (24-06-2010 Palau Sant Jordi de Barcelona) “Rock and roll circus” o la magia del entretenimiento

locky — Thu, 01 Jul 2010 02:07:13 +0000

FECHA: 24-06-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Palau Sant Jordi
GRUPO: Kiss
DURACION: 140 minutos
INVITADO: Imperial State Electric

Si hay un grupo en el mundo que represente con fidelidad lo que significa ofrecer espectáculo dentro del rock ese es Kiss. Expertos en el entretenimiento, son auténticos artistas en mezclar como nadie música con elementos más propios de un circo. Y no hay nada de malo en ello, porque eso es lo que esperan sus miles de seguidores captados a lo largo de más de un cuarto de siglo de existencia. Llegados a este punto de grandiosidad, un concierto de Kiss no sería completo si en su actuación no incluyeran algunos tópicos inevitables. De esta forma, su presentación en el Palau Sant Jordi de Barcelona, ante alrededor de 12.000 espectadores, tuvo los ingredientes necesarios para que sus fans salieran totalmente satisfechos.

Ante un público con edades comprendidas entre los 12 y los 60 años, con padres e hijos juntos y cierto número de colonia extranjera (seguramente aprovechando sus vacaciones en España para no perder la ocasión de ver a su grupo preferido), además de muchas caras maquilladas al estilo de sus ídolos, la irrupción de la banda fue espectacular. En la pantalla gigante situada en la parte central del escenario surgió el globo terráqueo a través de Google y, haciendo un acercamiento en el que paulatinamente se fueron divisando Europa, España, Cataluña, Barcelona, el Palau Sant Jordi y, finalmente, el camerino de Kiss, las imágenes fueron enfocando el desenfadado recorrido de los cuatro músicos hasta un punto en el que desaparecieron para, acto seguido, surgir una plataforma en la que estaban situados Gene Simmons, Paul Stanley y Tommy Thayer, que pasó por encima de la batería de Eric Singer para posar a los músicos sobre un escenario que se completaba con dos pantallas a los laterales superiores y un sinfín de monitores en la parte baja.

La actuación comenzó con “Modern Day Delilah” uno de los temas de Sonic Boom, su nuevo álbum, algo que repetirían en dos ocasiones más con “Say Yeah” y “I’m An Aninal”, que no sonaron mal pero que fueron desplazados a un segundo plano por la acogida que tuvieron sus grandes clásicos. Y es que la gira está configurada para recuperar parte de su mejor legado, el de los años 70. Así, al inicio, no resultó extraño escuchar canciones como “Cold Gin”, “Let Me Go, Rock And Roll”, “Deuce”, “Calling Dr. Love” y “Firehouse”, durante está última, Gene Simmons lanzó su típica bocanada de fuego. En este tramo del concierto se coló una de las pocas concesiones a su etapa ochentera con la interpretación de “Crazy Crazy Nights”.

Entre explosiones varias y un sonido que fue ganando calidad con el transcurrir de los minutos, aunque algunos solos se perdían en la inmensidad del Palau Sant Jordi, tras ofrecer “Shock Me,” llegó el momento de los solos de Tommy y Eric, vibrante el primero y discreto el segundo, con el guitarrista elevándose sobre una plataforma y, luego, disparando llamaradas a través del mástil hacia el batería quien respondió sacando un lanzagranadas para, a su vez, disparar un “pepino” de los gordos… “show time”, sin duda.

Con el concierto en plena ebullición y un público “rendido sin condiciones” Gene apareció con su bajo en forma de hacha y atacaron con “I Love It Loud”, del nunca debidamente reconocido Creatures Of The Night. Una pena que en esta ocasión descartaran “War Machine”, otra de las canciones del mencionado álbum que están incluyendo durante esta gira. Tras finalizar la canción, le llegó el turno a Simmons, quien ofreció su ración de vómito sangriento al tiempo que ejecutaba un solo de bajo y se elevaba hasta lo más alto del Palau para seguir tocando ante el delirio de los presentes.

Si Gene cumplió con el guión, Paul Stanley, en un envidiable estado físico, no le fue a la zaga, aunque sus alusiones a Una Paloma Blanca y Guantanamera, eran innecesarias. Supongo que el tipo quería expresarse en castellano y, a parte de alguna frase típica ensayada, iba soltando otras pertenecientes a canciones populares. Antes de llegar a los bises, además de introducir unos compases de “Forever”, ejecutaron otro clásico, “Love Gun” y, seguidamente, “Black Diamond” con un sorpresivo inicio en el que se marcaron el “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin, para rematar con “Detroit Rock City”, acompañada de un aluvión de petardos mientras la batería se elevaba a semejanza de una nave interplanetaria. Más “show time”, que continuaría luego con Paul volando desde el escenario hasta un punto central del Palau Sant Jordi, para regocijo de los seguidores y que culminaría con un apoteósico final.

Tras el breve descanso de rigor, los cuatro componentes aparecieron para interpretar “Beth”, cantada por Eric Singer, colocar pequeñas partes de “Shandi” y volver a la espectacularidad con “Lick It Up”, que en un momento dado parecía que se iba a convertir en el “Wont Get Fooled Again” de los Who.

Y ya, en la recta concluyente, “Shout It Out Loud”, la ultra pegadiza “I Was Made For Lovin’ You” con el mencionado vuelo de Paul por encima de la gente, la versión de Argent “God Gave Rock And Roll To You II” y la inevitable despedida con “Rock And Roll All Nite”, pusieron la guinda definitiva al tiempo que el lanzamiento de confeti inundaba el recinto de millares de papeles multicolores al ritmo de interminables explosiones y fuegos artificiales.

En definitiva, todo lo que un fan esperaba ver, el grupo se lo ofreció sin miramientos, llegados al punto consabido de que en una actuación de Kiss prevalece la espectacularidad sobre la calidad del sonido y es que, sobretodo en el Palau Sant Jordi, es difícil controlar que los decibelios se repartan con ecuánime eficacia.

La lectura que nos queda es el reconocimiento de haber visto algo más que un concierto de rock, fue una completa exhibición teatral donde, luces, fuego y efectos especiales jugaron un rol determinante, además del seguimiento de imágenes a través de la pantalla gigante que permitió observar la puesta en escena con todo detalle. Claro está que, sin las canciones como complemento, todo lo demás no serviría para nada.

SET LIST

1) Modern Day Delilah (Sonic Boom)
2) Cold Gin (Kiss)
3) Let Me Go, Rock ‘N’ Roll (Hotter Than Hell)
4) Firehouse (Kiss)
5) Say Yeah (Sonic Boom)
6) Deuce (Kiss)
7) Crazy Crazy Nights (Crazy Nights)
Calling Dr. Love (Rock Roll Over)
9) Shock Me (Love Gun) + Solo Tommy + Solo Eric
10) I’m An Animal (Sonic Boom)
11) 100,000 Years (Kiss)
12) I Love It Loud (Creatures Of The Night) + Solo Gene
13) Forever (Hot In The Shade) trozo
14) Love Gun (Love Gun)
15) Black Diamond (Kiss) Con inicio de Whole Lotta Love (Led Zeppelin)
16) Detroit Rock City (Destroyer)
BISES
17) Beth (Destroyer)
18) Shandi (Unmasked) trozo
19) Lick It Up (Lick It Up) Con acordes de Wont Get Fooled Again (The Who)
20) Shout It Out Loud (Destroyer)
21) I Was Made For Lovin’ You (Dynasty) + solo Paul
22) God Gave Rock And Roll To You II (Versión de Argent)
23) Rock And Roll All Nite (Dressed To Kill)

CRONICA Y FOTOS LOCKY PEREZ

The Electric Riders + The Soulbreaker Company + Mystic Frecuency Worm – El Sol (Madrid) – 18/06/2010

maixta — Tue, 29 Jun 2010 02:06:35 +0000

En raras ocasiones tres grupos de nuestro país se muestran dispuestos o capaces de demostrar que aquí sí que se sabe hacer buen Rock, sin necesidad de recurrir a tediosos clichés ni dorar la píldora de un público perezoso acostumbrado a no aceptar sino la misma y vieja fórmula una y otra vez. Cuando tres formaciones diferentes se atreven a ello, reventando literalmente los muros de la madrileña sala El Sol, no sólo es nuestra oportunidad de aplaudirles, sino que es nuestro deber el apoyarlas al máximo y el afirmar, por enésima ocasión, que dentro de nuestras fronteras se cuece algo muy gordo.

Abrían la velada los madrileños MYSTIC FREQUENCY WORM. El cuarteto, encabezado por Juan Luis y Ralph de Glow, no disimula sus querencias pantanosas, desarrollando una suerte de Stoner espeso y guitarrero de resonancias setenteras, recogido en su primer trabajo, …from the top of the sound mountain. Composiciones arriesgadas, interpretaciones impecables y una presencia escénica austera, casi grunge, convirtieron a la actuación del cuarteto en una delicatessen ciertamente no apta para todos los públicos.

Los vitorianos THE SOULBREAKER COMPANY les sucedían sobre el escenario. Regresaban ante una audiencia ya conquistada de antemano, sabido es el cariño que se les tiene a los alaveses en la capital, pero no se conformaron con traer su ya conocido repertorio de Hard-Blues, sino que, por el contrario, ofrecieron a un asombrado público los resultados de una evolución tan sorprendente como extraordinaria, en forma de un set-list renovado merced a los temas de su nuevo e inminente trabajo, Itaca, en el que enormes dosis de Psicodelia permitieron a estos músicos mostrar una pericia técnica y compositiva más que notable. Si a esto sumamos su extraña, arriesgada pero acertadísima inclusión de una sección de viento en la formación, tenemos como resultado un sonido particularísimo y personal que, en un mundo perfecto, les llevaría mucho más lejos.

Cerraban la noche los navarros ELECTRIC RIDERS, mucho más directos que sus antecesores, practicantes, éstos sí, de un Hard-Blues de hechuras clásicas, muy similar al de los norteamericanos The Rose Hill Drive, por realizar un símil quizás basado en la semejanza entre las voces del norteamericano Jake Sproul y el pamplonés Jaime Zuasti, así como en las notabilísimas evoluciones guitarreras de Adolfo Alcocer. Toda una lección de energía en directo que tuvo además su episodio entrañable con la participación de ese insólito personaje que es Robértez, vocalista de Motociclón, que les acompañó, en una impresionante y caótica jam, a la armónica.

Una velada de auténtico Rock and Roll, en la que se demostró, una vez más, que los prejuicios que, con toda seguridad, fueron los causantes de que la Sala El Sol no acusara más que una media entrada, a nadie dañan más que a los que los padecen. Y que en este país, hay talento. Mucho talento.

Texto y fotos: Almudena Eced

Imperial State Electric – Gruta 77 (Madrid), 21/06/2010

charly — Tue, 29 Jun 2010 02:06:32 +0000

Como aperitivo de lo que sería el concierto de Kiss al día siguiente, se nos presentó la nueva banda del exHellacopters, Nick Royale, presentándonos su nuevo trabajo,llamado como el grupo, en el que salen a la luz más que nunca, las influencias de Kiss, y sorpresivamente, muchas de los Beatles y Cheap Trick.

Para ir abriendo boca, salieron al escenario los madrileños Rojo Omega, con su punk rock de escuela Dictators o Social Distortion, que amenizaron el cotarro bastante bien,hasta que hicieron acto de presencia los suecos, que empezaron con un potente “HelloThere” de Cheap Trick, que dio paso a todos y cada uno de los temas de su flamante
disco, como son “A Holliday From My Vacation”,“Resing”, “Throwing Stones” , en la que salió a tocar Dregen de los Backyard Babies, que también toca en la canción en el disco, y que de paso, se quedó para interpretar junto a los Imperial un rockanrollazo de órdago, llamado “Debaser”, la beattleliana “I’ll Let You Down”, o “Lee Anne”, el tema que más me recuerda a su antigua banda.

No sólo se marcaron la versión inicial de Cheap Trick, sino que además, también se marcaron un trallero “You Can’t Do That”de los de Liverpool, y un abrasivo “Take Me” de la banda a la que telonearían al día siguiente.

Pues eso. Gran velada de rock del bueno, con una banda que promete mucho, y la buena noticia de que el exHellacopter vuelva al ruedo, aunque nunca lo ha dejado con sus varios proyectos paralelos, como los death metaleros Death Breath, o los souleros
The Solution.

Texto: Pistolas
Fotos:Charly Rock and roll

Garcia Plays Kyuss (16-06-2010 Mephisto – Barcelona) Reviviendo aromas del desert rock en emotiva catarsis

locky — Sat, 26 Jun 2010 02:06:44 +0000

FECHA: 16-06-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Sala Mephisto
GRUPO: Garcia Plays Kyuss
DURACION: 95 minutos

Que Kyuss ha pasado a la historia como grupo de culto es un hecho irrefutable. Eso lo saben bien los numerosos seguidores que se citaron en la sala Mephisto de Barcelona para revivir los aromas del desert rock que el grupo californiano plasmó con tanta intensidad en su corta trayectoria desde 1989 a 1995.

John Garcia, honesto consigo mismo y con los adeptos a la banda, no ha querido engañar a nadie con este “revival” y por eso se ha paseado por Europa con el apelativo de Garcia Plays Kyuss, algo comprensible si tenemos en cuenta que la formación que le acompaña, Bruno Fevery (guitarra), Jacques de Hard (bajo) y Rob Snijers (batería), son de procedencia europea.

Los prejuicios que, a priori, pudieran tener los asistentes al concierto acerca de la calidad de la banda se desvanecieron tan pronto como sonaron los compases de “Molten Universe” a modo de introducción y acto seguido, “Thumb”, acompañada de la irrupción en escena de un John Garcia algo más robusto que tiempo atrás.

Fue el delirio inmediato, una conexión que ya no desaparecería hasta finalizar la actuación. Una auténtica catarsis emotiva que inundó la atmósfera de la repleta sala y provocó que una gran parte del público se sumiera en una alocada danza ritual mientras sonaban “Hurricane”, “One Inch Man”, “Freedom Run”, “Supa Scoopa And Mighty Scoop” (con ese genial final intermitente) y otras canciones centradas en sus tres últimos álbumes: Blues For The Red Sun (92), Welome To Sky Walley (94) y, …And The Circus Leaves Town (95), constituyendo un repertorio de lo más sugestivo e hipnotizador.

John, demostró mantener su registro vocal en excelente forma, mientras que el guitarrista realizó una labor brillante, de auténtico profesional, aunque fuera interpretando composiciones ajenas. Por su parte el bajista, además de aportar su certero trabajo rítmico se mostró como el más entusiasmado en determinados momentos, mientras que el batería cumplió con total sobriedad con esos golpes, muchas veces tribales, que forman parte indispensable de los temas de Kyuss.

A medida que el tiempo transcurría, los músicos, como que absorbieron la eufórica actitud del público y fueron afirmándose en su ejecución hasta el punto de regalar un bis adicional, “Demon Cleaner”, que no estaba previsto en el set list inicial.

“Gardenia” y una vibrante “Green Machine” pusieron la puntilla a la espiritual y psicodélica intervención para, después de una breve ausencia, retornar al escenario y entregar a un público completamente rendido a sus pies la mencionada “Demon Cleaner”, además de “El Rodeo” y la versión de Slo Burn, “Pilot The Dune”.

Fue uno de esos conciertos en los que el ambiente embriagador de la interpretación permitió una total conexión entre el público y la banda a pesar de que algunas largas parrafadas de John Garcia no fueran entendidas por todos los presentes pero, cuando se tienen los argumentos musicales como los que exhibieron el vocalista y sus excelentes acompañantes… a quién le interesan las palabras.

SET LIST

1. Molten Universe
2. Thumb
3. Hurricane
4. One Inch Man
5. Freedom Run
6. Supa Scoopa And Mighty Scoop
7. Size Queen
8. Asteroid
9. Spaceship Landing
10. Allen’s Wrench
11. Whitewater
12. 100 Degrees
13. Gardenia
14. Green Machine
BISES
15. Demon Cleaner
16. El Rodeo
17. Pilot The Dune (versión de Slo Burn)

CRONICA Y FOTOS POR LOCKY PEREZ

Concierto Anli Pollicino en Madrid

selina — Fri, 25 Jun 2010 05:06:26 +0000

Como ya habíamos anunciado anteriormente el pasado día 26 de Mayo el grupo de visual kei Anli Pollicino realizó en concierto en la Sala Wurlitzer Ballroom de Madrid, gracias a la promotora Gekido Tour.

El espectáculo que nos ofrecieron fue un realmente especular, solo podríamos describirlo de esta manera, tanto Anli Pollino como sus teloneros, el grupo de origen francés, Dandy Freaks

Pero de la misma manera que había sucedido con los conciertos de Monoral o D=OUT, el evento fue minoritario, pero a la misma vez increíblemente animado y entregado por parte de sus fans.

Ya a las cinco de la tarde los seguidores de Anli Pollicino y algunos otros de Dandy Freaks comenzaron a aparecer por las puertas de la Sala Wurlitzer Ballroom deseosos de poder ver de cerca a los componentes de las dos bandas.

Poco tiempo después aparecieron primero los integrantes de Dandy Freaks regalando pegatinas promocionales de su grupo y poco después hicieron acto de presencia Shindy, Takuma, Masatoshi, Kiyozumi y Yo-1 (Yohichi) que este último despertó los elogios de algunas de sus fans.

A las 22 horas y sin permitir el acceso a algunos menores de 18 años, la Sala Wurlitzer Ballroom abrió sus puertas y puso a la venta las entradas del concierto, por que no se realizó ninguna venta anticipada. Las entradas simplemente constaron 15e cada una (Un precio bajo si lo comparamos con otros conciertos similares)

Y al poco tiempo comenzó el concierto de la mano de Dandy Freaks que con su espectáculo performance y su música absolutamente viva y alegre, electro-pop-rock con un sin fin de variantes y fusiones diversas sorprendieron al publico consiguiendo que se entregaran por completo a ellos bailando y vitoreando.

Los teloneros tocaran un total de 9 canciones: “Pas Envie”, “La Jungle”, “Hot Beach”, “Riviere”, “A Cause des Caraibes”, “Real One”, “Babel”, “Las Corre les Autes” y “Texas” y con cada una de ellas interactuaba Miss Miss, el guitarrista y corista, que con su traje de colegiala a lo Drag Queen en cada canción aparecía y desaparecía del escenario animando al público regalándoles caramelos, flores, tirando serpentinas, confeti, encendiendo bengalas y realizando un espectáculo en conjunto con todo el grupo, solo se puede decir, que Dandy Freaks posee una calidad musical y escénica excelente.

Y han que nombrar que durante su última canción “Texas” DJ Tro Kontent, el bajo de la banda, dejo su instrumento y apareció vestido con una especie de traje de rajá y se puso a cantar con Kosmik Pi, el vocal. Y tras su actuación toda la sala termino haciéndole reverencias.

Tras despedirse Dandy Freaks el público comenzó a reclamar a gritos a Anli Pollino que apareció en escena con una energía arrolladora tocando la canción “Time” después siguieron con “Sweet Kiss” y “SLUM JUMP” y tras terminar esta última realizaron un paréntesis para hablar con su publico en ingles en el cual les preguntaron varias cosas, como si les gustaba el manga y el anime, Shindy confeso ser seguidor del Barça y Yo-1 (Yohichi) se atrevió a hablar en castellano preguntado “¿como estáis?” diciendo “Hola” entre otras palabras, acción que consiguió que los fans rieran gracias a su simpatía y buen humor.

Después continuaron el espectáculo tocando uno de sus temas más famosos y conocidos por sus seguidores “Labyrinth” que encendió al público de inmediato haciéndoles baliar y gritar complacido, siguieron presentando un tema nuevo llamado ”Free Sprit” canción que aun no a sido editada en ningún trabajo del grupo. El tema es muy rítmico dentro del estilo de Anli Pollicino con una gran base instrumental y con fluidos toques de guitarra, que junto con la magnifica voz de Shindy no decepciono a nadie. Luego continuaron con otra canción nueva llamada “寸劇Raspberry” tema que a diferencia de ”Free Sprit” es una canción más calmada pero igual de buena.

Entonces realzaron el segundo paréntesis para charlar con el publico en el cual les pidieron que les enseñaran palabras en castellano, las fans femeninas lo primero que dijeron fue “Guapo” a Shindy, palabra que complació al cantante al ser traducida al japonés por ellas mismas al gritarle “kakkoii” que fue contentada por una elegante reverencia por parte de este, después le enseñaron palabras como “calor” o “Te quiero” a Yo-1 y tras confesarse Takuma que era un Ninja y lanzar estrellas invisibles al público continuaron tocando el tema “Peaceful Sleep” canción lenta y muy hermosa que consiguió que todos levantaron las brazos para seguir el ritmo.

Siguieron el espectáculo presentando otro tema nuevo titulado “ライオン製薬(仮)” y continuaron con “Snow venus” para después volver a detenerse para enseñar el “Para Para” (baile) de la canción “Taste ME” en el cual Yo-1 y Shindy lo repitieron varias veces hasta que todo el público lo supo realizar y enseguida se lanzaron a interpretaron la canción, para que durante el estribillo “konna doko made anna doko made, donna yume wo mini ikiteiru, konna kimochi wo anna kimochi wo, donna ai ni kaete yukimashou !” bailara toda la sala entusiasmada con los miembros del grupo.

La actuación siguió con dos temas nuevos “Last tears” y “Slave machine” para después finalizar el concierto con la canción “Street smarts” tema muy movido y rítmico que hizo que el público comenzará a gritar y saltar, moviendo la cabeza completamente entregados o tarareando la letra sin ningunas ganas de terminar.

Una vez finalizó el tema Anli Pollicino se despidió dando las gracias varias veces y diciendo “Adiós” Pero los asistentes no tardaron en chillar “Ancore” que significa otra en japonés y pasados unos escasos cinco minutos la banda volvió al escenario, llevando las camisetas de su gira europeo, la llamada “Anli Pollicino Euro tour 2010″ Y les regalaron a sus fans dos temas más los “Monochrome” y “Mr.0” que este último, es sin ninguna duda la canción más famosa y querida por sus seguidores, ya que al tocarla toda la Sala Wurlitzer Ballroom tembló durante los cuatro minutos que dura, por culpa a los desgarradores gritos de Shindy en los estribillos, y los saltos y brincos de sus fans, junto sus salvajes movimientos de cabeza que les acompañaban.

No hay más palabras para describir el directo de Anli Pollicino, su base musical es espectacular y la voz de Shindy y Yo-1 son realmente buenas y compaginan a la perfección, sus temas de una gran calidad. Además de que durante todo el directo estuvieron atentos y pendientes del público siempre animándoles e interactuando con ellos. Por lo que solo puede decir que Anli Pollicino, es un grupo muy grande pese a su juventud como banda musical.

Y como apunte final hay que nombrar que al terminar el espectáculo el grupo salió para firmar autógrafos, hacerse alguna foto con los fans o hablar un poco con ellos, siempre con buen humor y una sonrisa en los labios “Esperamos volverlos a ver de nuevo muy pronto”

Set list :
01.Time
02.Sweet Kiss
03.SLUM JUMP
==MC==
04.Labyrinth
05.Free Sprit
06.寸劇Raspberry
==MC==
07.Peaceful Sleep
08.ライオン製薬(仮)
09.Snow venus
==MC==
10.Taste ME
11.Last tears
12.Slave machine
13.Street smarts
==encore==
14.Monochrome
15.Mr.0

Para más información de los grupos:

Dandy Freaks: http://www.myspace.com/dandyfreaks

Anli Pollicino:

http://euclidagency.com/anlipollicino

http://www.myspace.com/anlipollicino

Página Web de Gekido Tour: http://gekidotour.com/

Selina

Metallica – 14-06-2010 – Rock In Río – “Con “eme” de Metallica”

musicopolis — Wed, 23 Jun 2010 02:06:44 +0000

Nada que reprochar a la actuación que Metallica ofreció sobre el escenario Mundo en el Rock In Río de este año. Una esperadísima actuación que dio comienzo a las once y cuarto de la noche con la introducción de la película “El Bueno, El Feo Y El Malo” y que el grupo enlazó con el tema “Creeping Death”. Ya desde el principio se intuía lo que la banda nos iba a ofrecer: un sonido perfecto en un ambiente perfecto, con riffs incombustibles y melodías pegadizas interpretadas por unos músicos perfectos – un inmenso Robert Trujillo, un siempre atento James Hetfield, un virtuoso Kirk Hammett y un Lars Ulrich espectacular -. Siguieron descargando “For Whom The Bell Tolls”, “Through The Never” y “Fade To Black”, que sonó igual que en el disco “Ride The Lightning”, 1984, y que fue cantada por James desde el segundo piso del escenario. La guitarra sonaba limpia y las notas se te metían en el alma trasportadas por el aire. Impresionante la interpretación de “Welcome Home Sanitarium”, al igual que “One”, tema al que precedieron unos fuegos artificiales, o la preciosa “Master Of Puppets”. Antes sonaron “That Was Just Your Life”, y “The End Of The Line“ dos ternas de su exitoso nuevo disco “Death Magnetic”, 2008.

Una preciosa introducción sirvió para presentar una potente “Fight Fire With Fire” antes de dar paso a la delicatessen del concierto: una sentida interpretación del clásico “Nothing Else Matters”, que estuvo precedida por un precioso solo de Kirk. Sentado en una banqueta no hizo falta que James invitara a la gente a cantar porque se invitó sola. ¡Preciosa! El público acabó de rendirse a la banda cuando sonaron las primeras notas de “Enter Sandman”, a la que también acompañaron fuegos de artificio y que el público cantó a rabiar. Lars abandonó la batería para saludar al público demostrando así su cercanía y preocupación por el respetable. Un concierto en el que brillaron con luz propia los temas más emblemáticos de la banda, conocedores sus miembros de que el público disfruta con ellos.

Maestros de maestros, Metallica demostró, en dos horas de concierto porqué es una banda mítica: por ser modelos de una música que se escribe con las letras de su nombre. Después de una hora y cuarenta y cinco minutos empezó el espectáculo de los bises con la preciosa “Phantom Lord” para terminar con una electrizante interpretación de “Seek And Destroy”, rematada con más fuegos de artificio.

Entrada, 69 euros; pastel de bayonesa, 3 euros; litro de cerveza, 8 euros; dos besos de una rubia impresionante del stand de Movistar; 0 euros. Ver a Metallica en directo no tiene precio.

Texto: AMADO STORNI

Motorhead – 14-06-2010 – Rock In Río – “Yo voy”

storni — Tue, 22 Jun 2010 02:06:49 +0000

La última vez que vi en directo a Motorhead fue en el histórico Pabellón de los Deportes del Real Madrid. En aquella ocasión y en el tiempo que duró la actuación, pasé de ser seguidor a fan del grupo. Como un Ferrari que pasa de cero a cien en cuestión de segundos. Por eso cuando supe que la banda tocaría el día 14 de junio en el escenario Mundo de Rock In Río dije: yo voy. Aunque en esta ocasión la impresión, sin dejar de ser positiva, no fue la esperada.

A las nueve y cuarto y con una formación de lujo – Phil Campbell a la guitarra, Mikkey Dee a la batería y Lemmy Kilmister al bajo y voz -, sonaban los primeros acordes de “Iron Fist”, una inmejorable manera de empezar la actuación. El público, que abarrotaba el recinto, enloqueció por momentos. Y siguió enloqueciendo cuando los ingleses descargaron “Stay Clean”, “Metropolis”, – antes habían sonado “Be My Baby” y “Rock Out” -, o la pegadiza y cargada de adrenalina “Going To Brazil”.

No faltó el solo de guitarra a cargo del señor Campbell ni el increíble solo de batería que se marcó el señor Dee. Pero el climax del concierto se logró con la interpretación de “Killed By Death”, para la que contaron con la grata compañía de Andreas Kisser, guitarrista de Hail y antiguo miembro de los brasileños Sepultura. Luego sonaría la preciosa “Ace Of Spades”, para terminar, después de una hora y cuarto, con una impresionante interpretación de “Overkill”.

Decir que hubo compases del concierto en los que el grupo no me gustó – solos de guitarra que no sonaban con la fuerza y la precisión que suenan en los discos -, o temas imprescindibles en el repertorio que el grupo no tocó – “Bomber”, “Motorhead”, o “Stone Deaf Forever”, por citar tres ejemplos -. Aunque si me preguntan si me defraudaron los ingleses tengo que contestar que no. La fuerza, y sobre todo el magnetismo que en directo tienen los tres miembros de Motorhead es muy difícil de igualar. Para quitarse el sombrero. El tuyo Lemmy.

Fotos: Pointer

Texto: AMADO STORNI

Muse + Editors + The Big Pink – Vicente Calderón (Madrid) – 16/06/2010

pointer — Tue, 22 Jun 2010 02:06:33 +0000

Muse sigue imparable, su audiencia no ha parado de aumentar durante toda su trayectoria y en esta ocasión el reto consiste en encabezar conciertos en grandes estadios a lo largo del verano. Con el grueso del respetable bebiendo fuera del recinto o charlando de espaldas al escenario, las bandas teloneras ni llamaron la atención ni consiguieron distraernos de las bajas temperaturas reinantes en el Vicente Calderón. Si hace unos meses, en la gira por pabellones, actuaron The Horrors ahora fueron Editors, evidenciando el gusto de los componentes de Muse por bandas británicas de sonoridades ochenteras encajadas -en ocasiones muy forzadamente- en moldes actuales.

El ambiente se caldeó de verdad con la entrada del público restante y la cuidada selección de temas que sonaron como entretenimiento previo, Yeah Yeah Yeahs, Green Day o U2 con sus potentes singles para auditorios mainstream. El escenario impresionó gratamente, la banda no necesita estar dispersa para dar la sensación de grandiosidad y las múltiples pantallas fueron empleadas con originalidad e inteligencia, siempre sincronizadas con la música y sin los molestos delays de otros eventos. Tocar en un gran estadio es una gran responsabilidad, y así lo entienden estos ingleses con ideas frescas alejadas de los fuegos artificiales y las llamaradas gigantes del siglo pasado.

Una revolucionaria flashmob se manifestó con pancartas y banderas segundos antes del inicio con Uprising, y es que las temáticas distópicas aliñadas con metáforas astronómicas son las favoritas de Bellamy. Un cuarto miembro en los teclados compartió escenario y pantalla gigante con el resto, además de aportar las multiplicidades que se concede Matt en estudio y sin las que muchas canciones se quedarían cojas. El último disco se llevó una buena parte del setlist, pero son los grandes éxitos Plug in baby, New born, Time is running out o Feeling good los que arrancaron más gritos. Como única novedad, y compuesta para la banda sonora de la nueva entrega de Crepúsculo, interpretaron Neutron Star Collision (Love is forever), dedicada a la ex del cantante, apenas concitó apoyo, pero no duden que les ayudará a ganar adeptos hacia su objetivo de la dominación del rock mundial.

Texto: Pointer

Fotos: Almudena Eced

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Barón Rojo – 14-06-2010 – Rock In Río – “Los hermanos de siempre defraudaron como nunca”

storni — Mon, 21 Jun 2010 02:06:36 +0000

Barón Rojo fue la sorpresa non grata de la tarde-noche. El cincuenta por ciento de los barones originales (o lo que es lo mismo, los hermanos Carlos y Armando de Castro) acompañados al bajo por Gorka Alegre, ofrecieron un concierto muy discreto. Al lamentable sonido con el que contaron (las guitarras casi no se apreciaban), se le sumó la falta de canciones legendarias del cuarteto, canciones que para el escaso tiempo del que contaron deberían haber tocado – “Los Rockeros Van Al Infierno”, “Hijos De Caín” o “Larga Vida Al Rock N´Roll”, por citar algunas de tantas -. Además la formación no era la original como todos esperábamos.

Empezaron descargando “Al Final, Perderán”, de su disco “ Ultimasmentes”, 2006, que enlazaron con el himno “Barón Rojo”, y a la que siguieron una coreada “Resistiré”, con una introducción algo desafinada, para acabar con una muy sentida interpretación de “Cuerdas De Acero”, e “Incomunicación “, del disco “ Volumen Brutal”, 1982. Carlos de Castro estuvo muy pasivo, con una voz que en ocasiones rozaba el ridículo, mientras que Armando de Castro, el único que se salvó de la quema de un concierto para olvidar, estuvo más participativo cantando y tocando la guitarra con la maestría que le caracteriza.

Lo mejor de la actuación fue cuando Hail se sumó a la fiesta y entre todos, músicos y público, rendimos un merecido homenaje a Ronnie James Dio. Sonaron los temas “Neon Nights”, – los más viejos recordamos este tema como sintonía del mítico programa de radio “ Disco Cross” -, y “Paranoid”. Casi tres cuartos de hora de actuación en la que Barón Rojo no supo aprovechar la oportunidad única de demostrar el resurgir de la banda tocando para un público amplio tanto en número de asistentes como de fans. ¡Una verdadera pena!

Fotos: Pointer

Texto: AMADO STORNI

Suffocation + Dying Fetus + Human Mincer + The Band Apart – Sala Live (Madrid), 15/06/2010

charly — Sun, 20 Jun 2010 03:06:21 +0000

Noche para el disfrute de todos los amantes de sonidos extremos como el grindcore y el death metal a cargo de dos bandas experimentadas en el género como son,por un lado,Dying Fetus,con letras cargadas de mala ostia y compromiso político y un death metal muy técnico y asesino que nos presentaban su último disco llamado “Descent into Depravity” y como cabezas de cartel los legendarios Suffocation que también presentaban nuevo disco, el brutal “Blood oath”.

Con bastante retraso comenzaba la noche con The band apart de Madrid,con sonidos resultantes de meter en una batidora géneros como el death metal y el hardcore,poniendo toda la carne en el asador sobre el escenario aunque a nivel personal no me gustaron mucho ya que pienso que deberían pulir las composiciones intentando que fueran más variadas. A pesar de lo ingrato de abrir la noche conectaron con la gente y fueron un excelente aperitivo ya que ganas e ilusión no les falta. Pudimos escuchar canciones de su trabajo “Dead can dance” que editaron en el año 2007 como “Day of the dead” o “Don´t say Im sorry”.

A continuación tendríamos en el escenario a Human Mincer que me causaron una muy grata impresión,con un death metal de lo más oscuro,diabólico y contundente que se puede encontrar en su último trabajo editado en el 2008 llamado “Degradation paradox” del cual me encanto “Sculpturing Himself atrocity” y “Diskinetic Martyr Modification” aunque también tocaron temas de otras grabaciones como “Light of evil” de su anterior trabajo “Devoured flesh” del 2005,con el que iniciaron su potente descarga. Fueron los únicos afectados por el retraso de horarios, algo verdaderamente injusto ya que no pudieron tocar todo el set list planeado, una verdadera pena.

Trás un rato de espera teníamos a uno de los platos fuertes de la noche,tenía muchísimas ganas de ver a una de las bandas más influyentes en el death metal, con una actitud combativa de denuncia y con unas letras comprometidas politicamente que al margen de su calidad y técnica como músicos, que se ve materializado en temas asesinos, brutales y complejos a nivel compositivo,me parece más real,alejado de otras letras y actitudes que se centran en lo ireal como se ve claramente en “One shot, one kill” o “Praise the lord opium of the masses”, siendo esta última con la que iniciaron su descarga, a la que continuaron “Your treachery will die with you” de su nuevo disco, del que también sonaría “Conceived to slavement”. Brutal es la palabra con la que se puede definir su show aunque les falte comunicación con su gente, para mí fueron de lo mejor de la noche y es que sonaron todos los temas que nos esperábamos y son representativos,como “Epidemic of hate” o “Grotesque impalement” con la que dieron fin a su fantástica actuación.

Otro tiempo de espera y tras pruebas de sonido podríamos disfrutar de otras leyendas como son Suffocation, que se encargaron también de dar un contundente set list y que no fueran menos que Dying fetus lo cual quedo muy claro desde el incio con “Liege of inveracity”,uno de los temas publicado en “Effigy of the forgotten” de 1991,al que seguiría sin apenas comentarios por la banda a el propio “Effigy of the forgotten” que nos dejaría sin aliento, aunque poniendo excesivas pegas me pareció que la banda lo hacía con cierta frialdad que no dejaría a su público de saltar y echar toda la adrenalina contenida en su cuerpo y que explotaría de manera bestial en “Infecting the crypts”, uno de mis temas favoritos de la banda. Tampoco faltarían canciones de su nuevo trabajo como “Blood oath” o “Cataclismic purification” para mostrarnos el excelente estado de la banda y que no tienen nada que envidiar a sus clásicos que obviamente sonaron como “Pierced from within”,“Funeral inception” o “Bind Torture Kill”. Buenísimos y es que pocas oportunidades uno tiene de ver a bandas que además de repartir caña sean tan tremendamente técnicos, eso si, me parecieron un poco fríos, pero esto es solo una opinión personal.

Texto y Fotos:Charly Rock and roll

Hail – 14-06-2010 – Rock In Río – “La verbena más metalera”

storni — Sun, 20 Jun 2010 02:06:29 +0000

Con un sol todavía de justicia, – eran las siete y cuarto de la tarde -, salieron al escenario Sunset de Rock in Río los cuatro chicos de Hail. “Are you ready? ”, nos gritó un ilusionado Tim “Ripper” Owens. Sabiendo que su objetivo era el de “despertar” a un público ávido de rock, dieron el pistoletazo de salida con su particular versión del tema “Ace Of Spades”, de Motorhead. La guitarra de Andreas Kisser pasaba casi desapercibida mientras que la base rítmica, precisa como una máquina de coser, hacía notar su perfecto engranaje. Las buenas maneras de Andreas no se vieron acompañadas por el sonido que fue simple y llanamente nefasto. Mientras tanto “Ripper” intentaba animar un concierto muy light en el que el público mayoritariamente había asistido al espectáculo sin saber lo que se iba a encontrar.

También acudieron a su cita una animada versión de “Symphony Of Destruction”, de Megadeth, “Territory”, de Sepultura, “Painkiller”, de Judas Priest, con la que el público enloqueció y una preciosa versión de “Balls To The Wall”, de los alemanes Accept, para la que tomó las riendas de la batería, Mikkey Dee, de Motorhead, y que sirvió para echar el telón a la actuación.

En definitiva, Hail es un “supergrupo” de versiones formado por componentes de otros grupos conocidos, como muchos otros que existen en el panorama musical, con un repertorio bien elegido pero que no aporta nada nuevo a la música. Buen sabor de oido, nada más. Permítanme la comparación pero muy similares a cualquier grupo de verbena que aliña los finales de fiesta con ingredientes heavies y metaleros. Eso sí, salvando las distancias.

Fotos: Pointer

Texto: AMADO STORNI

VIII Aniversario Rock Estatal – Gritando en silencio + Encrudo + Kaxta – Gruta 77 (Madrid), 12/06/2010

charly — Thu, 17 Jun 2010 04:06:32 +0000

Siempre es un gustazo celebrar la existencia de un medio dedicado a nuestro rock y que bajo su cobijo protege en especial a aquellos que día a día se dejan la piel en el local de ensayo además de dar cancha a los que siguen con mayor o menos éxito. En este caso la revista Rock Estatal con Juan Palacios al frente ha hecho mucho por nuestra música y eso se ve reflejado en el llenazo que presentaba la sala y la actuación de tres grupos formidables que nos dieron descargas frescas y llenas de diversión y calidad musical.

Para comenzar la velada teníamos a Kaxta que venían desde Badajoz que han editado su primer trabajo que rezuma sonidos muy en la línea de Extremoduro que es su principal influencia pero que no debe distraeros de la calidad musical y compositiva de sus canciones.Quizás a nivel personal yo agradecería un sonido más personal pero esto solo es cuestión de gustos, lo que está claro es que en directo enganchan con la gente haciéndoles saltar, bailar, cantar y disfrutar con temas como “La ciudad de los vampiros”, “Agua pal sembrao” con cierto deje flamenco o la versión con aquel estribillo de “¡Ama, ama..y ensancha el alma!” (ya sabes de la que hablo ¿o no?) que hace muchos años yo viví de Extremoduro en el desaparecido “Canci” madrileño. En definitiva muy buen grupo en todos los sentidos aunque no sea de mi gusto.

Les tocaba el turno a Encrudo que tenía muchas ganas de ver ya que la influencia del rock realizado por unos primigenios Platero junto a otros como La Fuga y su propia marca personal les hace irresistibles. Salieron con una fuerza y energía bestiales, dispuestos a comerse el mundo, el escenario y lo que hiciera falta.Su segundo trabajo “Grabado en los huesos” con mayor presencia de melodías y temas mejor terminados es de lo mejorcito que uno puede escuchar en nuestro país, una pena que no les conozcan más por que arrasarían y tienen mejor sonido y actitud que unos cuantos que están ahí arriba.Disfruté al máximo con “Abriendo brecha” o “Juegos de animales” que son rock and roll en estado puro y otros momento más dulces de excelente factura como “Si no hay veneno” sin olvidarse de temas de su primer disco como “Hasta aquí hemos llegado” que sonaría en la recta final de su descarga amén de regalitos de versiones de La Fuga y los míticos Platero.

Tras largo tiempo ya teníamos también sobre el escenario a los sevillanos Gritando en silencio que tienen su primer trabajo a la venta llamado “Contratiempo” que tiene la virtud de sonar a buen rock and roll pero siendo personales y es que tienen algo que te encandila, ya sea la voz de Marcos, su cantante, o un estilo que bebe de bandas como Leño en “Flores de Cartón” o a Extremoduro en “Rutina” donde van añadiendo buenas melodías y hasta pinceladas del rock más clásico que tanto nos gusta y es que “Dos copas más” tiene un ritmo “Hendrixiano” que me hace morirme de placer, sobretodo en los acordes iniciales e incluso el blues o pasajes acústicos de “A la luz de una sonrisa” con una de esas letras que te hacen extremecer. Enormes, se disfrutan a pesar del enorme cansancio y las altas horas de la madrugada a las que llegamos con el final de la descarga de los sevillanos.

Para finalizar felicitar a Juan Palacios por su tenacidad y lucha al igual que todos los que forman esta revista donde se apoya a nuestro rock con mimo,cariño y sobretodo entendiendo y conociendo lo que tienen entre manos.

Texto y Fotos:Charly Rock and Roll

Cinderella – La Riviera (Madrid), 09/06/2010

maixta — Wed, 16 Jun 2010 14:06:24 +0000

Existen eventos que, por su envergadura, protagonistas u otras circunstancias de semejante calado, deben de ser tomados en su completo contexto dejando de lado las habituales reglas que los calificarían en otro tipo de situación. En otras palabras, hay concierto aptos para todo público del ramo y otros recomendables prácticamente en exclusiva para los fanáticos del actuante. Este es el caso del concierto que nos ocupa, una celebración de algo que se creía imposible y que ya hace lustros que la mayoría de los asistentes habían dado por inalcanzable: nunca en su historia los norteamericanos Cinderella habían cruzado el charco para acercarse a nuestro país.

Así, el sorpresivo advenimiento de los de Filadelfia logró movilizar a una suficiente cantidad de seguidores que nunca tuvieron la oportunidad de conocerlos en directo y que veían, con alguna década de retraso, eso sí, respondidas sus plegarias. Nadie que no les conociera, casi ningún curioso (el precio de las entradas lo impedía), sólo la familia de los seguidores de Cinderella, una suerte de subespecie determinada dentro del gran espectro rockero, llegados de toda España, e incluso de más allá, ante lo insólito del acontecimiento. Ante tantas expectativas tan largo tiempo guardadas, la noche no podía acabar sino en gloria o en drama.

Precedidos por los británicos Stormzone, Cinderella abrirían fuego con “Second Wind“, un tema menor en su corta discografía, pero perfecto preludio de lo que sería la velada: abundancia de medios tiempos, más cómodos para la tocada voz de Tom Keifer, recién recuperado de una grave afección en las cuerdas vocales, intenso repaso a sus dos primeros discos, Night Songs y Long Cold Winter, que se vendieron masivamente en los Estados Unidos en la década de los ochenta, dos temas del tercero, Heartbreak Station, las más coreadas “Shelter Me” y una increíble “Heartbreak Station” en el momento álgido de la noche, y absolutamente nada del cuarto, el notabilísimo Still Climbing, ninguneado en el momento de su publicación por un mercado centrado exclusivamente en el Grunge y que no tenía ya ojos para el anticuado Hard-Blues-Glam que proponían los de Filadelfia. Injustísimo reparto el del set-list, sólo justificable porque es el mismo que vienen desarrollando en sus habituales apariciones americanas y que se rigen por la simple demanda del circuito de lo nostálgico.

A nadie le hubiera satisfecho, de todas formas, cualquier otro repertorio: veinticinco años de afición con sólo cuatro discos para alimentarla, dan para desarrollar personalísimas listas de temas imprescindibles que dificilmente pueden verse satisfechas en plenitud. Menos aún en un concierto de apenas hora y cuarto de duración incluyendo los bises, algo que dejó a un público con décadas de hambre atrasada con una cierta sensación de insatisfacción. Si a esto sumamos un sonido que comenzó horrible, mejoró a malo y acabó en pésimo, y a un Keifer que, aunque lo dio todo en un meritorio esfuerzo por no defraudar a sus seguidores españoles, acabó rompiendo la voz y refugiándose en un cómodo falsete en lugar de su ya famoso tono rasgado, se entiende que la sensación general no fuera la de entusiasmo.

Tampoco se puede decir que el concierto fuera decepcionante. Cinderella se encuentran en buena forma, muestran entusiasmo y energía sobre el escenario, en un show que conocen al milímetro, y si bien el público hubiera deseado mucho más, también es cierto que las sonrisas y los ojos sospechosamente brillantes de los asistentes al salir de la sala La Riviera de Madrid atestiguaron que los norteamericanos supieron calar hondo. Una noche de intenso sabor agridulce que pudo estar mejor, pero que sin duda permanecerá en el recuerdo.

Texto y fotos: Almudena Eced

Diesel Dogs + Under Duress – Gruta 77 (Madrid), 05/06/2010

charly — Sun, 13 Jun 2010 04:06:25 +0000

Corren tiempos en que la gran mayoría del personal tiende a productos de rápido consumo o macrofestivales que son apoyados por una lista infinita de marcas comerciales, yo que soy de los que huyo de estas costumbres prefiero paladear buen rock and roll , hecho con sentimiento y por que no , con pelotas, rabia y mala ostia como han hecho innumerables grupos de nuestro rollo como New York Dolls, Alice Cooper, Kiss o Mötley Crüe, fuentes musicales de las que beben los madrileños Diesel Dogs, que acaban de sacar su tercer trabajo llamado The Golden Age que nos muestra un gran salto cualitativo en todos los aspectos, comenzando por la producción de Fernando Pardo ( Sex Museum, Los Coronas) que hace justicia a la gran calidad compositiva de los temas de este nuevo disco y saca todo el jugo posible a la banda, siguiendo con unas letras más maduras y trabajadas, la masterización a cargo de Gene Grimaldi (J. Cash, Backyard Babies entre otros) y terminando con todo el esfuerzo que la banda ha puesto en este espléndido disco.

Para comenzar la noche pudimos ver en directo a unos desconocidos llamados Under Duress que vienen de Madrid para presentarnos sonidos alternativos de lo más complejos y con buena calidad instrumental donde milita Yico, anterior batería de Diesel Dogs que esta noche estaría también en las baquetas con su antiguo grupo debido a problemas con la rodilla de Justin. Como decíamos,sonidos alternativos que no cuadraban para nada con los cabeza de cartel y que en otra ocasión si que los hubiera disfrutado, pero es que esa noche había ido a disfrutar de rock and roll y punk con sabor a The Church, Stiv Bators o mis adorados New York Dolls. Aún así , buena banda.

Por fin vimos a los chicos de Diesel Dogs ocupar el escenario para ofrecernos una descarga de auténtica locura y es que uno no puede parar de gritar, saltar y bailar al ritmo de sucio rock and roll de lo más adictivo, realmente venenoso y con multitud de pinceladas musicales en cada tema, especialmente en aquellas que forman parte de su flamante nuevo disco, en el que como es lógico se basó el grueso del set list. Sonaron composiciones como el directo “Cyclone” , “Migrant revolt” con unas partes vocales a cargo de Javi que realmente sorprenden por la forma de cantar como antes no había hecho, otros más en la línea Mötley Crüe como “War at the gates of Wall Streets” junto a el propio “The Golden Age” de seis minutos de duración que se arranca con guitarras acústicas y da a entrada a un medio tiempo contundente, lleno de fuerza y con matices de buen hard rock como “Hiroshima Alter You”, otro tema sorprendente, difícil de etiquetar pero tremendamente delicioso en una onda The Church que me parece fabuloso.Pero no solo hubo eso, también disfrutamos de trallazos directos como “Makind is the enemy”,punk rock directo a la cara, macarra y callejero, el irónico “Everybody talks about the weather (We don´t)” o “Declarations from the last days”.

Hubo rescate de temas de sus anteriores trabajos como la versión de David Bowie “Suffragette city” y temas propios infaltables en su set como “Enter the dogs” que a un servidor le supuso quedarse un par de días sin voz junto a “Babylon”, “Destroy New York” o “Welcome to the lost Generation”. En definitiva, fabuloso y es que vendo mi alma por el rock and roll de estos madrileños, bueno,ya la he vendido…..

Texto: Charly Rock and roll
Fotos: Raúl Ranz

The Ruby Suns – La Casa Encendida (Madrid) 3/06/2010 – Cuando la luz y el ritmo se alían

vinitials — Sat, 12 Jun 2010 05:06:16 +0000

Los neozelandeses The Ruby Suns destacan por renovar la música, darle colorido al pop, ya desde un primer momento con un nombre tan almibarado como los soles de rubí. Parten de una premisa para luego dotar a las bases electrónicas del pop más ensoñador capas de tropicalismo y sonidos rítmicos que beben del caribe, de África y las raíces más tribales. Y nos vemos celebrando la vida con el trío liderado por Ryan McPhun (teclados, bases, loops, programaciones), acompañado de un percusionista (y batería programada) junto a otro teclista (guitarrista, programaciones).

Sus tres discos son un auténtico festival de pop colorido, donde la vibración crece, el cuerpo se anima a bailar y el espíritu rebelarse, dejarse llevar y sonreír. Una base de pop consistente con ritmos digitales y analógicos, en una combinación idónea para que el pop abrace el ritmo y se funda con las raíces. Su propuesta va en otra dirección que la de Vampire Weekend aunque si comparten el sentido y ciertos postulados. Porque la música quiere expandirse.

Su último asalto discográfico se titula ‘Fight softly’ (2010), como convenciendo al oyente de que la música es de los pocos reductos donde podemos iluminar nuestro alma, para seguir batallando en nuestras vidas. Tras el éxito de ‘Sea lion’ (2008), del que interpretaron dos joyas como “Oh Mojave” o una genial canción de corte tribalista como “Tane Mahuta”. El nuevo disco viene a confirmar una paleta sonora francamente original, su sencillo “Cranberries” es luminoso, parece que lleva dentro un carnaval. O esa joya ensoñadora que es “Closet Astrologer”. Y es que The Ruby Suns son una amalgama de sonidos digitales con inspiración orgánica y conceptos abiertos, para nada enlatados, que abren tus neuronas a nuevas experiencias. Que te abren a las músicas tribales, a las raíces tropicalistas, africanas, a través del pop, sin limitarse a único género. A esto se le llama ultra visión o punto de mira soñador.

El concierto de The Ruby Suns fue el colofón ideal de un día festivo en Madrid. Salimos a la calle con la energía desatada, con un golpe de acción ante la apatía reinante. Con un haz de luz que aportan estos The Ruby Suns: diversidad, divertimiento y musicalidad. Casi nada para los tiempos que corren. Y recuerda, lucha suavemente.

Texto: Andrés Castaño

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Crónica de Dilated Peoples, 01/06/10 en sala Heineken

javijb — Fri, 11 Jun 2010 15:06:42 +0000

Está el hip hop de calidad y el hip hop palero. El primero es más difícil de encontrar pero el segundo abunda a raudales. Por suerte, en cada desierto, por muy árido y basto que sea, a veces te topas con oasis. Pues bien, el pasado 1 de junio acudimos con deleite a la sala Heineken a zambullirnos en un remanso de energía, buen rollo, maestría a los platos y rimas y, en definitiva, genialidad en clave de Rap.

Dilated Peoples es uno de los grupos de hip hop californiano más respetados del mundo. Y ese respeto tan difícil de ganar sólo han podido conseguirlo gracias a una sólida carrera llena de trabajo, compromiso y actitud. Siempre se han movido dentro del underground, y por ello el público les ama. Su única concesión con el mainstream fue el mano a mano con Kanye West gracias al hit “This Way”. Pero bueno, la cuestión es que Dilated Peoples siempre han querido preservar el espíritu del old school, tanto en su estilo como en su forma de hacer las cosas, y lo han conseguido.

Una sala llena, aunque sin sold out, aguardaba impaciente en medio de una gran burbuja fruto del hachís y la marihuana. Pero puntuales y sin hacernos esperar más de la cuenta saltaron bailongos para abrir entre vítores con “Live On Stage”. Perfecto título para una velada que se presentaba auténtica y rebosante de intensidad.

Es curioso que el dj, en este caso el maestro de los platos de nombre Babu, miembro de honor de la Dj Crew Beat Junkies. Y es que no es para menos ya que el amigo Babu es uno de los mejores dj’s de hip hop del mundo, y no sólo eso ya que su fama como productor es inmensa. Y se lo ha ganado a pulso ya que su destreza y creatividad produciendo es impresionante. A lo largo del concierto tuvo numerosas ocasiones de demostrarlo, no sólo con sus improvisaciones jazzísticas y funkies, sino con su clase magistral de scratchs y recursos electrizantes al mando de sus humeantes Technics.

Pronto empezó a caer temazo tras temazo. Fantásticas piezas como “War”, “Marathon”, “Clockwork” o “You Can’t Hide, You Can’t Run”. Efectividad y conexión brutal entre el combo Evidence e Iriscience. Buenrollismo por los cuatro costados y sentimiento compartido entre el trío de ases y un público totalmente entregado. Los canutos sin retorno no paraban de llegar al escenario y como agradecimiento Weatherman nos obsequiaba con su conocido “Mr. Slow Flow”, tema que le nomina tanto como su evidencia, además de adelantos de su próximo trabajo en solitario, Cats & Gods. Rakaa, por su parte, se encargó de presentar su inminente Crown Of Thorns con alguna que otra pincelada.

Por lo demás, un obligado, aunque breve pero correcto, recuerdo a Guru y Alchemist. Cántico a favor de la escena local y aquellos que luchan porque el underground siga manteniendo viva la llama. Llama que derivó en hoguera explosiva cuando descargaron la espectacular “Work The Angels” o la famosa “This Way” que nombrábamos al principio. Totalmente en su salsa el trío angelino disfrutó enormemente con la acogida por parte de una audiencia que coreaba con todas sus fuerzas las canciones de The Platform. Rimas calientes para mentes dementes.

Y así, con pasión, profesionalidad y reivindicación de la buena música lírica, nos regalaron una gran velada impregnada de giros en las mezclas, compromiso político y social en las letras y un compendio genuino de buen Hip Hop. Despidieron la velada con “Worst Comes to Worst” y estamparon una sonrisa en cada uno de los que asistimos a esa lección de expresión, ética y emoción en forma de rap. O mejor dicho, RAP. Así, en mayúsculas, como mayúsculo es el RAP de un grupo enorme llamado Dilated Peoples.

Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco

Get Well Soon – La Casa Encendida (Madrid) 2/05/2010 – El hechizo de la mirada interna

vinitials — Fri, 11 Jun 2010 04:06:26 +0000

Venían a presentar su último trabajo, su segundo disco grande ‘Vexations’ (2010), un disco doble ambicioso a la par que bien notable. Era la primera visita a Madrid de la banda alemana Get Well Soon, y desde el primer momento consiguieron conectar con el público, pese al calor sofocante del patio de La Casa Encendida y un estilo introspectivo, oscuro, grandilocuente, pero que cala hondo por la franqueza de la propuesta. Impregnaron el espacio de una atmósfera especial, con ese impulso de pop-folk orquestal repleto de clasicismo bien entendido, no forzado. Liderados por Konstantin Gropper, un compositor con talento que contribuye al panorama con música rica en matices, volátil, visceral y terrenal, con un gran influencia del pop más orquestal, del dramatismo, de la épica, y fuertemente inspirado en la estética del romanticismo alemán y en esa mirada a la psicología, a la diversas manifestaciones del alma. Conjugan ese poder evocador de las músicas pop, con un alto dosis de ideario ilusorio, aires de fábula con un cariz intimista. Un sexteto mágico, (batería; bajo; guitarras; violín y coros; teclados; guitarras y voz), que entiende de dotar una capa épica a su música, de imaginar parajes sombríos, de dar voz a esa alma acallada.

Su repertorio se centró en su último trabajo, logrado, brillante y sorprendente con canciones como “We are free”, un canto intenso, “We are ghosts”, con la incipiente realidad confusa, la leve tranquilidad de “Red nose day”, ese despertar que es “A voice in the Louvre”, la intensidad liberadora de “5 steps 7 swords”, con ese susurro deslizante y el crescendo de los metales, o “Angry young woman”, un single redondo con un inicio abrupto que deriva en un toque clásico para recurrir a la épica más cautivadora. Pero también recuperaron joyas de ‘Rest your head so you will get well soon’ (2007), como la excelente versión de Underworld “Born slippy (Nuxx )” o “I sold my hands for food so please feed me”. Get Well Soon poseen una intensidad que recuerda a los inicios de Arcade Fire, los ambientes embriagadores de Thom Yorke, la desnudez rabiosa de The National (quizás porque la voz de Gropper recuerda a la de Matt Berninger). Get Well Soon son una banda a tener en cuenta porque suenan creíbles, sinceros, porque sus armonías tienen gancho, sus melodías elevan el preciosismo a la enésima potencia, y porque sus fantasmas nos conmueven, porque son comunes al resto de los mortales. Sus pequeñas postales sonoras, con cierta niebla y ese poder oculto, tenebroso, se instalan en nuestros sueños, acompañan nuestras pesadillas o ese pesar y lamento que en ocasiones se instala en nuestra vida. Nos hechizaron en directo con una actitud sobria pero eficaz y sobre todo con unas piezas que respiran vida más allá del dolor del vivir. Necesitamos dosis para ‘ponernos bien pronto’, mirarnos un poco al ombligo, escuchar, aliviar el dolor y mirar al futuro con el brillo en nuestra mirada.

Texto: Andrés Castaño

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Megadeth (01-06-2010 – Razzmatazz – Barcelona). Sinfonía de metal con Dave Mustaine como director

locky — Tue, 08 Jun 2010 04:06:31 +0000

FECHA: 01-06-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Sala Razzmatazz
GRUPO: Megadeth
DURACION: 100 minutos
INVITADO: Vórtice

Una larga cola de “metalheads” esperando pacientemente ingresar en la sala Razzmatazz, auguraba de antemano el éxito de público en la presentación de Megadeth en Barcelona antes de su presencia en el festival Sonisphere de Madrid el próximo julio.

A los seguidores de Megadeth de siempre se han ido añadiendo fans de nueva generación quienes, la mayoría, intentaron sin éxito sortear el control de seguridad para entrar al recinto pero sus juveniles rostros les delataban de que no cumplían con los requisitos de edad necesarios. Dave Mustaine puede darse por satisfecho, tiene el futuro asegurado por unos cuantos años.

Debido a la lentitud del acceso al recinto, cuando los teloneros Vórtice iniciaron su actuación aún había bastante gente fuera del local. Una vez en el interior pudimos comprobar ciertos problemas del grupo catalán con su batería.

La actuación del grupo invitado fue bastante discreta, con una atmósfera excesivamente saturada. Su metal desgarrador y ruidoso no fue el más idóneo para una concurrencia preparada para sensaciones fuertes pero no extremas. Tanto así, que disfrutó más con la música “enlatada” tipo Pantera, Iron Maiden, etc, que comenzaron a “escupir” los altavoces en espera del artista principal.

Dos puntos importantes centraban la nueva visita de Megadeth a España, la reaparición de David Ellefson tras su regreso a la banda y constatar si todavía tocaban el Rust In Peace al completo, debido al 20 aniversario de su edición, aunque la gira corresponda a su nuevo álbum Endgame.

Por un lado, la participación de Ellefson dio un plus de credibilidad a una formación que ha tenido numerosos cambios debido al consabido carácter de su líder, Mr. Mustaine y, por otro, efectivamente, Rust In Peace fue el gran protagonista del evento. No solo porque fue interpretado de principio a fin, sino porque el telón del escenario también aludía a su portada y porque Mustaine lució, en diversas facetas del concierto, una guitarra “customizada” con elementos propios del álbum.

De entrada, el grupo estadounidense atacó con un par de temas de su último disco, como es obligación en los casos en que se presenta una nueva grabación. La pena fue que el encargado de los controles parecía estar pensando todavía en Vórtice, y un sonido demasiado distorsionado inundó la sala impidiendo gozar en toda su dimensión de “Dialectic Caos” y “This Day We Fight!”, así como de “Wake Up Dead” e “In My Darkest Hour”. Algo que no pareció importar a los asistentes más entusiastas que se abalanzaron hacia el escenario con vehemencia y protagonizaron un impetuoso “moshing” cuyo creciente remolino amenazó con perturbar los lugares habitualmente ocupados por personal más tranquilo.

Por suerte, el colega encargado de hacer sonar lo mejor posible los instrumentos, atinó a tocar los botones con mejor efectividad y cuando Dave Mustaine arremetió con los primeros compases de “Holy Wars…” la cosa mejoró de forma ostensible. A partir de ahí, Mustaine, menos comunicativo que en otras oportunidades (pero siempre agradecido por las muestras de cariño del público), aludió a los 20 años de Rust In Peace y se dispusieron a interpretarlo cronológicamente.

El líder de Megadeth volvió a mostrar sus sobradas cualidades, sobretodo en las partes de las canciones cuyos solos agudos deben tocarse en la parte baja del mástil de la guitarra. Muy correcto en todo momento, en algunas canciones con inicio de bajo y batería desapareció del escenario por breves segundos para ceder la batuta a Ellefson y al batería Shaw Drover (discreto pero perfecto durante toda la noche), como los casos de “Five Magics”, “Poison Was The Cure” y “Dawn Patrol”.

Así como Mustaine sabe controlar sus emociones, esbozando siempre una leve sonrisa, la cara de felicidad de Ellefson delataba que se lo estaba pasando en grande. Los signos de asombro se engrandecieron cuando se dispusieron a tocar “Symphony Of Destruction” y, la multitud, en las partes donde el riff encaja perfectamente con el nombre del grupo, coreaba de forma estruendosa ¡Megadeth!, ¡Megadeth! Incluso, Mustaine, reconoció al final del concierto que ese momento había resultado podidamente alucinante.

Tras acabar con Rust In Peace, volvieron a lo nuevo con, “Headcrusher” y “The Right To Go Insane” y luego recurrieron a obligados clásicos… “Sweating Bullets”, “A Tout Le Monde” y el mencionado “Symphony Of Destruction”, tras el cual abandonaron el escenario para volver ante una asistencia extasiada que celebró efusivamente los bises, “Trust” y “Peace Sells…”, está última combinada con un reprise de “Holy Wars”.

En conclusión, Megadeth puso en evidencia que por mucho que las nuevas formaciones empujen con fuerza, todavía saben plantar batalla en directo y ratificaron que su repertorio puede imponerse a algunas deficiencias sonoras, como los momentos en los que la voz de Dave Mustaine no se oyó lo suficientemente clara, no se sabe si por la forma de vocalizar del propio guitarrista o porque nuestro “amigo” de los controles no estuvo todo lo atento que hubiera debido.

Mencionar finalmente la brillante labor de Chris Broderick, bien conjuntado con su “jefe” y efectivo en los solos. Es el último guitarrista en haber convencido a Mustaine de que puede ser útil a Megadeth; eso ya es un mérito.

SET LIST

1. Dialectic Caos
2. This Day We Fight!
3. Wake Up Dead
4. In My Darkest Hour
5. Holy Wars… he Punishment Due
6. Hangar 18
7. Take No Prisoners
8. Five Magics
9. Poison Was The Cure
10. Lucretia
11. Tornado Of Souls
12. Dawn Patrol
13. Rust In Peace… Polaris
14. Headcrusher
15. The Right To Go Insane
16. Sweating Bullets
17. A Tout Le Monde
18. Symphony Of Destructión
BISES
19. Trust
20. Peace Sells… But Who’s Buying/Holy Wars (Reprise)

CRONICA, FOTOS Y VIDEO, LOCKY PEREZ

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Crónica The Stems, 27/05/10 – El Sol

javijb — Tue, 08 Jun 2010 04:06:21 +0000

Este tipo de despedidas suelen estar revestidas o bien de un sentido adiós, o bien de un vago escepticismo. En este caso fue de lo primero, porque sabíamos, o al menos lo creíamos, y lo seguimos haciendo ahora que todo ha terminado, que esta vez The Stems se despiden para siempre. Aunque es cierto que este tipo de despedidas nunca son tristes. Es como esos entierros modernos en los que la gente come, ríe y bebe hasta emborracharse para celebrar que el difunto estuvo entre nosotros. Y nos hizo felices y siempre albergaremos su recuerdo en nuestros corazones. Así que nada, a gritar un sonoro hasta siempre a Dom Mariani y compañía. Y eso es lo que fuimos a hacer a la sala El Sol. Y aunque faltó ímpetu por parte de los anfitriones, es decir nosotros, creo que los australianos se fueron contentos, con la sensación de tener los deberes hechos y de haber puesto el broche final al vínculo tangible de los Stems y su directo en Madrid.

Siempre en la sombra, siempre en los bastidores de la galería. La factoría Stems de grandes canciones, torbellinos centelleantes del sonido garage, el power pop, el surf e incluso la psicoldelia, nunca alcanzó el limbo del éxito. Como tantas otras grandes formaciones de la historia no triunfaron comercialmente y cuando a finales de los ochenta empezaban a ser reconocidos a nivel mundial, se disolvieron. Un álbum, un EP y unos cuantos temas sueltos para la historia. Hasta que se reunieron en 1997 para un único concierto en la ciudad que les vio nacer. La cosa no fue mucho más allá pero si dio pie a que diez años después editaran un nuevo disco llamado Heads Up. 20 años después parieron un álbum a la altura de At First Sight, Violets Are Blue. Algo que sólo los grandes pueden hacer. Y ellos lo son. O más bien lo eran. O mejor dicho, lo serán siempre.

La verdad es que, por las circunstancias de su carrera, no hemos podido disfrutar mucho de los Stems en directo. Esta noche tenaímos que tener todos los sentidos bien abiertos para captar cada matiz de un concierto que estaríamos obligados a retener por siempre. Porque sí hemos podido ver alguna vez más a DM3, el grupo de Mariani, o The Chevelles, el de Richard Lane. Pero aunque el señor Don disponga genialidad en cada proyecto musical en el que se embarca, sus fans siempre han sabido que The Stems es el más especial. Tres cuartas partes de la sala Sol estaban allí para ser testigos del adiós a los Stems. Un adiós que, en esta ocasión, ha sido más amistoso que nunca. Una despedida de mutuo acuerdo entre todos sus miembros como regalo para todos los que disfrutamos de sus canciones a lo largo de todos estos años.

Aires electrizantes recorriendo el continente australiano y por fin nuestros cuerpos desde el primer acorde de “Leave you Way Behind”, el primer tema de su genial y potente Heads Up. No tardaron en descargar clásicos como “Mr. Misery” y “Never Be Friends”, maravillosas piezas sonoras que les encumbraron a la categoría de grupo de culto que son hoy en día. Es curioso porque es evidente que se trata de temas totalmente radiables, llenos de vitalidad y bastante accesibles como para que no sorprendiera que llegaran al gran público, y sin embargo es en el underground más selecto donde mejor encajan. Su espacio natural y al que realmente disfrutamos accedediendo. Allí donde nos gusta ir para mirar al sol, en este caso los focos, para cantar juntos canciones como “For Always”. La tocaron muy pronto, quizá hubiera sido una guinda perfecta y llena de significado para acabar el concierto, pero bueno, lo importante es que ya está en nuestro recuerdo. Por siempre.

Humildes pero confiados, sonrientes pero nostálgicos, en plena forma pero comedidos, se centraron sobre todo en sus primeras canciones, los verdaderos himnos de los Stems. Y si tocaron sus grandes temas creados hace un cuarto de siglo es porque creyeron que serían los que mas disfrutarían los fans. Y no es del todo cierto, ya que nos quedamos con ganas de más Heads Up. Pero tampoco queríamos dejar de escuchar esas joyas inmortales llamadas “Make you Mine” o “Sad Girl”. Qué le vamos a hacer, hubiéramos necesitado mucho más de la hora y media de greatest little hits con la que nos deleitaron.

Y con demoledora clase y elegancia siguieron pintando la atmósfera del Sol con las sedosas melodías de su vertiente más pop y la cruda aspereza de sus tendencias más garageras. Eso sí, Richard Lane y su vieja Rickenbacker, el bajista Julian Mattews, el baterista Dave Shaw y el maestro Don Mariani, animal de la música guitarrera que esperemos que nunca deje de facturar melodías, si con algo nos sorprendieron en aquella gran noche fue con su selección de versiones. La primera, la demencial “My Fathers Name Was Dad” de Fire. Una canción totalmente infravalorada cuyo riff de guitarra podía haber hecho quebrar el cielo. Y tras “Undying Love Get To Know Me”, “My Baby Like to Boogaloo”, de Don Gardner, aunque popularizada por los Emperors. Tremendo trallazo de garage punk cantada con alma de soul. Pero ahí no acaba la cosa ya que en los bises se desmelenaron totalmente y tras ejecutar implacables “At First Sight” y “Love Will Grow” nos regalaron “Sorry”, de los australianos sesenteros Easybeats, la legendaria, pegadiza y rockera “Day Tripper” de los Beatles, “Train Kept A-Rollin” de Tiny Bradshaw, versión rockerizada de Johnny Burnette Trio y el broche definitivo “I Just Wanna Make Love to You” de Muddy Waters. Creo que hubiera sido imposible acabar mejor.

De modo que The Stems se despidieron por la puerta grande. Con naturalidad y excelencia al mismo tiempo. Con un Mariani arrollador, concentrado y de sentimiento vibrante y una formación perfectamente engrasada en la que sólo echamos en falta el teclado en la formación actual. Pero bueno, el set list estuvo muy bien escogido ya que supieron combinar perfectamente los medios tiempos con momentos de gran intensidad y lograron un sonido envidiable. Dieron un concierto tan redondo que al subir las escaleras y volver a la calle sentimos todavía más su inminente separación. Posiblemente sea una decisión errónea terminar definitivamente con su carrera, pero cuando el corazón es el que dicta el final del camino no queda más remedio que hacerle caso. Eso sí, grabemos tras la guitarra esa máxima que reza: cuando la verdadera música comienza no desaparece nunca, ni siquiera con un final. Así que ahora sí que sí, hasta siempre Stems. Y gracias.

Texto: Javi JB
Fotos: Alfredo R.

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B.B. King – Mandela´s Day – Sala Teatro Circo Price (Madrid) – 2/06/2010

maxcalloway — Mon, 07 Jun 2010 14:06:19 +0000

El pasado día 2 de Junio asistimos a un acontecimiento que tardaremos en olvidar, ya que el gran B.B.King nos deleito con 45 minutos de un concierto lleno de humor, y virtuosismo. Todo esto fue gracias al Mandela´s Day, un día dedicado a la auto reflexión y ayuda a cualquier tipo de organización benéfica o actividad de voluntariado.

El concierto empezó con la entrega del título de Embajador de 46664 a manos del Embajador de Sudáfrica a lo que B. solo pudo responder con un “Siento que quiero llorar”; tras esto unas palabras transmitidas a través del presentador, donde decía que B.B.King le había comentado, antes de subir al escenario, que: “cada persona se merece el mayor número de instantes de felicidad y de amor en su vida, por eso miro al público para saber si alguna de esas personas ha logrado llegar a ese momento con la música”.

Le acompañaron durante el concierto una batería, teclados, dos trompetas, un saxofonista, guitarrista y bajista, que con bastante acierto seguían las indicaciones de B.B.King a la hora de hacer solos, que si eran de su agrado, les mandaba repetirlo.

Se respiró mucha compenetración entre cada uno de los miembros lo que se reflejaba en una muy buena ejecución de lo que quizás, junto al Jazz, es uno de los géneros más difíciles de interpretar sin llegar al aburrimiento. En general el concierto no flojeo en ningún momento aunque si se excedió en alguna introducción de las canciones, ya que la mayoría del público no entendía lo que decía.

Sobre las dedicatorias llamó la atención en el tema “You are my sunshine” al público femenino y “Rock my baby” al masculino, lo cual nos demuestra que B. sigue teniendo ese espíritu Blusero y de Rock & Roll recorriéndole todavía por las venas.

La sorpresa de la noche fue la invitación de B.B. King al escenario de otro de los grandes de la guitarra como es Raimundo Amador, quién subió y demostró su gran talento ante B. quien durante el solo de Raimundo se giró hacia el jefe de su banda y soltó un profundo “cool”. Más tarde se despidió del público madrileño con “Thrill Is Gone”, lo que puso fin a la noche.

En resumen, aunque echamos de menos “Lucille” y otros de los grandes temas del Rey, la noche estuvo llena de momentos emotivos, donde a pesar de sus casi 85 años, nos demostró que todavía puede dar verdaderas lecciones a los mejores guitarristas del mundo.

Texto: Max Ilzarbe
Fotos: Pointer

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Autoramas – Gruta 77 (Madrid), 03/06/2010

musicopolis — Mon, 07 Jun 2010 04:06:23 +0000

Divertida velada la que nos ofrecieron estos brasileños, a base de surf garajero de la mejor escuela, notablemente influenciados por colosos como Dick Dale, los Ventures o Link Wray.

Primero salieron al escenario los madrileños The Foreign Characters, para demostrarnos su mezcla de psicodelia, garaje y folk, que no lo hicieron mal del todo, a pesar de que, desde mi punto de vista, a Jorge, Güevo y Carlos todavía les falta bastante rodaje. Les noté bastante verdes y parados, aunque apuntan maneras, e imagino que a medida que la banda vaya creciendo, irá mejorando. Llevan muy poco como banda eléctrica y eso se nota. Con todo, entretuvieron al escaso personal presente, y prepararon al público para lo que venía a continuación.

Autoramas eran unos perfectos desconocidos para el que esto escribe, y la verdad es que han sido una muy grata sorpresa. Una vez superado el shock de escuchar surf garajero cantado en portugués, la verdad es que el guitarrista y cantante Gabriel Thomaz, la increíble y sexy bajista y también cantante Flávia Couri, y el potente batería Bacalhau, se metieron al público en el bolsillo, con su buen hacer, y con un directo totalmente cañero, divertido y arrollador. Tocaron cañonazos como “Paciência”, “Mundo Moderno”, alguna en inglés como “Couldn’t Take At All”, “Hotel Cervantes”, cuya guitarra me encanta, con ese aire a lo Dick Dale del comienzo, “Rei Da Implicancia”, amenizado todo por los comentarios en castellano entre canción y canción de Gabriel, y redondeando la cosa, hubo sus versiones, que en este caso fueron “E Proibido Fumar” de ¡Roberto Carlos! ¡Como lo oyen! (algo que yo no sabía, que Roberto Carlos, hasta el año 65, cantaba rock&roll. Cada día aprende uno algo nuevo) y de “Run Chicken Run” de Link Wray.

Lo dicho, si vuelven por aquí, no pierdan la oportunidad de verles. No lo lamentarán.

Texto: Antonio Sánchez
Fotos: Raúl Ranz

Messer Chups – La Boite (Madrid), 27/05/2010

raulranz — Sun, 06 Jun 2010 04:06:18 +0000

Estando como está el patio, cada día más saturado de impostores subiéndose al carro de la moda de turno y pijas recicladas con ínfulas de pin up que se quedan con las formas y ni se enteran del fondo, habría que empezar a discriminar seriamente el grano de la paja, que aquí ya se llama rockabilly, horrorpunk, surf o psychobilly a cualquier cosa y hay alguno que, más que gato por liebre, lo que empieza a dar es vergüenza ajena. Afortunadamente, no es este ni mucho menos el caso de Messer Chups, trío de San Petesburgo al que las calaveras y la piel de leopardo no parecen apretarle tanto como para ahogar su talento y su solvencia instrumental, permitiéndoles canalizar sus obsesiones por todo lo que huela a subcultura poniendo su bizarra imaginería de horror y serie B (recurrente, pero siempre efectiva) al servicio de las canciones y no al revés, sin caer en la tentación de quedarse en el envoltorio y olvidar que lo realmente importante va dentro de él.

Adornan su prolífica discografía y su correspondiente traslación al directo espectrales postales retrofuturistas en las que surf, horror lounge y psycho fuzz borbotean entre guiños a Dick Dale, Link Wray, The Trashmen o Ventures, diálogos de ignotas películas de terror, hiperespaciales reinterpretaciones de populares sintonías y bandas sonoras (The Munsters, James Bond, Twin Peaks) o merecidos homenajes a Kraftwerk, todo ello guiado por la excelente digitación de un Oleg Gitarkin que carga sobre sus espaldas casi todo el peso de una función quizás algo lineal en determinados momentos, pero siempre protagonizada por una inmaculada caligrafía sonora.

Discurre todo, sin embargo, con una extremada frialdad que, aun siendo reconocida y reconocible parte de su idiosincrasia, se antoja excesiva en muchas fases del show, dificultando sobremanera cualquier tipo de conexión o empatía con el público y alcanzado puntos en los que acaba por no distinguirse lo que es pose buscada, pura fachada o indisimulada desgana. Venir del frío no obliga a serlo en semejante medida, y no sería mala noticia que al dúo titular se le fuese pegando algo del brío y la energía que aporta el nuevo batería Dennis Messer. Al fin y al cabo, si tu rollo es ir de chupasangres, no estaría de más que se intuyese algo de ella en tus venas…

Texto y Fotos: Raúl Ranz

Accept – Sala Heineken – 28-05-2010 – “Accept en estado puro”

storni — Fri, 04 Jun 2010 14:06:48 +0000

Superarse en cada concierto es una tarea muy difícil. Solo algunos grupos muy contados lo consiguen. Accept es uno de ellos. Y es que los alemanes sienten y hacen sentir la música. El concierto celebrado el pasado día 28 de mayo en la madrileña sala Heineken, que colgó el cartel de “no hay billetes”, fue sublime, milimétrico, preparado a conciencia y sin fallo alguno. Dos horas de buena música donde los asistentes, además de recordar tiempos mejores, disfrutamos viendo a un grupo que puso en el escenario ganas, talento, profesionalidad y pasión. Sobre todo pasión.

Un par de minutos pasadas las nueve de la noche y tras una intro que tarareamos todos los asistentes, los alemanes arrancaron con la maravillosa “Metal Heart”, que enlazaron con “Midnight Mover”, “Living For Tonight”, preciosa y tan cargada de adrenalina, y “Restless & Wild”, canción del disco homónimo que introdujo a la banda en el Olimpo de la música. Sabedores del efecto enloquecedor que sobre los presentes tienen los temas más antiguos, la banda siguió descargando “Son Of A Bitch”, “Loosers And Winners”, frenética y sin respiro, “London Letherboys”, “The Abyss”, “Teutonic Terror”, el clásico “Breaker”, y la coreada “Bulletproof”, en la que Peter Baltes “dobló” en ocasiones con su bajo las notas de la guitarra de Wolf Hoffmann.

Con una indumentaria muy militar, siempre cercanos – Herman Frank y Peter Baltes no pararon de bromear con el público al que sembraron de púas –, Accept intentó agradar al público desde los primeros acordes. Por eso el tema “Neon Nights” y sobre todo los solos de guitarra de Hoffmann – muy a lo Paco de Lucía en algunos compases y muy clásico en otros pero dejando siempre la huella de su calidad con las seis cuerdas – y el solo de bajo de Baltes, sonaron más a gloria que a relleno. Antes de los bises, que llegaon después de una hora y media de concierto, sonaron “Up To The Limit”, “Demon´s Night”, “Turn Me On”, “Monsterman”, y “Burnin´”. Decir que tanto Stefan Schwarzmann, batería, como Mark Tornillo, vocalista, cumplieron con creces su cometido: el primero marcando el tempo y el compás del concierto y el segundo metiéndose al público en el bolsillo con un registro de voz que se asemeja bastante al de Udo.

Para los bises se reservaron una acelerada y maravillosamente interpretada “Princess Of The Dawn”, que el público coreó incansable, y el himno entre himnos “I´m A Rebel”. Volvieron a camerinos para pasados escasos dos minutos y tras la famosa intro que levanta el telón al disco “Restless & Wild”, interpretar los hits “Fast As A Shark” y “Balls To The Wall”, este último con un público extasiado, entusiamado y entregado por siempre al grupo.

En definitiva, este fue uno de esos cada vez más escasos conciertos en el que no faltó de nada: un público, unos músicos y unos temas maravillosos. ¿Qué más se puede pedir?

Fotos: Ana Martínez de Mingo

Texto: AMADO STORNI

El Mismísimo Diablo + Atlas – 29-05-2010 – “Lecciones de Música, Geografía e Historia”

storni — Fri, 04 Jun 2010 14:06:44 +0000

Telonear a un grupo como Atlas siempre es un lujo. En este caso la suerte recayó sobre los chicos de El Mismísimo Diablo, un grupo muy bien conjuntado, con una mezcla de estilos muy bien fusionada y con un sonido y unas letras muy frescas, actuales y cuidadas. A las ocho de la tarde dieron el pistoletazo de salida a un concierto que sirvió para presentar su segundo disco y para descargar canciones tan bellas como “Tako”, “Leña Al Mono”, “El Tío Paliza”, un rock n´roll muy purista, “Chalana”, o “Me Voy”, canción con la que se despidieron. Imnensa y digna de un guitar hero la labor de Javi Bustos, principal compositor y virtuoso del grupo y destacada también la ardua tarea de su hermano, Mariano Bustos, frontman de la banda y encargado de mover aquella tarde-noche a un público que los arropó en la justa medida. Mención especial para Vale Rodríguez a la batería, el auténtico motor del grupo, tan contundente como bien engrasado. ¡Cómo una máquina de coser, señores! No se los pierdan en directo porque darán mucho que hablar.

A las nueve en punto de la noche empezaron a descargar Atlas , una banda formada por los hermanos Arias, Angel (Barón Rojo, Goliath , Tritón) y Manolo (Ñu, Muro, Bella Bestia), por el cantante Ignacio Prieto (Eden Lost) y por el batería José Martos (Barón Rojo, Tritón). Kilómetros y toneladas de carretera y profesionalidad vestida con sus nombres. En esta ocasión nos presentaron “Contra Viento Y Marea”, 2010, segundo trabajo de un grupo cuyos miembros tienen como único objetivo, ahora y siempre, el de hacer música de calidad, fresca y llena de ilusión.

Después de una “Intro” que sirvió para pasar la invisible barrera entre el camerino y el escenario, enlazaron con el tema “Abriendo Los Ojos”, para descargar luego un par de temas de su primer disco “Santo Grial”, 2008, “Condenado Loco”, y “Nosotros Somos La Revolución”. Ignacio, que tuvo algún problema con la correa de su guitarra y que supo solventar con maestría y profesionalidad, estuvo siempre entregado a la causa de disfrutar y hacer disfrutar del concierto. Tanto sus registros vocales como su entrega son dignos de alabanza y elogio.

Luego sonarían “Oveja Negra”, “De Una Vez Por Todas”, canción contra el maltrato de género en particular y la violencia en general y la preciosa balada “Viviré”. “Demasiado Bueno Para Durar”, “Generación Sin Miedo A Vivir”, y una bellísima “Parte De Ti, Parte De Mi”, levantaron el telón para que los hermanos Arias, perfectamente acompasados y acompañados por Martos, se adrentraran en las aguas siempre cálidas del blues. Decir que Martos lucía un collarín aunque aguantó muy bien el tipo, demostrando su indiscutible profesionalidad. Otros ni siquiera hubieran acudido a su cita. ¡Sobresaliente!

“Si Me Faltas Tú”, “Unidos “ y “El Imperio De La Ley”, estas dos últimas de su disco debut, y “Matar O Morir”, pusieron punto y final a una primera parte de concierto demoledora. Abrieron el tarro de las esencias de los bises con un poupurri de temas – “The Last In Line”, “Holy Diver” y “Long Live Rock N´Roll” – que sirvió como sentido homenaje a Ronnie James Dio. El público fue testigo del sentimiento de los músicos en el escenario, sobre todo de Manolo Arias que se presigno en varias ocasiones mientras miraba al cielo. Un bonito homenaje para aquel que nos enseñó el camino del rock y que muchos seguimos andando. Después de dos horas, antes sonaron los temas “Da Igual “, “No Necesito A Nadie” y “Contra Viento Y Marea”, Atlas se despidió de todos nosotros no sin antes perfumarnos con la esencia de las cosas bien hechas: un grupo por el que fluye la savia de la Música, esa que dicta los postulados del buen gusto y las mejores maneras. Solo hay que echar un vistazo a sus componentes. ¡Casi nada!

Texto: AMADO STORNI

África Vive 2010 KONONO Nº1 SALIF KEITA ALPHA BLONDY y más – Paraninfo Universidad Complutense (Madrid) 29/05/2010 – Las viejas raíces, más vivas que nunca

vinitials — Fri, 04 Jun 2010 04:06:16 +0000

Andrés Castaño

La música con raíces está más viva que nunca. Se expande más allá de las religiones, de la raza, de las ideologías, de los prejuicios, porque lleva la libertad en su ritmo. Y ese poder nos seduce, nos atrapa. Para su segunda edición el festival África Vive, un certamen con multitud de actividades de diversa índole y en diversas ciudades del Estado. En su parte musical ofrecía como plato fuerte un cartel gratuito con tres grandes nombres de la música africana y con otros artistas menos conocidos pero que ofrecieron una panorámica musical de lo que sucede por un continente muchas veces olvidado por Europa.

Arrancaron sobre las seis y media de la tarde Don Bigg, cuando la cola para entrar en el recinto parecía inacabable. Decir que por lo que se oía de lejos el hip-hop en árabe de este combo sonaba resultón. Siguieron Da Chains con un ragga peleón y combativo, más que un dancehall elegante y rítmico. Ni mucha chicha ni poca.

Y la primera sorpresa vino con la senegalesa Njaaya. Un estiloso folk, con dejes del hip-hop, una voz prodigiosa, toques blues en la eléctrica. Todo ello fueron ingredientes que calmaron el calor vespertino y que agradaron al todavía poco público presente. Su directo, muy logrado, supera con creces sus vídeos de youtube y sus canciones de myspace suenan con un poderío inferior. La justicia del directo pone las cosas en su sitio. El descubrimiento del festival.

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Con Konono nº1 vino el baile. No pude resistirme y caí en el hechizo del baile hasta la extenuación. Y como yo, el respetable que disfrutó en una fiesta sinfín. Un concierto de los congoleses es un revulsivo y vivimos esos cuarenta y cinco minutos como un viaje sinfín, una ceremonia para expulsar los demonios. Y el baile como sanador. Y si bien encajan en la programación de un festival de música electrónica y músicas avanzadas como el Sónar, en su edición de 2009, porque su cacharrería analógica tiene ese punto de programaciones ancestrales y ritmos narcóticos, también encaja en un cartel de músicas del mundo o de sonidos bailables. ‘Congotronics’ (Crammed Discs, 2004) sigue siendo uno de los mejores discos de World music, que combina ritmo a destajo con buenas raíces.

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Cuando el recinto ya contaba con más de 5.000 personas y cualquier movimiento a los baños suponía una larga excursión, apareció la banda Sidy Samb para demostrar otra vuelta de tuerca de los sonidos africanos. Si bien no encandiló como Njaaya, a pesar de una propuesta con mucho más brío y alguna canción lograda. Practica un género musical, el Mbalakh, no muy conocido por estos lares que tiene su tirón. Pero su residencia en España le ha impregnado de sonidos propios de aquí.

María Rodríguez

Tras la actuación del senegalés Sidy Samb, Salif Keita no se hizo esperar. La inconfundible voz del cantante envolvió el recinto de la Complutense durante toda su actuación cautivando al público a través de grandes clásicos como “Yamore” o “Yambo” y junto a temas de su último disco La Différence. Un repertorio en el que no faltaron ni la dulzura ni la alegría que caracterizan a este genio de Mali.

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Una agrupación electrónica (Dj Pichi aparecía en algunos medios y Dj Africa Dance Set en otros) aportó la nota electrónica a la noche del Paraninfo sorprendiendo con una selección de temas contundentes con bases tribales donde no faltó la percusión en directo y la animación sobre el escenario de algunos artistas invitados como Njaaya y uno de los componentes de Da Brains.

Para finalizar, y con hora y media de retraso sobre lo previsto, Alpha Blondy no decepcionó a la expectación. El grupo de Costa de Marfil comenzó con una explosión de ritmo reggae que convirtió el recinto en una auténtica pista de baile, a lo que siguió una introducción estelar y casi mística de “Jerusalem” uno de los temas más conocidos del grupo que junto con otros clásicos como “Cocody Rock”, “Wari” o “I wish you where here”, hicieron cantar al público hasta el final de la noche.

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Texto: Andrés Castaño y María Rodríguez

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Cocorosie en Concierto en el Circo Price (Grey Oceans)

cesarP — Wed, 02 Jun 2010 04:06:46 +0000

Cocorosie está paseando su disco ‘Grey Oceans’ por el mundo y ahora nos ha tocado a nosotros disfrutarlo.

Siete años después de que comenzase Cocorosie (unos pocos menos desde su primer concierto en España) se hace evidente que Bianca y Sierra Casady, han nacido para la escena. Ya sea para jugar a las palmitas, para bailar en trance, tocar el arpa, el xilófono… el escenario es el hogar de estas dos hermanas(que estoy convencido de que no lo son, que sólo es una estrategia de marketing).

El 31 de mayo de 2010 en el Teatro Circo Price de Madrid hicieron una presentación bastante estricta de su nuevo albúm. Bianca, la ‘voz de ópera’ del grupo se ha convertido en la protagonista principal de las canciones, abusando de su sorprendente chorro de voz. Los juguetes siguen siendo parte fundamental de su sonido, al igual que el beatbox de Tez, un prodigio de la naturaleza, que ha sido rebajado de cargas más tediosas en el grupo (ya no hace una base de percusión él solo), con la introducción de un percusionista.

El plantel lo completaba un pianista y un par de chicas que salieron a acompañar en distintas canciones. A destacar, la muchaca árabe que las acompañó y cuyo nombre no llegué a entender, pero que hacía un uso hipnótico de su garganta.

Barón Rojo (29-05-2010) Razzmatazz – Barcelona. Demostración espectacular de virtudes reconocidas

locky — Wed, 02 Jun 2010 04:06:22 +0000

FECHA: 29-05-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Razzmatazz
GRUPO: Barón Rojo
DURACION: 170 minutos

El sugestivo reclamo de ver en acción a la formación original de Barón Rojo tuvo un éxito absoluto en Barcelona, con una sala Razzmatazz abarrotada de seguidores que asistieron entusiasmados a la recuperación de un buen montón de clásicos. Y es que, la veterana formación posee un repertorio comparable al de cualquier banda internacional de renombre.

Las casi tres horas que duró la actuación dieron para abarcar un buen puñado de canciones que no podían faltar en un acontecimiento en el que celebran los 30 años del inicio del “vuelo del Barón”. Como es natural, y precisamente por contar con tantos y tan buenos temas, alguno tuvo que quedar fuera, por ejemplo, “El Malo” o “Casi Me Mato”. En cambio, tocaron algunos que dentro de su dilatada carrera no han tenido tanta repercusión como, “Travesía Urbana” y “La Voz De Su Amo”.

Pero, obviamente, hubo tiempo para composiciones imperecederas, como la que puso en marcha la actuación, “Concierto Para Ellos”, con recuerdo incluido para Ronnie James Dio; a la que siguió “Incomunicación” y un largo recorrido de dos horas ininterrumpidas en las que sonaron, “Larga Vida Al Rock’n’Roll”, “Campo De Concentración”, “Satánico Plan (Volumen Brutal)”, con un Armando genial tocando las partes iniciales al estilo slide, “El Pobre”, “Hiroshima” (con sus tonos de blues inconfundibles), “Breakthoven”, “Cuerdas de Acero” e “Hijos de Caín”, entre otras. En esta última, cuando José Luis Campuzano iba a comenzar la primera estrofa se vio sorprendido por el público que en masa se le adelantó y empezó a cantar, ante la satisfacción del bajista.

No faltaron los instrumentales “Buenos Aires” y “El Barón Vuela Sobre Inglaterra”; tampoco “Hermano del Rock’n’Roll”, uno de los pocos temas que cantó Armando como vocalista, con algunas dificultades, por cierto, ya que sus mejores virtudes las exhibió con la guitarra y su consabida filigrana solista. De hecho, fue quien más movilidad aportó sobre el escenario, se vació con su frenesí y acabó exhausto. Suerte del ventilador, puesto a propósito delante del guitarrista, que no paró de proporcionarle aire reponedor.

El peso del contacto con el público lo llevó José Luis, así como la voz principal en la mayoría de las canciones, no en vano fue el cantante oficial durante la época dorada de Barón Rojo. Demostró que sigue contando con un registro envidiable y que las canciones ganan calidad con su aportación vocal. En un momento dado, se encargó de introducir y comentar acerca de “La Santa Espina”, una sardana muy popular catalana de la que tocaron unos compases en clave guitarrera (y se “quedaron” con el público). También se metió con Zapatero e, irónicamente, comentó sobre la finalización de las obras de la Sagrada Familia. Y ya al final, antes de la despedida con “Son Como Hormigas”, aludió a Madrid, a su alcalde Gallardón y a las grandes ciudades que siempre están en obras.

Por su parte, Carlos, dosificó sus fuerzas como es costumbre en él en los últimos tiempos. Bastante estático y poco hablador, en cambio, cumplió a rajatabla con su labor de guitarrista concentrado en su trabajo y como vocalista ocasional en temas concretos así como en los coros de apoyo.

A Hermes Calabria, le tocó la parte menos vistosa. Fue la sobriedad en persona y la efectividad oculta tras la batería, dando ritmo y cuerpo a unas canciones que le necesitan para terminar delineando sus reconocidos parámetros.

Tras atacar con “Los Rockeros Van Al Infierno”, se tomaron un más que merecido respiro, aunque breve, para dar paso a los bises, que se repitieron en tres oportunidades. Y pudieron ser más si no hubiese sido porque Barón Rojo lo dieron todo, esfuerzo, sudor y caña hasta vaciarse sobre las tablas.

La primera tanda fue para himnos como “Barón Rojo”, “Las Flores Del Mal y un acelerado “Resistiré”. La segunda, en plena euforia generalizada, creo recordar (aturdido por la emoción), fue para “Tierra De Vándalos” y “Siempre Estás Allí”. Para concluir en honor de multitud y con el sentimiento a flor de piel, con “Herencia Letal”, “Anda Suelto Satanás” y la mencionada “Son Como Hormigas”.

En conclusión, satisfacción total para un concierto que se preveía exitoso desde el mismo momento en el que se programó. No deja de ser sintomático que en una agenda en ocasiones saturada de ofertas, Barón Rojo, después de 30 años de actividad, sea la única formación española del estilo que llene locales de aforo medio/alto, algo que ni siquiera consiguen en la actualidad grupos extranjeros de cierto renombre.

Sea por lo que fuere que los cuatro “Barones” solucionaron sus diferencias y aparcaron resentimientos, está reunión, así sea temporal, nos demuestra, y le demuestra al propio grupo, algo que siempre suele ser evidente en estos casos, que, el público responde a un reclamo genuino, al original, si éste le ofrece sus mejores virtudes y el reflejo de un pasado glorioso. Y eso es lo que dieron Armando y Carlos De Castro, José Luis Campuzano y Hermes Calabria; a pesar de su largo recorrido artístico y con los años desgastando el cuerpo, supieron aportar sentimiento y eficacia para imponerse al paso del tiempo.

Barón Rojo sobrevoló Barcelona con toda la capacidad con la que han escrito una de las mejores páginas de la historia del heavy rock español. La recompensa la tuvieron enfrente mismo, con un público emocionado hasta la médula consciente de haber vivido uno de esos momentos clave en la cronología de la banda madrileña.

SET LIST

1. Concierto Para Ellos
2. Incomunicación
3. Chicos Del Rock
4. Larga Vida Al Rock’n’Roll
5. Travesía Urbana
6. Buenos Aires
7. Hermano Del Rock’n’Roll
8. Campo De Concentración
9. Satánico Plan (Volumen Brutal)
10. El Pobre
11. Hiroshima
12. Tierra De Nadie
13. La Voz De Su Amo
14. Se Escapa El Tiempo
15. El Barón Vuela Sobre Inglaterra
16. Breakthoven
17. Caso Perdido
18. Hijos De Caín
19. Cuerdas de Acero
20. Los Rockeros Van Al Infierno
BIS1
21. Barón Rojo
22. Las Flores Del Mal
23. Resistiré
BIS2
24. Tierra De Vándalos
25. Siempre Estás Allí
BIS3
26. Herencia Letal
27. Anda Suelto Satanás
28. Son Como Hormigas

CRONICA, FOTOS Y VIDEO, LOCKY PEREZ

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Crónica Gogol Bordello, 21/05/10 – La Riviera

javijb — Tue, 01 Jun 2010 04:06:19 +0000

Estando sentado en la orilla del Manzanares me dieron ganas de deshacerme de mis ataduras textiles y zambullirme con fuerza en el agua turbia. No hubiera sido el único ya que entre los patos y los nenúfares había unos cuantos niños chapoteando con fruición. Pero bueno, me contuve. Al fin y al cabo no estaba allí para ahogar mis deseos de playa sino para saltar al ritmo del Punk Gitano de Gogol Bordello. En esta ocasión les acompañaban Mariachi El Bronx, es decir, The Bronx haciendo de mariachis. Y la verdad es que nos apetecía tanto escuchar corridos como folklore bailongo del este, pero nos quedamos con las ganas. No quedó más remedio que esperar a que acabaran para recoger el photopass y poder acceder a la Riviera. Qué le vamos a hacer… Así que nada, nos dedicamos a beber cerveza templada mientras contemplábamos el ambiente que se congregaba a las puertas de la sala. Y aquello parecía un poco el ViñaRock. Vaya, que había de todo un poco. Desde neojipis a punkis, mochileros, tiraos, rastudos, universitarios, lolailos, modernos en sus distintas vertientes y hasta algún hardcoreta.

Dos años y medio después de su última visita, en la que llenaron la Heineken junto a los franceses La Phaze, su fama ha crecido como la espuma. Y había muchas ganas de verlos, más aún desde que su visita prevista para el año pasado fuera cancelada debido al repentino cierre de La Riviera por parte del Ayuntamiento. Está claro que su estilo es un trampolín de por sí por estos lares, de ahí que gente como Kusturica o Goran Bregovic disfruten tanto brincando en el sur de Europa. Si a eso le añadimos la bendición de Madonna y un respaldo mediático relativamente importante está todo dispuesto para que puedan llenar sin problemas una sala como La Riviera o Razzmatazz. No fue tanto, ya que se quedó en dos tercios, pero no deja de sorprenderme como ha crecido la aclamación popular por Gogol Bordello desde que les viera en una Heineken medio vacía en el Antidote tour de hace cuatro años junto a Bedouin Soundclash, Disco Ensemble, y Danko Jones. Entonces me encantaron, en esta ocasión… cumplieron. Y ya.

Si hay una cosa clara es que un concierto de Gogol Bordello es la ocasión perfecta para desmadrarse. De hecho, creo que es mejor centrarse en todo lo que rodea a la actuación de los neoyorquinos y hacer que su música sea un accesorio más de la fiesta. A menos que el Gitaneo-punk sea tu género artístico de cabecera, claro está. Pero bueno, lo que quiero decir es que Gogol Bordello, en mi opinión, deben ser vistos como una panda de borrachos desarrapados que empiezan a montar el pollo, y sin venir a cuento, en un guariche de mala muerte perdido en la mitad de un país de Europa del Este. Y que me aspen si eso no es lo mejor que te puede pasar en un viaje mochilero. Lo peor supongo que sería el argumento de Hostel de Eli Roth.

Creo que la mayor virtud que esconden Eugene Hütz y compañía es la de ser capaces de sacar al juerguista perroflauta que todos llevamos dentro. Puede que su música no te convenza, a mí desde luego no me apasiona, pero es difícil no bailar como un polizón ciego de aguardiente cuando los Bordello comienzan a montar el pollo sobre las tablas. Lo único que hace falta es tener la mente un poco abierta -como Rick Rubin, por ejemplo, que acaba de producir su último álbum, Transcontinental Hustle-, un poco de alcohol en la sangre -por aquello de la desinhibición-, calzado cómodo y ganas de pasárselo bien.

El público, venido de numerosos puntos de España, se aplicó el cuento y recibió a la horda balcánica como auténticos héroes y desde los primeros acordes de “Ultimate” comenzó a funcionar un pogo incendiario. Eugene Hütz comandando la renovada caravana de rusos, israelíes, etíopes, ecuatorianos, escoceses y yankis, saltó sobre el escenario con la energía que le caracteriza. Y el resto del equipo como piratas enloquecidos practicando un abordaje. Ellos saben que su mayor baza es su vistosa puesta en escena y procuran no descuidar nunca este aspecto. De hecho, quizá sea pronto para sentenciar con esta afirmación, pero si no llega a ser por su adrenalítica performance nos hubiéramos ido de allí con un sonoro pfff vibrando en los morros. Y es que es fácil no cosechar muchas críticas negativas cuando te montas una charanga babélica revestida de florituras étnicas y la lías parda como si de un demonio de Tazmania puesto hasta arriba de éxtasis se tratara. Quieren ser Mano Negra pero va a ser que no. De hecho llevan haciendo lo mismo que a finales de los noventa, con el agravante de que cada vez tienen menos ideas compositivas. Que está claro que “Inmigrant Punk“, “Wonderlust King“, “Start Wearing Purple” o “60 Revolutions” son buenos temas y nos llenó de satisfacción el escucharlos, pero eso no bastó para que creyéramos haber presenciado un gran concierto. Sus últimos trabajos carecen de la frescura que tenían los primeros, aunque por supuesto tienen buenas canciones, como las que presentaron esta noche, véase “My Companjera”, “Break The Spell”, “Inmigraniada (We comin’ rougher)” o “Pala Tute”. Una tras otra logran arrancar lo esperado por parte del público pero al final todo queda reducido a un único compás, el pum-pum que hacía Torreiglesias en Saber Vivir. A golpe de remo terminan por ser profundamente repetitivos y a uno le da la sensación de sumirse en un bucle tabernario y chiripitiflaútico sin fin.

Una de las cosas que más me escaman de de Eugene Hütz y los suyos es lo poco que queda del espíritu con el que comenzó en esto de la farándula con su primer grupo, Uksunsnik, o aquellos que formó tras su llegada a Vermont, los transgresores The Fags y Flying Fuck. Ahora se codea con la élite del postureo, brinda con burbujeante capitalismo –con Rioja en los conciertos-, abandona el underground a favor de las multinacionales, actúa en los festivales más esponsorizados del planeta y pone y dispone unas cláusulas de imagen bastante discutibles. Pero bueno, tampoco es que se les haya llegado a ver nunca como el grupo del proletariado por mucho cántico contracultural y mucho atuendo de los bajos fondos que se pongan.

En cuanto al ámbito puramente musical, su actuación se vio empañada una vez más, y realmente como casi cada noche, por la infame acústica de la sala anfitriona. El acordeonista y el violinista podían haberse quedado medio concierto en el backstage fumando canutos porque apenas se escucharon sus instrumentos. Y he de reconocer que tanto la performance cabaretera de las coreanas, ahora coreana en singular, como la nueva omnipresencia de Pedro Erazo, el desquiciado ecuatoriano con afán de protagonismo, hacen que, a mí modo de ver, su directo haya empeorado. Los vocales aberrados de Erazo dotarán de mayor contundencia a las canciones pero desde luego resta armonía al conjunto. Y hablando sin rodeos, canto mejor yo tras calzarme media botella de whisky.

Y sí, he de admitirlo, a pesar de todos los pesares detallados, salí sudado y bastante agotado. También agradecido de que el jolgorio hubiera terminado, tanto por el hecho de cortar con mi extenuación como del tedio que me hubiera provocado un solo minuto más. Sigo pensando lo mismo que siempre, por supuesto. Si te armas de predisposición, es un grupo perfecto para pasar un buen rato. Es como la quinta entrega de la televisiva American Pie. Es una película chustera pero si te quieres reír, te ríes. Así es Eugene Hütz, su falta de talento es suplido a la perfección por su carisma. Y su poblado bigote, costillar sudado, voz socarrona y mordaz sonrisa logran que te olvides de los contras, y botes con alegría gracias a los pros. Otra cosa es que yo me siente frente al ordenador días después, con la mente serena, resaca y ganas de tirarme por la ventana y echar a volar y me ponga a darle lo suyo en este humilde rincón.

Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco

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MSG – Heineken, Madrid – 23/05/2010

maixta — Mon, 31 May 2010 15:05:27 +0000

Si bien es cierto que decir MICHAEL SCHENKER es hablar de una de las leyendas vivas de la guitarra del Rock y el Heavy Metal, también es cierto que todo lo que rodea a este hombre ha estado siempre bañado de polémica. Su paso por alguna de las mejores formaciones de la historia (Scorpions, UFO…) ha dejado tras de sí un enorme reguero de disputas, luchas de ego y salidas de tono. Incomprendido, genial e incapaz de mantener una formación estable que le soportara, ha escrito, tal vez como consecuencia de todo ello, alguna de las páginas más brillantes de un género pródigo en virtuosos. Treinta años después de la formación de su grupo MSG, banda a su medida, imagen y semejanza cuyo único miembro constante fuera él mismo, regresaba a los escenarios en una intensa gira con el prometedor nombre de “30 Anniversary Celebration Tour“. Traía consigo, además, al que fuera primer y más recordado cantante del grupo, Gary Barden. La velada, como se ve, se prometía intensa.

Genio y figura: nada más comenzar el concierto con una descafeinadísima “Armed and Ready“, el guitarrista paró el concierto, salió de escena, y no regresó hasta que todo estuvo a su gusto. Si al menos hubiera conseguido que el sonido en la sala Heineken mejorara aunque sólo fuera levemente y para variar, aquello no hubiera tenido mayor trascendencia que una anécdota más a añadir al surtido haber del germano, pero dadas las circunstancias y la absoluta desgana con la que enfrentó la velada, no fue sino el reflejo de la brutal falta de respeto que el instrumentista siente hacia sus compañeros, su público y el mundo en general. Tal vez conscientes de lo falso del paripé, el resto del grupo cumplió con lo estipulado pero sin que se pudiera percibir ni el menor atisbo de alma en la interpretación, correcta en el caso de los músicos acompañantes, bastante mediocre en el caso de Gary Barden, quien no parece atravesar su mejor momento a las voces.

Por desgracia, junto con el auge y la época dorada que a decir de muchos atraviesa ahora la música en directo, y que nos regala nuevas y magníficas formaciones a la vez que nos devuelve auténticas joyas del pasado, se está dando con demasiada frecuencia el regreso de viejas glorias que de su esplendor sólo conservan el nombre y cuyas actuaciones no son sino, lisa y llanamente, tomaduras de pelo. El nombre de Schenker y el recuerdo de pasadas y brillantísimas actuaciones son ahora mismo sólo un eco, siempre a tenor de lo que mostró el pasado día 23 en la sala Heineken de Madrid: temas clásicos destrozados sin piedad por la cada vez más rota garganta de Barden, sin embargo coreados por un público ya entrado en años para el que fueron auténticos himnos en su momento y que estaba más que dispuesto a disfrutar con ellos aún a costa de cerrar oídos a la masacre que se estaba produciendo.

Tal vez haciendo alarde de su fama de maniático, con interrupciones, cambios de guitarra en mitad de algún tema y otras extravagancias de las habituales en él, Schenker reinó en el escenario con una inusitada actividad. Tan frío y distante como desde un comienzo en la interpretación, en la que, como queda dicho, faltó alma y entusiasmo a cambio de una ejecución por su parte, eso sí, absolutamente impecable, obsequió sin embargo al público madrileño con algún que otro ligero acercamiento e incluso con un par de amagos de sonrisa, todo un exceso en el caso de habitualmente pétreo germano, que fue recibido con alborozo por un público más que agradecido que aplaudió pero no bailó ni apenas mostró movimiento salvo el de las consabidas dos primeras filas. Excepciones a esta general apatía se dieron, como es lógico, en los temas más esperados: “Cry for the Nation” casi al principio o las canciones de UFO “Lights Out“, que Barden destrozó sin miramientos, “Rock Bottom” y “Doctor Doctor” con la que cerrarían el segundo bis.

Que Michael Schenker ha sido uno de los grandes, es algo indiscutible para cualquiera que tenga un mínimo conocimiento de la historia del Heavy y el Rock en general. Pero, a día de hoy, su nombre no es más que un reclamo publicitario. Eso sí, por si a alguien le quedó ganas de continuar con la farsa, o no acababa de tener esto presente, a la salida del recinto se indicaba al respetable que, previo pago de veinte eurillos de nada, el guitarrista accedería a firmar un autógrafo. Un tipo con clase.

Texto y fotos: Almudena Eced

Bernie Marsden – 26-05-2010 – Sala Live – El buen sabor de los buenos recuerdos

musicopolis — Fri, 28 May 2010 14:05:13 +0000

Bernie Marsden, uno de los fundadores de la mítica banda Whitesnake, se pasó por una sala Live casi llena para deleitarnos con su maestría con las seis cuerdas. Siempre cercano, conquistando al público con su simpatía, su castellano básico y haciéndole participar del evento, Bernie estuvo arropado por los italianos Moonstone Project para celebrar así los 30 años de la formación de la banda inglesa. Un concierto que pudo ser memorable de no haber sido por los nimios detalles de canciones y solos de guitarra a veces interminables y de dejarse en el “camerino“ canciones emblemáticas como “Aint No Love In The Heart Of The City”, “Snakebite”, 1978, o “Might Just Take Your Life”, incluidas inicialmente en el repertorio. Aún así el concierto resultó bastante ameno.

El show dio comienzo a las once menos cuarto de la noche. Anteriormente ya habían caldeado el ambiente Ángeles, una banda muy bien conjuntada y con un repertorio bastante acorde para su cometido. ¡Sobresalientes! El público despertó del lapsus temporal entre los dos grupos al oir los primeros acordes de “Come And Get It”, “Come And Get It”, 1981, una canción muy apropiada para abrir el concierto, cantada por Alessandro Del Vecchio, también teclista y cuya voz recuerda bastante a la de David Coverdale, y a la que seguirían “Sweet Talker”, “Ready And Willing”, 1980, con un espectacular solo de teclado a cargo de Alessandro, y la preciosa “Dont Break My Heart Again”, “Come And Get It”,1981, en la que Bernie hizo hablar a su guitarra. Luego acudirían a su obligada cita con el escenario los temas “Ready And Willing”, del disco homónimo y que cantó Bernie, “Look At Me Now”, “Look At Me Now”, 1981, primero de la etapa en solitario del inglés, el precioso y preciosista “Crying In The Rain”, “Saints And Sinners”, 1982, introducido por un blues que cautivó a los presentes que cantamos la canción como si nos fuera la vida en ello, y “Trouble”, “Trouble”, 1978, con el que Bernie bromeó con los presentes acerca de sus “problemas” con el matrimonio.

Pero el momento más emotivo del concierto fue cuando antes de interpretar el tema original de Deep Purple “Mistreated”, “In The Heart Of The City”, 1980, Bernie y compañía se lo dedicaron al recientemente fallecido Ronnie James Dio. Fue entonces cuando el ambiente se llenó de magia y todos cantamos y sentimos la canción como nuestra. Un bonito y merecido homenaje para el que tantas veces nos hizo soñar despiertos. Matt Filippini, que introdujo brevemente la canción con el tema “Man Of The Silver Mountain” fue, con la guitarra, más protagonista que acompañante. Un excelente gregario de Bernie que ya es jefe de filas de las seis cuerdas.

Después interpretarían “Fool For Your Loving”, la canción más coreada y esperada junto con el primer y único bis de la noche, una tan actualizada como acelerada versión de “Here I Go Again”, incluida en el exitoso disco de 1982, “Saints And Sinners”, y que puso punto final, pasados 15 minutos de la media noche, a una velada que se acabó cuando los presentes estábamos más a gusto.

Una hora y media que bastó para que un servidor, ávido de esas viejas glorias que siguen brillando con luz propia, llegase a casa con el alma y los oídos rebosantes de buena música, pero sobre todo de buenos recuerdos. Gracias Bernie y compañía.

Fotos: Charly Rock N´Roll

Texto: AMADO STORNI

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Michale Graves – Sala Gruta 77 ( Madrid )- 17/05/2010

charly — Fri, 28 May 2010 04:05:24 +0000

Estaba muy claro que mucha gente iba por su pasado musical más que sus actuales composiciones ,que en formato acústico, como se dió esa noche en el gruta respiran una sensibilidad y sinceridad de lo más brutal que me dejó mas que alucinado. Se presentaba armado solo con su guitarra , justo un día antes de que estuviera descargando en el mismo escenario con Marky Ramone y sus Blitzkrieg ante las cincuenta personas escasas que estábamos viendo al ex-misfists, lo cuál era una verdadera pena ,ya que me convencería mucho más que haciendo versiones de los ramones con el piloto automático puesto.

En cuanto a las composiciones propias que escuchamos fuera de los Misfits nos encontramos con temas de diferente pelaje musical como fueron “Frost bite” que me recordaba a esa mezcla de dulzura y tristeza que emnaba Kurt Cobain en algunas composiciones , preciosa, pausada y encantadora , junto a otras más ligeras de pensamientos melancólicos, como“Almost Home” “o que emanan un espíritu más setentero como “Lucifer I am”, una de las que más me soprenderían. Todas emanando una honestidad brutal en un escenario completamente desnudo con un artista abriéndose en canal para ver todos sus sentimientos, reflexiones, amarguras y pesares. Difícil explicar lo que uno siente escuchando la tremenda y dolorosa “Where the sky ends”.

Como no , hubo recuerdo para Misfits en varias ocasiones que también uno disfrutó oyéndolas en formato desenchufado como “Descending angel”, “Scream” o en la parte final despedirse con “Dig up her Bones” y “Saturday Night”. Sensibilidad a flor de piel, pocas veces podremos ver a este hombre así. Excelente.

Texto y Fotos:Charly Rock and roll

Jason & The Scorchers – El Sol, Madrid – 19/05/2010

maixta — Thu, 27 May 2010 14:05:15 +0000

En la búsqueda desesperada de una etiqueta con la que clasificar, delimitar y definir absolutamente todo lo que nos rodea, forma como otra cualquiera de defenderse contra lo desconocido, algunos críticos decidieron nombrar a Jason & The Scorchers como grupo de “Cow-Punk”, pues fueron los primeros en fusionar el Country y el Bluegrass con las actitudes y ritmos más gamberros propios del Punk. Atreverse a mancillar el sacrosanto estilo de las profundas tierras americanas les puso en el punto de mira de muchos, para nuestra fortuna, ya que, merced a esa inesperada pero inestimable publicidad, treinta años después y a este lado del océano seguimos pudiendo disfrutar de su divertidísimo espectáculo, se llame éste como quiera que se llame.

Diez años después de su última aventura en estudio como grupo, los Scorchers regresaban con una nueva formación, que incluye a Al Collins al bajo y al gran Pontus Snibb a la batería, presentando de la mejor manera posible el recopilatorio Emi Years: a través de un buen repaso de alguno de los temas más emblemáticos de su carrera y, sobre todo, merced a un entusiasmo y a una pasión encima del escenario sólo equiparable a la calurosa respuesta que obtuvieron a cambio por parte del público de la madrileña sala El Sol. También presentaban su último trabajo en estudio, Halcyon Times, cuya “Mona Lee” abriría un espectáculo mucho más basado en el repertorio tradicional que en las novedades, concesión sin duda a la media de edad del público que abarrotaba la sala.

Con un show dividido en tres partes claramente diferenciadas: una primera del más brillante y saltarín Bluegrass-Rock, con temas como “Shop It Around” o “Land Of The Free”, una segunda más nutrida de medios tiempos, fantástica “Pray for me, Mama (I’m a gypsy now)”, para cerrar con una auténtica tralla de Rock and Roll de tintes Hard, donde el guitarrista Warner Hodges exhibió talento y un estilo al tocar casi metálico, como en la potentisima “Better than This” en la que su compañero Jason Ringenberg se retiró cediéndole el absoluto protagonismo a los micros.

Dos bises cerraron la velada; “White Lies” y “Help! There’s a fire” el primero, y uno final y totalmente improvisado, si no fue así lo fingieron muy bien, con “Lost Highway”. Una divertidísima noche en la que hubo whiskey, cerveza, chistes (terribles, por cierto) y mucho, mucho, ROCK AND ROLL.

Texto: Almudena Eced
Fotos: Raúl Ranz

Marina Gallardo, Inhabitants. Sala El Sol, Madrid. 22/05/2010

adelolmo — Tue, 25 May 2010 14:05:14 +0000

Los trabajos que, con un interés innegable, nos entrega la discográfica catalana Foehn parece que, con el tiempo, juegan más a ser abandonados como unos cacharros viejos en el apartado del baúl de los discos que con el tiempo dejan crecer motas de polvo arañadas por melodías que lo clásico ha hecho aún más cautivador. Una pena, porque sus grupos deberían proclamarse, entre mucho más que el tercio de entrada que se acercó a la sala El Sol, como unos dignos representantes de muchas de las tendencias (bien recogidas) que han disparado a otros de los artistas españoles de los últimos años. Siempre hay un gato que le roba a otro las sardinas. De mientras, otros nos dejamos refrescar por la brisa de otros mares.

Marina Gallardo, que espera su momento de entrada por la puerta grande de aquellas cantantes que, año tras año, ocupan las portadas de periódicos y colores brillantes en revistas especializadas, es una portuense que acaba de publicar su segundo, directo y vibrante, segundo trabajo. Un “Some monsters die and others return” que lo hace enriquecer en directo, sobre todo por ser alimentado por una variante melódica que la hace distanciarse bastante del resto del folk-pop, a veces con notas de blues otras de country, que trata de embellecer nuestro panorama independiente.

A pesar de no tener de su lado un sonido perfecto, sobre todo por quedar ensombrecida su voz entre las guitarras, Marina Gallardo canta sus canciones entre susurros y pequeñas dosis de encantamiento que, por su brevedad, piden una exposición en vivo que a veces te dejan a medias. Acaso sea este el único reproche que se les puede recriminar a los cuatro músicos que presentaban este trabajo. Bajo la sombra de la corrección, Marina Gallardo y su grupo saben repartir unos temas que, si bien pueden crear algo que parezca ya sabido, lo hacen con un color que, si no es diferente, nos hace pensar en que pueden representar igual de bien unas portadas y unas páginas que tiñen de color grupos que no les hacen sombra. Tiene en su poder un puñado de buenas canciones. Con un pelín más de fuerza se elevará alto. Y está en ello, se ve en la calidad de sus composiciones y en el mimo que se ha puesto en las melodías.

Por su parte, los madrileños Inhabitants (no confundir con otro grupo canadiense), parecen ya un grupo maduro por el carácter clásico de sus temas. Entre el rock de raíces norteamericano y la excelente voz (sí, tiene un toque marcadamente cercano al Eddie Vedder de Pearl Jam) de Jesús Vassallo, pueden cantar “Bright as the sun” o la canción que da título a su tercer trabajo, “A time for giants” y que se parezcan, de igual manera tanto a los primeros Migala (aunque sin esos toques tan oscuros, véase la luminosidad de “Rain or shine“,) como a unos Giant Sand salidos de la penumbra del mejor rock de notas discordantes que les hace presentar un directo más que notable. Pero Inhabitants parecen huir del slowcore. De ahí que veamos con esa soltura que empaña la imagen de “Early bird blues” por un engañoso country-rock que atravesado por una notas de pop añadió diversión a su directo. No hubiera estado mal que hubiese subido Marina Gallardo a cantar algún tema con el grupo.
En su terreno, Inhabitants pueden hacer grandes cosas. Buen disco e igual de buenos en vivo.
Lo dicho, igual a Foehn records le han robado el pescado; pero no todo está vendido.

Texto y fotografías: Ángel Del Olmo

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Mark Lanegan – Joy Eslava (Madrid), 16/05/2010

raulranz — Tue, 25 May 2010 05:05:16 +0000

Seis largos años son ya los que lleva sin conocer sucesor el aclamado Bubblegum (Beggars Banquet, 2004), última referencia registrada en solitario por un Mark Lanegan que en todo este tiempo se ha mostrado mucho más proclive a prestar su voz a proyectos conjuntos o ajenos (Queens Of The Stone Age, Isobel Campbell, Gutter Twins, Twightlight Singers, Soulsavers…) que a grabar y girar bajo su propia marca, especialmente en formato eléctrico. Apunta la rumorología a la ruptura de ese silencio discográfico a lo largo del próximo otoño, si bien antes el de Ellensburg ha optado por reencontrarse con su repertorio en clave acústica y reducido a la mínima expresión, con la guitarra de Dave Rosser como único respaldo para una garganta y una presencia sobradamente capaces por sí solas de llenar cualquier escenario.

Envuelto en su habitual liturgia de parquedad gestual y de palabra, arqueado en la penumbra bajo una espalda que apenas parece soportar ya el peso de todos los pecados que lleva a cuestas, Lanegan fue engarzando con subyugante aspereza unos temas que en su acústica desnudez no hicieron sino acrecentar su doliente belleza y su intensa carga dramática, piezas emocionalmente devastadoras de un puzle articulado primordialmente en torno a Field Songs y en el que, junto a números propios nada obvios y selectamente escogidos, hubo lugar para el encaje de un buen puñado de versiones y el sobrecogedor recuerdo de Screaming Trees de la mano de ‘Where The Twain Shall Meet’ y, ya en los bises, un escalofriante ‘Traveller’.

Espléndido repertorio que pocas reservas pudo suscitar más allá de filias personales, ejecutado a discreción (22 temas en 70 minutos) con la impenetrable sobriedad que caracteriza a un artista irrepetible que tal y como vino se fue, dejando sobre las tablas de la Joy Eslava el magnético halo de su presencia y el recuerdo de otra noche inolvidable, algo que está al alcance de muy pocos y que él logra con tal frugalidad de medios y recursos que casi da miedo.

Texto y foto: Raúl Ranz

The Sunday Drivers. Semana de la Música de Guadalajara. 20/05/2010

bannedingu — Tue, 25 May 2010 04:05:17 +0000

“Did I listen to pop music because I was miserable? Or was I miserable because I listened to pop music?“. Esta frase genial puesta en boca de Rob Fleming por Nick Hornby en ‘Alta Fidelidad’, resume perfectamente las sensaciones que me quedaron tras la actuación de The Sunday Drivers en la Semana de la Música de Guadalajara.

Me fui triste a casa. Y no, no se debió a que la del jueves vaya a ser la última actuación suya que vea. Perder a un grupo es algo normal, forma parte de la vida. Sus canciones siempre quedarán para recordarlos.

La tristeza que me embargó, como en la línea que apunta Hornby, no sé si fue consecuencia del mal día que tuve antes de llegar a la sala o del pop melancólico que facturan The Sunday Drivers. Pero tengo que admitir que su hora y media de actuación me dejó fulminado, cabizbajo. Una sensación contrapuesta a la entrega y a la pasión que desprendió el público que se dio cita en el Teatro Buero Vallejo.

Desde el punto de vista estrictamente musical, el concierto fue impecable. Buen sonido, definido, y con una ejecución magistral. Para mi sorpresa, bastaron dos canciones para que la gente se rebelase contra el protocolo teatral, se pusiera de pie, procediendo a invadir los pasillos y las inmediaciones del foso que separa el patio de butacas del escenario. Aquello comenzó a parecerse a un concierto y Jero, el cantante de The Sunday Drivers, agradeció que sus fans quisieran arropar a la banda en un lugar “tan raro y tan grande”.

Creo que fui de los pocos, por no decir el único, que permaneció sentando durante toda la actuación de The Sunday Drivers. Adopté una actitud contemplativa, analítica, fría, interna, solitaria y egoísta. Como si estuviese viendo un DVD en el salón de mi casa, como si las personas que había a mi alrededor formasen parte de la imagen tridimensional del televisor.

Esta actitud me hizo ver el concierto desde otra perspectiva. A medida que éste se desarrollaba, y mi escala sentimental de grises iba oscureciéndose al ritmo de la música pop, tuve la sensación de que el grupo no disfrutaba. Jero sí estuvo volcado, quiso devolver la acogida entusiasta, pero en su esfuerzo tan sólo le acompañó el hiperactivo teclista.

El resto, especialmente los dos guitarristas y el bajista, ofrecieron un concierto tan profesional, tan perfectamente ejecutado, como frío, mecánico y carente de sentimiento. Me chocó la actitud de unos y de otros y, sobre todo, de ver esta actitud ante un auditorio tan encendido y cálido.

The Sunday Drivers atacaron con “Hola (To See the Animals)”, como era previsible. Para repasar su último trabajo, The End of Maiden Trip, en la primera parte. Entre otras, sonaron “My Plan”, “Guerrilla”, “I” o “So What”. Ante mi incredulidad, en un gesto de rotundo convencimiento en su triunfo, antes de la hora de concierto, The Sunday Drivers tocaron dos de esos temas que uno espera que suenen en un bis dionisíaco, “Do It” y “On My Mind”.

Hubo tiempo para recuperar composiciones del pasado, como “Smile” -que fue dedicada a todos los que estuvieron presentes en su primera actuación en Guadalajara-, “Paranoid”, “Often” o “Sing When Your Happy”, con la que se llegó al primer final y que más que felicidad despide una profunda tristeza.

En el bis, momento de “Tears and Years”, “Day In Day Out” y “Little Heart Attacks”, especialmente coreada por la sala. Aunque más de uno ya se encontraba fuera del recinto -se debieron olvidar de que el espectáculo no termina hasta que se encienden las luces-, hicieron un segundo pase, en el que tocaron y se despidieron con la celebrada “Rainbows of Colours”.

PD-No quisiera olvidarme de Smile, la formación getxotarra que se encargó de “calentar” al público antes del concierto de The Sunday Drivers. No estaban anunciados, pero ofrecieron una actuación de media hora, donde agradaron con su folk-pop y, sobre todo, destacó el desparpajo que mostraron, especialmente su cantante.

El frontman de Smile se ganó al auditorio con su simpatía y además, obsequió al público femenino con algún ‘bailecito’, donde la estrella fue el trasero que dibujaban sus ajustados pantalones. Creo que grupo y público acabaron encantados de haberse conocido.

Texto: Carlos A.S.

The Blasters + The Phantom Four, 15/05/10 – Rock Kitchen

javijb — Mon, 24 May 2010 05:05:09 +0000

Si me preguntan cuál creo que es el festival de Rock por excelencia de este país no tengo ni que pensarlo un segundo: el Azkena Rock Festival. Por consiguiente, es lógico que la gira que sirve de presentación del festival tiene que estar a la altura. Y uno de los mejores grupos que podían haber elegido fue precisamente el que eligieron para que comenzara a calentar las mentes y el cuerpo de los ávidos rockero del Estado. Y el grupo fue esa leyenda llamada The Blasters. De hecho, muchas de las jóvenes promesas que dicen ser los nuevos hypes rockeros de la actualidad, varios de los cuales tocan en el ARF 2010, como por ejemplo Imelda May, Eli “Paperboy” Reed o Kitty, Daisy y Lewis, no existirían si no fuera por grupos de tanto peso en la historia como The Blasters.

Phil Alvin y los suyos son el rostro vivo de la tradición de la música americana y lo llevan siendo tres décadas a través de las cuales han trazado el sonido que ha conmovido a tantas generaciones y que tan bien combina el Rock ‘n’ Roll, el Country, el Blues y el Rockabilly. Sin lugar a dudas, es uno de los mejores grupos de Rock que puedes ver hoy en día en activo y durante las fiestas de San Isidro teníamos dos opciones, presenciar alguna de las propuestas pachangueras que la Comunidad de Madrid nos tenía preparadas, o ir a ver a The Blasters a la sala Rock Kitchen. Por supuesto, elegimos el Rock and Roll.

El pasado 15 de mayo Madrid era un hervidero de gente que deambulaba a lo largo de una alfombra gigantesca que tapaba la Gran Vía debido a la absurda celebración de su centenario. Unos cuantos miles de personas más se repartían por las Vistillas y el Universimad de la Complutense. En la primera localización, botellón legalizado en forma de barras y suministros de infecto garrafón, y en la segunda un exquisito cartel formado por divas como Amparo Sánchez o Nawja. Ante semejante panorama no nos lo podían haber puesto más fácil. El único plan que parecía tener sentido era ir a ver a los legendarios Blasters y francamente, no concibo algo mejor para pasar la tarde-noche del sábado que bailotear al ritmo de la música de los californianos.

Otra de las cosas que tenía ganas de conocer, a parte del estado de forma de los Blasters, era la sala Rock Kitchen. En su día, ese garito ubicado en la calle Fundadores fue el conocido Universal Club, en el que tocaron por ejemplo, Social Distortion. Hoy es un guariche latino-regaettonero pero antes de que el pachún-pachún con aires de perreo se adueñe de la pista de baile, ha vuelto a acoger de nuevo conciertos entre sus paredes. Pues bien, el veredicto es totalmente positivo. Escenario bajo sin foso, buen equipo de sonido e iluminación, amplitud y diferentes alturas. En las barras, precios prohibitivos, como en todos lados, pero a eso ya me he resignado. En cualquier caso, creo que es una alternativa perfecta a otras salas como la Heineken. Y poco más, que ya sabemos que en materia de locales de conciertos no es que vayamos precisamente sobrados en esta ciudad.

La venta de entradas fue aceptable, aunque menor de lo que la ocasión merecía. Es lo que tienen los eventos de auténtico desborde musical más allá de las etiquetas, el postureo o la ocasión de lucir palmito y sacar provecho de ello, que a las pin ups macilentas –o chonis reconvertidas- y a los modernos de sombrerito de pescador en esta ocasión les tocaba palurdo discotequeo. Y oye, casi me alegro. Así que placenteramente acomodados en un ambiente madurito y conocedor de lo que se cocía tras las cortinas, saltaron a la palestra los holandeses The Phantom Four. Formados de las cenizas de The Treble Spankers, practican una poderosa mezcla instrumental de Garage y Surf Rock tremendamente vital. El resultado del conjunto es perfecto, tanto a nivel técnico como de estructuras, muchas veces realmente brillantes. La inspiración de artistas como Duane Eddy o Link Wray son evidentes pero consiguen plasmar las raíces de las que maman con clase a raudales. Por algo les suelen llamar para telonear a maestros como Dick Dale o The Blasters.
Su repertorio se basó sobre todo en Madhur, y temas tan tarantinianos como “Bravado Blue” o “Il Deserto Rosso” calentaron perfectamente el terreno para lo que vendría después. Desgraciadamente les cortaron súbitamente por cuestiones temporales impuestas por Rock Kitchen y no les quedó otro remedio que marcharse sin poner el broche final deseado.

No tardaron mucho en subirse al escenario Phil Alvin y los suyos, cuatro años después del recital descargado en El Sol. En esta ocasión sin Dave Alvin a la guitarra, pero qué le vamos a hacer, parece que las relación entre ambos hermanos está un poco enaltecida. En cualquier caso, su sustituto Keith Wyatt no tiene nada que envidiar al Dave y su maestría como domador de cuerdas es incuestionable. Si bien es cierto que no es lo mismo cuando se va uno de los miembros originales y uno de los principales compositores, Wyatt logró que no le echáramos en falta, al menos a nivel musical. No olvidemos que fue el principal estandarte del grupo inglés de Post-Punk, Psylons, aunque casi es más conocido por los freaks de la guitarra por estar vinculado a la educación musical desde hace décadas. Y es que su estilo blues y rockabilly es sencillamente perfecto. Toca tan bien que hace que parezca fácil.

Y por lo demás, Bill Bateman a la batería, John Bazz al bajo y Gene Taylor al piano. Así que empecemos a vibrar, señores. “American Music” abrió la veda y aunque no lo hizo con la fuerza con la que lo harían las demás canciones según fueron avanzando los minutos, supimos desde el primer momento que nos iban a obsequiar con un concierto inolvidable. Phil Alvin tiene un torrente de voz tan asombroso que hace que te congestiones y sudes con él. Demoledora máquina de Rock and Roll y es que, pocos artistas a día de hoy pueden imprimir en mayúsculas sobre sus guitarras tal denominación.

Trajeron la maleta cargada de histórica artillería rockera como “Help You Dream”, “Border Radio”, “Red Rose” o “Blue Shadows”. Soberbios de principio a fin, pasión descontrolada y derroche absoluto de carisma. ¡Pero cómo un hombre con tanta pinta de camionero puede albergar en su interior tanto potencial rockero! Maravillosas versiones como “Please, please, please” del genio James Brown, “Rebound” de Charlie Rich o la apoteósica “I’m Shakin’” de Little Willie John. Me emociono de sólo recordar el fuego proveniente de sus cuerdas, las de la guitarra de Alvin y las de su propia garganta. La variedad selecta en verdad hacía que los minutos se esfumaran con la rapidez del meneo de caderas que suscitaba el explosivo Rock and Roll blasteriano. Sin embargo, el público parecía más bien una tropa de pensionistas contemplando las maniobras de unos cuantos obreros cimentando. ¡Hay que recordar los bailoteos de los guateques setenteros, señores! Pero bueno qué más da lo que haga el respetable cuando frente a nosotros hay un derroche de virtuosismo a la harmónica tan abrumador con “So Long Baby Goodbye” o un carismático Gene Taylor acaparando protagonismo con “Lights Out”. Qué grandes, por Dios.

Tras algo más de hora y media, bises incluidos, de una actuación realmente soberbia Phil y los suyos, absolutamente empapados en sudor, se despidieron con una apoteósica “One Bad Stud” y el “Marie, Marie” ejecutada con una chispeante improvisación en español por parte de mr. Alvin. Y qué más puedo decir, ojalá todos los días de San Isidro del resto de nuestras vidas fueran como este. Por siempre The Blasters. Por siempre el Rock and Roll.

Texto: Javi JB
Fotos: Pat Blanco

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Cripta + Widowet – Caracol (Madrid), 21/05/2010

charly — Mon, 24 May 2010 04:05:15 +0000

Presentación de el nuevo trabajo de Cripta en la Sala caracol con un buen aforo de gente ansiosa de una noche de tralla potente, algo que no faltó desde el primer minuto en el quesalieron sobre el escenario los madrileños Widowet que tendrían la difícil e ingrata tarea de abrir fuego con temas potentes, guitarreros y no exentos de buenas melodías. La banda se dejó la piel sobre el escenario cosechando aplausos y apoyos de todos sus seguidores que eran numerosos. Buenas ideas musicales pero quizás desde mi punto de vista tienen que trabajar más las composiciones ya que en determinados momentos se echaba en falta un poco de variedad en las estructuras musicales, algo que se soluciona con más tiempo , trabajo e ilusión que estoy seguro que no les falta.

Tras la espera teníamos a los chicos de Cripta que salieron como un vendaval descargando de forma salvaje y fresca “Tiempos de inquietud” y un crudo y correoso “Basta ya”que encedieron el ánimo de los asistentes y es que ante todo Cripta son una banda de directo y que a mi humilde parecer ganas enteros (sin desprestigiar con esto su labor en estudio que me encanta).

Obviamente tuvo mayor presencia en el set list su último trabajo “Ante mi” del que pudimos disfrutar la canción que da título a su disco “Ante mi”, sin olvidarse de “Dame una oportunidad” con la intervención de Patricia Tapia de KHY que hace lo mismo en la versión de estudio y “En la distancia”, la balada que han hecho con sentimiento junto a Tony que fuera cantante de Sangre Azul y que fué uno de los momentos álgidos de la noche junto a “Heroes sin identidad” y como no la ristra de clásicos que tienen como la sexual “En movimiento”.

Para la parte final de su descarga sonarían “Asesinos” que les quedaría áspera y dura como corresponde a la letra de dicha canción, “Necesito estar en pié”, una de las más coreadas por toda la sala y “Si no es por tí”, una pieza de metal ochentero que curiosamente no me gustó esta vez como la banda lo interpretó en directo, aunque es algo que no empaña la gran noche que vivimos en la sala caracol. ¡¡Arriba mis Cripta!!

Texto y Fotos: Charly Rock and roll