El trío madrileño Havalina puede presumir de directo. Y para su bolo en la sala Caracol, puso en acción una escenografía potente, con visuales incluidas, y chorros de humo, y una dispositivo de cámaras que grababan el concierto, y fotógrafos. Su último disco ‘Imperfección’ (Origami Records, 2009) es un bombazo. La fórmula de power trío les va como anillo al dedo: Javier Couceiro a la batería. Ignacio Celma al bajo y al frente Manuel Cabezalí (voz y guitarra). Manu es un guitarrista de excepción y Havalina tienen temas que son auténtica canela fina como “Imperfección”, “Incursiones” que recuerdan a unos Placebo a la española, en “0.25” con algún ramalazo noise en la línea de The Jesus and Mary Chain, pero sin olvidar su deje a lo Led Zeppelin y algún atisbo blues, o de The Posies o de The Cure en “Miedo al agua”. Invitaron a escena a Pucho, el vocalista de Vetusta Morla, para interpretar “Necesito más”. Reinterpretaron una canción suya, “In the center of this town”, cuando se llamaban Havalina Blu y cantaban en inglés. Y versionearon a Black Sabbath. Pero cuando estiran la fórmula hasta la saciedad, haciendo un repertorio largo, incluido el bis con tres temas, caen en el peligro de hartar y cansar al espectador. A menudo lo bueno si breve, dos veces bueno.

Autumn Comets, un sexteto muy joven que incluye violín y teclados y que se mueven en el indie rock alternativo abrieron la noche con más energía que argumentos, aunque su debut ‘Parades’ (Autoeditado, 2009), producido por Manu ‘Havalina’, apunta maneras y contiene algún momento logrado. Gustó su versión del “Paper bag” de M.I.A. Sus temas tienen gancho pero habrá que esperar, el futuro dirá.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

En un pueblo de apenas 3000 habitantes es realmente gratificante (y llamativo) ver como se organizan conciertos en una sala tan emblemática para Madroñera (en Cáceres) como la sala Karibia, recientemente reinaugurada si las cuentas no me fallan ahora regentada por Ángel Romero (A Vallekas Producciones). Y con una agenda de conciertos de lo más interesante, repito, para ser un pueblo de 3000 habitantes.

Los grupos extremeños El Desván del Duende y Los Niños de los Ojos Rojos o bandas tan míticas como Porretas o la que ahora nos ocupa: Saratoga. La banda llegó al pueblo cacereño a presentar su último trabajo, Secretos y Revelaciones.

El público que hubo acompañó, si bien hubo relativamente poco público para una sala con un aforo de 500 personas. Muchos fans arroparon a Tete Novoa, Niko del Hierro, Tony Hernando y Andy C mientras abrían el show con “No Sufriré Jamás Por Tí” y “El Planeta se Apaga“.

Aun así muchos temas clásicos de la banda tampoco se dejaron de lado. Interpretaron impecablemente otros temas más clásicos de la banda como “A Morir” (siempre a parte de “Vientos de Guerra“, el tema con el que Saratoga cierra todos y cada uno de sus conciertos desde hace años), o temas de la era Tete como “Dueño del Aire” o el más laureado del nuevo disco, “Luna Llena“.

En la noche hubo dos momentos sensibleros: “Cuando tus años te hagan llorar” y “Sigues estando en mi vida“. En éste último tema Andy aprovechó para demostrar sus dotes al piano (en el resto de canciones que incluyeron algún tipo de teclado se usó un ordenador portátil que también Andy tenía situado a su espalda). Realmente era bastante curioso verle antes de la canción con una baqueta en la mano y la otra en el teclado, improvisando con ambos instrumentos a la vez.

Aunque tardaron poco en disiparse cuando Tete comenzó a presentar “Dueño del Aire“, segundo tema de VII y sin duda de los más potentes del disco. O cuando el éxtasis (no la droga, sino el sentimiento) fue generalizado: había comenzado “Maldito Corazón“. El público enloqueció, os puedo dar fe de ello.

Jamás hicieron un descanso, jamás dividieron el concierto en partes. Tan sólo se permitieron descansar un tiempo durante los solos de guitarra y de batería (y, obviamente, salvo la guitarra en su caso y salvo la batería en el otro). El concierto duró en total unas dos horas, habiendo comenzado con unos 15 minutos de retraso.

Aunque todo lo bueno se acaba, y el grupo se despidió con la clásica “Vientos de Guerra“. O eso creímos; brindaron dos bises al público (”Resurrección” y “Perro Traidor“). Cerveza y sudor fluyendo por el suelo para terminar un concierto que sin duda muchos recordarían por mucho tiempo.

Eso sí, la noche no acabó ahí. Puesto que tras un rápido cambio de ropa los componentes del grupo salieron para pasar unos minutos largos con los fans, tomando copas, haciéndose fotos y firmando autógrafos. Sin duda un buen gesto por parte de un grupo que en todo momento se sintió arropado por los fans.

Tracklist:

1. No sufriré jamás por tí
2. El Planeta se Apaga
3. Ángel de Barro
4. Ojos de Ira
5. Ave fénix
6. Deja Vu
7. A Morir
8. Cuando tus sueños te hagan llorar
9. Dueño del aire
10. Luna Llena
11. Las Puertas del Cielo
12. Maldito Corazón
13. Sigues estando en mi vida
14. Vientos de Guerra
15. El Vuelo del Halcón
16. Resurrección
17. Perro Traidor

 

Desde que vive en Valencia, en la costa mediterránea, Josh Rouse ha ganado en alegría y se le nota en su carácter risueño, jovial y pletórico. También ha ganado en sonoridades y en texturas musical, conjugando diversas tradiciones musicales, haciendo siempre hincapié en su lado de songwriter, de compositor con marca propia, con deje por el folk mezclado con otras sonoridades. A pesar de que su español es de gran nivel es una pena que recurra a nuestro idioma, teniendo sus canciones tanto peso en las estructuras y la tradición anglosajona y dada su gran dicción en inglés. Y es que su último disco ‘El turista’ (Bedroom Classics, 2010) contiene cuatro temas cantados completamente en español y chirría, aunque musicalmente presume de tener mucha clase porque tiene mucho de sonidos cubanos, de atmósferas brasileñas, de dream pop y de regusto clásico. Destacan temas como “Cotton eye Joe”, “Sweet Eliane”, incluso “Lemon tree”. En “Mesie Julian” su voz suena como Albert Pla y le da al cha cha chá. “Valencia” tiene ritmo pero el acento de güiri con deje andaluz no se lo quita nadie y parece que hay más del buenrollismo mestizo que del Rouse de toda la vida. Y en directo ‘El turista’ funciona a medias, a pesar del toque de algún banjo o guitarrón.

Rouse se acompaña de una banda de excepción (entre ellos Raül Fernández, a.k.a Refree, a los teclados). Y suena rico en matices pero le falta fuelle, se vuelve un trovador atemporal con sustancia pero que ha perdido su toque distintivo, repleto de folk de todos los tiempos, de matices soul y de la chispa pop. Por eso su concierto pecó de sonar blando, brillaba y sobresalía cuando recuperaba temas de ‘Subtítulo’ (Bedroom Classics, 2006) como “Summertime”, “Quiet town” y ‘1972’ (Rykodisc, 2003) “James”, “Flight attendant”. Los muy fans disfrutaban con todo pero el resto de público sólo resurgía especialmente con los temas más antiguos, con ese leve soul y folk sui generis que le ha caracterizado. Para los bises sorprendió a pelo con “Come back”, “1972” con teclados y acústica, y con “Winter in the Hamptons”, todas ellas radiantes al desnudo. Para cerrar con la deliciosa “It’s the night time” de ‘Nashville’ (2005) con la banda al completo. Una pena porque su sensibilidad musical y su capacidad para construir canciones enormes es notable. Sabor agridulce, más a pomelo que a naranja.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

 

Hay bandas que luchan por llegar, por mantenerse, que siguen dando el callo para subir de división y hacerse eco. Los granadinos Niños Mutantes llevan la tira de años luchando, desde 1994 y con siete álbumes publicados, y a pesar de su oficio todavía les falta algo para llegar. No sé que es pero no logran convencer del todo. Les faltarán esas canciones redondas que se te quedan grabadas y pegadas. Su concierto exclusivo, un showcase al uso para presentar ‘Las noches del insomnio’ (Ernie, 2010) para medios y promotores en Madrid congregó a una audiencia selecta que no se dejó seducir por los granadinos. Al tocar canciones nuevas la audiencia andaba un poco perdida, el resultado fue desigual. Catorce canciones nuevas. Canciones que tienen gancho al instante por sutileza o por riffs redondos (“Quiéreme como soy”, “Mi mala memoria”, “Mi niño no quiere dormir”, “Nada es perfecto” o la titular “Las noches de insomnio”) y otras que necesitan más escuchas. Se mueven en un pop heredero del pop-rock bizarro dEUS, Nada Surf y de otras bandas que nadan entre el power pop y el indie pop. Ganas no les faltan pero falta alguna incógnita en la ecuación, o el ingrediente mágico para que la fórmula resulte. Habrá que seguir intentándolo y no cesar en el empeño.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

FECHA: 02-03-2010
CIUDAD: Hospitalet (Barcelona)
LUGAR: Salamandra
GRUPO: The 69 Eyes
DURACION: 80 minutos
INVITADO: Mandragora Scream (40m)

The 69 Eyes, los autodenominados vampiros de Helsinki, descendieron sobre el escenario de la Salamandra dispuestos a ofrecer su mezcla de gothic/sleazy rock, vibrante y festivo, ante un puñado de fieles seguidores que llenaron poco más de medio aforo del local, donde prevalecía ligeramente la superioridad del público femenino.

Una vez en acción, se impuso la imagen macarra sobre la oscuridad de lo gótico, con Jyrki acaparando el protagonismo desde el principio, vestido de cuero negro, gafas oscuras y poses al estilo de su querido y admirado Elvis, permaneció deambulando inquietamente por el escenario a lo largo de la actuación.

Por el contrario, Timo, luciendo una ostentosa cresta punk al estilo mohicano, apenas mostraba emociones, parecía el rockero del rostro impasible. Eso sí, rasgaba con eficacia su guitarra para extraer los electrizantes riffs de canciones imprescindibles en su actual set list como, “Back In Blood” o “The Good, The Bad & The Undead”, de su último y vibrante álbum, mientras Bazie, mucho más expresivo, se encargaba de los solos de forma eficaz, intercambiando posiciones de vez en cuando con Timo. A su vez, Archzie, cumplió con su cometido a las cuatro cuerdas de forma sobria y discreta. Quien sí dio la nota fue el batería Jussi.

Además de marcar los ritmos con eficiente vehemencia, al tipo se le iba la pinza de vez en cuando y comenzaba a dar patadas a los bombos, primero uno y después el otro, haciendo peligrar la estabilidad de su instrumento, para angustia de los “roadies” que intentaban solucionar sus problemas sin saber exactamente qué era lo que impedía al músico tocar con total comodidad. Una fiera que, por otra parte, dio una auténtica lección detrás de los tambores, sin perder los tiempos a pesar de los supuestos problemas y de tener a los técnicos prácticamente en los morros tratando de solventarlos.

El concierto mantuvo un nivel dinámico bastante similar aunque fue evidente una disminución de contundencia cuando aparecieron temas algo más sosegados como, “Never Say Die”, “Dance D’Amour”, “The Chair” o “Wasting The Dawn”. Algunos momentos fueron especialmente atractivos, como cuando sonaron, “Gothic Girl” y la sugestiva sintonía que la identifica y la pegadiza “Dead Girls Are Easy”.

Al final prevaleció la actitud desenfadada y festiva, con Jyrki muy en su papel de frontman, respaldado por la profesionalidad de sus colegas. Todos juntos se despidieron con una tanda de bises que en directo sonaron mucho más potentes que en estudio. Así, a ritmo frenético, interpretaron “Framed In Blood”, “Brandon Lee” y “Lost Boys”, para dejar completamente satisfechos a todos sus seguidores.

Una noche en la que el espíritu de Elvis, las oscuridad vampírica y el rock and roll en su vertiente gótica impregnaron el ambiente.

MANDRAGORA SCREAM

El cartel lo completaron los catalanes Embellish, a quienes no tuve la oportunidad ver, y los italianos Mandragora Scream, una formación que practica un metal gótico con ingredientes “ambient” y pistas de percusión pregrabadas de las que surgen sonidos bastante comerciales. Liderados por la vocalista Morgan Lacroix y el guitarrista Terry Horn, bien argumentado en lo que respecta a la dinámica rítmica pero limitado en las partes solistas, ofrecieron un discreto concierto, algo monótono y con su batería Brian Lacroix (¿dondé he oído yo ese apellido?), como elemento desequilibrante.

SET LIST

1) Back in Blood
2) Never Say Die
3) The Good, The Bad & The Undead
4) Dance D’Amour
5) Lips Of Blood
6) Gothic Girl
7) Suspiria Snow White
The Chair
9) Kiss Me Undead
10) Wasting The Dawn
11) Feel Berlin
12) Hunger
13) Perfect Skin
14) Dead Girls Are Easy
15) Devils
BISES
16) Framed In Blood
17) Brandon Lee
18) Lost Boys

 

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CRONICA, FOTOS Y VIDEO LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El quinteto californiano The Album Leaf venía a presentar su nuevo disco ‘A chorus of storytellers’ (Sub Pop, 2010) publicado hace apenas unas tres semanas. Los de San Diego, liderados Jimmy Lavalle, expusieron un pop, plagado de detalles sintéticos y atmósferas que incitan al recogimiento, al disfrute personal y solitario, y a la búsqueda interior. Y es que la dimensión instrumental pesa en The Album Leaf, donde son minoría las piezas cantadas. Todo ello conduce a dejarse llevar por las melodías, por los desarrollos. Algunas personas de las primeras filas cerraban los ojos, buscando ese regocijo.

 

 

Un inicio lleno de grandeza con “The Light”. Más adelante sonó “Always for you”, sencillo y un himno de su anterior disco ‘Into the blue’ (2006), pero también piezas con peso vocal . Un disco con texturas inmensas, como lo demuestran piezas Tn inquietantes como “Red eye” (que encajaría en una banda sonora de David Lynch) o “Into the sea” con ese deje mágico y casi triunfal. En sus directos el violín matiza y aporta una pincelada clásica, orgánica, da materia a la recreación, los teclados tejer y entretejen, el bajo marca y la guitarra en algunas canciones aporta melodía brillante, junto con una batería que sabe dar el ritmo justo, combinándose a la perfección con las bases programadas.

 

 

De sus dos discos anteriores, ‘In a safe place’ (2004) y ‘One day I’ll be on time’ (2001), rescataron “Thule” con ritmo 2×3 curioso, en un espectro flotante, “On your way”. Los californianos saben defender con entereza la riqueza de matices de sus grabaciones. Su fusión de pop con electrónica leve y teclados da mucho juego introspectivo, nos remite a esa revisión de emociones y a un dejarse llevar. Transitan entre el universo del sello Morr Music (Lali Puna, Múm o incluso retazos a Isan y Tarwater), la chispa de The Notwist y el costado de Hood o Sigur Rós.

 

 

Un directo con fuerza, intensidad y con el mimo por las texturas instrumentales. Unas visuales francamente logradas reforzaban el peso de la música: acompasaban el tempo, el ritmo y llenaban el ambiente de colores matices, sombras, formas, árboles, cielos, nubes y paisajes, ofreciendo un resultado que completaba la música. Una experiencia a considerar, porque en los días que corren no todo es emocionante, y no hay que escatimar la música que te deja fluir en la tranquilidad de tu ser.

 

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Texto: Andrés Castaño / Fotos: Raúl Ranz

 

Adam Green está como un cencerro; eso ya lo sabíamos. No nos sorprendía demasiado su alocada puesta en escena a los que ya le habíamos visto un par de veces en directo; viendo como no para quieto, utilizando el pie del micro como bastón para sujetar sus idas y venidas en una escena que él sabe crear, con esa mezcla de ironía e insolencia que ya quisieran para sí muchos de los llamados “frescos grupos de rock actuales” (véanse los aburridos a su lado The pains of being pure at heart, gran disco, no tan buenos en directo).

Si se llega a caer hubiera dado lo mismo. Se hubiese levantado y hubiera seguido brincando como si el escenario fuera una cama elástica, que en eso lo convirtió en pocos segundos. Saltando sin venir a cuento, bailando aún peor que mi sobrino de cuatro años; lanzándose por tres veces al público y….divirtiendo, divirtiendo mucho al público que tiene en frente. Adam Green es un canalla que nos encanta y en hora y media puede provocar el delirio, la simpatía y la cara más entrañable de sus canciones más sosegadas. Fachada que vemos en su último disco y que se traduce en directo en una serie de cañonazos que el cantante refleja con ese esplendor de cara dura que tanto nos gusta.

Si estuvo quieto tres minutos, fue para cantar “Jessica”, transformándola en su final en un griterío donde apareció nada menos que Bryan Adams y su “(Everything I do) I do it for you”. Impresionante el chico. Te ríes a rabiar con él, bailas, coreas sus canciones y observas cómo disfruta de la brevedad de sus temas (¿para qué alargarlos más?), con esas ganas de saber contagiar lo vibrante que puede extraer de sus canciones; de ahí lo bien que supo cambiar, desde el pop más vibrante hacia el punk más dislocado, su magnífica “Emily”, que viene siendo una de sus banderas más aplaudidas de su repertorio. Porque la excusa para muchos de nosotros era que presentaba nuevo disco; la reconciliación de su lado más afectuoso nos llega con éste “Minor love”, que son otro puñado de concisas (por lo breve y sobrio del conjunto) llamaradas de Indie-folk, que Adam Green viste con esplendor en directo y dispara a nuestros oídos al calor de una imagen más rockera que lo enaltece para conseguir que sea uno de nuestros héroes favoritos; le das una capa y te juro que se hubiese puesto a volar por toda la sala sin ningún reparo. A saber si algún día termina alguna de sus canciones coreando a Bonnie Tyler. Al tiempo.

Pues eso. Da la vuelta al carácter diletante de sus grandes canciones de estudio para mostrar su lado punk, dando rabia a través de lo exaltado de sus meneos en concierto que se hace inmensamente corto, entre la enorme e infecciosa muestra de talento que más que tratarle como un joven y aventajado revelador de imágenes áridas y sucias en vivo, nos hace justificarle como un sacrílego profanador de sonidos que ha madurado, adherido y ha sabido (sobre todo esto último) entregar en directo a su público. Más grande que Bono. Vuelva señor Green, que la próxima vez llenamos el Palacio de Deportes. Vuelva pronto a visitarnos. Ni que decir tiene que es un firme candidato a concierto divertido del año.

Los niños de papa no siempre triunfan aunque lo tengan todo mucho más fácil que el común de los mortales. Eso sí pueden presumir de nivel de vida y disponer de contactos que les salven su vida laboral. Pero entre estos afortunados los hay que tienen más que pose: aparte de vivir en un barrio chic de la Gran Manzana, o tener nombres de pseudo príncipes y estudios universitarios en Columbia. Más allá del alcance del timo del ‘hype’, hay creadores que además de cultura musical, cultivada con esas versiones, han escarbado en las raíces de la música, hasta contaban con una big band en su étapa universitaria. Y más allá de la influencia africana hay vida, y mucha vida. Porque ‘Contra’ (XL! / Popstock!, 2010) contiene una combinación explosiva: punk, ska, ritmos salvajes, pop… y todo ello encaja, congenia con un sentimiento renovador que aglutina nuevas sonoridades para llegar a un lugar donde disfrute y talento se dan la mano. Y es que las pinceladas que saben trazar estos chicos neoyorquinos no están sobrevaloradas, no inventan nada nuevo, pero si aportan matices que ya en su día ofrecieron en sus primeros discos bandas como Arcade Fire, El Guincho o hasta The Strokes. Y es que lo expuesto en ‘Vampire Weekend’ (XL / Popstock! 2007) fue un torbellino de frescura.

Su directo refuerza hasta al fondo sus argumentos expuestos en sus dos discos. Y en Madrid su concierto fue pura fiesta dominical, con la audiencia entregada desde el primer momento. Con la única escenografía que un enorme cartel con la portada de ‘Contra’ en el fondo del escenario y con algunas lámparas del estilo a las que aparecen en la portada del primer disco que se iluminaban en algunas canciones. Vampire Weekend demostraron una franqueza notable en el planteamiento: sobrio pero enérgico y sin medias tintas, todo ello aderezado con una cercanía apabullante. Y todo eso a pesar de que parte del público chirriaba con ese concepto, un público pretencioso a más no poder, que tenía que estar ahí para estar en la onda de la modernidad, si uno no está en determinados saraos está fuera de lo más guay. Una selección acertada en la que no dejaron sus canciones más conocidas para el final, sino que las incluían en el repertorio como parte integrante, y eso sin dejar coja esa recta final. Esas decisiones de no dejar el plato fuerte para el postre, ni para el arranque inicial confirma que la banda liderada por Ezra Koenig tiene cuerda y tablas y canciones que se sostienen de arriba abajo. Un inicio con dos canciones de ‘Contra’, “White sky” y “Holiday”, para arremeter en la tercera canción con un clásico como “Cape Cod Kwassa Kwassa” (por cierto excelente la versión de Inhabitants con la voz de Adrián López de CatPeople vibrante para el Día de la Música de 2009). “A Punk” su ‘jitazo’ del primer disco sonó radiante, con la fuerza y la inmediatez que tiene. “Cousins”, otro cartucho efectivo y arrebatador fue pura dinamita. O esas piezas más relajadas como “Taxi cab”, o “Diplomat’s son” con un sampler de M.I.A. “Run” con un ritmo a medio tiempo, unos teclados ensoñadores y con un deje dub adictivo, como también lo es “Giving up the gun”. Tampoco faltaron temas del primer disco brillantes como “Oxford coma”, “Campus”. Y la “Horchata” vino en los bises, como también ‘Mansard roof” con esos guitarras que arremolinan y esos teclados celestiales, y “Walcott” lleno de brisa y de energía radiante, canción hermanada con el brillo pop de The Pains of Being Pure at Heart en su álbum de debut de 2009, una canción excelente para cerrar un concierto redondo. En definitiva que el público no cesó de bailar, de corear estribillos y seguir las órdenes corales de Ezra Koenig. La sensación de Vampire Weekend no se quedó en puro artificio. Su primer concierto en Madrid fue pura revolución (pija), puro disfrute. Un concierto memorable.

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Texto: Andrés Castaño

La incursión de actrices en el mundo de la música ha dado resultados desiguales. El descalabro de Scarlett Johansson que la preferimos en la gran pantalla que no haciendo versiones de Tom Waits. En el caso de Najwa Nimrii su resultado ha ofrecido una de cal y otra de arena. Cuando estaba arropada bajo el manto compositivo de Carlos Jean, las canciones tenían fuerza. En solitario no siempre. A pesar de maravillas como ese “Go cain”. Y luego estaba la cuestión del idioma, el inglés no le sentaba tan bien.

Por eso el cambio de idioma y la vuelta a su lengua vernácula supone una novedad que enriquece el poder del mensaje, la dicción y el resultado final. ‘El último primate’ (Dro, 2010) es un paso adelante. Y su concierto de presentación de su cuarto disco en solitario, dentro del festival Ellas Crean, fue buena prueba de ello. Así como la presentación en sociedad de una banda solvente y potente, con Ángel Luis Samos (teclados y programaciones), Vicente Huma (guitarra), Javi Pedreira (guitarra), Jacob Reguillón (bajo) y Carlos Gamón a la batería, que sabe mimar la contención de las canciones, resaltando los rincones, la suave brisa y la atmósfera introspectiva de estas nuevas canciones. Es cierto que Najwa no tiene una voz prodigiosa pero aquí saca partido del susurro y de lo mejor de su voz para dar fuerza e intimidad, para ofrecernos su mejor perfil. “Fácil de romper”, con texturas de guitarras y letras más poéticas. “Como un animal” donde se abren sendas folkies para adentrarse en guitarras cristalinas. “Me tiene que doler” cava en la oscuridad, que rememora a los Cure o incluso a Mark Lanegan. “Mi ritual” Se acerca hacia los límites del post-rock y hacia un lado emo. O el momento épico de “El último primate”, donde la voz se quiere quebrar. Su referente aquí se acerca a PJ Harvey. Promete este disco reciente, con once canciones que rebuscan por dentro. A pesar de que hay quien diga que su voz recuerda a Bebé y de mirar al pasado revisitando a Portishead con una versión en castellano de “Sour times”, sí, esa canción del “nobody loves me”. Najwa quiere mirar al presente y surcar nuevas aguas.

Lejos queda ese disco antológico junto a Carlos Jean, en Najwajean ‘No blood’ (Subterfuge, 1998), que indagó en la versión española de trip-hop. Aquí vuelve Raúl Santos a estar ayudando, y la producción se realizó en Londres a las órdenes de Peter Walsh. Cerró la actuación una excelente versión de “Is this a crime?” del último disco que compartieron Najwajean, ‘Till it breaks’ (EMI, 2008). Una delicia de punto y final. Pero en la memoria nos quedó el regusto final intenso de un concierto que aporta novedades en la carrera artística de la actriz: ver como Najwa nos susurra, se adentra en lo más visceral de nuestra naturaleza. Un concierto con mirada interna e inquietante incertidumbre del devenir personal. Y un redescubrimiento.

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Texto: Andrés Castaño

Guitarras con distorsión, redobles de platillos y un piano el cuál tocan hasta tumbados, y no es un decir. The Blue Van es una formación danesa que no tienen miedo a experimentar con los nuevos sonidos del Indie Británico, y lo demuestran en su asombrosa puesta en escena donde les importa más bien poco tanto la integridad de ellos mismos, como la de sus instrumentos; lo que nos recuerda a las primeras actuaciones de The Who, donde Pete Townsend aporreaba con fuerza la guitarra contra todo lo que tenia cerca, o de Wolfmother que aporreaban el piano hasta desmontarlo.

Pero realmente, sus influencias más notables, son cercanas a los grupos que van surgiendo en estos últimos años de Inglaterra, como Franz Ferdinand, Jet o Artic Monkeys, lo contrario a lo que nos podríamos encontrar en su primer disco The Art of Rolling dónde oíamos sus primeras influencias: The Small Faces, Cream y Pretty Things.

Tuvimos la ocasión de escucharles en directo en la sala Ramdall y desde luego que no decepcionaron. La ovación se hizo con el silencio de la sala en cuanto Steffen Westmark pisó el escenario. Nos deleitaron con canciones como Silly Boy que sirvió como banda sonora a un anuncio de Samsung o Man Up (homónima del nombre de su segundo disco). Fue una hora y media de intenso rock aliñado con un poco de folk americano de su primer álbum, en la que pudimos saltar y cantar gracias a la complicidad que creaban con el público.

Sin duda nos dejó un buen sabor de boca este reciente grupo, aunque llevan reunidos desde los 10 años.

 

 

FECHA: 19-02-2010
CIUDAD: Hospitalet (Barcelona)
LUGAR: Salamandra
GRUPO: Overkill
DURACION: 90 minutos
INVITADOS: Suicidal Angels (30 m.), Cripper (35 m.), Savage Messiah (-).

El thrash no ha muerto… este es el mensaje que transmitieron Overkill en su actuación en la Salamandra de Hospitalet. Con una banda en la que solo permanecen el vocalista Bobby “Blitz” Ellsworth y el bajista D. D. Verni de la formación original, los norteamericanos demostraron pasar por un excelente estado de forma, respaldado por la vitalidad que aportan los dos nuevos guitarristas Dave Linsk y Derek Tailer, aunque tampoco habría que hablar de “nuevos” ya que ambos llevan 10 años como componentes de Overkill, en todo caso, el cartel de “novato” se le puede otorgar al batería Ron Lipnicki, en su puesto desde 2005.

Lo cierto es que los actuales Overkill exhibieron una energía desbordante y arrolladora durante todo el concierto. Prácticamente, agotaron sus fuerzas con su frenético thrash de galopantes ritmos, fundiendo perfiles del pasado con las aristas metálicas de la actualidad, dando una sensación de banda compacta, profesional y entregada a sus seguidores quienes, por supuesto, respondieron con total vehemencia en algunos pasajes de la actuación, además de corear con entusiasmo algunas partes de las letras. Tan empeñado estuvo el público de las primeras filas en demostrar su fidelidad a Overkill que dejaron totalmente sorprendidos a los componentes del grupo norteamericano.

Reconociendo que los mencionados guitarristas otorgan a Overkill un plus de vivacidad, es necesario recalcar también la actividad desplegada por Bobby durante todo el concierto. El tipo, que ha traspasado ya la barrera de los 40 tacos, no creo que pase mucho de los 55 kilos de peso. Exhibió un espléndido físico y desplegó sus mejores dotes vocales, con su característico registro desgarrado, en una intervención que fue puro nervio. Eso sí, la correa de sus ceñidos pantalones no dejó de molestarle al desabrocharse cada dos por tres, hasta que, al final, decidió seguir con el cinturón suelto.

Abrieron con “The Green And Black”, de su excelente último disco, Ironbound, al que recurrieron en dos ocasiones más, la canción que da título al álbum y la frenética “Bring Me The Night”, creo que insuficientes para mostrar la calidad que atesora la grabación. Claro está que, inevitablemente, debían de recurrir a un amplio repertorio salpicado de excelentes composiciones para contentar a sus seguidores de siempre.

En general la elección de los temas estuvo bastante repartida, incluyendo piezas indispensables como “Rotten To The Core”, “Overkill”, “Wreking Crew”, “Feel The Fire”, etc. Entre los bises, no pudo faltar el mítico “Fuck You”, incrustando a continuación la versión de los Dead Boys, “Sonic Reducer”, elegida para el fin de fiesta.

Overkill, no solo convencieron de su actual potencial sino que ofrecieron un auténtico espectáculo, tanto en lo que se refiere a la parte musical como a su presencia en escena, así como la parte luminotécnica, creando distintos ambientes según desarrollaba la banda su recital de imponente y enérgico thrash metal.

CRIPPER Y SUICIDAL ANGELS

El denominado Killfest Tour 2010 tuvo además otros protagonistas que completaron un evento cargado de adrenalina metálica.

Los ingleses Savage Messiah, a quienes no pude ver por cuestiones horarias, fueron los encargados de “abrir fuego”. Seguidamente tomaron el escenario los alemanes Cripper, quienes dejaron una magnífica impresión con su vocalista Britta al frente al estilo de Angela Gossow de Arch Enemy. Impresionantes las rastas del bajista Bastian, que parecían los tentáculos de un pulpo cuando agitaba la cabeza, el tipo tocaba “a dedo”, sin púa, y a fe que estuvo a punto de sacarle humo a su instrumento. Y no digamos los guitarristas, Christian y Jonathan, dos “killers” del ritmo, por cierto que el batería Dennis, parecía un robot machacando parches y tambores a piñón fijo.

Las buenas sensaciones dejadas por Cripper quedaron ratificadas con los griegos Suicidal Angels, quienes debieron trabajar a tope para ganarse al público después de la avasalladora actuación de sus predecesores.

Avalados por el contenido de su último y competente álbum, Sanctify The Darkness, su thrash metal “a lo Slayer” fue calando en la audiencia con temas como, “Bloodthirsty”, “…Lies”, “Dark Abyss (Your Fate Is Coloured Black)” y “Apokathilosis”, con la que despidieron una intervención no tan visualmente llamativa como la de Cripper pero tremendamente resolutiva en cuanto a su dinámica de “acoso y derribo” por obra y gracia del riff persistente y el solo afilado, producto de guitarras asesinas.

SET LIST OVERKILL

1) The Green And Black (Ironbound)
2) Rotten To The Core (Feel The Fire)
3) Wreking Crew (Taking Over)
4) Battle (The Killing Kind)
5) Hello From The Gutter (Under The Influence)
6) Feel The Fire (Feel The Fire)
7) Ironbound (Ironbound)
In Union We Stand (Taking Over)
9) Bare Bones (Horrorscope)
10) Overkill (Feel The Fire)
11) Gasoline Dream (W.F.O.)
12) Bring Me The Night (Ironbound)
13) Elimination (The Years Of Decay)
Bises
14) Necroshine (Necroshine)
15) Old Schold (ReliXIV)
16) Fuck You (Fuck You EP)
17) Sonic Reducer (Feel The Fire)

 

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CRONICA FOTOS Y VIDEO LOCKY PEREZ

 

 

 

 

¡Qué gracia!. Cornershop le tenían colocada una mesita, cubierta con una alfombra persa a su sitar, instrumento que les ha caracterizado a lo largo de todos estos años (entre la mezcla de indie psicodélico, sonidos asiáticos y soul inequívocamente ochentero) para que fuera interpretado por un funambulista, que entre la guitarra eléctrica y su instrumento, -descalzo de un pie- (ver foto 2, no tiene desperdicio), se encontrara a riesgo de caer electrocutado entre el baile de cables del escenario, antes de que su alfombra no saliera disparada con él cual Aladino; sitar y mesita incluidas.
El grupo británico (desde que lanzó su primer ep en un ya lejano 1993), lástima, se mostró muy frío sobre el escenario; y mira si tienen canciones para hacer moverse al más paleto. A las voces de “sonríe” por parte del público hacia su cantante, contestó que nunca lo hace. No hacía falta jurarlo. A Tjinder Singh parece que le sobra cantar sus canciones con esa voz india tan obvia y las melodías vibrantes que están escondidas en sus aceptables trabajos de estudio.

“Brimful of Asha”, carne de cañón en un pasado lejano de lista de éxitos, tiene ya trece años y, sin tener otro hit a la altura comercial de este precedente, se pueden encontrar sabias canciones de pop y psicodelia electrónica entre sus mejores hallazgos. Pero como no hay un estribillo tan pegadizo como éste, el grupo ha preferido serpentear su suerte hacia caminos más esquivos, haciendo gala de un carácter independiente que le hace presentar su directo en salas pequeñas, como en el caso de una prácticamente llena sala madrileña, que les vio presentar su último y esforzado trabajo.

Sus discos últimos han pasado desapercibidos por estos lares, pero siguen siendo una dada desdeñable colección de contagiosas, bailables y simpáticas canciones, que en directo, muchas veces, no han sabido sacar el jugo ácido y juguetón que tienen en los discos. Y esa distancia con el público afecta al resultado del conjunto.

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El atípico grupo, que en directo suena mucho más guitarrero (con cuatro guitarras en juego, batería, teclados y el omnipresente sitar), matiza la nombrada psicodelia de sus temas. Dieron, así, una mayor guerra al rock (también psicodélico, como no) que se traduce en una consistente propuesta de sus canciones en vivo, que van desgranando con un sentimiento homogéneo (como si no quisieran dar prioridad a ninguna de sus canciones especialmente). Clasificaron esos temas entre el pop de letras dulces y voces pregrabadas (coros y sonidos), donde “Who fingered Rock ‘n’ roll” podría haber sido mucho más juerguista en vivo y “Judy sucks a lemon for breakfast”, que sonó bastante atrayente, si no es la mejor banda sonora para un anuncio de “choco krispies”, lo sería para un ajuste de cuentas entre el pasado y el mejor presente que esta banda pueda ofrecer en directo.

Les faltaba un pelín para, por una parte ganarse al público y por otra, los argumentos suficientes que justificaban lo escuchado en sus discos. Pero no terminaron de cuajar sus canciones en vivo, aunque sí se les notaba sobradamente competentes sobre el escenario (a destacar la labor de teclados) a la hora de defender con justicia unas canciones que les han hecho diferentes, sugerentes y suficientemente curtidos a la vez que originales en unos trabajos de estudio que han merecido mejor suerte.

 

 

Soziedad Alkoholika y The Eyes, actuarán el próximo viernes en la sala Apolo de Barcelona, formando un doble cartel de lo más atractivo, con ambas bandas en posición de ofrecer interesantes novedades en su repertorio.

El grupo vasco presentará las renovadas canciones de su álbum debut, recientemente grabado y rebautizado como Sesión # 2 revitalizando unas composiciones que han aguantado de forma admirable el paso del tiempo. Sin olvidarnos de su debut para Roadrunner Records, Mala Sangre, una colección de canciones que desprenden mala leche por todos sus poros; coléricas, corrosivas y desestabilizadoras. Un completo compendio de abrasivos riffs, desequilibrantes ritmos y una fuerza vital arrolladora.

Mientras tanto, los catalanes The Eyes presentarán Insignis, una grabación de excelente death metal melódico de virulentos perfiles y variaciones hacia el metalcore, propios de una banda con un sonido extremadamente compacto, donde la dinámica de guitarras y batería se fusiona de manera impecable formando un muro impenetrable del que surgen armonías que rompen la brusquedad imperante.

En definitiva, dos grupos con garantías suficientes como para ofrecer a los aficionados una doble ración de metal incandescente.

LOS DATOS

FECHA: 05-03-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Sala Apolo
PRECIO: 16 € + gastos, anticipada (19 en taquilla)
VENTA ON LINE: www.ticketmaster.es
VENTA POR TELEFONO: 902 15 00 25

 

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LOCKY PEREZ

 

Cada vez más estrellas de Hollywood, sedientas de abarcar todas las variantes artísticas posibles e impulsadas por su gran autoestima, se lanzan al mundo de la canción. Desde Bruce Willis, a Shane West (actualmente en The Germs), o Scarlett Johansson y su pop intimista. Y por supuesto, Kevin Costner y Modern West. Cuando tienes fama y fortuna a partes iguales, es sencillo rodearse de buenos músicos y conseguir bolos y para el señor Costner, a pesar de que no sea precisamente su talento el que lo ha puesto en escena, no ha sido difícil labrarse una discreta carrera musical. Esta fue la primera vez que la versión cinematográfica Eliot Ness viniera a nuestro país para mostrarnos su faceta como cantante y ya de paso, presentar su último disco Turn It On. Y lo que nos ofreció fue un peculiar conglomerado de momentos bastante dignos y otros tantos algo sonrojantes.

 

Me gustan la esencia de las cosas, lo auténtico, lo que surge de forma natural. Y hay músicos que no vienen con imposturas ni modas, ni nada. Brian Hunt pertenece a esta clase de personas. Y su musicalidad atraviesa proyectos, más allá de su reciente carrera en solitario iniciada con ‘I lost my glasses’ (Limbo Starr, 2009). Su música se respira al frente de Half Foot Outside, una pena su reciente anuncio de disolución pero aún hay opciones de verlos por última vez, también se implica en proyectos tan notables como Templeton o manejando el control en la producción del ‘I love my glasses’ de Lourdes Hernández, Russian Red. La clase todo lo mima y el buen hacer sale a relucir, tarde o temprano. Brian Hunt es un gran compositor a tener en cuenta, desde la intimidad hasta su lado más rockero americano.

El tiempo inestable, y otros conciertos esa noche, fueron factores que no ayudaron a congregar público y llenar El Sol. Pero eso no fue excusa para que Brian demostrara la grandeza de sus canciones. La belleza luminosa y la aspereza oscura de su cancionero. Y el resultado fue notable, acompañado por un cuarteto, sus compañeros en Half Foot Outside, además de un trío de cuerdas (violín, viola y chelo) imponente.

“Log girl” multiplica su efecto y la fuerza que destila en el disco, con esa guitarra afilada y unos teclados llenos de vapor y densidad, parece que Hunt resucita a The Nerves o a The Jayhawks. En la recta final del concierto deslumbró con “El martes no tengo barba” que sumado al estupendo swing que despide, además ganó enteros el tema con la presencia del trío de cuerdas. También destacó ese alegato rock enérgico que es “Sapphires in the mud”. Artistas auténticos merecen que sus directos se llenen, no sólo por su talento, sino porque el público disfrutará de lo lindo ante sus excelentes argumentos musicales. Un pedazo concierto de un artista que dirá mucho más, de eso estoy seguro. Avisados quedan.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

Martes. Frío y lluvia incesantes en el foro. Tal como pinta lo menos apetecible es salir de casa para ir a un concierto. Siempre he sido de la opinión de que nunca hay que poner peros a ciertas situaciones, da igual que sea entre semana y al día siguiente haya que trabajar. Si tu cuerpo te pide un mínimo de acción, aprovéchalo! Ya habrá tiempo para descansar y rendir cuentas; además, si la ocasión lo merece la recuperación llega mucho antes.

Ante esta “terrible” diatriba me presenté en la Sala Siroco para ver -y después redactar- mi primera crónica para todos los que gusten de estos ritmos tropicales, calurosos y sensuales como ya sabéis, aunque Beatdown sean de Canadá y Upsttemians de Majadahonda -ya me diréis el clima tropical que encontramos por esas latitudes…-. Es lo más bonito del reggae y del ska, su calor traspasa todo tipo de fronteras e inunda de sudor pegajoso todos los rincones.

Por problemas de tiempo de unos de los miembros de los madrileños -¡Ay Javi, el trabajo es un sin vivir!-, comenzaron primero los canadienses Beatdown

Era la segunda vez que se dejaban caer por aquí. El año pasado vinieron con su alter ego One Night Band, cuyo disco Hit & Run fue de lo mejor que se pudo escuchar en el 2009. El concierto fue tremendo. La verdad es que no encuentro la diferencia entre un grupo y otro, me comentan que ahora machacan más con el reggae pero la única distinción que encuentro es que ayer no llevaban vientos. Sin duda para hacer este tipo de música, sobre todo ska, hay veces que no son imprescindibles, basta con tener buen gusto. Asunto fácil de decir pero difícil de conseguir.

Siempre desde su base reggae, algo más sucio (término acuñado por los grandiosos Aggrolites) y crudo que el tocado por ONB, se subieron a las tablas para presentar las canciones de su nuevo maxi cd, titulado también como el nombre del grupo. Tras unos primeros temas de reggae machacones y garajeros – para que nos entendamos todos- y con un sonido bastante bueno , llegaron los calores directamente desde Jamaica, sobre todo al guitarra de bajos, el pequeño Pascal Lesieur, que no paraba de moverse ni un instante. Sin abandonar nunca la isla se trasladaron al lejano Oeste para tocar una de las canciones que más me gustaron de su actuación, Some Say, Western Surf de tablas y pistolas que guardarían por algún bolsillo del bañador. Con Get Ready y su riff del equipo A (¡qué importante es tener dos guitarras!), ya tenían a todo el público metido en el bolsillo – ¿donde las pistolas quizás?-. Al estilo Ramones fueron vomitando sin parar todos sus temas nuevos, intercalados con buenas versiones como Police & Thieves de Junior Murvin e inmortalizada por The Clash y el archiconocido Shame & Skandal. A diferencia del año pasado, la voz del cantante y guitarra Alex Giguere era más rota y desgarrada -con ONB la voz tenía similitudes con las del mismísimo Víctor Ruggiero de Slackers-, que junto al uso de la armónica, a veces excesiva, eran los principales contrastes respecto a su actuación anterior. Con un temazo rozando el reggae-punk y otro al estilo Clash profundo- canción tranquilota con toques balada dub- se llegó al final de la actuación con una versión de Shanty Town de Desmond Dekker y el principal tema del disco de One Night Band, Wait a Minute -motivo por el que quedé prendado de este grupo cuando lo escuché por primera vez-, un reggae soul macarra con una guitarra espectacular.

Llegó el momento de Upsttemians. Lo de estos chicos no tiene nombre, cada vez tienen más seguidores y, a pesar de los constantes cambios de formación -presentaban cantante y trombón nuevos- su calidad no deja lugar a dudas. Era una noche especial para ellos porque, aparte de sus nuevos componentes, también estrenaban canciones.

Los muchachos están abandonando las raíces skatalíticas para ceñirse cada vez más al universo del reggae y del rocksteady. Sin problemas, porque aparte de su nueva, potente y soulera voz también está Adolfo, con su peculiar voz desgarrada y algo cazallera, y Puras, una gran voz pero al que le falta algo de potencia. Empezaron con un ska clásico y con gusto de cosecha propia –Life is a Good- de su maravilloso segundo trabajo, Turn It Up. Los de Majadahonda saben lo que se hacen, siendo, en mi modesta opinión, de lo mejorcito del panorama nacional. La actuación, por problemas de tiempo, fue algo corta pero intensa. Con la tirada de sus temas nuevos, alguno con influencias souleras, tanto en la voz como los estribillos, llegó el turno de sus hits como la preciosa y sensual So Easy (juraría haber visto a los Aggrolites por la sala…) y la única canción que tienen en castellano, Sin Vos, un bonito rocksteady con una letra maravillosa (todo recuerda a algo…). Llegó el momento de la locura con Adolfo cantando Summer y I Need You Baby, ambos de su primer compacto titulado Upsttemians. Estas dos canciones son verdaderos himnos para todos sus fieles y cada vez que suenan se vuelven locos. Normal por otro lado.

El final de fiesta fue espectacular, con versiones de Alton Ellis, Bob Marley –Waiting in Vain- y de los inigualables Blues Busters con su clásico temazo a ritmo de ska Soon You’ll Be Gone. Buenos compositores, buenos letristas, buenos músicos (Culebra, de los mejores guitarras de bajo que he escuchado en mucho tiempo y Micky, siempre dándolo todo con la percusión) y, sobre todo, buenos tipos. La combinación perfecta para llegar a lo más alto! Seguid así!

Había dejado de llover, perfecto para irse a casa con una gran sonrisa en la cara y olvidando que al día siguiente había que madrugar. Y todo esto por 5 ecus con cerveza! Siento los que no fueron, seguro que su madrugón ha sido menos llevadero y más malhumorado que el mío. Las ocasiones nunca hay que dejarlas pasar, chavales!

Que Ainara Legardon defienda su último trabajo dando la vuelta a la aspereza de sus últimas canciones de estudio, transformándolas en directo en locuaces canciones de rock, es algo que no debería sorprender al seguidor más aventajado de una corriente nacional poderosa, amparada por otras muestras de talento de igual talla, como es el ejemplo de Anari (quien, por cierto, actúa en el mismo escenario en pocos días). El caso era quemar y la llama que rezuma su último disco daba para eso y mucho más. Y empapa su repertorio de la misma concisión que se escucha en sus discos. Sólo que de otra manera. Es una artista que no defrauda en vivo, a pesar de que la línea homogénea de sus directos se la sepan de memoria la gran mayoría de sus seguidores. Y en Moby Dick, donde ha actuado en numerosas ocasiones, la tratan con el mayor de los respetos posibles.

Respaldada por contrabajo y batería, el grupo sabe extraer la rabia escondida, sobre todo, en el último trabajo que acaba de publicar, un “Forgive me if I don’t come home to sleep tonight” cuya adicción, tras cuatro años sin grabar álbum, sigue recorriendo las brumas del folk y el rock más indócil e igual de intratable que cautivador.
Ainara Legardon se mostró muy segura y firme a la guitarra, sabiendo cambiar el tono de las melodías; unas canciones que, normalmente, comienzan en un tono cálido para romper esas líneas y hacerlas más sinuosas; que las guitarras hacen ruidosas.

Su último trabajo, que funciona como un tríptico acabado con sus dos discos anteriores, da forma a la pasión contenida que revienta cuando se presentan sus canciones en vivo. Parece querer hacer estallar toda la calma que guardan las canciones. Y vaya si lo hace. Siempre valiente, Ainara Legardon sigue siendo una de las claves sonoras de la música rock nacional. Se aleja de cualquier tipo de modas para conseguir adherir la impresión de que algo consigue mover, agitar y alborotar en nuestra escena musical.

Tras el trío, los estadounidenses Glorytellers, con Geoff Farina al mando, dieron un brillo a su último disco, “Atone”, que sorprendió (por su melancolía, firmeza y candidez) al público que se acercó a Moby Dick aquella noche. Si su disco de estudio tiene una colección más que notable de contagiosas canciones, en directo las engrandecen hasta límites donde la voz acompaña con una sutilidad que hace enorme su sencilla puesta en escena. No necesitaron más que mostrar lo excelentes que pueden llegar a ser sus temas grabados y en vivo, consiguen disparar al infinito, sin ningún ápice de duda, el enorme poder de sus templados temas. Y la imagen que dan en directo es la de un grupo que canta con una inmensa tranquilidad sus composiciones, como si hubiesen sido hechas hace mucho tiempo y la transforman en sabias, poderosas y contagiosas muestras de seducción. Un grupo a seguir de aquí en adelante.
En resumen, dos grupos que saben vaciar la fuerza de sus trabajos de estudio, llenando de diferentes colores lo diáfano e inteligente que se traen entre manos y regalan a su público.

 

 

 

 

 

 

 

 

FECHA: 18-02-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Luz de Gas
GRUPO: Focus
DURACION: 120 minutos

Acostumbrados al ¡tonto el último!, y a los empujones y bamboleos para conseguir un sitio de privilegio en los conciertos de rock, el autor de esta nota no cabía en su asombro al entrar en la sala Luz De Gas de Barcelona y comprobar que habían dispuesto diversas filas de sillas para presenciar la única actuación de Focus en España.

Y no podía ser de otra manera, nada mejor que la comodidad para disfrutar a lo grande de la música interpretada por la veterana formación holandesa. Y es que, para “saborear” toda la sustancia implícita en sus intrincadas composiciones hay que poner los cinco sentidos.

Obviamente, los años no perdonan físicamente y nuestro “querido” Thijs Van Leer, único miembro fundador que sigue al “pie del cañón”, parecía todo un pescador retirado con su atuendo y sus orondas formas. Sin embargo, el músico que hay dentro de esa apariencia bonachona supo manejar la actuación como experto profesional que es, recurriendo a la sutileza humorística en momentos puntuales para crear un ambiente distendido entre intérpretes y público.

Junto a la veteranía de Thijs van Leer, el joven Niels van der Steenhoven, demostró haberse empapado a fondo las complejas estructuras que forman el repertorio de Focus para ofrecer todo un recital de virtuosismo con la guitarra. Además, el batería Pierre Van Der Linden y el bajista Bobby Jacobs, no se quedaron atrás a la hora de mostrar sus aptitudes, incluyendo sendos solos de cada uno.

Pero, si las individualidades salieron a relucir en momentos puntuales, el equipo al completo se encargó de transmitir las esencias embriagadoras de unas composiciones atemporales que forman parte indisoluble de la historia del rock progresivo. Comenzaron con “Sylvia’s Step-Daughter” y, a partir de ahí desgranaron un repertorio que incluyó, “House Of The Kings”, “Focus II”, “Ah Yah Yippee Yippee Yah”, Eruption (con sus diversos pasajes), “Focus I”, “Sylvia”, “La Catedral de Strasbourg”, “Harem Scarem” y algún otro que se me escapa porque, la banda holandesa varió los esquemas en determinados momentos, dando la sensación de sumergirnos en una variopinta jam session más que en un concierto de líneas clásicas, donde, además de su característico toque sinfónico/progresivo, se podían reconocer estructuras vinculadas al hard rock al funky y al jazz.

También tocaron una canción no demasiado conocida de título en castellano, “De Tí O De Mí”, compuesta por Jacobs durante una estancia en España.

Y, por supuesto, la despedida fue con le esperada e indispensable “Hocus Pocus”, sin la cual el concierto hubiera quedado incompleto. Un tema difícil para el directo ya que las complicadas partes de guitarra implica un esfuerzo adicional y no digamos de las “exóticas” partes vocales, en las que Thijs Van Leer, debe afrontar el impulso definitivo para no defraudar a un público que ha estado esperando el momento con ansiedad.

En conclusión, un concierto envuelto en una atmósfera seductora, donde sutileza, precisión y carisma se conjuraron para hipnotizar al espectador y transportarle mentalmente hacia un estado de nostalgia placentera.

Focus, son un producto del pasado pero, tener la oportunidad de poder verles todavía en acción es un regalo para gozar a plenitud y los asistentes a la actuación así lo reconocieron, presenciando absortos y en silencio las evoluciones de la banda, para estallar en aplausos y vítores cuando la formación se tomaba unos segundos de respiro.

 

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CRONICA, FOTOS Y VIDEO, LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Desnudar las canciones de sus discos en directo parece una tarea fácil para una Thalia Zedek que, con un áspero último trabajo que data de 2008,”Liars and prayers”, presentó sus canciones con una directa, concisa y nada presuntuosa puesta en práctica de cara a su público madrileño.

Y tratar de buscar historia pasada de una solista que se muestra en plena forma es no hacer justicia a una banda que, abriendo las puertas a lo atormentado de sus guitarras, haciéndolo con “Next exit” y de ahí oscureciendo el tono, ofrece una muestra de rock tan irrebatible que da igual lo clásico o no de los temas que ofrezcan en vivo. Allí parecía que poco preocupaban nuevas o viejas canciones; todas cuestan y transmiten la misma evidencia. Las palabras clásico o moderno se escapan de la historia de esta cantante, en solitario desde que en 1999 la ruptura de Come la hicieran presentar lo catártico que llevaba dentro. Aquí lo hizo con dos guitarras, viola y batería.

Thalia Zedek, sencilla en el trato, e igual de seca (sin casi levantar la vista de su guitarra) que lo esquivo, y también profundo, que transmiten los temas de sus discos, amolda su adusta voz mucho más a la distorsión de las guitarras que a la melodía cantada, haciendo uso de un rock inequívocamente femenino en la forma e incontestablemente elegante en su fondo, a lo que ayuda una voz categóricamente educada para unos temas que la han hecho dueña de un estilo personal.

Va mucho más allá del folk y del country que pueda empañar el método de su discurso, una antología que le ha dado distinción a lo largo de estos años, para casi no moverse del escenario y cantar, con un empeño que roza la adoración, para firmar, sin permiso ninguno la adhesión incondicional de cualquiera de sus seguidores, ya sea tarde o temprano cuando aparezcan sus discos de estudio.

Cambiando, frenando, acelerando, gruñendo o limando la aspereza del ruido de las guitarras, la banda quiso (y logró) transmitir esa impresión de inquietud que transforma sus canciones en algo mucho más intranquilo que los modelos clásicos de una canción fácil, rebuscando en la trastienda de las impresiones contrastadas de sus melodías, la forma más clara de encontrar el mérito de sus canciones, atravesadas por la desazón.

Sin olvidar que la banda se despidió con una magnífica versión de Leonard Cohen. “Dance me to the end of love” (podía haber sido cualquier otra del genio) fue la despedida, por ahora, de una artista y su banda donde mucho más allá que apasionar, engrandece su estilo y lo hace inconfundible.

Para el que sólo vea un nombre muy extraño y no sepa de que va el tema, haré un breve resumen de lo que se esconde detrás de SUNN O))). Se trata de una pareja formada por Stephen O’Malley y Greg Anderson. Practican drone doom con toques noise, black y dark ambient o dicho de otra forma, ruido extremo. Es, sin lugar a dudas, uno de los grupos más oscuros y tétricos del mundo, tanto por su sonido como por su estética, que por cierto es la de una especie de monjes salidos del Averno. Todo esto y mucho más es SUNN O))) y por incomprensible que sea una vez que te pones uno de sus discos, gozan de una popularidad que crece con cada día que pasa. La semana pasada vinieron a España por primera vez en formato sala, ya que anteriormente sólo lo habían hecho en el Sónar y el Primavera Sound, y por supuesto triunfaron en cada una de las tres fechas. Esto es lo que sucedió en Madrid…

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Veinte años rockeando como pocos les avalan. Fu Manchu son, sin duda alguna, unos de los principales estandartes del stoner y desde que regalaran a la humanidad “Kept Between Trees” a principios de los noventa, no han cesado de facturar odas al headbanging con su particular sonido. En esta ocasión vinieron, a parte de para celebrar su añeja carrera, para presentar su nuevo disco, Sings Of Infinite Power. Una vez más han logrado reunir un puñado de trallazos a la altura de su demencial discografía. No de sus clásicos, claro, pero sí de los buenos temas que han parido desde siempre. Y una vez más los defendieron tocando como guerreros encabronados antes de desmembrar un ejército…

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Hay artistas que se ganan los aplausos por unanimidad porque brillan en la oscuridad. Porque hacen de los instantes y de las canciones pequeños tesoros preciados que comparten con el resto de los mortales, creando un ambiente especial, donde la vida respira a pesar de las derrotas y los fracasos, con el sabor agridulce. Y porque su clase, su elegancia, su estilo y sencillez son tales que no hace falta añadir más ingredientes. Richard Hawley crea estampas personales en forma de canciones que nos descubren la esencia del vivir, del respirar cada segundo y empaparse de lo que nos rodea, con aire nostálgico, con regusto a madera vieja, con un cancionero que arrecia, nos roza con suavidad y se queda dentro.

Venía a Madrid para presentar ‘Truleove’s gutter’ (2009) su sexto y último disco en solitario, y sin duda alguna el más intimista y más descorazonador, porque hay dolor, ternura, excesos y redención. Sin perder un ápice de las intros sigilosas y repletas de misterios que acompañan a las nuevas piezas. El concierto de Madrid fue mágico, con una atmósfera de ceremonia especial. Interpretó las ocho canciones que componen su último disco apoyado por un cuarteto de excepción: Colin Elliot al bajo y contrabajo, Dean Berresford a la batería, Jon Trier a los teclados y Shez Sheridan a la guitarra. Piezas para regocijo introspectivo. Revisitó ‘Run for me’ de ‘Low edges’ (2003), ‘Hotel Room’ de ‘Coles Corner’ (2005) que presentó como una canción sobre adicciones, ‘Lady Solitude’ de ‘Lady’s Bridge’ (2007).

Si sus dos últimos discos nos emocionaron, ‘Cole’s Corner’ (2005) y Lady’s Brige’ (2007), ‘Truelove’s gutter’ (2009) cierra un ciclo de mirada hacia el interior y suena sincero, piezas como ‘Soldier on’ con esos teclados atmosféricos y una pedal steel embriagadora, y la rabia de guitarras en la recta final de la canción. Esa intro llenas de misterio, con teclado sacado de cual caja de música en ‘Don’t you cry’. Sobresale su voz personal, así como su flequillo y look rockabilly. Pero todo natural, nada de pose impuesta, ni moderneces. Su estilo de ‘crooner’ con dejes rockeros pero buscando los ángulos recónditos de la canción de autor más personal. Poco a poco su estilo y clase llena y gana adeptos. La audiencia madrileña estuvo rendida a sus pies y él se sintió como en casa, así lo confesó. El cierre final con ‘The Ocean’ fue grandioso. Salimos con la sensación de habernos deleitado con un manjar, un poco escaso en cantidad, sería que veníamos con más hambre. Alguien incluso me comentó que quería haber disfrutado de un plato más contundente, más energético, pero las dosis de energía que contenía el manjar podía haber salvado a algunas almas hambrientas. Hawley y su espíritu de las pequeñas cosas nos alimenta con materias primas de primera calidad y claro uno no engorda, pero no veas como uno crece por dentro.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

Llevábamos mucho tiempo esperando a ver a Biffy Clyro en sala. Estuvimos a punto de hacerlo el año pasado pero finalmente la cancelaron para poder tocar con Muse. Asimismo sus anteriores visitas fue teloneando a grupos como Bloc Party o QOTSA o actuando en festivales como el Electric Weekend o el Summercase. Así que ya tocaba. La larga dilación unida a astutas actividades promocionales y los derroteros por los que ha decidido continuar el grupo su trayectoria, hacía preveer un gran éxito de venta anticipada. Y así fue, claro. Sold out absoluto y una multitud sin entrada intentando hacerse con una a las puertas de la sala Penélope.

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Si en la visita de hace casi un año tocaron The Wall en su totalidad, en esta ocasión la variedad fue la protagonista del concierto, ofreciendo cortes pertenecientes a todas las etapas de la banda a la que homenajean, Pink Floyd.

Al igual que ocurría con la banda original, imágenes, láseres y juegos de luces tienen un papel fundamental, y la cuidada escenografía es la misma que fue empleada en el disco en directo PULSE, con una gran pantalla circular. Durante la primera mitad del recital, podemos ver como un canguro escoge sus discos favoritos y escuchamos una cara (en vinilo, por supuesto) de Dark Side Of The Moon, Wish You Were Here y Animals.

Después del descanso se escogen cortes de discos menos conocidos o bien se completan las imprescindibles de los discos ofrecidos en la primera parte. En el primer grupo destacamos Astronomy Domine, con imágenes de Syd “Madcap” Barrett, o Set The Controls For The Hearts Of The Sun, y en el segundo Money, Wish You Were Here y varias de el muro, con Another Brick In The Wall (part II) al frente.

Algunos temas de The Division Bell enfrían el ambiente, pero la última composición de la banda inglesa, High Hopes, volvió a levantar al público de sus asientos. El final es el mismo que escuchamos en PULSE, con la intensidad de los temas Comfortably Numb y Run Like Hell. Con la emoción que da la experiencia de “casi” sentir a Pink Floyd enfrente tuyo se despiden. Hasta el año que viene.

 

El combo francés Le Peuple de l’Herbe venía cargado con su séptimo disco (cinco en estudio y dos en directo), siguiendo su trazo, ampliando un sonido procedente de la black music (hip-hop, acid-jazz, funk, ragga) altamente ecléctico y variado. Por una parte, abriendo sus sonidos a dimensiones instrumentales; por otra, actualizando el hip-hop; y haciendo de sus conciertos una fiesta donde baila casi hasta el apuntador. La gira de presentación por España de ‘Tilt’ (Boneplak-Discograph/Karonte, 2010), se saldó con buen balance allí donde pasó, el sexteto francés goza de un público fiel en nuestro país, y contó con cuatro fechas, Barcelona, Madrid, Granada y Alicante.

‘Tilt’ contiene joyas dispuestas a trasladarte a parajes rítmicos de fusión, instrumentales como “Heart and Soul” relucen gracias al sonido de los vientos, trompeta, teclados, y a las atmósferas densas de las bases, las armonías clásicas de “L’ésprit d’une époque”, o el ambiente opresivo de “Matchbox” en una onda dowtempo e impregnado de cierto deje big beat; el sencillo “Look up” causa estragos con los dos grandes b boys con que cuenta Le Peuple de l’Herbe, JC 001 y Sir Jean; pero sobre todo incita a moverse el ritmo drum n’ bass de “Pretty bad drug” con unas cuerdas (mediante teclados) y una trompeta que recuerdan lo más excelso de 4hero; la energía eléctrica y el punk-rock de “Get Stronger” o de “Back against the wall”. El otro MC, el senegalés Sir Jean, también da cuenta de la buena forma vocal de la banda. JC 001 hace un solo a lo beat box incluyendo “Boxin’ da beat”, donde habla de la historia de las bases y las cajas de ritmos, impresionante, aunque ya lo hizo en su gira de 2005. También recuperaron para su concierto de Madrid temas de ‘Triplezéro’ (2000) “PH theme” y “Herbman shank”, ‘PH Test/Two’ (2002), “No escape” y “Maison en dur”, de ‘Cube’ (2005) “Mission” y “Adventure” que recuerda a The Wiseguys y su “Ooh La la” (1999), de ‘Radio Blood Money’ (2007), “Plastic People”. El público se lo pasó en grande, saben sacar jugo a su música en directo; y aunque si les has visto una vez y repites ya no te sorprendan tanto, es cierto que tienen un directo bien planteado y efectivo que no deja indiferente. El colorido y la amalgama de sonidos reinan su puesta en vivo.

Abrió L.E. Flaco una banda madrileña cañera, que fusiona el rock duro con el hip-hop. Rimas que vuelan, van y vienen, algunas muy logradas, otras deberían evitar los estereotipos propios del MC. Eso sí, el flow crece y se acopla al formato trío muy punk-rock y con mucha potencia. Espíritu crítico y buena puesta en escena como principales argumentos.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

Érase que se era, y hete que una banda madrileña dispuesta a proyectar y compartir sus miserias, a la par que también a exorcizar demonios, nació tras las cenizas de un Detergente. Quiso el destino que Jonston se presentara con la estampa y la misión de hacer de las canciones instantáneas una proclama. Bajo el nombre de Jonston, ¿un nombre de cowboy madrileño? ¿de un compositor con vocación anglosajona pero que canta en castellano? O como algunos lo han llamado “un bardo pop con aristas” Y así el destino le llevó a Jonston a hacer una primera escala, ‘Jonston’ (Limbo Starr, 2007), para seguir su andadura con ‘Taller de memoria’ (2010), un disco grabado en los estudios de Paco Loco en el Puerto de Santa María (Cádiz), autoeditado y lanzado por Pez Plátano discos, y disponible gratuitamente para todo el que lo desee.

Y es que en ‘Taller de memoria’ están los miedos, el pasotismo, las crisis personales y el goce. Una mirada al pasado. “Cuatro ojos” podría ser un himno dedicado a los chavales incomprendidos, esa mirada a la adolescencia, al descuido, a ser inadaptado, con un deje Beatles en las guitarras. Caer y volver a caer, “No debería volverme a enamorar”, porque en la vida las cosas vuelven a pasar. Menciones a ídolos de infancia como “Sherlock Holmes” o a oceanógrafos mundialmente conocidos, “Despierte comandante Cousteau” o incluso cómics como el Gato Félix. Y ese final de disco con “Puzzle” suena estupendo, queriendo encajar las piezas de la vida, con esos coros tan pop y tan entrañables. La verdad es que en directo la compañía de Juan Ferrari (guitarra), Ricardo ‘El Loco’ (bajo), Joan Vich (batería), su banda estable, le sientan muy bien a las canciones. Y la banda salta a relucir las composiciones que tienen la inmediatez del pop vitaminado, o de ese toque de viejo y curtido songwriter como Robyn Hitchcock o incluso de Neil Young.

Su directo convenció a un público plagado de fans, entre ellos programadores, periodistas y músicos, Jorge y Pau de La Habitación Roja, Remate, Abel Hernández (El Hijo), Fino Oyonarte, Abraham Boba, Javier Sánchez (La Buena Vida) entre otros. Lo más granado de la música indie española pululaba por allí. Y todo ello a pesar de un sonido por momentos no muy limpio, ya que no se palpaba el brillo que mantiene el disco en su totalidad. Un repertorio con los diez cortes que completan un disco y una mirada a su primer disco. Una puesta de largo interesante, que ganará enteros cuánto más toquen.

Jorge ‘Ciudadano’ Pérez, con Tórtel, acompañado por el propio Jonston y Pau (La Habitación Roja) volvió a presentar su flamante disco en solitario ‘Un lugar nuevo’ (Los Enanos Gigantes, 2009), con la colaboración, la producción de Joaquín Pascual. Artesanía pop que en directo tiene ese toque de cercanía, de camaradería, que nos mola.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

 

FECHA: 17-02-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Rocksound
GRUPO: Radio Moscow
DURACION: 70 minutos
INVITADO: The Sweetcase Band

En esto del rock, como en otras facetas de la vida, hay grupos meticulosos hasta la enfermedad en el sentido de que preparan sus actuaciones con suma perfección. Y eso, sin duda, es bueno para el aficionado que gana en calidad. Pero también hay otras formaciones que sin tanta parafernalia ofrecen, asimismo, un excelente espectáculo. En este último caso podríamos situar a Radio Moscow, el trío estadounidense no necesita demasiado para convencer de sus habilidades y ofrecen un buen concierto, tal como demostraron en su pasada actuación en la sala Rocksound de Barcelona.

Una guitarra, un bajo y una batería algo destartalada, además de unos vetustos amplificadores fueron suficientes para que Parker Griggs, Zach Anderson y Paul Marrone, dieran rienda suelta a su hard rock “setentero” envuelto en una aureola psicodélica con acercamientos al blues.

De hecho, el Rocksound se convirtió por una noche en un garito típico del San Francisco de hace cuatro décadas. En el escenario, tres músicos con pinta “hippiosa”, y sonidos entroncados con las grandes formaciones americanas de la época, en determinados momentos, “The Escape” y “Hold On Me”, por ejemplo, muy cercanos a la Jimi Hendrix Experience y, en otros, arropados de una atmósfera bluesy, con “Deep Blue Sea” como mayor representación.

En primer término, Parker Griggs, desarrollando todo su efectivo arsenal de recursos guitarreros, haciendo alarde de requiebros imposibles, fraseos intrincados y distorsiones efectivas. A su lado, Zach Anderson, mucho más estático acompañó con el bajo sin apenas inmutarse durante todo el concierto, mientras Paul Marrone se “desriñonaba” para sacarle el mayor rendimiento a la modesta batería.

Resultó un concierto algo surrealista, tres jovenzuelos con sus tan solo veinte y pico de años invitando a la audiencia a una regresión musical digna de unos veteranos expertos en la música de los años 70, recurriendo a sus dos excelentes álbumes, su debut homónimo de 2007, del que interpretaron, “Frustrating Sound”, “Luckydutch”, “Whatever Happened”, la mencionada “Deep Blue Sea” y “Minstreating Queen”, que cerró el concierto antes de que el público, entusiasmado, obligara al bis y pusieran el punto final con “Fuse” y, por otro lado, su más reciente trabajo, Brian Cycles (2009) del que escogieron la brillante “I Just Don’t Know” para abrir la noche, además de “250 Miles”, “City Lights”, “No Jane”, las mencionadas más arriba y alguna otra que posiblemente se me escape.

A veces, de las cosas sencillas se puede disfrutar mucho más que de la excesiva sofisticación. Esa es la lección que dejó Radio Moscow a su paso por Barcelona. Una lástima que una pandilla de “pasados etílicos” a mi izquierda y otra pandilla, a mi derecha, de “pasados de humo” (alguno con pelos afro a la antigua usanza) me impidieran percibir en toda su dimensión las evoluciones de los músicos. Pero, ya se sabe, los “vecinos” de turno en un concierto son fruto del azar y contra eso no se puede hacer nada, gajes del oficio, que se dice.

THE SWEETCASE BAND

Como grupo invitado, los barceloneses The Sweetcase Band se encargaron de ir preparando el ambiente con su rock también de ciertos aromas setenteros. Además de su propio repertorio, recurrieron a una versión de The Steepwater Band.

 

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CRONICA Y FOTOS LOCKY PEREZ

 

Concierto para la historia en el Caravan. No es la primera vez que acudo a la llamada de una banda aconsejado por las alabanzas de medios y amigos, pero en contadas ocasiones el resultado final supera tan altas expectativas de forma tan notoria.

La primera banda de la noche son Mammy Tuna, músicos solventes y voz femenina para versionar con personalidad canciones de Tracy Chapman, Kiss o el célebre Kansas City. No he encontrado apenas información sobre ellos, pero sin duda destacarán en el circuito madrileño.

La revelación de la noche llega de la mano de un power trío inglés que nada más subir al escenario ya llama la atención: todos llevan camisas de estilo añejo, el bajista dobla en edad al resto (de hecho su hijo se sienta a los parches) y el guitarrista nos recuerda físicamente a un adolescente Mick Jagger.

Empieza la música y ya la vida nunca será igual, Every Gig Has A Neighbour pone la sala boca abajo. Jason Barwick, con 20 años, canta, guitarrea, salta y gesticula con maneras de genio, todo esto sin fallar una nota. La música que ejecutan está claramente ubicada en el blues rock de finales de los 60 y primeros 70, con psicodélicos solos Hendrixianos con wah-wah y riffs sacados del librillo de Jimmy Page como en Surrender It All.

Por si fuera poco, muchos de sus fraseos nos recuerdan la genialidad de Jeff Beck. Puede que estuviera influido por lo que ví el día anterior pero también pude observar ambientes deudores de Pink Floyd y sus particulares atmosferas. No todo queda en el pasado, los toques modernos son menos evidentes pero también tienen detalles de unos Jet o unos Arctic Monkeys.

En estos casos es difícil fijarse en el resto de la banda, se hace el esfuerzo y encontramos un bajista, Tim Smith, que canta algunos temas con la elegancia de Jack Bruce mientras presenta con orgullo el solo de batería de su hijo Kurtis. El estilo de este último nos recuerda a un jovencísimo John Bonham, la energía que transmite, los redobles, la pegada y ¡hasta toca con los puños!.

Cuando creíamos que ya nada podía mejorar, Jason saca un arco y asombra aún más al público con los oscuros sonidos que arranca de su guitarra. Parece que ha finalizado una actuación que reventaría estadios con apenas 50 privilegiados delante, pero deciden tocar otra más, Voodoo Chile. ¿Se puede tocar una canción de Jimi Hendrix mejor que Jimi Hendrix?. Sí.

 

No estamos acostumbrados a verle sobre el escenario de un Teatro. Pero lo cierto es que, después de todo, sorprendió a propios y extraños con el derroche de adrenalina, energía, fuerza, buena música, simpatía y desparpajo que dejó sobre las tablas el sevillano por excelencia, ese que, con el pelo más corto y con menos vergüenza, si cabe, se hace llamar: Capitán Cobarde.

Albertucho llegó a Getafe con ganas de presentar por todo lo alto su nuevo disco, ese en el que se convierte en el capitán del navío que porta sus letras y en cuyas bodegas guarda el tesoro mejor guardado del mar: su música, llena de verdades como puños, de ideales, de palabras sencillas pero que dicen mucho más de lo que piensan. Acostumbrados a verle tocar sobre escenarios de Festivales al aire libre, sobre las tablas de una carpa mal montada cerca de los coches de choque en el ferial… fue una grata sorpresa encontrarnos con que un pequeño-gran teatro como el Lorca de Getafe, era el lugar elegido por este sevillano, sin pelos en la lengua, para presentar los temas de su nuevo disco y refrescarnos la memoria con los temas de sus discos anteriores.

A pesar de la hora (las 20:00 de la tarde), y del mal tiempo que no acompañaba a salir de casa, fuimos muchos los tripulantes que acudimos a la llamada del capitán y, aunque quedaron algunos asientos libres (digamos que había más de media entrada vendida pero no llegó al llenazo total) el calor del público empezó a notarse desde el primer momento. Y vestido de domingo, con su corbata, su camisa negra y un sombrero puesto con arte, el gran Albertucho empezó su obra, no de teatro esta vez pero sí, una gran obra. Acompañado de una banda de órdago con piano de cola incluido, comenzaron a salir de su boca las canciones de siempre, esas que formaron parte de sus discos; Que se callen los profetas (2004), Lunas de mala lengua (2006) y el que, de momento, es su último disco hasta la publicación de Capitán Cobarde; Amasijo de porrazos, publicado en 2008.

Siempre agradecido con su gente, incluso con aquellos que sólo conoce por los aplausos que le dedican en los conciertos, derrochó desde el primer minuto todo su arte, con su voz de madera, agarrado al timón de su guitarra y llevándonos por los mares de la buena música que sale de su corazón, de su cabeza y de su pluma. Canciones nuevas y viejas se amoldaron como ellas solas en un toma y daca de temas en los que descubrimos, entre otras cosas, que algo ha cambiado en la forma de hacer música de Albertucho.

Tras tres discos grabados con Warner, Albertucho ha cambiado de escudería y ha grabado este Capitán Cobarde junto a El Volcán, un disco que intenta expresar todo lo que el sevillano ha vivido desde sus comienzos en la música y, por supuesto, que expresa en canciones la madurez que ha alcanzado aquel chaval que, con tan sólo 17 años grabó su primer disco. No ha dejado de lado ese rock canalla que le caracteriza desde siempre pero, sin duda, este nuevo trabajo suena distinto. Una mezcla de sonidos que, como él mismo dice, suenan a “zumbaera” y una pizca de influencias de grupos como The Beatles, Lou Reed o Bob Dylan, entre otros.

En dos horas de concierto hay tiempo para mucho pero no para dejarse llevar por el aburrimiento, palabra prohibida en un concierto de Albertucho, simplemente porque tiene la capacidad de hacer que las expectativas y el disfrute de sus conciertos vayan de más… a mucho más. Inolvidables momentos de risa los que quedan marcados en nuestras retinas, risas y chascarrillos mezclados con una filosofía muy peculiar que dieron paso a una canción tras otra.
Y entre esos momentos me quedaré con dos… Digamos que no es muy normal verle tocando un ukelele, sí, han leído bien. Capaz de todo, Albertucho agarró una mini guitarra y se animó a hacer un homenaje a Louis Amstrong cantado su mítica canción: What a Wonderful World. Simplemente, un momento espectacular.

Y no quiero dejar de escribir sin recordar otro momento clave en el concierto, ese en el que, tras decirnos por activa y pasiva que no podía partirse la camisa por culpa de la crisis (ya se sabe lo caras que están las camisas), se quitó la corbata y se arrancó la camisa para mostrarse al desnudo, y no sólo con su voz, mientras derrochaba chorros de voz en una de sus canciones fetén; La persiana.

A la espera de que el disco salga a la venta, deberemos conformarnos con esos Paraísos que el Capitán Cobarde nos ofrece en una noche en la que las nubes nos gritan; ¡¡¡Hoy llueve!!! Seguiremos a la espera de la llamada del Capitán Cobarde.

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Fotos y texto: Toñy Espada

 

 

Wino tiene porte y presencia de auténtica leyenda. Básicamente, porque lo es, tal y como se infiere de la ingente cantidad de bandas que, a lo largo de las últimas dos décadas y media, no existirían tal y como hoy las conocemos sin la capital ascendencia de Saint Vitus y The Obsessed, sin olvidar ni restarle importancia a otros proyectos con los que en ningún momento ha dejado de estar al pie del cañón, léase Spirit Caravan, The Hidden Hand, Place of Skulls, la monumental muralla sónica erigida junto a Al Cisneros, Scott Kelly y Chris Hakius en Shrinebuilder o su primera obra en solitario, Punctuated Equilibrium (2009). Historia viva del metal sin mácula alguna en todas y cada una de las páginas que ha firmado y que son ya materia de estudio obligada.

 

 

Abrieron plaza los algecireños Viaje a 800, una de las formaciones que más notoriamente viene contribuyendo en los últimos años a la férrea salud del underground patrio, ese oscuro pero sólido estrato en el que más y mejores propuestas se están viendo surgir desde hace tiempo, pese a su completo (e inmerecido) desconocimiento más allá de las catacumbas en las que los estilos “marginales” también existen y se vislumbra vida inteligente más allá de la sota, el caballo y el rey. Bandas en cuyo opulento lexicón no tienen cabida los convencionalismos y los prejuicios y sí se hallan la imaginación y la versatilidad que tanto se echan falta en otros ámbitos en los que sería inconcebible un grupo que, como Viaje a 800, no ha dejado nunca de ampliar su paleta estilística desde sus ruidistas inicios hasta su rico y complejo discurso actual, superando de largo el marco de limitadas etiquetas como el stoner a golpe de hipnóticas cadencias, densas texturas e infinidad de matices que no hacen sino contribuir al trance sensorial que provocan sus discos y se acrecienta en su directo. Brillaron, convencieron y hasta ofrecieron un adelanto de lo que pronto sonará en un nuevo álbum que ya se espera con ganas. Muchas.

 

 

Acto seguido, aberraron lo suyo unos Centurion’s Ghost que acabaron un tanto calados por su propia lluvia de hierro y fuego, empañando parcialmente con su brutalidad y distorsión las buenas maneras y lúgubres atmósferas que en The Great Work o el recientísimo Blessed & Cursed In Equal Measure les emparentan con bandas como Cathedral o Candlemass, pero sobre las tablas mutan en vehemente tozudez y un acercamiento al metal extremo que poco o nada beneficia a su oscura liturgia. Tuvieron sus momentos y salvaron la papeleta, pero lo hicieron sin honores y a punto estuvieron de despeñarse por el abismo de lo monocorde por exceso de herrumbre.

 

 

Y por fin, Saint Vitus. Inmensos. Ruidosos como una tormenta, oscuros como el ala de un cuervo. En tan buena forma que, haciendo abstracción de arrugas y canas por un momento, bien parecería que nos encontrásemos ante la formación que acabase de grabar Born Too Late, Mournful Cries o V. De hecho, casi lo es, con la salvedad de la sustitución de Armando Acosta en la batería por la apisonadora Henry Vázquez, un tipo cuyo nombre aún provoca sonrisas entre los otorrinos que atendieron las secuelas de su paso por Madrid con Blood Of The Sun.

 

Se auguraba algo poco menos que histórico y eso fue lo que ofrecieron, un esotérico ritual a la altura de un mito que es quintaesencia y cimiento del género y todavía retiene aquello que le hizo grande, sin el más mínimo atisbo de la apatía o la falta de fuelle que en ocasiones acaban protagonizando este tipo de reuniones. Fieles a sus propias directrices, con un Wino sublime como endemoniado maestro de ceremonias y un inspiradísimo Dave Chandler empeñado en dejar patente desde su particular plano astral que su sonido no es de este mundo, colocaron el primordial Born Too Late como piedra angular y en torno a él articularon un repertorio opresivo y martilleante, basculando entre la lúgubre densidad de “Dying Inside” y “Burial At Sea”, la ferocidad con la que se abalanzan sobre “Clear Windowpane” o “Look Behind You” y la histeria colectiva de “White Stallions”, punto álgido de un concierto que realmente no fue sino una concatenación de ellos. Algo al alcance de muy pocos.

 

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Texto y fotos: Raúl Ranz

 

 

FECHA: 14-02-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Sala Apolo
GRUPO: Gamma Ray
DURACION: 85 minutos
INVITADOS: Freedom Call (50 m.) Secret Sphere (30 m.)

Kai Hansen y Gamma Ray siempre han tenido un público fiel en España, no es de extrañar que la sala Apolo de Barcelona registrase una excelente entrada que rozó el lleno. La respuesta de la formación alemana, contagiada de la euforia de los aficionados, fue ofrecer un concierto de pura dinámica vitalista hasta el punto de eliminar del set list la balada “No Need To Cry” para no cortar el ritmo del concierto. Según las crónicas, su actuación aún resultó más corta que la realizada un día antes en Madrid donde, además del mencionado tema, añadieron un par de bises con versiones de Helloween, prueba de que en la capital de España su actuación debió tener una respuesta de la asistencia todavía más entusiasta.

Quizá, la disminución del tiempo pudo deberse a los problemas que tuvieron con las guitarras, al inicio Henjo Richter y al final Kai Hansen, quien incluso dejó su instrumento en el tema de despedida, “Send Me A Sign”, para dedicarse solo a cantar. Durante el resto de la presentación el sonido estuvo aceptable aunque en algún momento dio la sensación de que faltaba volumen a las guitarras para desarrollar toda su capacidad.

Después de la obligada intro con “Welcome”, desplegaron todo su potencial con eficacia, ofreciendo cuatro canciones de su último álbum, la que le da título, “To The Metal” (todo un homenaje a Judas Priest), además de “Empathy”, “Deadlands” y “Mother Angel”, que encajaron a la perfección entre clásicos como “Gardens Of The Sinner”, “Fight” y “Man On A Mission”, entre otros.

 

Por una vez alejado de los tópicos, mención especial para el solo de batería de Dan Zimmermann, llevando el ritmo con las baquetas acompañado de unas pistas pregrabadas de música clásica.

Por lo demás, una ración del consabido power metal germano, con un Kai entregado en su doble labor de vocalista/guitarrista, mejor en la segunda faceta aunque apañado en la primera, reconociendo que no es un superdotado en ese aspecto. Estuvo respaldado eficazmente por un Henjo que maneja la guitarra con total soltura como si fuera un apéndice más de su cuerpo. Muy activo estuvo también el bajista Dirk Schlächter, y su pinta de “malo” de película de Los 3 Mosqueteros.

FREEDOM CALL Y SECRET SPHERE

El evento, enmarcado de lleno en el ambiente del power metal, tuvo dos apariciones previas como aperitivo al primer plato, los germanos Freedom Call y los italianos Secret Sphere.

Freedom Call, es una de esas bandas que pugnan por subir peldaños y situarse entre los mejores de su estilo. Capacidad no les falta, su frontman, Chris Bay, tienes excelente cualidades y con el resto de la banda, contando con el propio Zimmermann a la batería, forman un equipo compacto. Sin embargo sus composiciones son previsibles, excesivamente encauzadas hacia los ritmos resultones de coros melodiosos y de similar estructura. Por cierto, se suponía que Dan doblaría a la batería pero en su lugar apareció un tipo que… juro haberlo visto como “pipa” de alguna banda en otro concierto. No obstante, no desentonó para nada.

Intuyo que Zimmermann no estaba al cien por cien ya que además de esta ausencia, en un momento del concierto intercambió unas palabras con Kai. Algún problema del batería pudo ser también el motivo de acortar la actuación.

Otro tanto sucede con Secret Sphere, por debajo de Freedom Call en cuanto a calidad y puesta en escena. Cumplieron con su cometido de animar a la concurrencia con otra dosis de power accesible. Al seguir su vocalista Roberto Messina indispuesto, lo sustituyó el cantante de Trick Or Treat, Alessandro Conti, quien llevó preparado un cuaderno para no olvidar las letras.

Más allá de los gustos particulares, fue un auténtico festival de power metal para dejar eufóricos a todos los seguidores del estilo. Obviamente, Gamma Ray demostraron su jerarquía pero, en favor de los “invitados”, hay que reconocer que tuvieron que contentarse con menos volumen de sonido que las estrellas del cartel.

SET LIST GAMMA RAY

1) Welcome (Intro)
2) Gardens Of The Sinner
3) Emphaty
4) Deadlands
5) Fight
6) Mother Angel
7) The Savior/Abyss Of The Void
Solo de batería
9) Armageddon
10) To The Metal
11) Rebellion In Dreamland
12) Man On A Mission
Bises
13) New World Order
14) Send Me A Sign

 

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CRONICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Concierto: Soziedad Alkoholika + The Eyes
Lugar: Sala Óxido
Ciudad: Guadalajara
Aforo: Lleno. 600 personas.

Soziedad Alkoholika parece haber cogido gusto a eso de venir a Guadalajara en Carnaval, ya que por segundo año consecutivo actuaron en la capital alcarreña en tan alegre fiesta. Y, al igual que en febrero de 2009, agotaron todas las entradas a la venta e incluso, como el año anterior, las Fuerzas de Seguridad no quisieron perderse el espectáculo y nos obsequiaron con su presencia, al organizar un dispositivo de control que para sí los quisiéramos en otros eventos de mayor riesgo y conflictividad.

Después de sortear a los diferentes grupos de personas disfrazados de azul, con bragas tapando la cara a modo de elegantes mascarones y en cuyo atrezzo carnavalesco incluían unas metralletas muy convincentes; nuestra llegada a la sala fue oportuna: comenzaba la actuación de The Eyes. La formación barcelonesa, que durante el año pasado publicó su segundo larga duración: Insigns [Kaiowas, 2009], está ejerciendo de telonero de Soziedad Alkoholika durante toda la gira de presentación de Session#2 [Roadrunner, 2009], algo que, como se pudo comprobar en Guadalajara, le va a ayudar en su tarea de darse a conocer entre el gran público del estado.

The Eyes sorprendió gratamente al personal, que a juzgar por sus expresiones y reacciones no debía conocer a los barceloneses. Ofreció una actuación centrada en su último disco, que prácticamente desgranaron en su totalidad; aunque no faltaron algunas canciones de su primera referencia, como “Save Us“. Además, en todo momento, el vocalista de The Eyes trató de implicar al público en su actuación. Animándoles a hacer ‘wall of death’ y ‘circle pits’.

Actitud no les faltó y sonido tampoco. Atronaron la sala con un volumen muy alto, incluso dejaron la sensación de sonar con mayor potencia que los propios Soziedad Alkoholika, a quienes, en esta ocasión, les acompañó un buen sonido, algo que no sucedió hace un año en esta misma sala. En general, una buena y convincente actuación, de unos 45 minutos de duración, que agradó al sector más metalero del público congregado en la Sala Óxido.

Tras asistir a unos de los cambios de ‘backline’ más rápidos que he visto en mi vida, entre el final del concierto de The Eyes y el inicio del de Soziedad Alkoholica a penas pasaron 15 minutos, los vitorianos comparecieron sobre las tablas. “Ni Por Favor Ni Hostias” de intro para comenzar con “Perra Vida” y ·”Pelota“, que contaron con unos arreglos ‘jebis’ no utilizados en las originales. Miradas cómplices entre los asistentes y un interrogante en sus mentes: “¿Van a tocar el primer disco -actualmente en el mercado bajo el nombre de Session#2- del tirón?”. Lástima que la tercera canción se encargarse de disipar esta ensoñación de regresar a los primeros 90, a aquellos años en los que cambiábamos colegio por instituto y en los que su primer disco, junto con su demo Intoxikazion Etilika, nos explotaba en la cara.

S.A. demostró saber cómo ir satisfaciendo a todos sus seguidores, independientemente de en qué momento de su trayectoria se han subido al carro del grupo vitoriano. Entre otras, sonaron: “La Aventura del Saber“, “Ratas“, “Palomas y Buitres“, “Automarginado“,”No quiero participar“, “Cuando nada vale nada“, “Peces Mutantes“, “Polvo en los Ojos“, “Dios vs. Ala” o “Política del Miedo“. Canciones que sirvieron para demostrar la comunión entre grupo y público, que no paró de corear las letras.

Entre estas canciones se fueron intercalando gran parte de las composiciones de su primer larga duración: “Ciencia Asesina“, “Civilización Degeneración“, “Abre la Boca“, “Amnesia“, “Intoxikazion Etilika“, “La Última Partida” y “Padre Black & Dekker“. Para cerrar una actuación de hora y media, bis de tres canciones, las dos últimas apoteósicas: “S.H.A.K.T.A.L.E.” y “Nos Vimos en Berlín“, con su nueva letra. Sonrisa en la cara y a la calle a seguir el Carnaval con los de azul.

 

 

FECHA: 05-02-2010
LUGAR: Rocksound
CIUDAD: Barcelona
GRUPO: Rhino Bucket
DURACION: 65 minutos

La oferta actual de conciertos permite disfrutar de situaciones que hace más de una década sería una utopía en la geografía española: Presenciar la actuación de una banda prácticamente entre colegas, aunque con el suficiente atractivo como para pasar un entretenido rato con buena música tomando unas cervezas en un apañado local. En este caso se trataba de Rhino Bucket, de un puñado de fieles seguidores y de un Rocksound acogedor que posibilita un acercamiento total con el artista de turno y, además, con una equipada barra a disposición del público.

Lo asequible de la entrada permitía que los asistentes gastaran unos euros adicionales haciendo sus compras previas al concierto. De esta forma, camisetas, CD’s e incluso vinilos (sí aún se vende música en formato físico) pasaban a manos de los fans ante el regocijo de los componentes de Rhino Bucket.

Y… ¿qué ofrecen Rhino Bucket para que unos cuantos rockeros disfruten a base de bien en una intensa velada regada con cerveza y cubatas? Pues una fórmula que no falla, buen hard rock con pinceladas bluesy y ese toque que patentaron AC/DC hace ya algunas lunas y que aún sigue dando rendimiento si se tiene la suficiente calidad. Porque, no nos engañemos, Rhino Bucket vive de ese clásico sonido y no hay nada de malo en ello si la gente sale satisfecha, como sucedió en Barcelona.

De antemano sabíamos, algo desilusionados, de la ausencia en la batería de Simon Wright, más que nada por aquello de su pasado ligado a la banda de los Young. Sin embargo, la desilusión quedó pronto olvidada cuando pudimos comprobar el estado de forma de su reemplazante Dusty Watson, un auténtico mercenario de las baquetas que nos dejó alucinados con su vitalidad a lo largo del concierto, incluso se permitió un pequeño solo. Especialmente brillante estuvo en “Smile” con un final abrumador que cosechó los aplausos de la concurrencia. El tipo, que en su día participó en el debut de Lita Ford, Out For Blood, también está vinculado a Supersuckers, The Queers, Bloodhook y Becky Backsdale, entre otras formaciones. Un “todo terreno” sin duda.

Comenzaron con “The Hardest Town” tema estrella de su último disco homónimo (del que, de forma sorprendente, tan solo tocarían otro tema, “Street To Street”)

George Dolivo, guitarrista y vocalista, tiene un físico que en nada se parece a Bon Scott pero, en cambio, su registro de voz tiene muchas similitudes, lo que es un punto positivo adicional a la hora de escuchar el tipo de música que facturan, por obvias razones. Con una bufanda protegiendo su garganta pero, en cambio, en manga corta, ejerció de sólido frontman con momentos de fina ironía, como cuando preguntó al público si estaba listo para pasar una buena noche del sábado a lo que se le respondió que era viernes y soltó aquello de “ah, es que para mí todos los días son sábado” y se quedó tan ancho.

Mientras el bajista Reeve Downes parecía no sentirse demasiado a gusto esa noche, el guitarra Brian Forsythe (Kix) fue de menos a más; de estar a la sombra bastante comedido a soltarse a medida que el concierto avanzaba, para deleitarnos con brillantes desarrollos solistas con su Fender “viejuna” pero infalible, especialmente inspirado en “She’s A Screamer” y en la bluesy “Word”.

Ya quedó dicho que no explotaron demasiado su último disco, centrándose principalmente en And Then It Got Ugly, tocando 7 de las 11 canciones que lo componen, y en menor medida, de Get Used To It, del que ofrecieron 5 contando el hit que les hizo famosos “Ride With Yourself” y el bis no previsto inicialmente: “The Devil Sent You”. Completaron el repertorio “One Night Stand” y “Ride The Rhino” de su álbum debut Rhino Bucket de 1990. Pasaron olímpicamente de Pain y de No Song Left Behind.

En conclusión, nadie salió defraudado. Rhino Bucket ofrecieron a sus seguidores lo que esperaban, rock directo y vitalista con unos genes en cuyo ADN se puede leer AC/DC y a partir de los cuales realizan los oportunos injertos de su propio genoma.

SET LIST

The Hardest Town (The Hardest Town)
Welcome To Hell (And Then It Got Ugly)
Beat To Death Like A Dog (Get Used To It)
Monkey Boy Highway (And Then It Got Ugly)
She Rides (And Then It Got Ugly)
Bar Time (Get Used To It)
Smile (And Then It Got Ugly)
One Night Stand (Rhino Bucket)
Word (And Then It Got Ugly)
Ride With Yourself (Get Used To It)
She’s A Screamer (Get Used To It)
Street To Street (The Hardest Town)
I Was Told (And Then It Got Ugly)
Hammer & Nail (And Then It Got Ugly)
Ride the Rhino (Rhino Bucket)
Bis
The Devil Sent You (Get Used To It)

 

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CRONICA Y FOTOS POR LOCKY PEREZ

 

Llevábamos esperándole con ansia desde aquella inolvidable sesión con la que nos deleitó el 9 de Mayo de hace dos años en el antiguo Low, ubicado en la clausurada sala De Nombre Público. Y al fin Gui Boratto regresó a la capital para saciar nuestro síndrome de abstinencia de minimal techno melódico y delicioso. Y lo hizo, de distinta forma, pero lo hizo. Boratto es sin duda el máximo talento actual de la escena minimal brasileña. dj, y sobre todo gran productor, dirige su propio sello, Mega Music, junto a su hermano Tchorta, habitualmente factura romanticismo electrónico a través de Kompakt y de vez en cuando nos obsequia con lives que hacen que de vez en cuando haya noches especiales en las que lo único que importa es bailar…

El ambiente fue caldeado de la mano de dj Ico, residente del Low, y experto en la combinación de temas rock/pop con electrónica. Buena selección para ir poniéndonos a tono hasta que, con una hora de retraso y con la sala totalmente a rebosar, finalmente a eso de las 4 de la mañana Boratto hizo aparición en escena. Con la sobriedad que le caracteriza se hizo con los mandos y comenzó su directo. Desgraciadamente, y debido al equipo de sonido de Pirandello, o bien estás en el cuadrante principal o bien es difícil escuchar con claridad cada matiz de la música. Como es lógico todo el mundo quiere hacerlo y la saturación que se produce en la zona central puede llegar a ser francamente agobiante.

Pero bueno, allí lo importante era disfrutar del arquitecto de modo que dejamos a un lado las inclemencias colaterales y nos sumergimos de lleno en el mar de beats y melodías que nos tenía preparado. El cambio de música fue radical desde el primer segundo, haciendo gala de su genialidad con el tema de apertura, “Azzurra” nos trasladó irremediablemente a un viaje por los sentidos en el que lo mejor es dejarse llevar.
Comenzó con fuerza y sus primeras bazas fueron varios temas de su último trabajo, Take My Breath Away. Y eso es precisamente lo que se esforzó en hacer, arrebatarnos nuestro aliento a ritmo de grave. Pasada una primera hora el set destacó un poco más por una linealidad marcada por la calidad, aunque ligeramente monótona en algunos momentos. No obstante, no cesó de enlazar temas tan rebosantes de sentimiento como “Astor”, “Atomic Soda” o “Impressed”.

Grandioso viaje plagado de vocales y atmósferas deliciosas marcadas por un groove continuado que poco a poco nos fue llevando a donde él quería. El que sin duda alguna fue el momento álgido de la noche fue cuando cayó su último hit, “No Turning Back”, en el que el vaivén emborronó la percepción de la realidad y evocó el mayor de los placeres auditivos. Fue inevitable recordar aquel increíble cierre con el que nos obsequió hace dos años, “Beautiful Life” y toda una sala abrazándose y saltando en comunión. Obviamente en esta ocasión fue diferente pero vaya que si mereció la pena.

Desgraciadamente la actuación de Boratto fue más digna de un festival que de una sesión en sala ya que pinchó apenas hora y media. Eso provocó que se dejara en el tintero muchas joyitas, como por ejemplo varias de las incluidas en su próximo trabajo, Reinassance, The Mix Collection. Sale mañana a la venta y se supone que había venido a presentarlo, pero bueno, qué le vamos a hacer. Sin duda alguna lo que más nos dolió es la ausencia de “Telecaster”. Pero bueno, la próxima vez será. Y espero que sea pronto, señor Boratto, no puede usted venir una vez cada dos años. Necesitamos más. Mucho más.

Como siempre dejamos de apoyar a nuestros grupos, aquellos que día a día se dejan la piel en el escenario, que luchan, se autogestionan y siguen en esto como un divertimento ya que no tienen otra opción para que luego la gran mayoría tire de borreguismo y alabar a los grupos que vienen de la Patagonia ,que nos cuentan lo bonitas que son las leyendas de tierras apartadas e invadidas por los espíritus de Dioses mitológicos…y encima pagando el doble o hasta el triple de lo que te puede costar la de un grupo nacional. ¿A que viene a cuento esto?, pués por que es triste que un grupo que lleva metido más de veinte años en esto como A palo seko y no encuentre el apoyo de la gente…en fin, sea lo que sea vamos a comentar lo que vivimos esa noche de jueves los que estábamos deseosos de una buena dosis de “kaña burra de Henares”.

Viktimas del jaus

Acaban de sacar nuevo trabajo producido por Kosta de Boikot presentando un cambio a nivel cualitativo muy grande ya que las composiciones incluidas en este disco “Rojo” presentan una mejoría tanto a nivel compositivo como en lo referente a los arreglos sin olvidarnos del trabajo de producción a cargo de Kosta que les ha hecho ponerse las pilas y es que el resultado suena como un cañonazo o una patada en toda la cara, sin concesiones, algo que se vió sin duda en la madrileña sala gruta 77.

De entrada se cayeron del cartel los granadinos 5 duros pero Viktimas del jaus se encargaron de sustituirles más que dignamente divirtiendo a todo el personal que saltábamos, sudábamos y coreábamos cada de tema a ritmo de punk rock bastante melódico pero guitarrero y con un toque festivo contenido en su primer trabajo y tras numerosos conciertos dados por los garitos de Madrid, especialmente mi Vallekas. Recordarte por si no lo sabes que en la banda encontramos gente como Sergio a la guitarra que canta y toca la guitarra en Salida Nula y Jorge al bajo que hace lo mismo con garaje jack, así que la experiencia deja huella en el resultado final de su directo. Vibramos a ritmo de composiciones como “Si me besas”,”La mirada del gitano”, “La verdad y la mentira” o “La feliz”.Energía y diversión además de calidad.Buenísimos.

a palo seko

Por fin salieron los de Alcalá para dejarnos con la boca abierta tras la andanada brutal con “Dales una sorpresa” perteneciente a su último trabajo que es el mejor trabajo de A palo seko han sacado hasta la fecha y del que por suerte sonaron muchos más temas para el disfrute y gozo de todos los parroquianos como “Maquis guerrilleros”, la antibelicista “fraternización en el frente 1914″, la mala leche hacia todos los que los critica en “si no me conoces” o la sorprendente versión del “killed by death” de los motorhead al que “palosekizan” y que sinceramente me encanta a pesar de que al principio no me hiciera mucha gracia y pusiera cara de extrañeza al escucharla por primera vez.

Por supuesto que hubo hueco para todas aquellas canciones que nos hacen “poguear” a ritmo brutal como mi favorita “No a la torrtura psicológica, no al regreso de los pecos”, la mala ostia en una canción con “Cláusula de rescisión”, “Odio” o “Si kieren trankilidad les daremos cementerios” sin olvidarse de nuestro querido ex-presidente, aquel cuyo nombre no voy a mencionar en “PP pinocho”, su particiular versión de “Eva María” donde tambien se marcan “Bailaré sobre tu tumba “ de Siniestro Total para terminar con “Cara al culo” de La polla records y “Morir en el ruedo” en el que contaron a los coros con Manolo Uvi de punk guerrilla. ¡Es solo kaña burra pero me gusta!

Manolo uvi con a palo seko

www.myspace.com/viktimasdeljaus
www.myspace.com/apaloseko

Textos y fotos:Charly rockand roll

Mako

Para los que no conozcais a Mako ,hablaros brevemente de él antes de comenzar la crónica de una buena noche llena de rock and roll y es que Mako es alguien nacido en nuestras calles bajo la ilusión del rock and roll, idealista,soñador y que ante todo está metido en este mundo desde hace más de veinte años donde sin éxito ha estado curtiéndose en grupos y que en los últimos años decide emprender su aventura particular bajo el nombre de mako. El hace absolutamente todo, hablar de autogestión con este rockero incansable es decir poco pero con tenacidad, ganas de luchar está subiendo escalones poco a poco y es que después de patearse todos los garitos de su barrio, vallekas se atreve con salas más grandes como la sala Live, situada en carabanchel que vió nacer a uno de sus ídolos.Rosendo. Sus parámetros musicales son el rock and roll callejero hecho por bandas como leño , barricada o asfalto con unas letras sin duda personales que transmiten sentimientos y el día a día cotidiano.

Perros románticos

Centrándonos en lo puramente musical se encargaron de abrir la noche la banda Hoja de ruta que lamentablemente es de lo peor que he podido ver sobre un escenario y que no tenía ningún nexo de unión con la música de mako y es que la banda se quedaba a medias en todo, es decir, musicalemente y en teoría se movían en terrenos de pop rock cercano a los Rodriguez o Fito pero se quedaron en pop pachanguero, aburridos , empalagosos y sin vida.Continuaron perros románticos que subieron el nivel respecto a los primeros con influencias de gente como Ariel Roth, Bunbury o los propios Rodriguez pero les pasaría lo mismo que a Hoja de ruta, se quedaron a medias, rozando muchas veces el pop facilón sin enganche y tedioso.

Mako

Por fín salía al escenario mako con una sonrisa de oreja a oreja de ver la sala con un buen aforo dispuestos a disfrutar de su rock and roll y que sin duda lo hizo. Presentaba su última grabación llamada “X” que puedes adquirir “por la patilla” atraves de su myspace,ponte en contacto con él por teléfono y mail y te la dara con mucho gusto, hazlo, no lo dudes.Descarga fresca, divertida y contundente de un rock and roll adictivo que te agarra y no deja soltarte, sin demasiadas florituras y musicalemente algo que no es nada novedoso pero sinceramente no es necesario se disfruta , se salta y se baila con canciones como “X” con pinceladas del carabanchelero Rosendo combinado con las maneras de un Joaquin Sabina y la actitud callejera y rockera de unos Burning , la callejera “Lolo” que a ritmo de ska y rock and roll bailón nos cuenta las desventuras de Manuel que le llevan a la comisaría con una ármonica que le da un punto bastante fresco al tema o el momento mas tranquilo y tierno de la noche con “El río” para retomar de manera trepidante al escuchar “contigo” o “Noches de rutina” que junto a el tributo a Rosendo con “Agradecido” pone el punto y final a una actuación fantastica que esperemos suponga el despegue de Mako, un luchador nato en este duro e ingrato mundo que es a veces el rock and roll.Si quieres infornmación pásate por su myspace

www.myspace.com/makomusica

 

Los 20 años de carrera de los Backyard Babies han producido muchos momentos de calidad, pero tanto el público como la crítica siempre han sentido especial predilección por esas píldoras de suciedad sónica que poblaban Total 13, el disco editado en 1998. En la gira actual, y gracias a la edición de un triple CD recopilatorio, pudimos disfrutar de nuevo de una buena ración de canciones antiguas y rarezas que muchos soñábamos con poder escuchar en vivo, ¿el resultado? pues como siempre pasa con esta banda, el guitarrista Dregen salva la papeleta, pero el resultado global dista mucho de la grandeza de algunas de sus composiciones.

 

 

Con un set list bastante más largo que de costumbre (hora y tres cuartos, frente a 75 minutos en cada una de sus últimas visitas), las sorpresas llegan desde el inicio al comenzar con la inusual Backstabber, las añejas Electric Suzy y Fill Up This Bad Machine, de sus primeros esfuerzos con evidentes referencias a Guns N’ Roses, fueron bien recibidas y el gran peso del mencionado Total 13 en buena parte del show bastó para no levantar el pie del acelerador en ningún momento.

 

 

La adoración hacia el guitarra solista es absoluta, su carisma y presencia escénica enloquecen al público, que recibe sus púas o su sudor como un regalo divino. El resto de la banda cumple con su papel sin excesos.

 

Un día antes de acudir al concierto, un reconocido rockero madrileño me comentaba sus impresiones acerca del combo sueco: “sus últimos discos no me llegan demasiado, pero en directo tienen a ese guitarrista… Dregen, el cabrón que bueno que es”. No somos pocos los que compartimos hasta la última coma de esta opinión, y lo visto y oído en Madrid no hacen sino confirmar dichas tesis.

 

 

Abrieron los franceses Tracy Gang Pussy sin pena ni gloria, su música consta de los mismos ingredientes que la de los Babies, pero sin nada que aportar y con discreta ejecución. Se me ocurren varios grupos que lo harían mucho mejor dentro del mismo estilo y sin salir de la ciudad.

 

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Texto: pointer
Fotos: Raúl Ranz

 

 

FECHA: 04-02-2010
LUGAR: Sala Be Cool
CIUDAD: Barcelona
GRUPO: Evile
DURACION: 65 minutos
INVITADOS: Warbringer (40 m.), The Fading (30 m.)

Los británicos Evile “pasearon” el Infecting Nations Tour 2010 por Barcelona precedidos de su reputación de ser una de las formaciones jóvenes más prometedoras e interesantes dentro del renovado panorama del thrash metal de perfiles clásicos. Sin duda, no defraudaron a los seguidores que se citaron en la sala Be Cool para disfrutar de una velada intensa y desenfrenada que tuvo como aperitivo a los israelíes The Fading y a los californianos Warbringer. Una auténtica sobredosis de thrash/death “infeccioso” y desestabilizador.

Obviamente, Evile basaron su repertorio en sus hasta ahora dos álbumes, Enter The Grave (2007) e Infected Nations (2009). Al inicio del concierto, Matt Drake (voz y guitarra) hizo una referencia obligada al recuerdo de su compañero fallecido, el bajista Mike Alexander (luego se olvidaría de hacer las presentaciones de rigor del sustituto Joel Graham, pidiendo disculpas por ello). Acto seguido comenzaron a desgranar uno tras otro los temas, empezando por “Infected Nations” y terminando con “Enter The Grave”, precisamente los que dan título a sus dos discos.

Entre uno y otro, una completa lección de vitalidad, energía a raudales, riffs demoledores y ritmos frenéticos non stop, con Mike en el centro del escenario apañándoselas de maravilla con su doble faena de vocalista y guitarra rítmica, apoyado por un Ben Carter fabuloso, dándole a los tambores con auténtico frenesí y con un Joel que parece haber encajado perfectamente y que movía la muñeca a destajo para hacer sonar las cuatro cuerdas en perfecta sincronización.

Falta nombrar al último elemento, el complemento que hace funcionar la maquinaria perfectamente ajustada, Old Drake, casi en la sombra, haciendo su trabajo con milimétrica eficacia y especialmente inspirado en los solos de “Now Demolition”, “Killer From The Deep” y “Nosophoros”, la primera con una parte instrumental donde se lució la banda al completo.

En definitiva una actuación sólida e implacable con un equipo totalmente centrado en su labor que dejó a los asistentes con ganas de más, tanto así que se vieron obligados a realizar un bis no programado. En un principio, hicieron amago de tocar algo de Megadeth o de Metallica, de hecho en algunas de sus actuaciones han realizado covers de “Creeping Death” y de “For Whom The Bells Tolls”, pero en esta ocasión arremetieron con la colérica “Armoured Assault” y se despidieron triunfantes.

THE FADING Y WARBRINGER

Encargados de abrir el evento, The Fading ofrecieron su death metal melódico de aristas abrasivas con su vocalista Ilia Badrow haciendo prevalecer su potente vozarrón. Presentaron su álbum In Sin We’ll Find Salvation del que únicamente pude adivinar “Destination Life”. Calentados los motores, cuando fue el turno de Warbringer, banda que contaba con bastantes adeptos entre los asistentes, el moshing fue espectacular, así como brutal la entrega de los californianos sobre el escenario, derrochando energía a borbotones con sus incendiarias guitarras y sus desbocados ritmos.

SET LIST EVILE

Infected Nation (Infected Nations)
First Blood (Enter The Grave)
Now Demolition (Infected Nations)
Killer From The Deep (Enter The Grave)
Nosophoros (Infected Nations)
Thrasher (Enter The Grave)
We Who Are About To Die (Enter The Grave)
Time No More (Infected Nations)
Schizophrenia (Enter The Grave)
Bathe In Blood (Enter The Grave)
Enter The Grave (Enter The Grave)
Bis
Armoured Assault (Enter The Grave)

 

 

 

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CRONICA, FOTOS Y VIDEO, LOCKY PEREZ

 

 

Cuando la juventud viene con fuerza, agárrate porque será sonado el impacto. Y es que a pesar de la juventud de muchas bandas británicas (These New Puritans, Two Door Cinema Club o Bombay Bicycle Club) y que se suban al tren de las nuevas modas o géneros, la calidad no siempre se quiebra ante la abundancia de bandas con un par de buenas canciones. En el caso de Arctic Monkeys le red les aupó, su demos en Myspace les catapultaron a primera plana antes de editar ninguna referencia, Domino Records (un sello de calidad, con un catálogo con bandas como Four Tet, Franz Ferdinand entre otros) les fichó, batieron récords de ventas en una semana en UK y trascendieron el concepto de ‘hype’, uno de esas odiosas palabras acuñadas por el NME (para los no habituados el New Musical Express, semanario británico musical de tendencias, chismes y cotilleos). Con tres discos Arctic Monkeys han demostrado que se puede sonar original y moderno sin necesidad de que te den gato por liebre, aunque hayan perdido el toque radiante de su primer disco, experimentan hacia la psicodelia y las guitarras más macarras gracias a la producción de Joss Homme (Queens of Stone Age; Them Crooked Vultures) en ‘Humbug’ (2009), su tercer y último disco que venían a presentar a España.

Y es que el álbum de debut de los Arctic Monkeys ‘Whatever people say am I, that’s what I’m not’ (2006) fue puro nervio e inmediatez irresistible, punk-rock con aire fresco. Hoy ya son himnos al sonar en directo “I bet you look down on the dancefloor”, “The view from afternoon” o “Where the sun goes down”, Alex Turner (voz y guitarra) se quedó perplejo y encantado cuando el pabellón coreó al unísono las estrofas de la canción bajo los primeros acordes de su guitarra. Detalle del calado de la banda y un tanto para la audiencia madrileña, pletórica como siempre. El lleno del Palacio Vistalegre, cerca de 10.000 personas, confirmó el tirón popular de los de Sheffield entre el público más joven, muchos adolescentes de no más de 14 o 15 años acompañados de sus padres, y una mayoría de veinteañeros. Pude vivir dos momentos intensos del concierto en diferentes ubicaciones; por un lado una primera parte en el agobio de la pista, cerca de la mesa de sonido, resistí hasta que empezó a faltarme aire y mi espacio se iba reduciendo considerablemente. Ya en la grada disfruté del esplendor de la puesta en escena y de un sonido robusto que no perdía enteros desde la lejanía, y hasta pude bailar. Los teloneros Mistery Jets sonaron dentro de la medianía de bandas británicas que quieren sonar a algo ya manido, entre Travis y The Beta Band, rollo entre britpop, pop sesentero psicodélico y folk. Nada del otro mundo vamos.

El repertorio, casi una veintena de canciones, se amoldó al guión del último disco (tocaron siete de las diez canciones), pero no decepcionó en modo alguno: media docena de canciones de ‘Favourite worst nightmare’ (2007) y cuatro temas del primer disco. Hasta sorprendió su versión del “Red right hand” de Nick Cave, una cara B. El cuarteto mostró una solidez escénica pasmosa, brillando notablemente su batería Matt Helders, con un Alex Turner con savoir faire, y con la banda sobria (preciso y en un segundo plano el bajista Nick O’Malley, brillante Jamie Cook a la guitarra) pero eficaz y efectista. El músico John Ashton aportaba riqueza con una tercera guitarra y teclados al cuarteto. “Secret Door” con algo de esa leve y purpúrea psicodelia de gran relieve, sirvió de cierre para el final. Vistoso ese golpe de efecto con el estallido de varios cañones de confetti. Me recordó al “Champagne Supernova” de Oasis pero con otros matices. Y los bises que sirvieron para cerrar su éxito en Madrid, fueron su super sencillo “Fluorescent Adolescent”, uno de los pepinazos pop del grupo, y “505” que se inicia con ese teclado tétrico, casi fúnebre, para acabar subiendo y ascendiendo entre una maraña de guitarras. Conciertazo en toda regla.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

A la discografía del jovencísimo sexteto mexicano (el violinista tuvo que quedarse en casa por motivos personales) uno se acerca gracias a los llamativos samplers del western que emplean en sus canciones, más tarde descubres sus melodías, sus profundas sonoridades y se instalan en tu cabeza sin que puedas hacer nada por evitarlo.

Cuando consigues verles sobre un escenario te sorprenden más aún, añadiendo al cóctel grandes dosis de diversión y baile. No fue ninguna casualidad que el Straitjacket Daddy O’Grande les pidiese que fueran su banda de acompañanmiento durante su gira española, toda la formación aporta en el brillante resultado final.

La vibrante Trío De Mercenarios, la descriptiva Tijuana’s Sheriff o la emocionante trompeta de El Mariachi en Bésame Mucho ejemplifican la variedad de su propuesta. También presentaron una versión de Morricone que estará incluida en su próximo disco, durante la cuál alcanzaron la tensión de un saloon con John Wayne a punto de desenfundar.

Con los gritos de un público encendido en La Escopeta Del Diablo terminó la exitosa invasión mexicana. Por si fuera poco fueron felices y se lo pasaron en grande (perdón, ¡¡a huevo!!). Bien chingones estos Twin Tones.

Y qué decir de los Coronas. Sin palabras. Por el inmenso talento que acumula la banda se podía esperar un crecimiento, pero en sus últimas actuaciones por toda nuestra geografía, y concretamente en el circuito de salas madrileño, han alcanzado un nivel superior. Dos horas de instro surf, que en contraste con los fronterizos Twin Tones suenan más que nunca a pasodoble, a español, a sangre en la arena. Casi 120 minutos (”en México las bandas tocamos 30 minutos” comentaba el grupo telonero), y el público que sigue sediento y pide más. Apoteósicos.

We Used To Party, la iniciativa de Houston Party tan sólo puede ser calificada de genial. La idea consiste en que periódicamente, grupos de renombre versionen íntegramente uno de sus discos favoritos. Los encargados de encender la mecha del proyecto fueron Giant Sand, capitaneados por el gran talento del country-rock que es Howe Gelb. Y el disco escogido: At San Quentin, de Johnny Cash.

La propuesta prometía muchísimo pero se quedó en eso, una promesa. Una forma demasiado particular de entender el homenaje al maestro y que estuvo salpicada de picos, baches y algún que otro profundo agujero. Desde luego no fue una “tomadura de pelo”, tal y como lo calificaron algunos asistentes, pero fue un puedo y no quiero que nos dejó un regusto un tanto agridulce el pasado 24 de enero.

Según se acercaba el fin del concierto también se animaron a subir a la palestra el productor Fernando Vacas y el guitarrista flamenco Raimundo Amador, para gran sorpresa de todos los presentes. Juntos interpretaron una extraña versión de “Ring Of Fire” que, frente a todo pronóstico, logró convencerme. El virtuosismo empalmado de Amador se comió la voz de Gelb en algunos momentos, pero por lo menos la extraña mezcla otorgó una chispa de la que carecieron muchas de las versiones. Para finalizar un poco de improvisación y lucimiento con las cuerdas y adiós muy buenas, viva Johnny Cash.

Y esto fue todo. Y es que para versionar a una leyenda de la talla de Cash no solo hace falta ser bueno, sino también preparárselo muy bien. Y sobre todo, y por encima de todas las cosas, proponérselo. Estoy convencido de que si Howe Gelb explotara todo su talento a la hora de tocar en directo, podríamos gozar de conciertos increíbles. Hasta que le apetezca hacerlo, y a estas alturas se me antoja harto difícil confiar en que eso ocurrirá, habrá que conformarse con espectáculos como el peculiar Giant Sand performing Johnny Cash At San Quentin. Rediós.

 

He de reconocer que cuando fui a ver a Cracker el pasado martes no podía considerarme fan de los californianos. Obviamente conocía sus principales hits, véase “Low” o “Euro-trash Girl”, y había escuchado sus principales álbumes unas cuantas veces durante los últimos meses pero hasta entonces, su música nunca había calado mis huesos como para convertirse en uno de mis grupos de Rock más adulados. Ahora la historia ha cambiado y es que después de asistir a la clase magistral de David Lowery, John Hickman y Frank Funaro podría decirse que aún estoy noqueado. Dieron un recital maravilloso, uno de esos de los que sólo los más grandes pueden hacer gala. Tanto que casi no tengo palabras para describirlo… aunque de todos modos, lo intentaré.

 

 

Cuesta creer que una banda tan increíble como Cracker no consiga agotar las entradas de una sala de aforo medio como es El Sol, pero así es. Claro que, vista la respuesta del público, en términos de asistencia, ante otro gran concierto como fue, por ejemplo, el de los Deadstring Brothers en la Boite, tampoco es tan difícil de comprender. En cualquier caso, El Sol prácticamente se llenó de gente y aunque muy tranquila -más de lo debido, quizás- se logró condensar un ambiente tan caluroso como la ocasión lo merecía. Además, fue una suerte que Heart Of Gold eligiera este rincón y no la Heineken, que es la sala en la que Cracker tocaron en sus dos visitas anteriores.

 

Rompieron el hielo los valencianos Euro-Trash Girl y su música claramente influenciada por el maestro Young y grupos ahora tan de moda como, por ejemplo, Wilco. Una acertada combinación de americana y pop rock. Lo cierto es que cuesta encontrar dentro de nuestras fronteras un grupo que encaje mejor junto a Cracker por lo que la elección de que fueran sus teloneros durante su extensa gira por España fue idónea. Ellos por supuesto están de acuerdo -por algo “homenajean” a los americanos con su nombre- y por ello aprovecharon la ocasión con creces, brindándonos con un concierto digno de muchos grupos adulados en todo el mundo.

 

 

Gracias a buenos temas como “Red Hair” o “Thirteen Miles” alcanzaron el notable y si no llegaron al sobresaliente fue porque las guitarras se comieron totalmente la bonita voz de Judit en muchas canciones. De hecho, en algunas de ellas quedó totalmente anulada. Por otro lado, mención especial a Mónica, la teclista, que con su Hammond logra impregnar de una esencia especial al sonido de la banda. Si no fuera porque en líneas generales resultan vagamente asépticos y les falta algo de garra sobre las tablas, está claro que estarían en el podium del rock estatal.

 

Pasadas las once de la noche, el trío de ases tomó el escenario y a partir de ese momento fuimos enteramente suyos. Imparables desde el primer tema y rockeando con sus temas de corte más cañera e incluso algún que otro tinte punk, enlazaron como quien no quiere la cosa varios temas de su último trabajo, , “Yalla Yalla (Let´s Go)”, “100 Flower Power Maximun” o “Show Me How This Thing Works” hasta que saludaron al respetable diciendo “Buenas, somos Cracker”. Estaba claro, quién sino.

 

 

Y en plena carrera, de repente, pisaron el freno y comenzaron a tocar temas más lentos. Por supuesto eso no supuso una deficiencia sino todo lo contrario; Cracker son tan buenos que en vez de provocar un bajón en el concierto lograron dar una perspectiva distinta e igualmente rebosante de genialidad. Veinte años a sus espaldas y una fuente inagotable de talento tienen la culpa. Y así se deslizaron entre el público canciones en las que Hickman pudo lucirse, como “Wedding Day” o “Lonesome Johnny Blues”, o duelos protagonizados entre ambos, “Get Off This” y momentos deliciosos gracias a perlas como “One Fine Day”, “The Riverside” o “Bid Dipper”.

 

Por un lado, uno de los grandes puntos a destacar es sin duda la facilidad de Hickman para tocar una limpieza y fuerza impresionantes. Para mí es sin duda uno de los principales guitarristas del género y da verdadera gloria contemplar su destreza con las cuerdas. Y por otro lado es igualmente notable la gran presencia de Lowery y su potencia y sensibilidad vocal. Dio la sensación de que estaba cabreado y le costó dejar entrever una sonrisa que finalmente exhibió al contar una divertida anécdota que precedió a “Euro-trash girl”. Ésta versó sobre una anciana que en una ocasión pidió gritando ese tema en mitad de un concierto refiriéndose a ella como “la canción de la puta europea”. Además de ésta también tocaron hits como “Low”, del que deben estar hasta el gorro, y el inesperado y magnífico “Happy Birthday to Me”, de su disco homónimo. Es asombroso que no lleven una lista de canciones ni elaboren un set list, sino que, en cierto modo, improvisan y tocan lo que les apetece en ese momento, ajustándose, eso sí, a ciertos límites para que el público salga de la sala completamente anonadado. Y desde luego, lo consiguen.

 

 

Completamente en forma, destilaron una ejecución perfecta en cada tema durante hora y media sin descanso hasta que desaparecieron tras las cortinas. Breve descanso y un bis que terminó con la citada belleza del feliz cumpleaños y la genial revisión de “The Man In Me”, de Bob Dylan. Lo cierto es que dio la sensación de que podrían tocar durante toda la noche y aunque lo hicieron durante una hora y tres cuartos, nos quedamos con ganas de más. Vaya, que aún así se nos hizo corto. Fue demasiado soberbio. Es cierto que veníamos avisados por parte de las ciudades precedentes a Madrid pero yo no me imaginaba un recital tan perfecto. Ahora mismo, sólo puedo esperar que vuelvan pronto. Desde hoy cuento los días…

 

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Texto: Javi JB
Fotos: Raúl Ranz

 

Lo que llevan haciendo estos últimos años Europe no es lo habitual en las reuniones de “viejas glorias” que tanto han abundado en este nuevo milenio. Los suecos han empezado desde abajo, tocando en salas de aforo medio donde otrora llenaban estadios y grabando discos dejando de lado la comercialidad de anteriores hits. Seis años y medio después del anuncio oficial de su vuelta el saldo es muy positivo, su nuevo disco Last Look At Eden es excelente y su presentación en La Riviera madrileña satisfizo tanto a los antiguos como a los nuevos fans, que abarrotaron el local.

Atlas telonean pero se creen cabezas de cartel, en el buen sentido, durante su actuación saltan, sudan y se divierten como si fuera el último concierto de sus vidas, mientras nos ofrecen sus composiciones con raíces en el heavy ochentero. Enorme aceptación por parte del público a una propuesta sin novedad estilística pero resultona y ejecutada magistralmente. Que aprendan otros grupos que ser telonero no es ser segundón.

Muchos nervios y tensión minutos antes de que Europe salten al escenario. Abren con Last Look At Eden, y al poco llega el primer gran éxito, y cuando suena Superstitious nos dimos cuenta de que las guitarras estarían hoy muy por encima de los teclados, que quedarían en un discreto segundo plano hasta que el final de la velada llamase a las inevitables Rock The Night, Cherokee y The Final Countdown.

El poderoso sonido que emanaba de la guitarra de John Norum sería el protagonista indiscutible de la noche, piezas con detalles de lo que más tarde se llamaría metal alemán (In The Future To Come) y algún momento trasher (Scream Of Anger), interpretadas con el feeling y el deje hardrockero del hacha Noruego. Ambas pertenecen a su segundo largo, Wings Of Tomorrow, un disco quizás algo falto de producción pero con grandes temas, reivindicado por ellos mismos tanto de palabra como otorgándole gran importancia en el set list.

De su reciente LP destacamos el gran sabor de boca que nos dejaron temas como Gonna Get Ready, que presentan conjuntados y potentes, mientras Joey saluda al respetable, Norum ejecuta un gran solo con wahwah y el resto de la banda se muestran discretamente como imprescindibles. De sus “nuevos” discos de este último lustro asombró Start From The Dark, con sus guitarras graves y pesadas, aunque personalmente eché a faltar su acertado single Always The Pretenders.

Desde que empezaron de nuevo en 2003 han ido creciendo sin parar, si ya consiguieron ser ídolos de masas, ahora lo son de culto, sin que haya modas de por medio también son grandes.

 

 

 

 

 

 

 

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Texto y fotos: Toñy Espada

Si ya de por si los valencianos Uzzhuaia son garantía suficiente para ver un conciertazo ni te cuento cuando a eso le añades otro grupazo verdaderamente desconocido para todos los que estábamos allí a la espera de ver al grupo que ponía en los carteles, llamado Ángeles, y que por razones que desconozco se cayó del cartel lo cual sinceramente, sin menospreciar a la banda, me alegró de poder ver a la banda Stradlin, que me hizo sentir un escalofrío de placer por todo mi cuerpo nada más sonar los primeros acordes del inicio de su explosiva actuacion. Una banda a la que nada más salir encontraba rostros conocidos y no terminaba de encuadrar donde tenían que estar esos rostros, pues bien, nada más terminar Little Suicide, un temazo verdaderamente explosivo de una de mis bandas favoritas de este año, los catalanes Star Velvet Revolution, como decía, ya sabía a quién tenía delante, de primeras la formación que rinde tributo brillantemente a los Guns n’ Roses llamada Gansos y Rosas. Entre sus filas cuentan con Dani Midnite de la banda Electric Wasted y que compagina esta labor con la banda tributo a los americanos, ademas de “El Choclo”, también bateria de otra bandaza llamada 69 Revoluciones de rock sureño y setentero para morirse de placer, si para rematar tienes en las guitarras por un lado a Charly Bastard de los Gansos y Rosas y de la banda de Helsinki Stereo Junks mientras por el otro, uno de los hachas de Star Velvet Revolution, el resultado es de lo más caliente que te puedas imaginar y es que nos hicieron sudar, arder, disfrutar de verdadero placer con un hard rock chulesco, callejero y a la vez hecho con distinción. Un set list en el que incluyeron canciones de los catalanes Star Velvet Revolution como el citado Little Suicide o You’d Better Get It Or Leave It. Trallazos ardientes con sabor a Kiss, Motley Crue, o mis adorados Hanoi Rocks, de verdad que no hay palabras para describir a esta superbanda y todos los proyectos donde están cada músico y que es a cada cuál mejor, escribe todos los nombres en tu diario de nombres a seguir y disfruta de buen y vicioso rock and roll como la version de Mama Kin de los Aerosmith que nos dejó a todos con la boca abierta.

Tras este exquisito plato musical llegó la hora de los valencianos que están grabando nuevo trabajo y que se han escapado del estudio para estas dos fechas, en Valencia y en Madrid. ¿Qué decir del concierto que te estás imaginando ahora?… exacto, los valencianos personifican el rock and roll, aquel que nos han ido dejando vinilo tras vinilo glorias musicales como Kiss (escucha No Somos Perfectos y ya me dirás…), The Cult, Ramones, Wildhearts, Motley Crue, Hardcore Superstar y demás grupos que nos hacen delirar de placer y al que añadimos a los chicos. Sin duda, como siempre he comentado, uno de nuestros grupos más exportables y que además de actitud rebosan calidad, algo que está demostrado con Destino Perdición, su último trabajo y en el que estuvo centrado el set list como es de esperar y por lo cuál no hay ni una sola queja.

Desde Septiembre abrió fuego con una letra que habla de sus experiencias pasadas de carretera, en especial de ese glorioso festival de Cáceres llamado “Grande Rock”, No Somos Perfectos, con su contenido fiestero hacia determinada planta que se fuma y nos hace reir en contraposicion con En blanco y negro, sin duda una canción llena de dolor hacia la pérdida de un amigo. A cada tema la banda se va haciendo grande sobre el escenario que se les queda muy pequeño, con la gente volcada completamente y cantando cada palabra de unas canciones que llegan directamente al corazón, te hacen arder y los sentimientos se graban a fuego de lo cuál no hay ninguna duda al escuchar La Otra Mitad, el momento de abrazar a tu pareja y mirarla a los ojos , No Intentes Volver Atrás o Perdidos En El Huracán pertenecientes a la obra anterior de los valencianos que no desentona para nada con sus últimas composiciones como La Flor Y La Guerra o Miedo, tema inédito que va incluido en la versión de vinilo de Destino Perdición, donde Pau coge protagonismo con su acústica. La noche se fue en un suspiro y llegamos a la recta final con temas como mi favorito Destino Perdición que indica bien a las claras como en la vida hay diferentes conceptos de ganar y de perder y por supuesto su himno, su tema bandera Nuestra Revolucion. En definitiva energia, rock and roll y actitud…mucha actitud.

Llévabamos casi una década esperando a que volvieran y al fin se hizo realidad. Desde los incidentes de Fuenlabrada en los que los Dropkick Murphys se fueron de Madrid pensando que no eran ni queridos, ni bien recibidos, no habían querido volver. Eso cambió el pasado 22 de Enero, día en el que al fin Madrid logró el perdón de los de Boston. Hasta entonces no es que no vinieran a nuestro país porque las giras se centraran en el norte de Europa, el grupo no tuviera la fama suficiente como para que alguien hiciera frente a su caché, o no hubiera promotores interesados, ya que hubo promotoras persiguiéndoles durante años, sino que se debió simplemente a aquel desafortunado concierto de hace 9 años en la localidad madrileña. En cualquier caso, la espera mereció la pena con creces ya que ni siquiera la pésima acústica de la sala Heineken logró empañar lo que será recordado por todos los que lo presenciamos como uno de los mejores conciertos de punk rock de la última década en Madrid.

Había ganas, muchas ganas, de este concierto. Yo personalmente llevaba muchos años esperando a verles ya que la última vez fue hace poco menos de un lustro en el GroezRock Festival de Bélgica y puedes disfrutar mucho viendo a un grupo en un festival, pero no es comparable a verlo en una sala, y menos aún si esa sala está en tu ciudad. Gratísima sorpresa cuando me enteré de que los encargados de telonearles en su gira mundial serían los canadienses The Mahones. Ya había disfrutado de su genial directo meses atrás en el Wurlitzer Ballroom y aunque era evidente que no sería lo mismo en esta ocasión, me parecen unos dignos teloneros para los Murphys, a la altura de otros grupos de folk-punk como The Real McKenzies o Flogging Molly. También se encontraban girando con ellos Sick Of It All pero éstos no llegaron hasta aquí. Qué le vamos a hacer, no se puede tener todo…

Desgraciadamente sólo pudieron tocar apenas media hora, aunque desde luego fue suficiente para que el carismático frontman, Finny, su encantadora mujer, Katie junto a su inseparable acordeón, y el resto de la banda convencieran a todos los allí presentes de que son uno de los mejores grupos que combinan folk y punk rock, en la actualidad. La grandísima “Drunken Lazy Bastard” para terminar y el público ya estaba caliente para recibir a los Murphys como héroes.

Cambio de backline, se apagaron las luces y la solemne “Foggy Dew” de los Chieftains supuso una introducción realmente emocionante que erizó el vello de toda la sala y logró un silencio casi absoluto ante el momento que llevábamos tanto tiempo esperando. Era la hora de perderse entre sonidos de guitarras, mandolinas, acordeones, bodhráns y gaitas. Y entonces todo el séquito bostoniano saltó a escena para comenzar con la primera canción de su último trabajo The Meanest Of Times, “Famous for Nothing”, un disco que aún siendo bueno es muy inferior al soberbio The Warrior’s Code. No obstante, hicieron gala de una ejecución perfecta y rebosante de energía que dio paso a una de sus odas patrióticas, y también del último disco, “The State of Massachusetts”, al igual que las dos siguientes, la particular versión de aire “bakala”, “Johnny, I Hardly Knew Ya”, de Jim Brannigan, y “(F)lannigan’s Ball”. Y cuando pensábamos que el concierto consistiría en la reproducción en directo de todo el Meanest Of Times sonó la festiva y terriblemente alegre “Sunshine Highway”. Ahí es cuando aquello se convirtió en un auténtico hervidero en el que se convinó el homenaje a las pintas y a San Patricio, a la hermandad entre Dublín y Boston y a los Celtics y a los tréboles. Y a toda esa cultura y tradición folclórica que tanto nos apasiona. Y así se fueron sucediendo himnos absolutos como “Bastards On Parade”, “Buried Alive”, “Walk Away”, “Fields of Athenry”, “Worker’s Song” o “Wheels Of Misfortune”. En realidad daba igual lo que tocaran de álbumes como The Warrior’s Code, Blackout o Do Or Die porque todos ellos alcanzan la perfección del género. Aunque tuvimos que esperar a la última parte del concierto para poder disfrutar de temas tan emblemáticos como por ejemplo “Barroom Hero” ya que es ahí cuando se dispararon los trallazos que tantos años llevamos coreando bañados en cerveza.

Y llegó el momento de que cumplieran con un clásico de los conciertos de los Murphys, Todas las chicas que quisieron pudieron subir al escenario a corear “Kiss Me, I’m Shitfaced” antes de que llegara el bis. Lo cierto es que ninguna se la sabía realmente y lucir palmito tampoco pudieron hacerlo debido principalmente a causas naturales…Pero bueno, la intención es lo que cuenta. Y después a reposar unos segundos y a aclamar al talentoso dúo formado por Al Barr y Ken Casey seguido del batallón de percusiones, guitarras, instrumentos tradicionales y gaitas que componen esta formación tan espectacular.
Unos cuantos “Let’s go Murphys!” y ahí estaban de nuevo para desgranar los últimos tres himnos con los que desgarramos irremediablemente lo que nos quedaba de garganta.

Comenzó con “I’m Shipping Up to Boston”, posiblemente su tema más conocido por haber estado nominado al Óscar por la película The Departed de Scorsese. Pogo demencial y “Skinhead on the MBTA” y “Boys on the Docks” hicieron el resto. Demenciales canciones del Do Or Die que finalizaron con la invasión definitiva de todo el respetable que se atrevió a saltar encima del escenario de la sala Heineken aquella velada.

Qué más puedo decir… gracias Murphys por volver y demostrar una vez más por qué sois un icono de la cultura ‘irish’ en Estados Unidos. Y un icono del Punk Rock contemporáneo. Porque nadie puede haceros sombra y porque las 26 canciones que descargasteis en la hora y media que duró el concierto nos hicieron sentir orgullosos de encontrarnos entre vuestros seguidores.

Hasta pronto. Ahora sí.

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FECHA: 26-02-2010
CIUDAD: Hospitalet (Barcelona)
LUGAR: Sala Salamandra 1
GRUPOS:
The Black Dahlia Murder (60 minutos)
3 Inches Of Blood (40 m.)
Necrophobic (40 m.)
Carnifex (20 m.)
Obscura (-) – The Faceless (-) – Ingested (-)

Acudir a un festival cuya denominación traducida es “triturador de huesos”, requiere preparación mental y física, teniendo en cuenta que debían desfilar por el escenario del Bonecrusher Fest siete formaciones de metal extremo, a saber: The Black Dahlia Murder, 3 Inches Of Blood, Necrophobic, Obscura, Carnifex, Ingested y The Faceless.

Uno, sabiendo el desgaste que un festival de este tipo puede ocasionar en las neuronas, se reservó el derecho de acudir, prudencialmente, con el concierto ya en marcha. El cálculo horario me jugó una mala pasada ya que no pude observar las evoluciones de Obscura una de las tres formaciones que marcaban mi interés personal. El metal técnico de afiladas estructuras de los alemanes quedó para otra oportunidad. Ingested y The Faceless, se unieron al grupo de los “no visionados”.

Así pues, accedí a la sala Salamandra de Hospitalet justo a tiempo para ver las evoluciones de los californianos Carnifex y su deathcore de orientación grind. Fueron 20 minutos de brutalidad total en los que destaparon toda su ferocidad, con el vocalista Scott Lewis dominando el escenario y sus compañeros dando caña por un tubo. Pura visceralidad canalizada a través de un sonido demencial aunque controlado de forma efectiva, es decir extremo pero no caótico.

NECROPHOBIC

El siguiente turno fue para Necrophobic. Así como el resto de participantes apenas se tomaron la molestia de cambiar el escenario, lo suecos se lo tomaron en serio y lo ambientaron con un par de paneles a cada lado en los que sobresalía una figura formada por calavera, columna vertebral y tibia. Impregnados de esoterismo, aparecieron con los ojos embadurnados de rimel a juego con sus vestimentas negras donde destacaban los jirones.

Su death/black metal causó una excelente impresión entre los asistentes ya que aportaron composiciones donde la energía rítmica estuvo salpicada de vibrantes solos obra del guitarrista Sebastian Ramstedt, a pesar de que en algún momento no tuvieran el volumen necesario como para apreciarlos en toda su dimensión. Por su parte, el vocalista Tobias Sidegard, en principio ataviado con una casaca militar, se encargó de transmitir las diabólicas y aterradoras letras a base de rugidos demoníacos y pelotazos de vodka. En un momento dado, introdujo una bandera en el escenario con la satánica estrella de cinco puntas y empezó a ondearla sobre las primeras filas del enfervorizado público. Entre otros temas que descargaron sin compasión, destacaron, “Isaz”, “Revelation 666”, “For Those Who Stayed Satanic” Y “Blinded By Light, Enlightened By Darkness”, dejando a la audiencia lista para nuevas sensaciones.

3 INCHES OF BLOOD

Mientras que en el momento de preparar la actuación de Necrophobic el telón habitual de la sala permaneció bajado, una vez acabada la actuación de los suecos quedó subido y diversos personajes comenzaron a preparar la actuación de 3 Inches Of Blood. Después del consiguiente tiempo de espera comenzó la típica puesta a punto de los instrumentos. De repente, sin apenas aviso, los que creíamos que eran los “pipas” afinando empezaron a ejecutar los primeros acordes de “Battles Of Brotherhood”, perteneciente a su último álbum Here Waits Thy Doom. Al irrumpir el vocalista Cam Pipes, ya fue evidente… ¡estaban en escena los canadienses!

Tras la marcha de Jamie Hooper, encargado de las voces más agresivas, en la actualidad Pipes (un cruce entre Udo Dirkschneider y Steve Grimmett), se defiende con total soltura. Su presentación fue de un frenetismo indomable. Guitarras arrasadoras de robustos riffs y solos hiperafilados, base rítmica a velocidad de crucero y una garganta rasposa y visceral. Heavy metal old school inyectado de revoluciones thrashicas.

Solo con la interpretación de los tres primeros temas, el mencionado “Battles Of Brotherhood”, “Silent Killer” y “Demon’s Blade”, dejaron al personal aturdido. La dinámica continuó con el mismo ímpetu hasta el final, sin apenas descanso, los temas se sucedían indomables, incendiarios… Todo muy psicótico, pura adrenalina, solo se permitieron una pequeña concesión para anunciar que era el cumpleaños del batería Ash Pearson. Un pequeño respiro para seguir machacando cerebros con “At The Foot Of The Great Glacier”, “Swordmaster” y otras canciones presentadas a un ritmo demencial aunque impecablemente amplificado por los altavoces.

THE BLACK DAHLIA MURDER

Después de semejante sobredosis de decibelios aún quedaba el plato fuerte del Bonecrusher Fest, las estrellas del cartel. ¿Sonarían igual que en sus discos? ¿Sería capaz el responsable del sonido de capturar las partes melódicas inherentes en muchas de las composiciones de The Black Dahlia Murder, sin que las partes agresivas las absorbieran? Estas preguntas rondaban la mente del cronista momentos antes de que la vorágine sonora de la banda de Detroit asaltara el escenario en el que el decorado de fondo había cambiado de nombre pasando de Bonecrusher Fest a The Black Dahlia Murder de llamativas letras color verde. Al final, el sonido pasó de opaco en los primeros compases a aceptable posteriormente para acabar en un notable en el tramo final. Vamos que, cuando el ingeniero se puso totalmente las pilas el concierto estaba en su recta final.

Empezaron con “Funeral Thirst” de su álbum debut de 2003 Unhallowed para recurrir de inmediato a su última obra, Deflorate, de la que descargaron “Necropolis”, para volver atrás de nuevo con “A Vulgar Picture” de Miasma (2005). Un inicio espectacular en cuanto a presencia en las tablas aunque no demasiado bien respaldado por el sonido.

El principal punto de atracción lo constituyó desde el mismo inicio el vocalista Trevor Strnad, ataviado cómodamente para la “faena” con bermudas y camiseta que al poco desapareció para dejar a la vista una prominente barriga en la que destacaba un tatuaje con la palabra “heartburn”. Trevor, no paró ni un momento de gesticular con los brazos mientras escupía las letras con una ferocidad intimidante, tanto en cuanto a los registros agudos de perfiles histéricos como a las incursiones guturales. En pleno esfuerzo descubrimos que sus ojos se ponían estrábicos, al final del concierto supimos que usa lentes correctores, al ponérselos, seguramente, para poder ver al público despedirse.

Tras la incertidumbre inicial de la acústica, al sonar “Everything Went Black” y “Black Valor”, dos temas de esquemas similares, con sus armoniosos fraseos de guitarra, pudimos comprobar con satisfacción la mejoría del sonido que, paulatinamente, fue ganando calidad con el transcurrir de los minutos.

Trebor, cumplió su cometido de entretener y mostrar sus cualidades, además de tener una confianza plena en la palabra fuck para completar todas las frases, pero no podemos olvidarnos de la maquinaria que hizo funcionar a la perfección semejante andanada de metalcore/death metal melódico de abruptas aristas. Sin poses pero consistentes como el granito, Brian Eschbach y Ryan Knight, no se cansaron de rasgar una y otra vez las cuerdas de sus sodomizadas guitarras mientras Ryan Williams movía los dedos como un poseso para que su bajo no perdiera el ritmo. Detrás, Shannon Lucas completaba el cuadro con sus aplastantes blast beats. En definitiva un espectáculo demoledor por donde desfilaron también “Christ Deformed”, “Closed And Casquet Requiem”, “What A Horrible Night To Have A Curse”, “Denounced Disgraded” (con un desequilibrante solo), “Deathmask Divine”, “Miasma” y la puntilla final con “I Will Return”, con una sonoridad de última hora espléndida.

Una hora aproximada de locura y desenfreno sobre el escenario y frente a el porque, la peña, se entusiasmó de lo lindo en diversos momentos y el moshing hizo estragos.

Educadamente, a pesar de su agresiva puesta en escena, los miembros de The Black Dahlia Murder se despidieron sin hacer caso a las tibias peticiones de bises. Y es que el Bonecrusher Fest, no es el lugar apropiado para este tipo de concesiones, lo que había que dar sobre las tablas ya estaba dado.

SET LIST THE BLACK DAHLIA MURDER

1) Funeral Thirst (Unhallowed)
2) Necropolis (Deflorate)
3) A Vulgar Picture (Miasma)
4) Everything Went Black (Nocturnal)
5) Black Valor (Deflorate)
6) Christ Deformed (Deflorate)
7) Closed And Casquet Requiem (Unhallowed)
What A Horrible Night To Have A Curse (Nocturnal)
9) Denounced Disgraded (Deflorate)
10) Deathmask Divine (Nocturnal)
11) Miasma (Miasma)
12) I Will Return (Deflorate)

 

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CRONICA Y FOTOS LOCKY PEREZ

 

En estos últimos años de estilos definidos y purezas musicales, las formaciones que apuestan abiertamente por la mezcolanza y el eclecticismo se arriesgan a ser ignoradas… o a triunfar entre quien menos se esperaba. Un ejemplo claro lo tenemos en los británicos The Heavy: su matrimonio imposible entre el funk y el garage, el soul y el rock and roll, aparece como una de las propuestas más interesantes de esta temporada de conciertos que acaba de comenzar, y que ponen de acuerdo a gente de lo más variopinto.

Precedidos por una de esas formaciones que últimamente están haciéndose oír en la capital, los inclasificables The Noise, estos orgullosos “esquizofrénicos musicales”, como se hacen llamar, irrumpieron en escena arrasándolo todo a su paso. Aunque más exacto sería decir que Swaby, vocalista, frontman y alma de la formación, actuó como poseído por un espíritu salvaje mientras que de sus compañeros apenas si podríamos jurar que estuvieron presentes, tal era el contraste entre su pasividad y la energía que desplegaba el cantante.

Un sonido muy crudo, algo no del todo achacable al grupo, un repertorio sin altibajos repleto de himnos bailables como “How You Like Me Now” o “That Kind Of Man” y la contagiosa alegría de Swaby hubieran convertido la noche en memorable si no fuera por lo corto de la actuación, una hora raspada, y por el doloroso coitus interruptus que supuso el único, y obligado, bis con la fabulosa “Oh No! Not You Again!”, que volvió a elevar la temperatura hasta lo más alto para, inmediatamente, dejarla caer de golpe con la evidencia del fin de la actuación.

Es tremendamente lamentable esta costumbre que parecen estar adquiriendo últimamente los grupos visitantes de creer que con cincuenta y cinco minutos de actuación compensan a los sufridos espectadores. Es una lástima que una actuación tan brillante se vea empañada por una actitud tan poco profesional y tan poco respetuosa con el público asistente. Y estas cosas son las que se recuerdan.

 

 

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Texto: Raúl Ranz
Fotos: Almudena Eced

 

 

 

A sus cincuenta y cinco años Paul Collins continúa siendo un músico de escenario: le encanta moverse, bromear, soltar chascarrillos y anécdotas entre canción y canción. Y en España se comporta como si estuviera en su propia casa, no en vano lleva viniendo a Madrid desde 1984 y en los 90 vivió ocho años en Madrid. Paul Collins se encuentra radiante, lleno de música y con ganas de comunicarla. Parece que quiere tocarte canciones lentas pero de pronto saca su rabia, porque transpira rock and roll y no lo puede ocultar. El Gruta presentó una buena entrada, medio aforo, para un día en que el concierto de los músicos por Haití en la sala El Sol copaba la atención; por cierto, evento en el que participó Paul Collins y retrasó la salida a escena de su trío a medianoche. Medio aforo que lo pasó en grande con canciones que se centraron principalmente en el primer disco de The Beat (1979) que contiene canciones vigorosas como, “Don’t wait up for me”, “You wont’ be happy” o ese bombazo que es “Rock n’ roll girl”, un tema que perdura con el tiempo. Le acompaña un trío de impresión, unos Beat que dan el gran golpe del rock and roll: Christian a la batería, Miguel a la guitarra y Juancho al bajo. Temas más nuevaoleros o con ramalazos surf como “U.S.A”. Tocó temas también de su último disco ‘Ribbon of Gold’ (2008), que funcionan aunque conjuguen tempos menos acelerados. Revisó gran parte de los dos sus primeros discos con The Beat, incluyendo ‘The Kids are the same’ (1981) con la canción que da nombre al título o con “All over the World”, para delirio del respetable. Acudió a The Nerves recuperando esa pieza que compuso para ellos, “Walking out of love” y el gancho pegadizo de “Hangin’ on the telephone” canción que Blondie, donde militó Jack Lee que tras dejar The Nerves, tomó para su álbum histórico Parallel Lines (1978). Y para el colofón final presentó dos temas nuevos él solo, sin su super trío, dos temas con mucha chicha, uno rápido y otro más lento. La edad puede que perdone si envejeces en forma en escena, con argumentos aún por decir, y con la dignidad de tus canciones, pasadas y presentes. Y a Paul Collins aún le quedan cosas por decir.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

 

El neoyorquino John Tirado visitó la capital para presentar las canciones de su reciente y flamante nuevo disco ‘Slow-Motion Party’ (Lucinda Records, 2009), un disco en solitario y sin su banda The Nash. Afincado en Palma de Mallorca desde hace más de una década, Tirado sigue fiel a su tradición anglosajona, a su concepción especial del pop. Con ese aire que le lleva a veces a los ratpack, en “Gang of one”, y resuena el espíritu de Sinatra. Sus canciones funcionan y transmiten en acústico si bien los arreglos del disco (ya sean teclados, chelo, saxo, bajo y batería o coros) embellecen el resultado final, aunque la base del disco es semiacústico y mantiene esa esencia en sus conciertos en solitario. “All the lazy stars” sin saxo pero con ese toque a lo Ryan Adams. Su sencillo “Suddenly”, “Oh Jodie” o “Sleepy head” (éstas últimas ambas con videoclip y futuros sencillos) son piezas con empaque y trasfondo y alto contenido adictivo; la energía luminosa de “Take it to the grave” o el pop brillante de “How much can you take”. Tiene baladas que arrebatan como “High definition”, “On my radar” o medios tiempos redondos como “Who makes you stay”, “Winter by the sea” o “Beggars and choosers”. Tirado resulta creíble en directo, porque adopta su papel con naturalidad y gusta de actuar, se gana el respeto y la admiración con sus canciones con chispa pop y regusto clásico atemporal. Curtido en conciertos de versiones (en su concierto emocionaron el “Space Oddity” de Bowie, o “Perfect Day” de Lou Reed) y con tablas de sobra, centenares de conciertos le acreditan. Una perfecta presentación en un local entrañable para ver conciertos de pequeño formato. Antes presentó sus canciones la israelí Noam con su proyecto Noam Bar Azulay, demostró sus dotes vocales y su excelente dicción en inglés, piezas que respiran espíritu pop con la tradición de la canción de autor.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

En medio de una fría noche de enero tuvo lugar uno de los conciertos más cálidos que recuerdo. En Moby Dick un buen grupo de afortunados tuvimos el inmenso placer de embarcarnos en un breve viaje por la América añeja más hermosa y cautivadora. Lo hicimos de la mano de Mat Brooke y los suyos y fue entonces, el pasado jueves 21 de enero, cuando se empezó a confeccionar el top 10 de directos del 2010. Lo tienen muy duro los grupos que rivalicen con Grand Archives a partir de ahora en la lista de las mejores actuaciones del año porque éstos dejaron el listón tremendamente alto. Tan alto como el lugar al que nos trasladaron con su magia y del que ojalá no hubiéramos tenido que bajar.

La encargada de caldear el ambiente fue Jenn Guetto dentro de su proyecto solitario denominado S. Acompañada en el directo por Alice Wilder con su guitarra eléctrica, ofrece un Indie Pop intimista con tintes folkies y en la onda de cantantes como Chan Marshall, Laura Veirs o Keren Ann. La explicación de por qué esta chica, de la que nadie había oído hablar, está girando con Grand Archives, es sencilla: en su día tocó junto a Mat Brooke en un grupo de Seattle llamado Carissa’s Wierd. Grupo en el que también tocó, Ben Bridwell, y que junto a Brooke formó Band Of Horses tras su disolución. He de reconocer que Carissa’s Wierd no me dice, musicalmente hablando, absolutamente nada, pero fue una cuna de talentos, no cabe duda. Y es que dentro de él germinaron formaciones tan tremendamente interesantes como Grand Archives, Band Of Horses, Cahoone en solitario y S. Y ahora ya que nos hemos puesto un poco al día en historia vayamos con la actuación que S dio aquella noche.

La imagen que nos ofreció Jenn y su amiga Alice, es la de dos chicas introvertidas, aunque tatuadas hasta los nudillos, reunidas una tarde en su habitación para cantar sobre desengaños amorosos y traumas post-adolescentes. Su propuesta es, en cierto modo, deliciosa aunque carente del rodaje suficiente para conseguir cierta notoriedad. La voz de Guetto es dulce y con timidez se abre paso entre simples, aunque bellas melodías. Desgraciadamente, tuvo que lidiar con el hecho de que dar un concierto acústico como telonera de un grupo eléctrico y además hacerlo en la hora en la que la gente entra en la sala y pide su primera cerveza, es harto complicado. No obstante y a pesar de la renqueante técnica de su compañera al tocar las cuerdas, se defendió bastante bien y canciones tan bonitas como “Save you” lograron convencernos ampliamente.

Pasemos ya a recordar lo que fue una de las mejores ejecución de Rock vacuno que he visto en años. El silencio que sucedió a los aplausos fue quebrantado por Mat Brooke interpretando la primera canción de su reciente “Keep In mind Frankestein”, “Topsy’s Revenge”. De la mano de su ukelele interpretó en acústico lo que hubiera supuesto un inicio precioso de no ser por el despreocupado camarero que se encargó de poner la percusión gracias a su picahielo y que fue vitoreado irónicamente por el público tras acabar la canción. Al margen de este hecho puntual, la verdad es que el silenció reinó durante prácticamente toda la actuación y el respeto y la cordura se impuso, algo que no suele ocurrir muy a menudo en este tipo de conciertos. La siguió “Miniature Birds”, del disco homónimo, y se encargó de marca el ritmo que siguió el resto del set. Sabiamente, los de Seattle alternaron las canciones del primer y segundo disco, escogiendo lo mejor de ambos y deleitándonos con un preciosismo absoluto.

Hay que reconocer que cuando se está bien en Moby Dick, se está francamente bien. Esta fue una de esas veces y sin duda, fue el enclave perfecto para la deliciosa música de los abanderados de Sub-Pop. Sus voces se fundieron en perfecta armonía como lo hacían Simon y Garfunkel, e impregnaron hasta el último tablón de madera de la pared con sus melodías cristalinas. Y así fueron cayendo joyas de la talla de “Torn Blue Foam Couch”, “Witchy Park/Tomorrow Will (Take Care of Itself)”, “Dig That Crazy Grave” o la increíble “Sleepdriving” que se fueron entremezclando entre sí como si de oro líquido se tratara. Sin embargo, decidieron despedirse prematuramente y con “Willoughby”, canción que cierra su último disco, dieron paso al breve descanso que precedió a un bis que nos supo a demasiado poco. Dos canciones tocadas con más garra que las anteriores y que consistieron en la fantástica “Oslo Novelist” seguida de la canción más festiva que tienen en todo su repertorio, la optimista y maravillosa “The Crime Window”. Está claro que supuso el cierre idóneo de un concierto de poco más de una hora que se nos hizo demasiado corto pero que rozó la perfección. Tocaron todo lo mejor que han escrito, si exceptuamos “Louis Riel”, una de las que se dejaron en el tintero, pero consiguieron pintar en nuestras caras una sonrisa que perdura hasta hoy cuando rememoramos sus canciones o recordamos lo que supuso una de las mejores veladas musicales de los últimos tiempos.

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El soul emociona, voces que conquistan a la audiencia con historias cotidianas, plagadas de amor y desamor. Jesse Dee es una nueva sensación del soul. Fichado por el sello alemán Munich Records su disco ‘Bittersweet Batch’ (2009) es pura dinamita musical de alto calibre. Este natural de Boston demostró en una visita fugaz con presentaciones en solitario en Barcelona y Madrid. Además de su acústico en Radio 3, en el programa ‘Hoy empieza todo’, el showcase que ofreció a un público reducido fue altamente gratificante y buena muestra de las dotes vocales del bostoniano, acompañado tan sólo por su acústica. Repasó parte de las once composiciones que componen su primer disco, entre ellas composiciones para levantarte como “Allright” o para agitarte con un leve fraseado de vientos que contiene “Reap what you sow”. Joyas como “Slow Down” que con vientos es rotunda, o “Around here”. O medios tiempos donde el piano marca las emociones como en “Over & over again” o “Remember me”, o el aire del blues juguetón que es “My two feet”. También recoge la tradición de Bill Withers, de Otis Redding, de Smokey Robinson & The Miracles, y hasta de Al Green. Demostró que sus canciones funcionan reducidas al esqueleto y hasta se atrevió a rendir un sentido homenaje a Sam Cooke. Radiante y enrollado. Tras ese set participó en el concierto músicos por Haití (ilustrado por el video final). Y este verano regresará a nuestro país con banda. Avisados quedan.

 

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Texto: Andrés Castaño

 

 

 

Si das una y otra vez vueltas a cargo de encontrar ese parecido que se manifiesta patente entre la música de The leisure society y los excelsos Fleet Foxes, además de no llegar hasta ningún sitio y marearte mucho, se puede alcanzar a entender menos que el coreano de “Perdidos”. Porque si hubiese salido al mercado antes el álbum de debut de los británicos, otro gallo hubiera cantado a aquellos que engrandecieron y engalanaron la explosión de folk psicodélico de Fleet Foxes, mucho más llano e igual de contundente en la firmeza de muchas de las canciones de “The sleeper”, con esas melodías donde no abusan de los instrumentos y las voces, que con el buen sonido que ofreció la sala madrileña al mejor disco de folk del año pasado sumaron puntos para dar buena fe del buen hacer del grupo. Y, además, se les vio con soltura.

Era la segunda vez que tocaban en España y su primer concierto madrileño, donde comenzaron con la preciosa (bueno, y ¿cuál no lo es?) “The darkest play I know”, sabiendo doblegar las dudas que podrían hacer titubear a los que vacilaban acerca de cómo la presentación de un disco de debut fuera tan bien recibido y presentado en directo.

El grupo canta sus canciones ayudado por varios instrumentos de cuerda muy socorridos para estos casos: el contrabajo y el banjo, además de teclados y batería, acompañaron a los cinco miembros del grupo, donde recorrieron sin prisa y con simpatía la constelación sonora que eclipsa cualquier género de dudas acerca de la calidad emotiva de sus composiciones. Ahí estaban, entre otras, “A fighting chance”, “The last of the melting snow”, el colorista estribillo de “A matter of time”, el brillo que da fulgor de la melodía a las palabras de “Save it for someone who cares” y el resto de su disco, donde en pocos minutos hicieron balancearse a los seguidores que tenían en frente y envolverles en el mismo calor que emana de su disco de estudio. También hubo tiempo para versionar a los Beatles de “Something” (esta vez, sin la compañía de flauta), con el mismo tratamiento de han dado a lo pulido de sus canciones.

Sonrisas de complicidad para uno de los grupos sorpresa del pasado año.

Y para los seguidores más glotones, se ha publicado su primer álbum en versión doble; denominado “The sleeper/A product of the ego drain”, ocho canciones más con varias demos y caras b, donde su brillantez (algunos temas son instrumentales) no está castigada con la imagen amateur de sus primeros temas.

Pues eso, a seguirles la pista de aquí en adelante. Brillantes.

En el documental Global Metal de Sam Dunn podemos ver que la relación que tienen muchas personas de todo el mundo con el heavy metal se parece bastante a una religión, sólo que la fe metálica no hace distinciones de raza, credo o sexo. A principios de los 80 surgió una banda que, partiendo de una minúscula y politizada escena de rock cristiano, logró trascender y llegar al público masivo. Letras inspiradas en jesucristo y el evangelio y música que bebía directamente de los postulados de Eddie Van Halen. Dificilmente podríamos nombrar otra banda de este tipo, aunque ahora que lo pienso, está la novia aquella que le salió a Ned Flanders…

Aunque Stryper lo dejaron en 1993, diez años después resucitaron y hasta hoy han lanzado un disco en directo bastante resultón (y visto lo visto en Madrid más retocado que otra cosa) y subsiguientes grabaciones de estudio muy mediocres y desacertadas.

Hoy La Riviera está practicamente llena, 1 millón de personas, si empleamos el factor de corrección de la conferencia episcopal para estos casos, muchas de ellas pertrechadas con todas las prendas negras y amarillas que han podido encontrar, desde currados vestidos hasta camisetas del Hull City.

Abren los gallegos The Mirage, que calientan a los peregrinos llegados desde todos los rincones de nuestra geografía con un hard rock que me recordaba a Beethoven R. Las composiciones tienen detalles intesantes pero habrá que esperar próximos lanzamientos para su consolidación, eso sí, en ejecución y puesta en escena se lo montan bastante bien, con versiones como Siempre Estáis Allí, de los Barones. El cantante se despide anunciando que había visto con sus propios ojos como el escenario era bendecido… poniendo cara de “que sí tios, que sí”…

Primer milagro del día, la sala no suena mal… del todo. Antes de que aparezcan los Stryper nos llega otro mensaje, nada de flashes a partir de la tercera canción, “que si no no pueden hacer esas virguerías con la guitarras” (sic), al parecer de iluminación van sobrados estos tipos…

Empieza la descarga y se presentan con Soldiers Under Command, suenan compactos y el vestuario es tal y como vemos en las fotos de su época dorada. Michael Sweet sigue teniendo una gran voz y físicamente se conserva muy bien para su edad, ¿habrá hecho un pacto con el dia…? no, no lo creo.

El ataque amarillo y negro prosigue con sus rockers a lo Bon Jovi y sus baladitas con toques Queen, sin embargo no consiguieron conectar con el público, que apenas se animó para cantar Calling On You y muy tímidamente Reach Out o Loud N’Clear (scream shout!), también sonaron los clásicos The Way, Free, All For One…

Segundo milagro de la noche, una biblia de Stryper le cae del cielo a una compañera de metro cuadrado (sala llena, recuerden ustedes), y consigo una instantánea para la posteridad. No son las biblias de cuero con las que evangelizaban hace unas décadas, pero alegra igualmente.

Parece evidente que a su estilo de música no le ha sentado bien el paso del tiempo, con sus características netamente del hard rock de los 80, caspa, para entendernos. Cuando comienzan a tocar Breaking The Law dejan con ojos como platos a los fieles, ya que nadie se lo esperaba.

Tercer milagro, un pecador hasta arriba de sangre de cristo que no deja de joder al prójimo es llevado por el personal de seguridad lejos de los aficionados, ¿a recibir unas consagradas?. Es un ejemplo claro de alguien que irá directamente To Hell With The Devil, aunque sólo sea por hacer fotos con flash…

Resumiendo, aunque correctos, la conexión con el público fue prácticamente nula y éste estuvo frío y distante. A pesar de que acostumbran a hacerlo, en Madrid nos dejaron sin la oración final que tantos esperábamos con impaciencia, con la de almas que hubiera salvado. ¿Ayudará este concierto a la absolución ante groseras blasfemias escuchadas y generosos avispa-escote observados? dios dirá…

 

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Hendrix

Que la receta de Air resulta bastante sencilla es algo conocido por todos. Su complejidad sonora, melódica, lírica, las estructuras de las canciones, no se caracterizan por una gran sofisticación, y sin embargo cuentan con un ingrediente secreto que los convierte en prácticamente irresistibles: su música es un ejercicio de estilo. Y ésto puede otorgarles la medalla de pretenciosos, pero nada más lejos de la realidad, ya que sin ser carne de radiofórmula (aunque en los buenos tiempos de los 40 se podían escuchar “Sexy boy” y “Cherry blossom girl”), resultan ser muy accesibles. Y así se mostraron en la presentación en directo de su último álbum, más una buena retahíla de grandes éxitos, por supuesto.

El show comenzó con una telonera llamada George Pringle (su nombre artístico) que básicamente se dedicó a aturdir al público con su intento de electro-clash, una voz insuficiente y atacante y, por si fuese poco, destrozando ese atemporal clásico que es “I feel love” de Donna Summer. No es por ser cruel, pero la chiquilla (muy guapa, eso sí) nos obligaba a irnos en busca de una cerveza o lo que se fuese para escapar de aquel tormento. Después de esta decepción del todo incomprensible (¿en que estaban pensando Air cuando la escogieron?), salieron al escenario el dúo francés con ganas de agradarnos la velada. Y sin duda lo consiguieron. Abriendo fuego con “Do the joy”, continuaron con varios temas más de su último disco (que, como siempre, sigue la línea de sus antecesores), y que por increíble que parezca, el público recibió mejor de lo esperado. Apunte a tener en cuenta por cierto, ya que el ambiente era muy animado para tratarse de un concierto de esta índole, sin olvidar que además era domingo (y ya sabemos todos como estamos los domingos). Como era previsible, cuando más entregados estuvimos fue en el momento de desenfundar sus clásicos. Poco a poco fueron dejando a un lado las novedades y recrearnos con su delicadeza innata y buen gusto para embarcarnos en paisajes sonoros donde perdernos durante hora y pico.

Ayudados por unas proyecciones de estilo psicodélico bastante sencillas (pero efectivas), el momento álgido fue el revival de su enorme Moon Safari, del que tocaron una buena parte, destacando la siempre espacial y deliciosa “Kelly watch the stars” y la intensa “La femme d’argent”, con la que finiquitaron el concierto. Salvo de su Pocket Symphony, nos regalaron canciones de todos sus discos, incluida la banda sonora de Las Vírgenes Suicidas. Talkie Walkie, su otra gran obra, contó con la representación de la omnipresente “Cherry Blossom girl”, posiblemente su canción más pop, o la divertida “Alpha beta gaga”. Así que nos quedamos realmente satisfechos con un concierto muy completo, donde Air se mostraron muy cercanos y hasta graciosos (escuchar su ‘muchas gracias’ con vocoder no tenía precio). Un último apunte: quien diga que la Riviera cuenta con una acústica pésima, le informo que en este caso Air sonaron cristalinos (supongo que las reformas al cerrar la sala sirvieron de algo).

 

 

FECHA: 17-01-2010
CIUDAD: Barcelona
LUGAR: Razzmatazz 2
GRUPO: Stratovarius
DURACION: 100 minutos
INVITADOS: Tracedawn (45 m). Mystic Prophecy (45 m.)

Los finlandeses Stratovarius irrumpieron con fuerza en la mitad de la década de los ochenta con su power metal majestuoso impregnado de virtuosismo guitarrero neoclásico. En un momento determinado consiguieron un importante reconocimiento internacional y estuvieron a un paso de alcanzar el olimpo de los dioses del rock, ese lugar solo reservado a unos pocos. Sin embargo, los aireados problemas del resto de la formación con Timo Tolkki y su “ida de olla”, sumieron al grupo en una peligrosa inestabilidad que resultó perjudicial para su carrera.

Con Timo Tolkki “fuera de juego”, los actuales Stratovarius intentan recuperar el tiempo perdido volviendo a los escenarios para demostrar a sus fieles seguidores que la estrella que una vez guió su camino no les ha abandonado a pesar de las dificultades.

Nada mejor que empezar recordando algunas de sus mejores composiciones. Y eso es lo que hicieron en su vitalista presentación en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona. De entrada, con “Destiny”, “Hunting High And Low” y “Speed Of Light”, se ganaron de inmediato a la audiencia con un trío de canciones, potentes, accesibles y majestuosas. De paso, pudimos comprobar lo que iba a resultar una constante durante toda la actuación, el buen estado vocal de Timo Kotipelto, el nervio de Jens Johansson a los teclados, la potencia de Jörg Michael a la batería (quien quiso dejar claro cuales son sus simpatías futboleras clavando una bandera del Borussia Dortmund a un lado de los tambores), la diversión implícita de Lauri Porra con el bajo y, por último, el convencimiento de que Matias Kupiainen, posee excelentes cualidades, se ha integrado perfectamente y sabe ocupar un discreto lugar en cuanto a posición en el escenario, resaltando cuando la ocasión lo requiere que, obviamente, fueron esos momentos en los que la guitarra se alza con el protagonismo individual.

Pero, ante todo, Stratovarius funcionó en su conjunto, por encima de las individualidades. Además, transmitieron la sensación de estar pasando por un feliz momento, una vez alejadas las preocupaciones pasadas. A Kotipelto, sobre todo, se le notó jubiloso, al igual que a Lauri, casi siempre risueño. El vocalista, ni siquiera se inmutó cuando el micro le empezó a fallar al final de “A Million Light Years Away”. Antes, habían mantenido el dinamismo con “The Kiss Of Judas” y “Deep Unknown”, la primera entrega de su último álbum Polaris.

Luego, llegó el momento de resaltar las virtudes particulares, quedándose en el escenario Porra y Johansson para el primer mano a mano, un tanto insustancial, dando lugar a los instantes menos inspirados de toda la actuación, también provocados, seguidamente, por otra de las entregas de Polaris, “Winter Skies”, un tema algo oscuro que pasó bastante desapercibido.

Por suerte, retornaron los momentos resplandecientes con “Phoenix”, tras el cual Lauri Porra volvió a sus deslices solistas, ahora acompañado por Matias; ambos entablaron un duelo bajo/guitarra que resultó mucho más ameno que el anterior de bajo/teclados. A modo de introducción en materia, Kupiainen entonó los reconocidos acordes de El Bueno El Feo y El Malo, con una notas hiper agudas.

Ya en la recta final, recurrieron por tercera y última vez a su más reciente grabación con el tema “Forever Is Today”, con un excelente trabajo de guitarras, al que siguieron, un “Paradise” mucho más enérgico que en estudio y el portentoso “Against The Wind”, de su lejano Fourth Dimension (1995), que fue lo más atrás en el tiempo que se remontaron; para cerrar con “Eagleheart”, en espera de los bises.

No se hicieron de rogar demasiado y, unos instantes después la balada “Forever” puso la nota más romántica de la noche, para afrontar el tramo final con renovadas energías interpretando “Father Time” y “Black Diamond”, con esos magníficos teclados de Johansson imitando sonidos de siglos pasados y otra notable demostración guitarrera de Matias.

En conclusión, un concierto que, increíblemente, comenzó 15 minutos antes de lo estipulado y donde se percibió el reencuentro de Stratovarius con su mejor capacidad de respuesta, respaldada por las cualidades que les son inherentes y por un sonido que, por una vez, estuvo repartido bastante equitativamente entre todos los elementos en acción, sin que la batería nos machacara insistentemente opacando al resto de protagonistas, como suele suceder demasiado asiduamente. En cambio, la pegada de Jörg resultó en todo momento compacta y precisa, dejando siempre el necesario espacio para la apreciación global de la instrumentación.

LOS INVITADOS

Los también finlandeses Tracedawn abrieron las actuaciones y, aunque mostraron buenas maneras, el sonido, excesivamente embarullado, no les acompañó para nada. Además, la guitarra solista se quedó muda constantemente, restando vistosidad al desarrollo de la actuación. Mejoró la situación cuando les tocó el turno a los alemanes Mystic Prophecy y su power metal de perfiles thrash. Después de presentar su efectivo repertorio se despidieron a lo clásico con el “Paranoid” de Black Sabath, ante el regocijo del público.

SET LIST

1) Destiny (Destiny)
2) Hunting High and Low (Infinite)
3) Speed of Light (Episode)
4) The Kiss of Judas (Visions)
5) Deep Unknown (Polaris)
6) A Million Light Years Away (Infinite)
7) Solos de Jens Johansson y Lauri Porra
Winter Skies (Polaris)
9) Phoenix (Infinite)
10) Solos de Matias Kupianen y Lauri Porra
11) Forever Is Today (Polaris)
12) Paradise (Visions)
13) Againts The Wind (Fourth Dimension)
14) Eagleheart (Elements P1)
BISES
15) Forever (Episode)
16) Father Time (Episode)
17) Black Diamond (Visions)

 

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CRONICA, FOTOS Y VIDEO, LOCKY PEREZ

 

 

 

Son jóvenes y sobradamente preparados. Si en disco el cuarteto madrileño Layabouts muestra una contundencia palpable, en directo el efecto se multiplica. Tienen una fuerza escénica capaz de provocar y levantar al alma más decaída. Su primer disco ‘Layabouts’ (Wild Things Records, 2007) producido bajo la tutela del gran Paco Loco contenía la fuerza de las guitarras y el ritmo bailable heredero del pospunk y de la post new wave que tan buen resultado ha dado en bandas jóvenes anglosajonas como Arctic Monkeys, Bloc Party o We Are Scientists. El concierto de El Sol sirvió para presentar en Madrid su nuevo y segundo disco, ‘… and they ran into the woods’ (Homeless Records, 2009) consigue un punto de equilibrio, la balanza se declina más hacia el lado rockero y todo suena en su justa medida, será porque Kaki Arkarazo produce y porque su talento compositivo va en ascenso y los chicos encontrando sus pilares.

Y es que frente a la descarga de los temas de su primer disco con temas de corte rápido y contundente como “Fine for me”, “Naive”, “Got you” o más bailables como “Despite the neons” o “Rat in a Lab”. Sus temas nuevos, “Epidemic”, “You got it”, mantiene el toque vibrante pero con un aire más compacto, arrollador pero sin excesos gratuitos, frente a la energía que despedían en su disco de debut. Jon Arias (bajo y voz) ejerce de gran frontman, Javier Castellano estrenaba guitarra nueva y extrajo la energía contenida en riffs, delays y acordes, y Rober Suárez (guitarra) secundaba ese poderío, Víctor “Vito” Álvarez (batería) reparte la contundencia y marca la apisonadora. Martí Perarnau (teclados) ya no participa en sus directos por sus compromisos con Underwater Tea Party, algo que se echa en falta, porque si que gana el cuarteto con la riqueza de los teclados, como se pudo comprobar cuando Javi dejaba la guitarra para tocar los teclados.

Lo que si ocurre es que al igual que otras bandas nacionales, en otro terreno pero como podría ocurrir con Sexy Sadie en su momento, el hecho de cantar en inglés no resulta del todo creíble y no es por la dicción de Jon, que sale bien parado, sino porque falta ese punto de conexión total con el mensaje, resultarían más creíbles en castellano y seguro que comunicarían con el público el doble o el triple, el efecto sería evidente, ahora bien las rimas quizá no serían tan evidentes.

Ya en los bises sorprendieron gratamente con sus temas más sesenteros y mostrando otra cara posible de la banda, el rock más clásico con teclados con dos versiones: una de los Animals y otra del clásico “Johnny B Good” sonaron radiantes y la fuerza de la banda. Layabouts abriendo miras y creciendo ofrecieron un concierto arrollador e impecable.

 

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Andrés Castaño

 

 

 

 

Menudo pedazo cartel, dos grupos con chispa con fiebre funk y destellos soul. Un sonido que destilaba pura negritud bien entendida. Lo que se avecinaba prometía tanto que las expectativas se cumplieron de sobra. Un pasote de concierto. Los madrileños The Right Ons ejercían de teloneros a lo grande, han pasado de cuarteto a quinteto con la incorporación de Martín Steelwood, a veces con percusiones y la fuerza de una doble batería. Y atención porque atesoran un directo de impacto, rotundo y robusto, porque sus canciones lo valen, sus dos discos ’80-81’ (2Fer Records, 2007) y ‘Look inside now’ (2Fer Records, 2009) son pura dinamita: una explosión de ritmo y sensualidad. En la recta final se acompañaron de la sección de vientos de los True Loves, química y buen rollo con unos metales llenos de brío, incluyendo la versión con fuerza del “(Can’t Get No) Satisfaction” de los Rolling.

Eli Paperboy Reed, ese chico blanco de tupé con una de las mejores voces actuales que recuerda a Sam Cooke cuando seducía nuestros oídos o el magnetismo de James Brown cuando enloquecía a la audiencia activando las endorfinas humanas a quien asistiera a cualquiera de sus conciertos, o la elegancia de Curtis Mayfield. Eli sabe jugar al poder de provocar, conoce a la perfección como ganarse al público y como subir la atmósfera del público únicamente con sus dotes musicales. Un arranque tremendo con “The satisfier” y temas de su primer disco ‘Roll with you’ (2008). También tocó algún nuevo tema de su próximo disco “Come and get it”, que saldrá el 6 de abril, del que interpretó temas como “Help me”, “You can run on”, “Young girl”, una de sus nuevas favoritas “Time will tell” una balada a medio tiempo embriagadora, y el que será el primer sencillo del disco “(If you want the love of a man) Come and get in”, en la que pidió a las chicas que subieran a bailar. Desbordó con la versión de Otis Redding de “Hard to handle”. Prometedores temas a falta de más escuchas. Eli no dice nada nuevo, el soul y el funk se confirmaron en los 70, pero lo hace todo tan bonito, que es difícil resistirse a sus encantos. En definitiva, el alma habló y el cuerpo se movió.

 

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Andrés Castaño