Triosphere, es una banda procedente de Noruega con una trayectoria iniciada en 2004. El grupo se formó bajo la iniciativa del guitarrista Marcus Silver y de Ida Haukland, bajista y vocalista que aporta la particularidad poco habitual de ejercer de “frontwoman” con doble tarea. A su lado, T.O. Byberg (guitarra) y Orjan Jorgensen (batería), completan la formación.

Después del EP Deadly Decadence (2005) y del álbum Onwards (2007), The Road Less Travelled, se presenta como un trabajo con el que intentan dar un paso cualitativo como lo demuestra el haber contado con el afamado Tommy Hansen (Helloween, Jorn, Pagan’s Mind) en el apartado de producción.

Y, en efecto, técnicamente, el disco, envuelto en los esquemas propios del power/heavy metal melódico, cuenta con una calidad exquisita. Otra cosa son las composiciones, las que, en diversos tramos se apoyan excesivamente en referencias convencionales, lo que resta sorpresa y coloca a Triosphere en una posición en la que su música resulta demasiado previsible.

Nada que objetar al potente registro vocal de Ida y a la capacidad que exhiben Marcus y Byberg pero, la profusa presencia de la voz y sus derivaciones hacia tonos más sentimentales, restringen el poder de las guitarras en el sentido de que distraen al oyente de sus interesantes desarrollos.

En definitiva, sobra protagonismo de las voces y falta más riesgo y aventura en las partes instrumentales, a pesar de que se nota que hay recursos y calidad para ofrecer frescura y dotar al disco de un perfil con más personalidad.

El inicio, con “Driven”, es trepidante y de lo mejor del contenido; por el vibrante riff estilo Megadeth, la fuerza vocal, las sugestivas armonías y el intrincado solo de guitarra. Sin embargo, no hay la continuidad necesaria y las expectativas se ven defraudadas al entrar la grabación en una espiral acomodada a unos cánones muy comunes.

Salvo “Death Of Jane Doe”, con sus atrayentes cambios de dinámica y determinantes demostraciones guitarreras, y en menor medida “Watcher” y “Worlds Apart”, temas como “Human Condition”, “Marionette”, “The Road Less Travelled” y “The Anger And The Silent Remorse”, aun reconociendo que cuentan con puntuales momentos atractivos, siempre están supeditados a un entorno encorsetado respecto de unos patrones ampliamente explotados en el estilo y cuya recurrencia resta originalidad a la grabación.

CALIFICACION: 6,75/10

GRUPO: Triosphere
TITULO: The Road Less Travelled
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2010
PAIS: Noruega

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Con una trayectoria iniciada apenas hace seis años, Cancer Bats intentan consolidarse como una sólida apuesta de futuro. En ese aspecto, la aparición de Bears, Mayors, Scraps & Bones, su tercer álbum, debería ratificar sus posibilidades de conseguir una mayor atención mediática.

Los canadienses, no ponen fronteras estilísticas a su propuesta, de esta forma, su sonido se enriquece de fuentes diversas, fusionando, hardcore, punk, sludge y stoner en un crisol en el que se cuece un metal de corrosivos perfiles y agresiva atmósfera donde destaca el magnífico trabajo del guitarrista Scott Middleton, al que podríamos encuadrar como discípulo de la escuela de Tom Morello de Rage Against The Machine, por su habilidad para extraer retorcidas sonoridades.

Precisamente, en la capacidad de Scott para aportar continuos recursos con su instrumento radica gran parte del atractivo de Cancer Bats; el disco está plagado de ejemplos donde se pueden apreciar las variantes guitarreras, “Trust To One”, “Doomed To Fail”, “Black Metal Bicycle”, “We Are The Undead”, “Darkness”, etc.

En ocasiones, Jaye Schwarzer, desliga el bajo de su efectiva posición de apoyo para mostrar de una forma más vistosa su oculta laboriosidad, como en los casos de “Dead Wrong” o “Make Amends”.

Como contrapartida, tenemos al cantante Liam Cormier y su incordiante registro, perpetuamente cabreado, escupiendo estrofas con una evidente mala leche, hasta el punto de que, si no fuera por la pluralidad instrumental, su recurrencia acabaría por sacar de quicio al oyente; sin embargo, incrustada en un abrupto entorno la voz encaja perfectamente.

La grabación cuenta con una dinámica rítmica fluctuante que acoge desde momentos densos y saturados como la inicial, “Sleep This Way” o, “Raised Right”, hasta situaciones tipo “Fake Gold” donde se roza el histerismo. Entre un extremo y otro, se sitúan composiciones vibrantes que dotan al disco de una electricidad exuberante, antídoto para asténicos y veneno para hiperactivos.

Un trabajo brillante que, como se ha dicho al principio, debería situar a Cancer Bats entre las bandas con una inmejorable posición para dar un salto cualitativo en su carrera.

El álbum cuenta con la versión del tema “Sabotage” de Beastie Boys que, llevado al terreno particular de Cancer Bats, destaca todas las cualidades mencionadas de la banda canadiense, lapsus de líneas de bajo incluidas.

CALIFICACION: 8,75/0

GRUPO: Cancer Bats
TITULO: Bears, Mayors, Scraps & Bones,
DISCOGRAFICA: Roadrunner
AÑO: 2010
PAIS: Canadá

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Grupo: Toots & The Maytals
Disco: Flip and Twist
Sello: D&F Music
Procedencia: Kingston, Jamaica
Fecha de lanzamiento: 20 de abril de 2010

Más información: Web/MySpace/Facebook

Escucha Flip And Twist en Spotify

Tracklist:

01.Almighty Way
02.Perfect Lover
03.Hope That We Can Be Together Soon
04.Rimi Nyah
05.Higher Ground
06.Eye For An Eye
07.Jungle
08.Fool For You
09.Bye Bye
10.What Kind Of Woman
11.There Is A Reason
12.Reconcile
13.Good Woman
14.Maybe Yow
15.Got To Feel It

Creo que para un músico, para una formación con la trayectoria que tienen Toots & The Maytals, es muy difícil desmarcarse de su pasado. Y sobre todo, es muy complicado que tus fans desliguen tu imagen presente del glorioso pasado. De esta manera, cuando te encuentras con un álbum suyo, uno no deja de esperar un nuevo “54-46 Was My Number”, otro “Pressure Drop” o el siguiente “Monkey Man”.

Pero desde hace unos años, la carrera de Toots Hibbert está orientada hacia otro tipo de texturas sonoras, procedentes de Estados Unidos en lugar de la caribeña Jamaica. Y en cierta medida, no nos sorprende. Siempre fue así ya que, sin lugar a dudas, Toots & The Maytals fueron una de las formaciones que mejor supieron dar un toque soul, estadounidense, a los sonidos autóctonos jamaiquinos, léase ska o reggae.

Flip and Twist [D&F Music, 2010] sigue la línea emprendida en las últimas entregas de Toots & The Maytals. Pocas hierbas jamaiquinas y mucho soul, mucho sonido estadounidense. Puede parecer irónico que uno de los grupos que más ayudaron a consolidar y difundir el reggae a penas lo practique en la actualidad, salvo en directo, claro.

Flip and Twist es un disco soulero, de baladas de distancias cortas, de manosear a tu chavala por debajo de la falda mientras en el estéreo del coche van sonando “Almighty Way”, “Perfect Lover” -donde destaca el sugerente trabajo realizado por un grupo de coristas femeninas-, “Hope That We Can Be Together Soon”, “Fool for You”, “Reconcile” o “Maybe Now”.

Sin embargo, también encontramos otros cortes que permiten romper con el tono lento de las baladas que pueblan Flip and Twist. Por ejemplo, “Higher Ground”, con mucho groove, cierto aire funk y muy bailable. Pero también ayudan a romper con el ritmo baladístico canciones como “Bye Bye”, que parece una alegre composición de los años 50; la bluesera “Good Woman”; la discotequera “Jungle”; o los ritmos de caja cercanos al hip hop de “What Kiind of Woman” o los ’scratches’ con los que comienza “There is a Reason”.

 

---

Valoración: 6,5

---

Texto: Carlos A.S.

 

 

Con el lanzamiento de su último álbum 16.6 Before The Devil Knows You’re Dead, en 2009, Primal Fear se consolidaron como una de las mejores apuestas por el heavy metal de perfiles clásicos pero convenientemente actualizado con un sonido moderno que mostraba un contenido compacto y altamente explosivo.

Era lógico que Ralf Scheepers y sus colegas no desaprovecharan la oportunidad para mostrar sus cualidades en directo y exhibir su actual potencial.

Live In The USA, debe su nombre a que registra diversas actuaciones de Primal Fear en Atlanta, Los Angeles y New York, correspondientes a la gira realizada en 2009 por Estados Unidos, como parte de la presentación internacional del mencionado último y excelente álbum; por otra parte, el más representado con cinco canciones además de la intro: “Before The Devil Knows You’re Dead”, “Under The Radar”, “Killbound”, “Six Times Dead (16.6)”, “Riding The Eagle” y “Hands Of Time”. Suficiente material para afrontar con garantías las exigencias del buen seguidor de la banda y que se completa con un repaso a lo más representativo de su discografía: “Battalions Of Hate” y “Chainbreaker”, pertenecientes a su ópera prima homónima de 1998, así como, “Nuclear Fire” y “Angel In Black” (Nuclear Fire); “Sign Of Fear” y “Fighting The Darkness” (New Religion); “Final Embrace” (Jaws Of Death) y “Metal Is Forever” (Devil’s Ground).

El sonido en vivo está a la altura de la actual tecnología, potente y nítido, con los habituales registros del público y con Ralf Scheepers mostrando sus envidiables cualidades vocales en medio de los efectivos e hipnóticos riffs y desequilibrantes solos de los guitarristas Henny Wolter y Alex Beyrodt, quienes dotan a la grabación del mismo vibrante sonido que muestran sus grabaciones en estudio, al que se suma la crudeza del directo.

La grabación cuenta con la aparición especial de Pamela Moore y se publica también una edición en DVD.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Primal Fear
TITULO: Live In The USA
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Alemania

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Cinco años después de su última entrega en estudio, Warriors Of The Rainbow Bridge, los estadounidenses Molly Hatchet vuelven a satisfacer a todos sus seguidores con Justice, un álbum en el que mantienen sus referencias de southern rock intactas pero en el que se nota un endurecimiento de sus perfiles hard rock, con momentos puntuales en los que alcanzan las fronteras del heavy metal, como se puede apreciar en el tema que pone en marcha el disco, “Been To Heaven Been To Hell”, donde se incluyen vibrantes desarrollos de guitarra además de una sólida presencia del bajo de Tim Lindsey.

Sin duda, el regreso de Dave Hlubek en 2005, único componente fundador del grupo que permanece en la alineación actual, fue el complemento ideal para apoyar al incansable Bobby Ingram en la tarea de mantener las estructuras inherentes a la carrera de la formación de Jacksonville a un alto nivel de calidad con sus magníficas aportaciones a la guitarra, tanto en los consistentes ritmos como en los brillantes solos. Sin olvidar a otro veterano como John Galvin, cuya labor a los teclados se antoja imprescindible en los momentos más sosegados y sutiles del disco, como en “As Heaven Is Forever” y “Fly On Wings Of Angels (Somer’s Song)”, esta última dedicada a un niño de siete años que sufrió abusos y fue asesinado brutalmente; aunque también destaca en el arranque de “Deep Water” antes de dar paso a unas efectivas y armoniosas guitarras.

En su característico estilo boogie rock se situa “Safe In My Skin”, con piano y guitarras dominando la atmósfera. Más clásico sureño resulta “American Pride”, de nuevo insertando frenéticos fraseos y Phil McCormack ofreciendo uno de sus mejores momentos con su potente vozarrón.

Demostrando que sus parámetros pueden abarcar una amplia gama de matices, en “I’m Gonna Live ‘Til I Die” se nos muestran más melódicamente sentimentales con un ritmo sencillo a la vez que atractivo, mientras que en “Tomorrows And Forevers”, sin perder el sentido melódico, lo combinan con un riff poderoso incrustado en una dinámica pegadiza.

De guitarras intensas y complejos esquemas resulta también “Vengeance”, mientras que “In The Darkness Of The Night”, con una destacada aportación de Shaw Beamer a la batería, apuestan por el sentimiento guitarrero de intrincadas formas, al igual que la excitante despedida con “Justice”.

En conclusión, una grabación donde el trabajo de las guitarras destaca más que en anteriores discos aumentando los momentos energéticos para dejar de lado parte de sus influencias más AOR.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Molly Hatchet
TITULO: Justice
DISCOGRAFICA: SPV
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Grupo: Danzig
Título: Red Deth Sabaoth
Sello: The End
Fecha de publicación: 21 de junio de 2010
Procedencia: Nueva York, Estados Unidos

Más información: Web/MySpace/Facebook/Twitter

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

1. Hammer of the Gods
2. The Revengeful
3. Rebel Spirits
4. Black Candy
5. On a Wicked Night
6. Deth Red Moon
7. Ju Ju Bone
8. Night Star Hel
9. Pyre of Souls: Incanticle
10. Pyre of Souls: Seasons of Pain
11. Left Hand Rise Above

Muy posiblemente, algún fan de Glenn Danzig esté tentado a ponerme a parir al terminar de leer esta review de Red Deth Sabaoth [The End, 2010]. Incluso es más que probable que no llegue ni a las últimas líneas de mi crítica para lanzar algún improperio sobre mi persona o sobre mi capacidad para reseñar este álbum.

Y no se descarta que más de uno me llame maldito punk ya que pienso que la mejor versión de Danzig no se ha visto ni en solitario ni con Samhain. Nada tan impactante como sus primeros años en Misfits.

Lo cierto es que desde que en mayo me llegó el disco, no he logrado encontrarle el punto. Y créanme, no es una cuestión de haberlo escuchado poco. Todo lo contrario. Y con cada escucha el mismo proceso.

Un buen inicio con “Hammer of the Gods”, contundente, como un martillo pilón, con buenos riffs. Pero tras escuchar dos cortes más, “The Revengeful” y “Rebel Spirits”, mi pequeña dosis de ánimo se pierde dentro del limitado y repetitivo esquema de Danzig.

Sí, personalmente, su propuesta me parece de extremadamente limitada. La oscuridad que quiere transmitir con su música ritual y con su voz, que de nuevo vuelve a utilizar esos registros oscilantes entre Elvis y Jim Morrison y que aparece aprisionada por el apartado instrumental; más que de color negro es grisáceo. El gris de la falta de ideas, el gris de la repetición, el gris de la carencia de brillantez, de la ausencia de inspiración.

Red Deth Sabaoth es el regreso al mundo gris. Un conjunto indescifrable de riffs, una canto a la mediocridad y a la agonía. Y aunque suponga un regreso a las raíces, volver al pasado -a los días de gloria- no siempre es una buena idea y, sobre todo, no siempre es una idea acertada.

Al igual que no siempre es una idea acertada autoproducirse. Danzig lo ha hecho y creo que no ha tenido ningún acierto. Especialmente preocupante me parece la falta de fuerza que tienen los solos -y algunos riffs- de Tommy Victor [Prong, Ministry] así como lo distante y alejada que suena la batería de Johnny Kelly [Type O Negative].

Personalmente, creo que Deth Red Sabaoth es un intento de reconciliarse con sus fans más antiguos que ha quedado en un disco regular e irregular. Hubiese mejorado con otra producción, pero nunca enamorado. A pesar de ello, hay algunas canciones que merecen salvarse de la quema. Desde la citada “Hammer of the Gods” a “Ju Ju Bone”, pasando por “The Revengeful” o “Deth Red Moon”.

PD-Si eres un gran fan de Danzig, Deth Red Sabaoth muy probablemente te encantará. Si no has escuchado nunca a Danzig, no te desanimaré a que lo hagas. Y si nunca te entusiasmó, mejor invierte tu tiempo en algo productivo.

 

---

Valoración: 5

---

Texto: Carlos A.S.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Canto a la Libertad, así se llama el recopilatorio de las mejores canciones de este polifacético aragones llamado José Antonio Labordeta. No son buenos tiempos para este intrépido periodista, poeta, escritor, cantautor, profesor, diputado… y cientos de cosas más que, en realidad, son distintos “disfraces” para una de las personas de mayor carisma de nuestro país y, sobre todo, de un hombre que, con su sencillez y su buen humor, se ha colado en los corazones de miles de españoles a través de aquellos memorables viajes que nos mostraba tras “meterse el país en la mochila”.

Un cáncer de próstata ha mermado las fuerzas de Labordeta pero, a pesar de ello, su buen humor y su cercanía con quienes le rodean, siguen siendo sus mayores armas para luchar contra todo esto. Quizás el mejor homenaje para este cantautor cuyas canciones clamaban la libertad como fundamento de nuestra vida, sea esta recopilación de 40 canciones del maestro, un disco titulado, como no podía ser de otra forma, con su canción más conocida; “Canto a la Libertad”

Entre las canciones más destacadas “Banderas rotas“, “Severino el sordo“, “Me dicen que no quieres“, “Que queda de ti, qué queda de mí“, “Paisajes urbanos, días escolares“, “Zarajota Blues” y la que da título al disco: “Canto a la libertad“, en dos versiones, la primera grabación de 1975 y la histórica interpretación en directo del 86 en el teatro Salamanca de Madrid, con sus amigos Joaquín Sabina, Paco Ibáñez, Ovidi Montllor, Javier Ruibal, Imanol, Javier Maestre y Puturrú de Fuá.

Hoy se ha puesto a la venta y, la verdad, no puedes quedarte sin él.

Artista: Lilith
Título: Sal Si Puedes
Sello: Autoedición
Fecha de publicación: 28 de Marzo de 2009
Más información: http://www.lilithrock.com

Listado de canciones:

Guau!
Dios
El Hombre Del Saco
Todo Es Nada
Hijas De Lilith
Pelis Porno
Vestido
Zorra Cruel
Mundo Azul
Olvido
Nana
Adiós

Cuando LILITH lanzó al mercado su primer álbum, No Te RINDas, en octubre de 2007, su nombre ya era de sobras conocido dentro de las nuevas bandas referentes del rock estatal.

Tras telonear a artistas consagrados como AC/DC The Pretenders, Deep Purple, Bob Dylan, Iggy Pop, Bryan Adams, Toy Dolls, o The Gathering, optan por traducir sus temas al castellano antes de publicar el disco. Si bien en aquel, su debut, eran notorios los clichés de un trabajo primerizo, con Sal Si Puedes logran un salto de calidad impresionante. Y esto con unos escasos 2 años de diferencia entre ambos LP’s. Nada es gratuito en este álbum, y todo responde a una disciplina y una lógica impuesta por la banda; sus 12 cortes son temas rockeros compuestos a la vieja usanza: sonido contundente, de cuerdas agresivas y batería enérgica. La voz de Agnes, es un mero reflejo de su rock’n’roll actitud: letras que pretenden ser bofetadas a conciencias adormecidas, interpretadas con agresividad estilista.

En el disco encontramos colaboraciones de miembros importantes dentro de la escena rockera como: Aurora Beltrán, miembros de Barricada (Alfredo, Boni y Drogas), Carlos Pina (Pánzer), Fernando (Reincidentes), Iker (Dikers), o Roberto y Óscar de El Último Ke Zierre. Para la producción y la masterización se ha recurrido a Manuel Torroglossa, quien ha conseguido una homogeneidad que, tal vez, no se había logrado con No Te RINDas.

Pese a tratarse de un disco de ROCK, con mayúsculas, Lilith se permite aproximaciones hacia la vertiente más nuestra del punk, logrando que temas como “Guau!“, “Hijas De Lilith“, “Pelis Porno” fluctúen con comodidad entre el resto. No podían faltar tampoco un par de baladas (”Olvido” y “Nana“), pese a que es en esta vertiente donde la formación muestra cierta desubicación.

Restaremos espectantes a la publicación de su tercer y próximo álbum que cerrará una trilogía sobre la Caperucita Roja que ha logrado de desvestir de ‘feroz’ al lobo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Grupo: VV.AA.
Álbum: Dancing on your Graves: A Rockabilly Tribute to The Hellacopters
Sello: Wild Kingdom
Procedencia: Suecia
Fecha de publicación: 24 de septiembre de 2010
Más información: MySpace

Tracklist:

01. Camtwisters – Gotta Get Some Action
02. Ragged Bones – 24h Hell
03. Eyeballin Torpedoes – No Song Unheard
04. Astrolites – Riot on the Rocks
05. Absints – No Ones Gonna Do it For
06. High-Jacks – No Angel to Lay Me Away
07. Jukebox – By the Grace of God
08. Eyeballin Torpedoes – It Might Mean
09. Tommy Love – Carry me Home
10. Hellbilly Boys – Everythings on TV
11. Rockabillians – Before the Fall
12. The Knockouts – Freeway to Hell
13. Robbans Rockabilly Circus – Toys & Flavours

No soy un gran apasionado de los discos tributo. Sin embargo, sí que me gusta escuchar versiones. ¿Incompatible? No se crean. Me gusta escuchar versiones en directo o bien como cara B de algún single. Pero no me gusta nada que todas estas versiones se pongan en conjunto para formar un disco tributo. Hay casos para todos los gustos, pero, por ejemplo, recuerdo el de Ramones que salió hace unos años que daba vergüenza ajena.

Me gustan los discos tributos cuando están compuestos por bandas del mismo ambiente que el grupo al que se rinde pleitesía, como, por ejemplo, el que sacó Roto Records a Dictators hace más de una década. Aunque, como ya he dicho en la primera línea, no soy un enamorado de estos proyectos.

En el lado contrario se encuentra un sueco que responde al nombre de Carl-Marcus Gidlöf, un entusiasta de las versiones que ya ha sido la cabeza pensante y el responsable de otro disco tributo a otra formación de rock and roll escandinavo: Turbonegro. Un disco tributo… ¡¡¡en clave lounge!!!! Sí, yo también ando buscando semejante esperpento.

Con los antecedentes de este buen señor, cuando me llegó Dancing on your Graves: A Rockabilly Tribute to The Hellacopters [Wild Kingdom, 2010] no pude mostrar otra cosa que escepticismo a pesar de la etiqueta “rockabilly”. Y mirando el listado de grupos que desfilaban por el álbum, salvo The Knockouts -a quienes reseñamos hace unos meses-, no conocía a ninguna de las otras formaciones suecas que rinden tributo a The Hellacopters: Camtwisters, Eyeballin Torpedoes, High-Jacks, Astrolites o Hell-Billy Boys.

Pero lo bueno que tienen los prejuicios es que se desmoronan con el contacto con la realidad. La cruda realidad que se suele decir. Y el primer contacto, “Gotta Get Some Action” a cargo de Camtwisters, fue positivo. Tremendamente positivo y lo que siguió a continuación, también lo fue.

Para variar, Dancing on your Graves es lo que promete la hoja promocional: un tributo rockabilly. Y, además, un tributo que convierte en irreconocibles un buen número de hits de los ‘Hellacas‘. Si no se lo creen, les invito a escuchar “Carry Me Home” por el cantautor Tommy Love.

No deja de ser curioso el escuchar una serie de canciones que forman parte de tu vida pero sonando de otra manera. Con presencia de contrabajos; con algunos guiños al country; con acordes ‘asurfesados’ que convierten “No Song Unheard” en una perfecta banda sonora para ‘OK Corral‘; y por supuesto, algo de actitud punk, presente en “Freeway to Hell” de The Knockouts o en “Riot on the Rocks” por Astrolites. Y les recomiendo que no se pierdan el cover que de “By the Grace of God” se marcan Jukebox. Ligera y perfecta como hilo musical de un ascensor. Un ascensor, o ‘descensor’, al infierno.

 

---

Valoración: 7

---

Texto: Carlos A.S.

En este Saints & Scoudrels se deja de lado el sonido celta de los trabajos anteriores para adentrarse en la tradición más folk irlandesa, con sus palpables conexiones con el folk americano, el cajún y el country. Desde Peete Seeger hasta The Pogues –de hecho el propios Shane Macgowan es una de las colaboraciones estrellas- podría ser el espectro que Shannon maneja en un álbum descarado, gamberro y con un familiar olor a taberna, cerveza y whiskey. Desde la primera “Mama Lou”, con la colaboración de los también irlandeses The Cartoon Thieves,vemos como el tono juerguista, divertido y borrachuzo –eso sí todo con un sonido casi demasiado limpio- va a ser la tónica predominante. La segunda pista recupera un poco los aires celtas para volver muy pronto con el siguiente tema a la fiesta. Probablemente uno de los mejores del álbum, “Go The The Devil”, que cuenta con la tremenda y sensual voz de Imelda Day, tiene un sonido marcadamente rockabilly, muy en la línea del propio álbum de la Srta. May, aunque con ese peculiar punto folk que le da el acordeón.

Un trabajo entretenido, divertido por momentos, en el que quizá la aparición de Shane Macgowan y la curiosidad de muchos por escucharle en la actualidad sea uno de sus mayores alicientes. Hay más colaboraciones, pero ¿alguien se acuerda todavía de The Waterboys? Dentro de la tradición irlandesa más nocturna y tabernera no tendrá un hueco entre los clásicos inmortales, pero seguro que más de uno al menos echara unos cuantos buenos ratos escuchándolo.

 

 

---

Texto: Juan Manuel Vilches

 

 

Pretty Maids, han perseguido desde su fundación, en 1981, pertenecer a la primera división del hard/heavy internacional, sin embargo, han tenido que conformarse con establecerse en una segunda línea, entre las bandas que poseen un sonido cualificado pero a las que les ha faltado el empuje definitivo para situarse entre la élite.

Sus fundadores, Ronnie Atkins (voz) y Ken Hammer (guitarra), lo han intentado en repetidas ocasiones, entregando discos interesantes como Red Hot And Heavy y Future World, con los que iniciaron su trayectoria, o Wake Up To The Real World, predecesor hace cuatro años del presente Pandemonium. Discos de calidad contrastada que no terminaron de otorgar a Pretty Maids el status que se merecían. Otros trabajos encasillados en un sonido excesivamente convencional no ayudaron a conseguir su eclosión definitiva.

Pero la perseverancia en ocasiones tiene su premio y Ronnie y Ken, nos entregan en 2010 un álbum altamente competitivo, posiblemente lo mejor que han facturado los daneses en muchos, muchos años.

Seguramente, la producción de Jacob Hansen ha contribuido a realzar unas canciones variadas donde no renuncian a sus perfiles accesibles aunque, en esta ocasión combinados con un ambiente más enérgico y desestabilizador como el que descubrimos desde el inicial “Pandemonium”, corte en el que también destaca el trabajo de Allan Tschicaja (batería) y Morten Sandager (teclados), elementos que han colaborado en el aspecto de solidificar las composiciones con su calidad y atributos contrastados.

“I.N.V.U.”, con su riff poderosamente sugestivo, sus estribillos pegadizos, el brillante solo de Ken y su alternancia dinámica, mantiene la creatividad del álbum a un alto nivel. En la misma línea, mezclando energía instrumental y sutileza vocal encontramos “Little Drops Of Heaven”, “One World One Truth” y “Final Day Of Innocence”, con Ronnie haciendo gala de una decisiva variedad de registros y, en la última de ellas, una reluciente presencia de teclados.

Más acelerados e intensos se muestran en la desequilibrante “Cielo Drive”, con otro consistente aporte solista de Ken en medio de un ritmo arrollador; en “It Comes At Night”, tema enfocado hacia el estilo de Accept o U.D.O., con ese característico ritmo marcado, y en “Beautiful Madness”, de intensos riffs además de un trabajo excepcional de Ronnie, con su registro desgarrado aportando sentimiento; el mismo que podemos descubrir en las piezas más sosegadas, “Old Enough To Know” y “Breathless”, donde aflora la sensibilidad, que no la sensiblería.

Más allá de las alternativas del caprichoso mercado actual, Pretty Maids, definitivamente, han conseguido facturar un álbum completísimo que fusiona con precisión y lucidez parámetros melódicos y trepidantes.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: Pretty Maids
TITULO: Pandemonium
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Dinamarca

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

Artista: YOSO
Disco: Elements
Sello: Frontiers Records.
Fecha de publicación: 2 julio 2010
Más información: www.frontierrecords.com
Valoracion: 7,5/10
Listado de canciones:
CD 1: Elements

01. Yoso
02. Path To Your Heart
03. Where You’ll Stay
04. Walk Away
05. The New Revolution
06. To Seek The Truth
07. Only One
08. Close The Curtain
09. Won’t End Tonight
10. Come This Far
11. Time To Get Up
12. Return To Yesterday

 

 

CD 2: Directo

 

01. Yoso
02. Rosanna
03. Owner Of A Lonely Heart
04. Walk Away
05. Good For You
06. Yes Medley
07. To Seek The Truth
08. Hold The Line
09. Cinema
10. Gift With A Golden Gun
11. White Sister

YOSO son la nueva “súper banda” formada en USA, con tres pesos pesados del mundo progresivo y AOR de los clásicos y añorados años setenta y ochenta. Si bien es cierto que ninguno de ellos atravesaba por sus mejores momentos (en cuanto a actualidad discográfica, se entiende), su calidad compositiva e instrumental es innegable, y aquí está este “Elements” para demostrarlo. Bobby Kimball (ex-Toto), Tony Kaye y Billy Sherwood (ambos ex-Yes) unen sus mentes para facturar un álbum de rock melódico, AOR, con pequeños detalles sinfónicos que no hacen sino enriquecer el resultado.

Serafino Perugino, alma mater de Frontiers Records, tiene la habilidad de hacerse para su catálogo con las más grandes figuras del melódico. Unas veces por iniciativa propia, con sustanciosos contratos sobre la mesa, otras al acecho de los movimientos que se producen en el mundillo -como el caso que nos ocupa-, el caso es que este tipo de “reuniones” y proyectos son una de sus especialidades. En esta ocasión nos trae una fusión entre los magníficos Toto y Yes más comerciales y accesibles. De ahí la derivación del nombre YOSO, conjugación de los de las bandas de origen. Quedará la duda de si el proyecto tendrá continuidad más allá de esta entrega, como suele ser habitual en estos casos, o si aquí hay banda para rato.

El resultado es un disco de rock muy accesible, salpicado de momentos brillantes, sobre todo a cargo de las seis cuerdas de Johnny Bruhns, que se descubre como un guitarrista excepcional. La parte progresiva queda reducida a detalles que adornan y enriquecen la tarta, pero que ni mucho menos forman parte del ingrediente principal. Kimball es el culpable de ello, pues su voz inevitablemente asociada al AOR así lo impone, haciendo que Toto nos vengan a la memoria una y otra vez, pudiendo decir sin temor a equivocarme que cualquiera de los temas de este disco bien pudiera aparecer en un disco de los californianos. El hecho de que los arreglos de Kaye y Sherwood son deudores de los Yes más comerciales y ochenteros, con el 90125 como mayor reflejo, también ayuda a ello.

Abren con “Yoso”, a modo de carta de presentación, salpicada de solos de guitarra y un trabajo de Sherwood impecable tanto al bajo como en la parte vocal. Kaye envuelve el tema con unos teclados reconocibles, y Kimball es claramente el perjudicado en un tema ramplón, vocalmente hablando, que adolece además de un estribillo demasiado simplón. Para arreglar el desaguisado viene “Path To Your Heart”, trallazo AOR de alta escuela, de nuevo glorificado por la guitarra de Bruhns, quien conviene recordar procede de una banda tributo a Yes, amén de multiples trabajos como músico de sesión. “Where You’ll Stay” pretende emular a los grandes temas a caballo entre los medios tiempos de corte hímnico y la balada AOR al uso, esta vez si, con un Kimball enorme. En “Walk Away” reconocemos a los Yes de la época anteriormente comentada, con el teclado de Kaye otra vez marcando el ritmo de la canción, y unos coros muy logrados, pero es sin duda con “A New Revolution” donde la banda por fin se desata. Kaye campa a sus anchas, la guitarra cobra fuerza y la base rítmica de Sherwood y el desconocido Conner (llegado también de trabajos de sesión y de una banda tributo a Genesis) marca el camino a seguir en una perfecta conjugación entre el AOR de Toto y la ampulosidad de los sinfónicos, en uno de los mejores cortes del disco.

Tan emotiva como previsible es la balada “To Seek The Truth”, y salvo el lucimiento vocal, poco aporta. “Only One”, con su marcado acento funky, nos muestra otra faceta más rítmica y a un Kimball que por momentos recuerda a la tesitura vocal del malogrado Michael Jackson, y que pide a gritos un poco más de fuerza. Tampoco pasará a la historia “Close The Curtain”, que redunda en los clichés del estilo de manera muy marcada, revitalizando la escucha la inmediata “Won’t End Tonight”, emparentada directamente con el sonido ochentero de los ingleses Yes y salvada por los medidos solos de Bruhns, esquema que repiten con “Come This Far”, un tema muy Asia. Para cerrar este “Elements”, “Time To Get Up” hace honor a su nombre, haciéndonos mover los pies en uno de los temas más movidos del disco, gracias a ese ritmo machacón que Sherwood le imprime a su bajo, y al intento de Kimball por acercarse a las tesituras vocales del mismísimo Jon Anderson, cosa que consigue en la última “Return To Yesterday”, balada un tanto insulsa salvo por esa parte final claramente yesera, mutando totalmente al plano acústico y coral. No es mal final, aunque yo hubiera elegido un tema un poco más movido.

En definitiva un disco correcto, yo creo que para salir del paso, mostrando lo buenos músicos que son, pero del que sinceramente esperaba algo más que la repetición de las mismas estructuras y esquemas una y otra vez. ¿Por qué entonces tan alta nota en mi calificación? Pues bien sencillo: el segundo CD de la edición Deluxe es simplemente magnífico. Un directo grabado en una de sus primeras intervenciones en público, en el que muestran algunos de los temas de este debut, mezclados con clásicos de sus bandas de origen. Impagables son “Rosanna” o “Hold The Line”, sinceramente. Si, ya se que estamos hartos de oírlas, pero son temas mágicos. Igualmente ocurre con “Cinema” o “Owner Of A Lonely Heart”. Además, al tratarse de un directo, quien realmente luce son los músicos y sus interpretaciones, y como la cabra tira al monte, es aquí donde sale a relucir (¡por fin!) la sangre progresiva que Kaye, Sherwood y Bruhns llevan en sus venas. Temas alargados, improvisaciones tipo jam y arreglos que en el disco son inexistentes o pasan desapercibidos, cobran aquí el protagonismo que merecen. Kimball demuestra que su voz está en un estado envidiable, llegando incluso a acercarse muy dignamente al rango de Anderson en las líneas del “I’ve Seen All Good People” con el que cierran un, por otro lado, sensacional medley de temas de Yes. Solo con la certeza de ver este sumatorio de canciones de Yes, a mi entender sería motivo sobrado para ir de cabeza a verles en directo. Por si fuera poco (no solo de recuerdos del pasado vive el melómano), canciones como las anteriormente comentadas “Yoso” o “To Seek The Truth”, un tanto insulsas en el estudio, aquí ganan en expresividad y dinamismo.

En agosto estarán de gira por los Estados Unidos, y a continuación han cerrado unas pocas fechas por centro Europa durante septiembre y octubre. Parece ser que no pasarán de esa franja que forman Alemania, Suiza, Bélgica, Holanda y… ¡Luxemburgo! (si señores, el pequeño europeo gozará de una visita que otros ni siquiera soñamos), así que para los que no podemos tirar de mochila a cada rato y aprovechar el verano para verles en directo en aquellas tierras, siempre nos quedará el manido DVD, pues también han anunciado ya su inminente grabación y puesta en circulación para el otoño. Eso, y esperar que la formación no acabe siendo flor de invernadero, pues como siempre se ha dicho, mientras hay vida hay esperanza.

Más información: Página oficial de YOSO

Artista: Spock’s Beard
Disco: X
Sello: Mascot Records.
Fecha de publicación: 10 mayo 2010
Más información: www.mascotrecords.com
Valoracion: 8,5/10
Listado de canciones:
1. Edge of the In-Between – 10:30
2. The Emperor”s Clothes – 6:01
3. Kamikaze – 4:15
4. From the Darkness – 16:53
5. The Quiet House – 9:13
6. Their Names Escape Me – 8:51
7. The Man Behind the Curtain – 7:44
8. Jaws of Heaven – 16:22

Hace tiempo que la experiencia Spock”s Beard se ha tornado como una apuesta segura con cada nueva aventura discográfica. Si en algún momento hubo alguna incertidumbre acerca del devenir musical del combo norteamericano con la marcha de Morse hace casi una década, esta se vio disipada con sus tres posteriores obras, Feel Euphoria, Octane y el magnífico Spock’ s Beard. Ahora regresan con una obra a la altura de sus mejores composiciones, demostrando que su creatividad está a salvo en las manos de un Nick D’Virgilio más que inspirado. X, décimo disco, supone un nuevo escalón hacia el cielo progresivo y sinfónico de Spock’s Beard, situándose al mismo nivel que otras grandes composiciones como V o Snow.

Hace unos años, podríamos hablar de una banda que había madurado, que había encontrado su estilo, o tantos otros clichés habitualmente empleados. Pero claro, ahora eso es algo fuera de lugar, es un punto que ya han superado. Simplemente son ellos, con sus características habituales, y otros nuevos y ricos matices compositivos que les hace sonar más frescos que nunca, aportando ese punto de originalidad a su música que les sitúa en la vanguardia progresiva mundial.

Todas y cada una de sus virtudes se explotan al máximo en X. Los teclados de Ryo, las guitarras de Alan, el acompañamiento imprescindible de Dave, coronado todo ello por la labor compositiva de Nick, son llevados al límite, sin pecar de excesos y siempre a su debido ritmo, al servicio de la canción y no del lucimiento personal que en otros tiempos supuso su particular pecado de juventud. Su compenetración a la hora de componer no admite demasiadas críticas, y ahí radica la clave de su crecimiento, pues cada uno de ellos aporta un estilo diferente y creativo, no siempre fácil de combinar.

Para esta obra, a la espera de encontrar la definitiva distribución a manos de Mascot Records, optaron por la “táctica Marillion“: financiar la grabación con la ayuda de los fans en forma de pedido anticipado del disco. Y han barrido, no sin los consabidos problemas a la hora de producir y mezclar el disco, e incluso al imprimir las copias del mismo (de hecho una importante tirada ha salido defectuosa y se encuentran ahora mismo subsanando las deficiencias). Como recompensa, amén del disco, todo aquel que ha colaborado con la banda recibe productos de merchandising, y quizá lo más destacable para todo diehard fan: su nombre en los créditos del disco y en la letra de una de las canciones.

Como apertura, “Edge Of The In-Between” es demoledora. Enérgica, con mucho ritmo y lo suficientemente comercial como para que su pegadizo estribillo te capture de forma inmediata. No quiero con esto decir que sea un tema sencillo, pues los cambios de estructura se suceden continuamente alternando partes dinámicas con otras más oscuras, pero sorprende sobre todo el tratamiento vocal de Nick junto a unos coros apoyados sobre los colchones electrónicos de Ryo Okumoto. Enlazada, “The Emperor”s Clothes” rompe con una intro minimalista, acústica en mano, para ir introduciendo secciones de viento in crescendo, muy pomposas, que dan paso a Nick en un plano vocal de nuevo innovador, pese a la sencilla estructura del estribillo, compensada con una parte central instrumental sencillamente brillante.

“Kamikaze” destapa la mente creativa de Ryo, dando rienda suelta a sus teclados y sintetizadores, acercándolo a sus influencias setenteras a base de sonido Hammond, que junto a los medidos riffs de Alan hacen de este tema instrumental uno de los mejores cortes de X. “From The Darkness” es la primera gran pieza del disco, dividida a su vez en cuatro secciones de lo más variado, con ese comienzo a ritmo funk y rockero, y en la que encontraremos todos los elementos característicos del universo Beard. Solos medidos y contundentes de todos los músicos, partes sinfónicas, otras más pop… hasta la psicodelia tiene cabida en un tema perfectamente hilvanado en su conjunto.

“The Quiet House” ahonda en el plano más duro de la banda, con una base rítmica contundente y marcada, pero sin olvidarse de la melodía, guiada de nuevo por los teclados clásicos de Ryo y una intervención rockera de Alan de esas que te hacen coger el imaginario instrumento y puntear emocionado al aire acompañando a sus solos.

“Their Names Scapes Me” es el tema en el que homenajean y agradecen a sus fans la ayuda prestada para la grabación de este álbum. Se trata de una canción típica de los norteamericanos, con su entrada instrumental y un par de estrofas bastante interesantes, con la base rítmica dominando, que da paso al homenaje cantando todos los nombres de los que pagaron por adelantado (ni más ni menos que 130 personas), pero que sorprendentemente no desentona con el ritmo instrumental que lo acompaña gracias a su estructura de sucesivas capas vocales. Hasta de un experimento como este salen airosos.

“The Man Behind The Curtain” es quizá el tema más reconocible y achacable al estilo del grupo (en estructura, que no en ejecución), aunque algo acelerado y festivo. Neo-progresivo clásico, con una melodía cíclica a lo largo de toda la canción, sobre la que cada instrumento va dibujando sus respectivas líneas (tanto individual como conjuntamente), y un juego vocal nuevamente muy original, que se cierra en formato acústico. Como tremendísimo final, nos encontramos con la segunda gran pieza del disco, “Jaws of Heaven”, también dividida en cuatro secciones, durante las cuales disfrutamos de los Spock’s Beard más creativos y espléndidos que pueda imaginarme. Destinada a ser uno de los grandes del repertorio en directo, “Jaws Of Heaven” hace gala de emotividad (ojo a los solos de Alan), dinamismo (que manera de atacar el bajo la de Dave) y -otra vez- un grandísimo Nick en sus partes vocales. Todo el universo progresivo se ve aquí reflejado de una manera u otra: desde el sinfonismo de Genesis, al folclore de Kansas, pasando por las melodías intrincadas de ELP, sin olvidarse de las corrientes más actuales de sus “hermanos europeos”, en la onda Flower Kings. Todo es válido y digno de fusionarse entre si, con la virtud adicional de adaptarlo al mismo tiempo a su sonido clásico, utilizando para ello la versatilidad teclista de Ryo, quien se desvela -¡por fin!- como pieza indispensable de la banda.

En definitiva, lo mejor de Spock’s Beard en años, posiblemente de lo mejorcito de 2010, y si no me equivoco, uno de los discos que en el futuro coparán las referencias del progresivo contemporáneo, junto a otros genios como Transatlantic, Pendragon o RPWL. Ahí es nada.

Más información: Página oficial de Spock’s Beard

 

 

Hay grupos cuya característica es la de evolucionar en cada disco, mientras que, de otro lado, existen formaciones donde el inmovilismo estilístico forma parte de su razón de ser. La banda sueca Grave, entra dentro de está última categoría. Formada en 1986, su largo recorrido ha estado marcado por la fidelidad a unos parámetros, de los que muy poco se ha desviado en su trayectoria.

Salvo pequeñas divagaciones puntuales, estos pioneros del death metal que han dado obras determinantes dentro del estilo como su ópera prima Into The Grave (1991) y su sucesor You’ll Never See… (1992) o, posteriormente, Back From The Grave (2002), han apostado por la continuidad de una fórmula que dominan a la perfección a pesar de los límites creativos que conlleva.

Burial Ground, es su noveno disco en estudio y viene a ratificar la perseverancia de Ola Lindgren, guitarra y voz, así como único miembro original que ha seguido adelante con el proyecto mientras otros abandonaron hace tiempo.

Junto al ex Therion Fredrik Isaksson (bajo), incorporado en 2001 y Ronnie Bergerstahl, batería desde 2006, entregan otra virulenta y corrosiva dosis de death metal erosivo de perfiles envenenados, donde las guitarras acondicionadas bajo una afinación sumamente baja se consolidan en el motor principal de canciones como “Liberation”, “Semblance In Black”, “Dismembered Mind” o “Ridden With Belief” y, en definitiva, en el resto de un contenido que mantiene las mismas premisas, aderezado por algún que otro solo de intrincada y frenética ejecución, como sucede en “Bloodtrail”.

Voces agresivas y diabólicas, aunque sin llegar a la paranoia, riffs fabricados en el mismísimo infierno, baterías primitivas impregnadas de crudeza y un bajo que se confunde con la guitarra, son los elementos predominantes de un disco que solo pretende preservar el espíritu del death metal más oscuro y elemental, despojado de florituras que prostituirían su esencia.

Un apunte final, el cierre del álbum, con “Burial Ground”, el tema que le da título, es tan denso y marcado que podría entrar en la categoría de doom/death metal, y redondea el trabajo con un toque siniestro cuyo magnetismo impregna la atmósfera de sonidos de ultratumba.

CALIFICACION: 7,25/10

GRUPO: Grave
TITULO: Burial Ground
DISCOGRAFICA: Regain Records
AÑO: 2010
PAIS: Suecia

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

I Am Abomination, es una banda procedente de Michigan (Estados Unidos), cuyo concepto musical podría definirse en un principio como metal alternativo en el sentido de que su propuesta abarca una interesante variedad de esquemas donde convergen elementos de diversa procedencia.

Después de publicar Jaw Dropper en 2008, To Our Forefathers es su primera grabación para su nueva compañía, Good Fight Music, quien puso a su disposición el competente productor Joey Sturgis, responsable de haber contribuido a desarrollar el mejor sonido de The Devil Wears Prada.

I Am Abomination, apuestan por la renovación de las estructuras convencionales sin olvidar referencias del pasado, formando composiciones donde se aglutinan formas que devienen en un auténtico arco iris de sonoridades que en ocasiones alcanzan horizontes explosivos donde el post hardcore y el metal se complementan con ingredientes progresivos y electrónicos hasta alcanzar posiciones extravagantes como se descubre ya en el tema inicial “Since1776”, donde, en un entorno de guitarras viscerales, se dibujan bajos de perfiles funkys, incrustaciones de teclados futuristas e, incluso, partes orquestadas en su tramo final, además de la voz de Phil Druyor, cuyo melódico registro encaja perfectamente entre grupos de emo y de death metal melódico y que es una de las principales características que acompaña al álbum durante todo su contenido.

Evidentemente, To Our Forefathers acoge un enfoque modernista en el que la agresividad de unas intrincadas guitarras contrasta con fundamentos armoniosos que en ocasiones son tan imprevisibles que ofrecen una visión algo exótica, como lo corroboran, “Toughtcrime Is Death” o “Cataclysm”, temas complicados en su ejecución pero de escucha placentera.

“The Deceiver”, con momentos de voces agresivas y sus resolutivos riffs, “Art Attak”, “Creatures Of The Night” y la corrosiva despedida con “Element 151”, ratifican el entretenido y consistente desafío que proponen I Am Abomination, verdaderos aventureros a la hora de asumir riesgos para establecer nuevas rutas y buscar establecer ideas que eviten la reiteración de posicionamientos.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: I Am Abomination
TITULO: To Our Forefathers
DISCOGRAFICA: Good Fight Music
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Tenemos aquí a uno de los músicos más legendarios de Nueva Orleans, heredero de la tradición más castiza, con el héroe local Professor Longhair como referente indiscutible. Sin embargo, su carrera ha discurrido más por las labores de productor, compositor y arreglista y ha sido en los últimos años cuando se le ha visto más cómodo en su faceta de artista en álbumes como The River In Reverse, junto con Elvis Costello, y éste The Bright Mississippi que ahora nos ocupa.

Nos encontramos con una selección casi perfecta de clásicos del swing y el jazz orleano. Magníficas versiones de clásicos de artistas como Sidney Bechet, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton, Duke Ellington o Thelonius Monk. Todo ello aderezado con unos músicos de enorme valía y fama: Marc Ribbot, inmenso en el solo de “St. James Infirmary”, Joshua Redman al saxo en “Day Dream” o el enorme Don Byron al clarinete.

Pero éste álbum no es tan sólo una recopilación de viejos estándares sino que, respetando al máximo las composiciones originales, consigue darles nueva vida de la mano de un sonido muy acústico. A caballo entre el jazz de los años 20 y el blues más rural del delta, Toussaint y la pléyade de grandes músicos que le acompaña consigue dar a estos temas una homogeneidad que si escuchamos las composiciones originales en este mismo orden veremos que es uno de los grandes aciertos de este trabajo.

Un álbum que seguro consigue que muchos de aquellos que acercándose al jazz se encontraron de un día para otro con Coleman o Coltrane, lo vean de otro modo. No todo ha sido siempre jazz contemporáneo ni free jazz.

---

Texto: Juan Manuel Vilches

 

 

Mientras los seguidores de Mötley Crüe esperan pacientemente una próxima entrega discográfica, Vince Neil aprovecha el tiempo para reactivar su carrera en solitario, marcada hasta ahora por dos álbumes en estudio Exposed (1993) y Carved In Stone (1995), además del directo Live At The Whisky: One Night Only (2003).

Así las cosas, Tattoos & Tequila aparece quince años después de sus últimas composiciones en estudio, aunque este no es un álbum completo de canciones inéditas sino que se trata de un trabajo de versiones con el añadido de dos nuevas piezas de cosecha propia.

Si era necesario un disco así queda para la opinión particular de cada cual. Lo cierto es que al vocalista de Mötley Crüe le apetecía el asunto y le sobra tiempo y dinero para hacer lo que le venga en gana. Si gusta o no, seguramente le traerá sin cuidado.

Este es un disco de aquellos que, según gustos subjetivos, el oyente disfrutará con ciertos temas y “pasara” de otros, aunque prevalecen los perfiles hardrockeros y la dinámica energética.

Comenzando por las canciones nuevas, “Another Bad Day” es una típica balada para redescubrir el lado sensible de Vince, mientras que “Tattoos & Tequila” es un excelente hard rock de connotaciones sleazy en el que el cantante se encuentra “como pez en el agua”, fabulosamente apoyado por la guitarra de Jeff Blando, brillante durante todo el disco, al igual que su colega en Slaughter, el bajista Dana Strum (especialmente destacable en la versión de los Sex Pistols, “No Feelings”). La formación se completa con el compacto batería Zoltan Chaney.

Los amantes de los sonidos más duros se deleitarán con la crudeza de “Nobody’s Fault” (Aerosmith), la mencionada “No Feelings”, “Another Piece Of Meet” (Scorpions), “Beer Drinkers And Hell Raisers” (Z Z Top) y una arrolladora “Viva Las Vegas” (Elvis Presley), que para muchos podrá sonar a sacrilegio y que, sin embargo, suena con una fuerza revitalizadora

Sin ser tan agresivas, “He’s A Whore” (Cheap Trick), “Ac/Dc” (The Sweet) y “Bitch Is Back” (Elton John), mantienen los niveles vitalistas elevados, mientras que “Long Cool Woman” (The Hollies), suena algo más clásica aunque, en ese sentido, destacan los aromas country de “Who Will Stop The Rain” (Credence Clearwater Revival), el tema más sentimental y, a la vez, más fuera de contexto.

Un disco con mucha marcha, entretenido y desenfadado, para saborear sin complicaciones ni excesivas “comidas de coco” donde Vince Neil exhibe sus reconocidas cualidades vocales, arropado eficazmente por un equipo de calidad contrastada.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Vince Neil
TITULO: Tattos & Tequila
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Con M.O.D. fuera de combate y con Suicidal Tendencies y D.R.I. en el limbo y sin entregar nuevas grabaciones desde hace ya algunas lunas, solo nos quedan Pro-Pain para seguir disfrutando de las excelencias del mejor crossover, estilo del que los componentes de la formación de Nueva York son unos auténticos maestros y, en la actualidad, principales abanderados de un movimiento casi extinguido.

Fieles a sus conceptos originales, Gary Meskil (bajo y voz) y Tom Klimchunck (guitarra), los dos supervivientes de su época fundacional, han pasado de las modas para entregar periódicamente material lo suficientemente atractivo como para mantener a su lado a un buen puñado de seguidores.

Marshall Stephens (guitarra), y Rick Halverson (batería), incorporados respectivamente en 2007 y 2009, cumplen a rajatabla con las premisas que se les exigen, estableciendo así la solidez que siempre ha caracterizado a Pro-Pain.

De esta forma, Absolute Power, no esconde sorpresas ni aporta excesivas novedades al sonido del grupo pero destila consistencia y entretiene de principio a fin. Aquí no hay momentos de respiro, la maquinaria rítmica se pone en marcha con “Unrestrained” y su recurrente riff, que va a acompañarnos durante todo un recorrido de abigarrados grooves, frenéticas aportaciones guitarreras y machacona batería, tal como se puede apreciar en, “Destroy The Enemy”, “Stand My Ground”, “Road To Nowhere” o, “Rise Of The Antichrist” cortes en los que se incrustan desequilibrantes e hirientes solos a cargo de Tom, que se convierte en la pieza fundamental para desestabilizar los ritmos y dotarlos de cierta particularidad.

No hay más secretos que la honestidad, la determinación de mantener unos esquemas creíbles y, sobre todo, ser capaces de resultar convincentes siguiendo unas premisas que dejan escaso margen a la innovación. Seguramente, esas sean las bases que hacen posible la continuidad de Pro-Pain en un mundo en constante mutación.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Pro-Pain
TITULO: Absolute Power
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Grupo: Tom Petty & The Heartbreakers
Álbum: Mojo
Sello: Reprise Records
Procedencia: Gainesville, Florida. Estados Unidos
Fecha de publicación: 15 de junio de 2010
Más información: Web/Myspace/Facebook/Twitter

Tracklist:

01. Jefferson Jericho Blues
02. First Flash Of Freedom
03. Running Man’s Bible
04. The Trip To Pirate’s Cove
05. Candy
06. No Reason To Cry
07. I Should Have Known It
08. U.S. 41
09. Takin’ My Time
10. Let Yourself Go
11. Don’t Pull Me Over
12. Lover’s Touch
13. High In The Morning
14. Something Good Coming
15. Good Enough

Una de las sensaciones que siempre desprende la música de Tom Petty & The Heartbreakers es la de honestidad, sinceridad. Cualidad ésta que va más allá de lo estrictamente compositivo y sonoro, también en sus declaraciones.

Antes de la publicación de este álbum, Tom Petty dijo del álbum que su intención era la de “mostrar a la gente lo que escucho cuando toco con la banda. Mojo [Reprise Records, 2010] es donde el grupo vive cuando toca para sí mismo”.

El guitarrista también esbozó la línea musical que seguirían las 15 canciones que componen su nueva entrega con The Heartbreakers. “Tocamos blues, algunas canciones son largas, con un estilo de jam session”.

Como persona honesta, haciendo gala de su virtud, no nos ha engañado. Exactamente, Mojo es lo que Tom Petty anticipó. Un disco muy ‘bluesero’, que por supuesto está edulcorado con pinceladas de otros estilos, como el country -”Candy”-, el folk -”U.S. 41”- o el reggae -”Don’t Pull Me Over”-.

Pero el sonido predominante es el blues. Desde la apertura con la animada “Jefferson Jericho Blues” hasta el final con la conmovedora “Good Enough”. Pasando por blues de riffs poderosos y aire ‘zeppeliano’ de ”I Should Have Known It”, por blues al estilo Chicago de ”Takin’ My Time”-, o por inolvidables composiciones como la movida “Let Yourself Gone”, la placentera “The Trip To Pirate’s Cove” o la balada “No Reason to Cry”.

También es un trabajo en el que la banda ha dado rienda suelta al concepto jam session, aunque sin abusar. Tan sólo hay tres cortes de más de cinco minutos. La sobrecogedora “Good Enough”, con la que se cierra el álbum; más dos composiciones que sobrepasan los seis: “First Flash Of Freedom” y “Running Man’s Bible”.

Lo mejor de espíritu de jam session, de esta idea de grabar juntos y a la vez, es que da como resultado un trabajo compacto, sin fisuras, donde todos los miembros de la banda tienen su momento estelar, nadie acapara más tiempo del necesario, y donde el grupo suena a grupo a lo largo de los 15 cortes que componen Mojo.

Y aunque me encanta el resultado colectivo, no voy a dejar de destacar el trabajo individual tanto de Mike Campbell, cuya guitarra furiosa deslumbra en “I Should Have Known It”; o del teclista Benmont Tench a lo largo de todo el álbum, pero especialmente acertado en la construcción atmosférica de “The Trip To Pirate’s Cove”.

 

---

Valoración: 9

---

Texto: Carlos A.S.

 

 

Eliminados definitivamente los residuos de nu metal que arrastraba Soulfly desde los inicios de su trayectoria, Max Cavalera termina de alinear su proyecto post Sepultura en unos parámetros claramente vinculados a sus propios orígenes como músico, es decir, thrash metal asociado con determinados registros hardcore y algunas pinceladas de punk irreverente.

Omen, séptimo álbum de la banda fundada por Max en 1997, simplemente ratifica la paulatina evolución que ha mantenido su sonido hasta la actualidad, con Dark Ages (2005) y Conquer (2008) como sus más inmediatos ejemplos.

De esta forma, nos encontramos con uno de los trabajos más agresivos que haya compuesto Max, dotado de unos imponentes ritmos de compacta recurrencia, tanto en lo que respecta a guitarras como a baterías, así como una combativa vocalización y, por sobre todas las cosas, unas imaginativas concesiones armoniosas que contrastan con el abrupto ambiente general, para así, introducir una variante dinámica que evite la excesiva tendencia hacia la brusquedad.

Obviamente, la contundencia se muestra como algo inexorable y consustancial a la idiosincrasia de Soulfly. Pero es en las pequeñas intromisiones melódicas cuando el álbum gana interés y aumenta la atención del oyente. Y, aquí, respetando todo el reconocimiento que se merece Max, es decisiva la contribución de Marc Rizzo.

El inicio, con el brutal “Bloodbath & Beyond”, es de marcado acento punk; a continuación empiezan las “delicias” guitarreras con “Rise Of The Fallen”, en el que colabora a las vocales Greg Puciato de Dillinger Escape Plan y que contiene un ingenioso giro estructural.

“Great Depresion”, mantiene la dualidad brutalidad/melodía en un nivel altamente convincente, algo que se repite en “Lethal Injection” donde colabora Tommy Victor de Prong y que incluye, posiblemente, el mejor fraseo del disco con Marc destapando sus mejores esencias.

“Kingdom”, “Jeffrey Dahmer”, “Off With Their Heads”… son composiciones encauzadas en la misma línea y que, de algún modo, pueden recordar al trabajo de Cavalera en su etapa con Sepultura pero despojadas de casi todos sus rasgos tribales y más cercanas a los sonidos norteamericanos, aunque Max siempre se guarda alguna sorpresa como el exótico final de “Vulture Culture”, tema asimismo desequilibrante.

Un álbum que ratifica la vigencia de las cualidades de Cavalera y sus colaboradores actuales, comenzando por la creatividad de Marc Rizzo y continuando por la demoledora contundencia de Joe Nunez a la batería.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: Soulfly
TITULO: Omen
DISCOGRAFICA: Roadrunner
AÑO: 2010
PAIS: Brasil/Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Descubrí a Kiuas en 2008 cuando lanzaron su tercer álbum The New Dark Age y desde ese momento pasó a ocupar un lugar destacado dentro de mis particulares preferencias por un motivo principal, se trata de una banda de amplios horizontes estilísticos en los que caben referencias de la más variada procedencia. De esta forma, sus composiciones suelen convertirse en encrucijadas sonoras donde el metal de adjetivos como power, folk, thrash o prog, están estrechamente vinculados con inusitada imaginación.

Es una pena que una formación como la finlandesa no acapare la atención de los medios especializados como se merece ya que atesora mucha más calidad que otras que sí tienen un mayor respaldo de la prensa con menos argumentos para merecerlo. De hecho, es difícil encontrar una reseña del disco en revistas españolas e, incluso, en las webs con mejor posicionamiento online. Así que, desde aquí, les vamos a hacer justicia.

Lustdriven, es su nuevo álbum, posiblemente menos agresivo que el anterior, pero igual de atractivo porque la esencia de su personalidad, que es la de ofrecer diversidad, se mantiene intacta.

Formados en 2000, seguramente poca gente reconocerá sus identidades: Ilja Jalkanen (voz), Mikko Salovaara (guitarra y voz), Markku Näreneva (batería), Atte Tanskanen (teclados) y Teemu Tuominen (bajo), pero aquí no se trata de nombres sino de auténticos profesionales que en conjunto forman una banda altamente competente que utiliza con creatividad una multiplicidad de recursos de los que extrae un rendimiento fabuloso.

Con unas bases asentadas en el metal como principal punto estructural, los giros esquemáticos pueden transportarnos hacia las fronteras del power, incluyendo alguna que otra filigrana a base de escalas guitarreras y con sugestiva presencia de teclados, incrustados con una maestría determinante para conseguir atmósferas cargadas de vitalidad. Pero también apuestan por las incursiones más agresivas con acercamientos a las aristas procedentes del thrash, con riffs musculosos y requiebros vigorizantes, sin olvidarnos de una vocalización versátil que igual surge amenazante como apaciguadora, además de contar con el apoyo de unos coros de perfiles épicos, sin llegar a la grandilocuencia trasnochada.

Bajo estas premisas, cada canción cuenta con su propia identidad en un contexto de libertad que incide positivamente en el resultado final. Así, el inicio resulta trepidante con “Kiuassault”, donde, en una base thrash se incrustan sonoridades folkies, de lo más desequilibrante del disco cuando irrumpen unas incendiarias guitarras y sugerentes adornos de teclados. Igual de potente resulta “Cry City Angel”, con sus coros pegadizos, mientras que en “Of Love Lust And Human Nature” se tornan más oscuros, aunque sin perder fuerza. “Aftermath” ratifica sus vínculos con el metal contundente y su capacidad para los requiebros dinámicos y las guitarras abrasivas, genialmente apoyadas por una batería de pegada compacta.

“Lights Are Many”, pone de manifiesto amplitud de ideas abordando los momentos sosegados de seductor sentimiento, piano incluido, además de un excelente trabajo vocal, al igual que en la semiacústica de aromas folkies “Summer’s End”.

El escenario sufre un radical cambio con la majestuosidad de “The Visionary”, con los teclados acaparando protagonismo. “Hear And Will” y “The Quickenin”, repiten virtudes para mantener la grabación a un nivel de excelencia envidiable, que se despide con “Winter’s Sting”, otra dosis de magistral inventiva.

CALIFICACION: 9,25/10

GRUPO: Kiuas
TITULO: Lustdriven
DISCOGRAFICA: Spinefarm
AÑO: 2010
PAIS: Finlandia

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Fever, es el tercer álbum de Bullet For My Valentine, sucesor del potente Scream Aim Fire, que ha despertado entre medios especializados y aficionados unas importantes expectativas después de la consistencia que ha mostrado la formación galesa en doce años de carrera.

Habría que poner en una balanza sus dos últimas grabaciones y analizarlas con minuciosidad para discernir cual es más sobresaliente. Personalmente creo que con Scream Aim Fire consiguieron sorprender al mostrar un trabajo compacto y altamente competitivo, para así, despertar el interés de un mayor número de seguidores. Tras aquella experiencia, el listón estaba muy alto y por eso, quizá, Fever, siendo una grabación igualmente desequilibrante y rompedora, ya no impresiona tanto.

Salvedades aparte, y centrándonos en el disco, hay que reconocer, ante todo, la impresionante labor instrumental que contienen la mayoría de composiciones, sobre todo en lo que respecta a los variados desarrollos de guitarra a cargo de Matthew Tuck y Michael Paget, siendo necesarias diversas escuchas para poder absorber todo su potencial, a pesar de cierto sustrato recurrente en las partes rítmicas.

En cuanto a la dualidad vocal melódico/agresiva, sigue constituyendo una de las principales características de Bullet For My Valentine, lo que sumado a otras peculiaridades, los sigue encuadrando plenamente en el contexto del metalcore melódico, dejando injertos procedentes del thrash y el heavy metal como los complementos que definen su propuesta y determinan la estructura en la que se fundamenta su particular sonido.

Lo que queda claro, es la habilidad del grupo para mezclar los estribillos pegadizos con partes abruptas, en ese sentido, el álbum cuenta con algunos brillantes ejemplos. Posiblemente, uno de los más desestabilizadores lo encontremos en “Beggin For Mercy”.

Y si hablamos de sus encuentros con el thrash, definitivamente, tenemos que nombrar “Pleasure And Pain”, pieza cuyo veloz fraseo de guitarra parece “apadrinado” por el mismísimo Dave Mustaine.

No está demás distinguir la excelente sonoridad que aporta el bajo de Jason James en precisos momentos, destacando su presencia en “Breaking Out Breaking Down”. Y no seríamos justos si dejáramos de lado la solidez de Michael Thomas a la batería, con intervenciones fundamentalmente destacadas en la inicial “Your Betrayal” o “Fever”.

Bullet For My Valentine, mantienen los argumentos y virtudes que les van a facilitar seguir sumando nuevos seguidores. Fever es otra muestra de que su creatividad no se resiente a pesar de mantener una fórmula con poco margen para la innovación. Ese es su principal mérito, “sacar petróleo de un pozo muy explotado ya”.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Bullet For My Valentine
TITULO: Fever
DISCOGRAFICA: Sony/BMG
AÑO: 2010
PAIS: País de Gales

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Nada menos que una década han tardado Armored Saint en poner en orden su errática trayectoria y lanzar un nuevo álbum. Tiempo en el que John Bush aprovechó la inactividad de Anthrax para reactivar la formación junto a Joe Vera. Vocalista y bajo unieron fuerzas a Phil y Gonzo Sandoval, guitarra y batería respectivamente, más el guitarrista Jeff Duncan, que había sustituido en su momento al fallecido Dave Prichard y publicaron en 2000 su hasta ahora último disco en estudio, Revelation. Un año después entregaron Nod To The Old School, recopilatorio de rarezas varias y la banda volvió a quedar en hibernación cuando John Bush se reincorporó a Anthrax.

Posteriormente Anthrax programó el “Reunion Tour” con Joey Belladona y la permanencia de John se convirtió en un tira y afloja que ha terminado en un callejón sin salida, permitiendo al vocalista volver a poner en órbita a sus “santos acorazados” para facturar un nuevo álbum con la misma formación que hace diez años.

Bajo el título de La Raza, Armored Saint reanudan sus actividades con unas premisas que poco tienen que ver con sus inicios. Aquí, los perfiles heavys de aromas ochenteros han quedado prácticamente descatalogados. Estamos ante una evolución musical que se sitúa en parámetros imposibles de etiquetar. Es cierto que las influencias de la estancia en Anthrax, tanto de Bush como de Vera, pueden haber marcado de algún modo su forma de componer, sin embargo, su propuesta sigue unos derroteros muy personales, sin decantarse hacia algún estilo en particular.

Definitivamente, La Raza es un álbum de horizontes abiertos y estructuras desligadas de cualquier atadura estilística, que absorbe referencias vinculadas al hard y al heavy para transformarlas en imaginativos híbridos de metal cargados de sorpresas.

Obviamente, estamos ante un álbum que contiene ingredientes desestabilizadores como, rotundas bases rítmicas, atractivos fraseos de guitarra y, por supuesto, la inestimable labor de John Bush, quien demuestra sus cualidades de forma brillante y sin cuya aportación Armored Saint perderían parte de su atractivo.

Tampoco podemos dejar pasar por alto el magnífico trabajo de Phil y Jeff, espléndidos de recursos, así como Joe en el apartado de producción quien, como es lógico, ha sabido encontrar espacios para el lucimiento del bajo en determinados momentos, sin olvidarnos de la contundencia de Gonzo con las baquetas, especialmente inspirado en el corte que cierra la grabación, “Bandit Country”.

Temas como, “Loose Cannon”, “Head On”, “Left Hook From Right Field” o “Get Off The Fence”, corroboran la calidad del contenido aunque, en realidad, habría que mencionarlos todos para hacer justicia al disco y a una formación que no ha gozado del éxito que por méritos creativos le corresponde.

Un álbum para oídos pacientes que sepan apreciar todo su potencial y asimilar de forma positiva sus continuos devaneos esquemáticos.

CALIFICACION: 9,00/10

GRUPO: Armored Saint
TITULO: La Raza
DISCOGRAFICA: Metal Blade
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Formados en 1991 por Warrel Dane (voz), Jim Sheppard (bajo) y Jeff Loomis (guitarra), quienes decidieron poner punto final a Sanctuary e iniciar un nuevo proyecto, Nevermore ha construido una sólida trayectoria que abarca, con The Obsidian Conspiray, siete grabaciones de larga duración.

El grupo norteamericano se caracteriza por desarrollar parámetros que engloban una diversidad de influencias vinculadas a perfiles progresivos mezclados con resonancias grooves y pinceladas de thrash metal. Una apuesta que a priori podría ser un arma de doble filo por su indefinición, termina constituyéndose en su seña de identidad y en un valor positivo que, debido a su variedad, deviene en un entretenido tratado de metal.

De esta forma, The Obsidian Conspiracy destaca por sus fenomenales guitarras, con Loomis demostrando ingenio y recursos, tanto en los frenéticos riffs como en las progresiones solistas de hirientes aristas; a su vez, apoyado de forma consistente por la precisa pegada de Van Williams a la batería, especialmente desequilibrante en el tema título, que cierra el álbum. Asimismo, Warrel aporta un tono vocal sobrado de caudal y enérgico pero sin llegar a los extremismos.

La capacidad de Loomis, se aprecia desde la inicial “The Termination Proclamation”, donde ya queda claro que las partes vocales van a tener que pelear por no sucumbir ante la aplastante maquinaria instrumental, tal como se descubre seguidamente en “Your Poison Throne”, tema que contiene un repentino giro estructural en el que introducen un retorcido solo de guitarra.

Lo concluyente es que, la asociación de bases rítmicas demoledoras con intrincados injertos guitarreros además de la capacidad vocal para moldear texturas agresivas con incisos melódicos de corto recorrido, conforman composiciones desestabilizadoras como, “Moonrise (Through Mirrors Of Death)”, “And The Maiden Spoke”, y “Without Morals” o, intromisiones más sosegadas, aunque contundentes, como, “Empiness Unobstructed”, “The Blue Marble And The New Soul”, oscura y cargada de dramatismo para lucimiento de Warrel, y “The Day You Built The Wall”, pieza que se debate entre el sentimiento y la contundencia, al igual que sucede en “She Comes In Colors”. De hecho, el álbum transcurre, en gran parte, entre dos fronteras, una portentosamente vitalista y otra algo más armoniosa y sutil. De entre las dos tendencias surge un álbum altamente competitivo y vibrante.

Por cierto, Warrel, Jim y Jeff, han reactivado la carrera de Sanctuary en 2010.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Nevermore
TITULO: The Obsidian Conspiracy
DISCOGRAFICA: Century Media
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Aunque World Domination es un álbum originalmente lanzado en 2008, nos llega ahora a España una edición especial publicada en su momento en Japón. Se trata del cuarto álbum de los suecos Fatal Smile, banda fundada por el guitarrista que atiende al nombre de Y, quien, tras publicar tres álbumes, Beyond Reality (2002), Learn-Love-Hate (2005) y Neo Natural Freaks (2006), reestructuró la banda para captar a los componentes que grabaron este disco, Blade (voz), Axl (bajo) y Zteff (batería); este último, ha causado baja recientemente por motivos personales y ahora están en tareas de buscar un nuevo aporreador.

Fatal Smile, podría definirse como un híbrido entre Mötley Crüe y Wasp, con adicionales influencias de los diversos combos que formaron parte del movimiento glam/sleazy en la década de los 80.

Con esos fundamentos como bandera, las composiciones de los suecos conceden un importante protagonismo a las partes de guitarra. Ante todo, en lo que se refiere al predominio de los riffs vigorosos y bien definidos para, sobre ellos, dibujar interesantes desarrollos de guitarra solista, tal como se puede observar en el vitalista inicio con “S.O.B.”, con unos coros muy “a lo Wasp”, así como en “Stranger”, “Run For You Life” o “Straight To Hell”, por destacar algunos temas representativos de un contenido general donde cada canción aporta sus características individuales para conformar un álbum donde la diversidad es uno de sus puntos fuertes, como también lo demuestra la capacidad del vocalista para aportar distintos registros.

De igual modo que nos regalan con mayoría de material más bien entusiasta y desenfadado, también aportan momentos algo más oscuros dotados de cierto sentimiento, en este aspecto destaca “No Tomorrow”, con su atmósfera densa de ritmo marcado.

World Domination, completa sus buenas vibraciones con una excelente producción a cargo del afamado Michael Wagener (Metallica, Accept, Mötley Crüe, Ozzy Osbourne, entre otros muchos), además de la colaboración en el apartado de composición de Paul Sabu, todo un experto en la materia.

Un trabajo atractivo, con arremetidas guitarreras desequilibrantes, intensa dinámica y recursos estructurales los suficientemente ingeniosos como para evitar la monotonía.

La edición cuenta con cuatro bonus, dos audios: “Six String Gun” y “Pissed”, y dos videos: “S.O.B.” y “Run For Your Life”.

Fatal Smile estarán de gira por España en octubre, una ocasión para descubrir toda su frescura y energía en directo.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: Fatal Smile
TITULO: World Domination (Special Edition)
DISCOGRAFICA: SoundPollution
AÑO: 2008/2010
PAIS: Suecia

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Grupo: I Call Fives
Álbum: Bad Advice
Sello: No Sleep Records
Procedencia: New Jersey, Estados Unidos
Fecha de publicación: 25 de mayo de 2010

Más información: Web/MySpace/Facebook/Twitter

Tracklist:

01. Hand Me Down Luck
02. Elevator Music
03. Try Hard To Remember
04. Easy To Say States Away
05. Two Days Or A Lifetime Of Failure
06. Take The Fall

No creo que vaya a descubrir América con la siguiente frase: en el mundo de la música, las etiquetas hay que cogerlas con pinzas. Están bien como marco de referencia, pero nunca debemos hacer mucho caso de ellas o, al menos, tomarlas al pie de la letra ya que cada persona tiene su particular e intransferible concepto sobre un género determinado.

La última vez que he comprobado la realidad de esta interpretación personal ha sido con el EP Bad Advice [No Sleep Records, 2010] de I Call Fives. Una prometedora formación de New Jersey que en mayo vio publicado su segundo EP, en este caso editado a través de No Sleep Records. Un grupo que le pega al ‘pop-punk’ que he deducido que nada tiene que ver con el ‘punk-pop’, en el que encuadro a bandas desde Buzzcocks a los recientes The Cute Leppers.

Una vez realizada la primera escucha y tras deducir la diferencia semántica entre ‘pop-punk’ y ‘punk-pop’ -para rizar la ecuación tan sólo falta el powerpop-, me centré en lo verdaderamente importante: la música. Y es que la etiqueta, el género, la categoría, poco importa, es una discusión irrelevante cuando las canciones hablan por sí solas.

La sensación que me ha dejado este Bad Advice es que a juzgar por estas seis canciones, es cierto que estamos ante una de las promesas del punk más melódico y ante una banda llamada a disputar el cetro de esta categoría.

I Call Fives saben sonar potentes, algo de lo que nos damos cuenta al escuchar los primeros segundos del primer corte, “Hand Me Down Luck”; también saben ser rápidos, como en “Try Hard to Remember”, que cuenta con una parte que me recuerda al mejor hardcore melódico de mediados de los 90’s; pero, sobre todo, saben cuidar el aspecto melódico de su música, especialmente las voces.

Es el apartado vocal el que mejor encaja con el concepto ‘pop’. I Call Fives demuestran saber usar con eficacia las dos voces, algunos coros, y, sobre todo, ese toque adolescente de su cantante principal. Y para reforzar este lado pop y melódico nada mejor que una balada, que cuenta con guitarras acústicas, como “Take the Fall”, con la que se cierra esta entrega. Por cierto, el EP también tiene comercializada su versión acústica.

---

Valoración: 6

---

Texto: Carlos A.S.

 

 

Yearn, es una banda cuyo origen surge en Bélgica en 2007 bajo la dirección del vocalista J. Yearn y el guitarra solista Madfab, a quienes se unieron posteriormente Loren (guitarra rítmica), Charlie (bajo) y Alex (batería). Partiendo de una doble base de operaciones situada en Bruselas y en la, localidad española de Altea, la formación plurinacional edita en 2010 su álbum debut con la denominación de This Is The Murmur Of Yearning, contanto con la ayuda del productor Daniel Saiz (Ken Hensley, Glenn Hughes, Jorn Lande, etc.).

Sus parámetros musicales circulan en torno a un hard de registros suaves asociados al rock alternativo con ciertos residuos prestados del grunge, como se puede comprobar en “Scards In Your Mind” o “Driver”, por ejemplo.

Las composiciones tienen una perspectiva algo melancólica y cuentan con un elaborado trabajo creativo en lo que se refiere a arreglos y detalles auxiliares con el correspondiente enriquecimiento general que otorga al disco un plus de interés.

This Is The Murmur Of Yearning, se decanta por los riffs vigorosos envueltos en perfiles ligeramente corrosivos, apoyados por una sencilla pero efectiva y armoniosa dinámica rítmica (apreciable en temas como “Spineless”) y una vocalización de presencia dominante, con el medio tiempo como fundamento principal.

Un álbum que nos muestra a un grupo con ideas atractivas y un interesante futuro aún por desarrollar plenamente.

CALIFICACION: 7,00/10

GRUPO: Yearn
TITULO: This Is The Murmur Of Yearning
DISCOGRAFICA: Murmur Records/Santo Grial
AÑO: 2010
PAIS: Bélgica/España

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Con un estilo fiero, reivindicativo y hasta cierto punto revolucionario, M.I.A. supo como llevarse de calle a la prensa especializada y a los gafapastas más exquisitos, que la encumbraron hasta lo más alto de sus preferencias y listas más elitistas. Pero la gloria no es eterna, y ahora son ellos los que dudan de su talento. Que si va de auténtica y en realidad es una pija redomada, que estaría perdida sin Diplo y compañía, que si se ha vendido a partir del éxito de “Paper planes”. Teorías algunas más justificadas que otras, pero que en la mayoría de los casos nos aleja de lo que verdaderamente nos importa: su música. Arular y Kala supusieron una bocanada de aire fresco agradecida y necesaria, grandes obras que demostraron que aún no estaba todo inventado. ¿Podemos afirmar lo mismo de /\/\ /\ Y /\? Rotundamente no. Tampoco es que este nuevo álbum no tenga nada que decir, pero ni innova ni encandila como los anteriores.

Una llamativa intro abre el disco, lo que nos hace frotarnos las manos. A continuación comienza a sonar “Steppin up”, con una amalgama de taladradoras que resultan curiosas en un principio pero que acaban cargando en demasía. La cosa se pone fea, pero aparece “XXXO” para salvar la situación. Con un estribillo adictivo (un poco Nelly Furtado, todo sea dicho), se destapa como la canción más pop y a su vez más convencional del disco (en el buen sentido). Pero el drama vuelve con “Teqkilla”, que como enterlude quedaría resultón, pero como canción de seis minutos y pico no cuela, y “Lovealot” directamente aburre. La remontada llega con “Story to be told”, de las más étnicas en su sonido, y “It takes a muscle”, un reggae muy del gusto de Diplo. “It iz what it iz“ no conquista, pero como medianía pasa el expediente, y “Meds and feds“ resulta tan machacona que hasta tiene gracia (las primeras escuchas). “Born free” sería perfectamente desechable si no fuese por el ya célebre sampler de Suicide, lo que la acaba convirtiendo en una de las canciones más aprovechables. “Tell me why” es el otro gran tema pop del álbum, muy en la línea de “Paper planes”, con unos bonitos coros africanos y una letra de lo más reivindicativa. La última pista es “Space”, que cumple con el cometido de cerrar el disco de una manera más que notable.

Al final los temas que mejor salen parados son los más pop, y aquellos más grime se han quedado a medio gas, sin un camino prefijado, como si lo único que importase fuese saturar y sobreestimular al oyente con ruidos y ritmos imposibles, a veces hasta desagradables. Canciones como “20 dollar” o “Pull up the people” costaba domarlas, pero acababan siendo bombas de relojería. En /\/\ /\ Y /\ hay demasiados ejemplos que no llegan a funcionar, y la producción tampoco ayuda en ciertos casos, perdiendo exhuberancia y originalidad en pro de una rudeza y una estética sonora demasiado feísta. Eso sí, ella sigue con su imperecedera actitud combativa, poniendo a las instituciones en guardia, pero también mostrándonos una cara más íntima (el hecho de haber sido madre habrá calado en su manera de escribir). Y es que M.I.A. sigue siendo la misma, pero esta vez nos ha dejado con ganas de más y mejor. Quizás /\/\ /\ Y /\ sea una obra de muchas escuchas y en un futuro próximo se valore más positivamente, pero aún así se seguirá recordando como su primer paso en falso.

Valoración: 5,5

Artista: M.I.A.
Álbum: /\/\ /\ Y /\
Discográfica: Interscope
País: UK
Año: 2010
Más información: web

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

En mi opinión, Mastodon han sido la banda de metal más interesante que ha deparado la primera década del siglo XXI. Ningún otro grupo ha editado cuatro discos tan completos e inspirados como los que ha hecho la formación de Atlanta y, además, sabiendo evolucionar, progresar, puliendo detalles como el de las voces, hasta lograr hacer asimilable el metal extremo que facturan desde el Ep Lifesblood [Relapse Records, 2001].

Pero siempre he visto un peligro en Mastodon, que su base stoner/sludge metal se terminara acercándo y coqueteando con el post-metal de formaciones como Neurosis, cuyo cantante -Scott Kelly- ha colaborado en varios discos de los de Georgia, Pelican, Dusk, …

Sí, esos sonidos, el post-metal y el post-rock que en los últimos años parecían destinados a salvar el mundo y del que hoy en día pocos -o ninguno- se acuerdan… Las modas, los ‘hypes’, en la era de la postmodernidad se convierten en productos de usar y tirar y desfilan a la velocidad de la luz por nuestro iPod.

Y cierta inclinación hacia el sonido ‘post’ hay en Jonah Hex: Revenge Gets Ugly [Reprise Records, 2010] de Mastodon. Su nueva entrega está compuesta por cuatro composiciones nuevas y dos tomas alternativas. Un total de seis canciones totalmente instrumentales que componen la banda sonora de Jonah Hex, un personaje DC Comics que también ha acabado en la gran pantalla. El director, Jimmy Hayward se convirtió en un gran fan de la banda después de escuchar Blood Mountain [Warner, 2006] y pidió a Mastodon que se encargase de escribir e interpretar los temas de la BSO de este film.

Lo cierto que estos aires ‘post’ se detectan tras la escucha de los primeros minutos del primer corte del Ep: “Death March”. Una composición oscura, densa, lenta y agónica, en la que Mastodon sacan su vena progresiva. Sinceramente, me gusta más cómo ha quedado su versión alternativa, quinta canción del Ep, ya que es algo más guitarrera, especialmente por el solo.

Esa misma senda agónica, enigmática y oscura es la que recorre “Clayton Boys”. Un corte progresivo que al final aumenta su intensidad y sirve como preludio de los dos temas más potentes: “Indian Theme” y “Train Assault”. Canciones en las que ya reconocemos a Mastodon, con sus riffs monolíticos e imponentes y sus acertados e inspirados solos de guitarra.

Probablemente, la sensación ‘postmetalera’ aparece por dos cuestiones. La primera, la ausencia de voces a lo largo de todo el Ep, una decisión que me parece acertada cuando se trata de crear la música de ambiente de un film. Y segunda, por la decisión de incluir las tomas alternativas de “Death March” -la canción más densa, progresiva y larga del Ep- y “Clayton Boys”.

---

Valoración: 7,5

---

Texto: Carlos A.S.

 

Grupo: Mastodon
Álbum: Jonah Hex: Revenge Gets Ugly EP
Sello: Reprise Records
País: Estados Unidos
Fecha de publicación: 29 de junio de 2010

Más información: Web/MySpace/Facebook/Twitter

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

01 – Death March
02 – Clayton Boys
03 – Indian Theme
04 – Train Assault
05 – Death March – Alternative Version
06 – Clayton Boys – Alternative Version

 

 

Han pasado justamente 20 años del lanzamiento del EP In Memorium y si algo ha prevalecido en la trayectoria del grupo británico Cathedral es la evolución constante que han ido mostrando en sus álbumes. Llegados al 2010, se nos “plantan” con The Guessing Game un doble álbum cuyo contenido recoge, precisamente, una diversidad de sonidos que evocan todas y cada una de las texturas que han acabado por conformar su personalidad como banda.

En estos momentos, cuando hablamos de Cathedral ya no podemos referirnos simplemente como aquella banda que sentó las bases del doom metal en la década de los 90. En la actualidad, y teniendo en cuenta su carrera además de este The Guessing Game como última referencia, los horizontes de sus parámetros estilísticos quedan difuminados en una encrucijada de caminos donde se concentran elementos que encajan perfectamente dentro de lo heavy, lo progresivo y lo psicodélico, junto a sus perseverantes esencias doom y el correspondiente revestimiento de metal.

Lo cierto es que The Guessing Game muestra a unos Cathedral más versátiles que nunca. Dispuestos a sorprender en cada composición. El álbum comienza con “Immaculate Misconception”, una intro de teclados psicodélicos, aplastantes riffs y refinadas líneas de bajo, con el llanto de un niño al final que hace de puente hacia “Funeral Of Dreams”, tema que alterna ramalazos enérgicos de pesadas guitarras con formas sosegadas y un Lee Dorrian aportando tonos suaves en una vocalización de lo más peculiar y sugestiva. Le sigue “Painting In The Dark”, uno de los cortes más interesantes, que lleva impregnada la “marca de fábrica” de Cathedral, con un ritmo sostenido donde guitarra, bajo y batería se complementan de maravilla y que luego se desboca en una creativa variedad de cambios de dinámica.

Un inicio desestabilizador que hace de bucle seductor para enganchar al oyente irremisiblemente hacia un esotérico universo donde, al aparecer “Death Of An Anarchist”, volverá a encontrarse con la densidad de las guitarras envueltas en atmósferas melancólicas y los giros inesperados de alto voltage. Luego del divertimento acústico que da título al disco, llega “Edwige’s Eyes” otro amasijo de elucubraciones sonoras donde la psicodelia se funde con los perfiles condensados de las erosivas guitarras apoyadas con la presencia del bajo, casi siempre en una destacada posición.

“Cats, Incense, Candles & Wine”, cierra el primer CD con una dosis semiacústica de extravagancia inclasificable.

Con lo expuesto hasta ahora ya podrían haber contentado a todos sus seguidores pero el segundo CD completa un trabajo excepcional, con un inicio marcado por la oscuridad y densidad de “One Dimensional People”, para atacar seguidamente con la vibrante “The Casket Chasers”, otra de las piezas más desequilibrantes, con las aplastantes y reconocidas guitarras de Garry Jennings explotando sus mejores virtudes, secundado por la eficaz sección rítmica formada por Leo Smee (bajo) y Brian Dixon (batería), magníficamente aprovechada a lo largo del álbum. Lo que sigue, con doble título español/ingles, no tiene desperdicio. “La Noche Del Buque Maldito (aka. Ghost Ship Of The Blind Dead)”, con un inicio fantasmagórico y posterior irrupción de frenéticas guitarras.

Después de incursionar en oscuros laberintos progresivos con “The Running Man”, retoman sus mejores argumentos doom con “Requiem For The Voiceless”, donde asoma el espíritu de los Black Sabbath primigenios, con la presencia de siniestras guitarras acompañando a la desgarrada voz de Dorrian, en un infernal recorrido de cerca de 10 minutos de continuo desgaste.

“Journeys Into Jade”, despide la grabación manteniendo alto el nivel de eficacia, con nuevas y abrasadoras guitarras y ritmos aplastantes.

Tras la edición de The Garden Of Unearthly Delights en 2005, cinco años han sido mucha espera, no obstante, Cathedral han sabido compensarlo facturando un álbum pletórico e imaginativo donde ha aflorado toda la madurez adquirida y en el que se han permitido explotar todo su potencial asumiendo nuevos retos para experimentar más allá de sus propias fronteras.

CALIFICACION: 9,25/10

GRUPO: Cathedral
TITULO: The Guessing Game
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2010
PAIS: Gran Bretaña

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Seguramente, habrá quien trate de oportunista a Jorn Lande por editar este tributo a Ronnie James Dio en un momento tan crucial. ¿Astuto?, ¿aprovechado?, ¿inteligente? Lo cierto es que Jorn empezó a trabajar en el disco desde que tuvo la primera noticia del cáncer del “pequeño/gran” vocalista. Su idea era presentarlo en vida del cantante norteamericano pero, como es sabido por todos sus seguidores, los acontecimientos se precipitaron y no pudo ser.

Polémica aparte, si alguien podía ofrecer un homenaje a Dio con plenas garantías ese es Jorn, puesto que son de sobras reconocidas las similitudes del registro vocal del noruego con respecto al fallecido músico. De hecho, en muchos de los temas Jorn clava tan perfectamente los tonos que da cierta turbación escucharlos. Pero, tenemos que considerar que es algo obvio, ya que, si ya habitualmente muchas de sus composiciones tienen ese énfasis, con toda razón se mimetizan en esta oportunidad.

Pero, lo que debe quedar claro es que no se trata de la recopilación de unos grandes éxitos de Dio, sino de una ofrenda de Jorn hacia el “gran maestro”. En consecuencia, no encontraremos aquí algunos los temas más representativos sino los que Jorn ha considerado oportuno incluir según su criterio.

Sea como fuere, se trata de una recopilación que incluye un tema compuesto expresamente para la ocasión, “Song For Ronnie James”, en el que Jorn ha utilizado algunos títulos de canciones para confeccionar una letra intimista dentro de un concepto melodramático.

Obviamente, no podían faltar algunos clásicos como, “Invisible”, “Shame On The Night”, “Stand Up And Shout”, “Don’t Talk To Strangers”, “Sacred Heart” y “Straight Through The Heart”, este último en directo; a los que se unen canciones menos reconocidas a nivel general como, “Push”, “Lord Of The Last Day”, “Night People” y “Sunset Superman”. Supongo que en un intento de no limitarse a la primera y mejor etapa y así abarcar más ampliamente la carrera de Dio. De lo contrario, no se entiende la ausencia de “Rainbow In The Dark”, “Holy Diver”, “We Rock” o, “The Last In Line”.

Foto: Cristel Brouwer

También se aporta una pequeña cuota de su etapa en Rainbow con “Kill The King”, aquí sí con excelente visión, así como de Black Sabbath, con un meddley protagonizado por “Lonely Is The World” y “Letters From Earth”.

Como suele ser habitual en las producciones de Frontiers, el sonido es impecable, mientras que el trabajo a las guitarras de Jgor Gianola (UDO) y Tore Moren es simplemente brillante, rescatando el vibrante espíritu dinámico que contienen las canciones originales y que les otorga un plus de intensidad renovada.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Jorn
TITULO: Dio
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Noruega

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

Uno de los compositores más renombrados de las últimas décadas, en gran parte por sus numerosas bandas sonoras, pero que tiene también un nutrido grupo de seguidores en su faceta más experimental, nos deleita en este álbum con un poco de cada.

En Playing The Piano encontramos una selección de sus piezas más memorables y conocidas interpretadas sólo al piano. Un ejercicio que no por demasiado habitual en multitud de compositores e intérpretes deja de ser efectivo y a veces incluso sorprendente. Aquí, Sakamoto consigue un efecto si cabe más emotivo que en muchas de sus composiciones originales. “Merry Christmas Mr. Lawrence” y “The Sheltering Sky” se nos muestran en todo su esplendor y la atención queda focalizada en la desnudez de una gran melodía o en la aparente simplicidad de una mano izquierda.

En Out Of Noise es donde los seguidores de la faceta más experimental de Sakamoto encontrarán su lado más minimalista y explorador. Aquí, Sakamoto navega entre el neoclasicismo, el ambient y reminiscencias contemporáneas sin pudor ninguno, haciendo uso de sonidos naturales en varios momentos. Éste último, un recurso quizá un tanto manido desde la explosión de la new age a finales de los 70, que abusó del uso de sonidos de la naturaleza de una forma que en algunos casos llegó a conformar casi un género aparte. Es el buen gusto a la hora de mezclar sonoridades y ecos distintos lo que hace de este Out Of Noise no la quintaesencia de la música experimental actual, sino tan sólo –y no es poco- un deleite para oídos hartos de escuchar las mismas melodías una y otra vez.

 

 

Hubo un momento entre la década de los 90 y los primeros años del nuevo milenio en que la trayectoria de Exodus parecía encaminarse a su definitivo final. Solo la determinación de Gary Holt pudo con los diversos problemas (enfermedades y muertes) que afectaron la estabilidad de la formación norteamericana, una de las piezas básicas en las que se asentó el thrash metal procedente de la Bay Area de San Francisco.

No fue hasta el 2004, con el lanzamiento de Tempo Of The Damned, cuando Exodus volvió a dar sensación de un esperado resurgimiento. A partir de entonces la banda californiana comenzó a experimentar una auténtica recuperación que se vio ratificada con álbumes altamente competitivos como Shovel Headed Kill Machine (2005) y The Atrocity Exhibition (Exhibit A) (2007), hasta llegar a la actualidad con Exhibit B: The Human Condition, trabajo donde, a una formación plenamente asentada formada por Gary Holt (guitarra), Rob Dukes (voz), Lee Altus (guitarra) y Jack Gibson (bajo), se ha vuelto a unir Tom Hunting, batería original, tras superar ciertos problemas personales.

Una cosa es cierta, en los últimos años, Exodus ha logrado tal estado de eficacia que sus discos se han convertido en sólidos tratados de puro thrash metal, donde los riffs de guitarra alcanzan un predominante protagonismo, así como la subordinación a la agresividad vocal. En segundo término, la batería aporta el músculo y consistencia necesarios para reforzar las estructuras, quedando el bajo como complemento al que se le conceden puntuales momentos de vistosidad, algo que se puede apreciar en la instrumental “A Perpetual State Of Indiference” o en el inicio de canciones como, “Democide” y “Downfall”, tema que en determinadas partes se sale del hermético dinamismo al que están expuestos los esquemas que subyugan todas y cada una de las canciones. De hecho, la eficiencia es tan aplastante que da la sensación de que Exodus fuerzan la maquinaria hasta el límite de sus posibilidades.

Quizá las falte algo de la frescura de sus inicios pero, a cambio, han ganado una firme cohesión que, apoyada en la tecnología actual y la excelente producción de Andy Sneap, les permite desarrollar atmósferas asfixiantes por donde galopan guitarras de hiriente desenfreno y demoledores ritmos. En el fondo, son necesarias varias escuchas para disfrutar de la experiencia e ir reconociendo las numerosas cualidades del álbum, así como la capacidad de todos los músicos implicados.

En cierta forma, aún manteniendo sus coordenadas originales como inalterable ADN, han introducido injertos de metal contemporáneo para acomodarse a los tiempos y no depender totalmente de su pasado. Se podría afirmar que, en la actualidad, hay algunos grupos que suenan más a los Exodus de los 80 que ellos mismos.

De un álbum que, como quedó dicho, hay que disponer del suficiente tiempo como para apreciarlo en su debida dimensión, destacan composiciones como, “The Ballad Of Leonard And Charles”, “March Of The Psicophants”, “Nanking”, “The Sun Is My Destroyer” o, “God Riddance” aunque, en el fondo, lo que prevalece es la sensación de conjunto, de la entrega un puñado de canciones absolutamente consolidadas en unos parámetros de erosiva contundencia.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Exodus
TITULO: Exhibit B: The Human Condition
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Grupo: GBH
Álbum: Perfume and Piss
Sello: Hellcat Records
País: Inglaterra
Fecha de lanzamiento: 6 de abril de 2010

Más información: Myspace/Facebook

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

01.”Unique”
02.”Kids Get Down”
03.”Perfume and Piss”
04.”Cadillac One”
05.”San Jose wins”
06.”Dead Man Walking”
07.”Invisible”
08.”This is Not the Real World”
09.”Polytoxic”
10.”Ballads”
11.”Power Corrupts”
12.”Going Sideways”
13.”Time Flies”

Después de tres décadas de su debut en directo y casi 30 años después de que vieran publicado esa maravilla titulada: City Baby Attacked by Rats [Clay, 1982]. Un disco que ayudó a definir lo que sería el sonido del punk del Reino Unido en 1982, alejándose de los parámetros marcados por la primera ola de punk rockers británicos. En 2010, ¿GBH pueden hacer un trabajo que, al menos, permanezca en nuestro equipo de sonido durante un par de semanas?

Meses atrás ya os avisamos de su regreso, al menos en términos discográficos ya que de los escenarios nunca se habían retirado. Y como suele ser normal, lo más lógico es preguntarse: ¿qué puede ofrecer la banda de Colin Abrahall en 2010?

Antes de escuchar el disco, se puede esperar, mejor dicho, desear que se hagan realidad las palabras de Abrahall: “Es nuestro mejor disco en mucho, mucho tiempo”. El álbum fue grabado a la antigua usanza. Compuesto, grabado y masterizado en dos semanas. Pim pam punk. Y después llegó el turno de pasear las nuevas canciones por los sellos hasta que Hellcat Records, propiedad de Lars Frederiksen de Rancid, les propuso editarlo.

GBH, promesas de un buen disco, grabación a la vieja escuela, Hellcat Records,… Buenos ingredientes antes de tener entre las manos Perfume and Piss [Hellcat Rcs, 2010]. Después de escucharlo, no decepciona siempre y cuando te guste el punk… y el rock and roll.

Perfume and Piss es un disco en el que la formación de Birmingham nos presenta su sonido de punk añejo, en canciones como “Kids Get Down”, “Unique”, “Dead Man Walking”, “Going Sideways” o “This Is Not The Real World”; y también otras composiciones que directamente se nutren del rock and roll más tradicional, como “Cadillac One”, “Invisible”, “Time Flies” o “Ballads”.

Además de para beber del punk y del rock and roll, a GBH también les da tiempo a padalear una dosis de oscuridad y siniestralidad en algunas de sus nuevas composiciones, como “Polytoxic”. Y es que no hay punk rocker británico que se precie que no haya pasado por una etapa de oscuridad…

---

Valoración: 6

---

Texto: Carlos A.S.

 

 

Formados en 2004, los suecos Enforcer se sitúan en ese universo de bandas de nueva generación que rescatan el pasado reciclando el heavy clásicamente “ochentero” y al que le añaden residuos del casi olvidado speed metal. Bajo estas premisas debutaron en 2008 con Into The Night, consiguiendo llamar la atención de la prensa especializada, y que ahora ratifican con Diamonds, un álbum donde han soltado lastre en cuanto a velocidad para centrarse más en los medios tiempos.

Este leve pero perceptible cambio de orientación los sitúa en estos momentos en unos esquemas más encajados en el heavy metal que en cualquier otra tendencia, con los primerizos Iron Maiden como influencia definitiva, principalmente en las armonías de guitarra y en el protagonismo que se le concede al bajo, tal como se puede apreciar en, “Midnight Vice”, “Roll The Dice” o la instrumental “Diamonds”.

Algunas composiciones tienen un acercamiento al heavy más pegadizo, como “Katana” y “Running In Menace”, esta última con ciertos reflejos propios de Scorpions, quizá motivado también por el agudo registro del vocalista Olof Wilkstrand, al estilo de Claus Meine. Esto en lo que tiene que ver en su vertiente más melódica porque, cuando pisan el acelerador, se transforman en un combo speed al estilo de agrupaciones menores que, sin embargo, editaron un buen puñado de álbumes en la década de los 80, tipo Whiplash, Hallows Eve, Razor o Exiter, evidenciado en temas como, “High Roller”, “Nightmares” y, sobre todo, en “Live For The Night”.

Una formación más, al estilo de White Wizzard y Cauldron (también vinculadas a Earache Records), a sumar a la moda retro del heavy metal más genuino, antes de que se tecnificara en excesivo y perdiese parte de su frescura; solo es necesario escuchar atentamente las partes de batería de Diamonds para transportarse a la crudeza primigenia del estilo.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Enforcer
TITULO: Diamonds
DISCOGRAFICA: Earache Records
AÑO: 2010
PAIS: Suecia

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Grupo: Danko Jones
Álbum: Below the Belt
Sello: Bad Taste Records
Fecha de publicación: 11 de mayo de 2010
País: Canadá
Más información: Web/MySpace/Facebook/Twitter

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

1. “I Think Bad Thoughts” – 3:31
2. “Active Volcanoes” – 3:35
3. “Tonight Is Fine” – 4:20
4. “Magic Snake” – 3:19
5. “Had Enough” – 3:42
6. “(I Can’t Handle) Moderation” – 3:03
7. “Full Of Regret” – 3:57
8. “The Sore Loser” – 2:59
9. “Like Dynamite” – 3:14
10. “Apology Accepted” – 3:29
11. “I Wanna Break Up With You” – 4:55

Todavía recuerdo mi primer contacto con Danko Jones. Fue en la gira de presentación de Making Enemies Is Good [BMG, 2001] de Backyard Babies. Eran sus teloneros y llegamos a la madrileña Sala Arena -actual Heineken- cuando su actuación comenzaba. No habíamos escuchado nunca a este trío canadiense pero el nombre nos hizo gracia -imagino que por el chiste de los hermanos Jones- y además, nunca hay que desaprovechar la ocasión de conocer a un grupo, sobre todo si es directo.

Lo cierto es que no tardó en conquistarnos y eso que, como ya he dicho, no habíamos escuchado ni una nota del disco que tenía a sus espaldas: la recopilación de singles I’m Alive and On Fire [Bad Taste Records, 2001]. Un trío desplegando potencia alrededor de la figura del hiperactivo Danko Jones. Un canadiense de color, armado con su guitarra y sombrero de cowboy, que no paraba de gesticular, de moverse, de sacar la lengua e incluso, de golpearse. Una actuación felina de todo un predicador del rock and roll.

Posteriormente he tenido la oportunidad de volver a ver a Danko Jones en dos ocasiones, en las giras de presentación de Bon a Lion [Bad Taste, 2002] y We Sweat Blood [Bad Taste, 2003]. Ahora, con la aparición de este Below the Belt [Bad Taste, 2010] que nos ocupa, imagino que también iré a ver a Danko Jones en su próxima gira por nuestro país. La razón es que no me canso de verle en directo, no me canso de asistir a otra de sus celebraciones rockeras.

Sin embargo, cuando recibo sus discos, me pasa el efecto contrario. Tienen un buen nivel, siempre cuenta con cuatro o cinco pelotazos, pero termino pensando que a Danko Jones le falta algo para lograr hacer el trabajo definitivo en estudio. Una obra que esté a la altura de sus directos. Below the Belt no es una excepción.

Danko Jones ha vuelto a elegir a Matt De Matteo como productor, al que había cambiado por Nick Raskulinecz en Never Too Loud [Bad Taste, 2008], y ha grabado en Rogue Music Lab de Toronto. El resultado, el esperado. Un álbum sólido, lleno de potentes y pesados riffs de guitarra, con algunos solos brillantes como en “Active Volcanoes” y las habituales influencias del mundo del hard rock, e incluso alguna más alejada, como el aire funk de “Full of Regret”. Además, ha recuperado la pegada perdida en Never Too Loud.

Y lo mejor de todo, ha conseguido que Below the Belt sea un disco sin altibajos. No hay ninguna canción que desearías eliminar. Y por el contrario, sí hay varios ‘pelotazos’ que no dudarías en meter en una recopilación para una fiesta con la cuadrilla: “I Think Bad Thoughts”, “Apology Accepted”, “I Wanna Break Up With You”, “Had Enough”, “Moderation” o “Like Dynamite”

---

Valoración: 6,5

---

Texto: Carlos A.S.

 

 

Tras dos décadas de actividad, los componentes del grupo segoviano Lujuria han tenido la inteligente idea de realizar un particular tributo a los músicos pioneros del rock español quienes dejaron la vida en el camino.

El álbum lleva por título Llama Eterna y ha contado con la producción de José Garrido y Daniel Melián. Además, se adjunta un emotivo y completo libreto, con profusión de fotografías, en el que cada banda implicada aporta unas frases recordando a los compañeros desaparecidos.

Es un disco de versiones, pero un disco de versiones distinto a cualquier otro, desarrollado de tal manera que, a la vez que lleva impresa las señas de identidad individual de cada grupo, muestra las características habituales en las grabaciones de Lujuria. Es decir, estamos ante un álbum de heavy metal enriquecido con las particularidades del estilo de los homenajeados.

También han grabado un tema inédito, “Estrella del rock”, con el que Lujuria honra la memoria del que fuera popular manager Javier Gálvez, bajo cuyo espíritu el disco ha tomado forma. Asimismo, se incluye “Destrucción” canción dedicada a la memoria de Osvaldo Civile, del grupo argentino V8, en un representativo acercamiento a Latinoamérica.

La relación de temas restantes es la siguiente: “Esta es una noche de rock and roll” (Barricada), a la memoria de Mikel Astrain; “El heavy no es violencia” (Bruque), a la memoria de Pedro Bruque; “La fuerza del rock” (Goliath), a la memoria de Javier Ponce; “Después del concierto” (Topo), a la memoria de Terry Barrios y Víctor Ruiz; “Balada para una viuda” (Burning), a la memoria de Toño, Pepe Risi y Arturo Terriza; “No hay piedad para los condenados” (Santa), a la memoria de Azuzena; “Necesito un trago” (Tequila), a la memoria de Manolo Iglesias y Julián Infante; “Tu frialdad” (Triana), a la memoria de Jesús de la Rosa y Tele Palacios.

Cada composición tiene su toque distintivo aunque, en opinión personal y subjetiva, destacaría especialmente las de Barricada, Santa y Triana.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Lujuria
TITULO: Llama Eterna
DISCOGRAFICA: Maldito Records
AÑO: 2010
PAIS: España

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Afincada en Granada, Blindfall es una formación compuesta por miembros procedentes de España, Francia y Alemania. Tras editar el EP Drown (2005) y el álbum beSide (2007), irrumpen con categórica inspiración en 2010 con su nuevo álbum Scars And Secrets, grabado en los estudios La Sala de Máquinas, con Manuel Torroglosa y producido por Francois Maigret (alias Shanka).

Además de la habilidad mostrada por todos los músicos, el excelente tratamiento técnico detrás de los controles permite disfrutar de un sonido envidiable donde todos los instrumentos aparecen en un mismo nivel de protagonismo y dotan a la grabación de un equilibrio fundamental en sus complejas pero también asimilables estructuras.

Blindfall, tiene la ventaja de contar con elementos cuya capacidad se reparte con equitativo mérito. Inga Roser, aporta una sugestiva sensibilidad en las partes vocales de suaves registros y potente caudal; Chema (bajo) y Vincent (batería) dominan los entresijos rítmicos con resolutivos recursos, mientras que Julien (que junto con Vincent aportan las partes de voz agresivas), exhibe una inventiva desestabilizadora.

Definitivamente, Scars And Secrets es uno de esos discos de etiqueta incierta imposible de encajar en una tendencia concreta. Se trata de un trabajo de atmósferas diversas con un recorrido expuesto a sentimientos adaptables a desarrollos libres de vínculos estilísticos.

“Black Dolls”, es un inicio representativo, con bajo, guitarra y batería creando un ambiente enredado del que sobresale el particular registro de Inga mezclado con gritos de fondo. Esta misma característica encontramos en “Deep Inside”, pieza oscura provista de una marcada sensibilidad. A continuación, un punteo de bajo nos introduce en “Other Lives”, canción donde la dualidad suavidad/brutalidad forman una atractiva dicotomía con sus repentinas pausas y subsiguientes arremetidas rítmicas. Algo de lo que también podemos disfrutar en “Crossing Minds”, de nuevo con Inga haciendo un espléndido trabajo y de cuya delicadeza podemos disfrutar plenamente en “Truth Left Behind”, la canción más sencilla del disco junto a “Suspiro”, y que está orientada hacia el aspecto vocal.

La versatilidad de Blindfall queda plasmada de forma concluyente en “Lost Children”, con unas partes de guitarra a modo de “guiño” a los “spaghetti western” así como sus momentos de ritmos fronterizos con el punk y, en “The Question Song”, tema que penetra con soltura en el terreno de Rage Against The Machine, locuras guitarreras incluidas.

En conclusión, un álbum sin ataduras en el que sus composiciones incursionan en un universo donde prevalece la libertad de esquemas y la creatividad como elementos desequilibrantes; así lo atestigua el tema título y su frenético final. De lo mejor que se facturado en tierras españolas en 2010, aunque con una formación internacional.

CALIFICACION: 9,25/10

GRUPO: Blindfall
TITULO: Scars And Secrets
DISCOGRAFICA: Autoeditado
AÑO: 2010
PAIS: Plurinacional

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tras editar un par de EP’s y un álbum, los alemanes Callejon dieron un trascendental paso en su trayectoria al firmar con el poderoso sello Nuclear Blast, compañía para quien no pasó desapercibido el potencial de la banda procedente de Colonia.

Con su impronunciable debut con el sello germano, Zombieactionhauptquartier, aparecido en 2008, las expectativas fueron respondidas en gran medida puesto que los parámetros de Callejon, además de encajar en un desenfrenado metal extremo, añadían ciertas características que marcaban diferencias como la mezcla de ingredientes vinculados al screamo, al metalcore y al metal melódico; todo ello, regado con algún guiño electrónico y rematado con una producción competente que extraía un sonido técnicamente perfecto dentro de unas aristas abruptas que rozaban el caos.

Bien, pues dos años después de su anterior trabajo Callejón repiten fórmula sin excesivas variaciones y con la misma consistencia a través de un trabajo de título menos complicado, Videodrom, en el que combinan desbocadas arremetidas de candente energía con delirios de chispeante armonía. En definitiva desmadre instrumental sujeto a determinadas concesiones accesibles.

En todo caso, se nota una mayor apuesta por las atmósferas melódicas y menos virulencia en los ritmos, en general, aunque no signifique haber perdido contundencia. Callejon sigue tratándose de una banda de esquemas epilépticos, con unas voces que, por momentos, escupen desquiciantes gritos de furia para mutar hacia formas armoniosas buscando un equilibrio que evita el agobio.

También siguen manteniendo su postura de compaginar las letras en inglés y alemán, así como dar la suficiente importancia a la imagen como complemento transgresor, como se puede observar en la portada del disco, fotografías y videos de la banda.

Una buena manera de afrontar el metal del futuro en un universo donde ser diferente cada vez cuesta más imaginación.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Callejon
TITULO: Videodrom
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2010
PAIS: Alemania

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Artista: Tomasito
Título: ¿Y De Lo Mío Qué?
Sello: Nuevos Medios
Fecha de publicación: 28 de Junio de 2009
Más información: www.flamenco-world

Listado de canciones:

1. Consejos De Mi Pare
2. La Vida Está Mu Mala
3. Lola Y Candela
4. Y De Lo Mío ¿Qué?
5. De Marte A Miércole
6. Fandangos De Coppini
7. Quisiera
8. Rumba Del Revés
9. El Universo En Mis Manos
10. Back In Black
11. El Olvido

Familia del mítico “Borrico de Jerez”, Tomasito en su último disco producido por Tino di Geraldo, “Y De Lo Mío ¿Qué?” , tan fusionado como personal, acompasa el flamenco más desenfadado en once temas informales que huyen del sinsabor de las etiquetas.

El disco arranca con el tema “Consejos De Mi Pare”, – “los lunes no compres el pescado, y los zapatitos verdes debajo del sofá siempre guardaos por si había que salir a bailar “ -, compuesto por Kiko Veneno al igual que “La Vida Está Mu Mala “, y al que dan continuidad los temas más variopintos y rockeros – “De Marte A Miércole”, el precioso “Quisiera“, “El Universo En Mis Manos“, el más rockero de todos, o la inigualable versión del tema “Back In Black”, de los australianos AC/DC, que Tomás interpreta con naturalidad y frescura gitana -, que conviven con la tradición del fandango – “Fandango Del Coppini”, compuesto por Germán Coppini y decorado con una guitarra eléctrica, -, la rumba – “Rumba Del Revés “, compuesto y cantado junto a Muchachito Bombo Infierno, -, o las alegrías – “El Olvido”, tema que cierra magistralmente un disco -.

Este es Tomás Moreno Romero, Tomasito, en estado puro.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Y&T llevan, por derecho propio, la etiqueta de “grupo clásico” marcada en su historial. Discos como Earthshaker, Black Tiger y Mean Streak, facturados en la década de los ochenta los catapultaron hacia la fama de manera más que merecida.

Los vaivenes de las modas dejaron al grupo californiano fuera de foco durante un largo tiempo. Ahora, nada menos que trece años después de su último lanzamiento, el vocalista y guitarrista Dave Meniketti y el bajista Phil Kennemore, únicos miembros originales que permanecen en la banda, han unido fuerzas con los más nuevos, John Nymann (guitarra) y Mike Vanderhule (batería), para reactivar su carrera discográfica y demostrar que siguen teniendo el suficiente “feeling” como para que sus seguidores disfruten de unas composiciones que destacan, ante todo, por sus crudos perfiles, probablemente debido a haber realizado la grabación en directo en el estudio para capturar un sonido orgánico, alejado de tecnicismos artificiales.

Precisamente, y por venir de Frontiers, un sello donde la producción se cuida al máximo, sorprende la opción de Y&T de buscar la naturalidad ante todo. Aunque eso signifique sacrificar la sonoridad de la batería en diversas composiciones.

Como ha sido habitual en el contenido de sus grabaciones, las partes melódicas, con estribillos pegadizos protagonizan la mayor parte del álbum, con momentos que pueden catalogarse de convencionales. De hecho el disco, pese a comenzar con una energética “On With The Show”, transcurre por cauces bastante previsibles durante un largo primer tramo, solo rescatable por las habilidades guitarreras de Dave y su capacidad para realzar cualquier canción, como sucede con su aportación en “I Want Your Money”, “Shine On” y “If You Want Me”, en esta última con ciertos aromas blueseros.

No obstante, tendremos que esperar hasta el noveno tema, “Hot Shot”, para que Y&T nos convenzan de que su creatividad no está falta de ideas. A partir de aquí, el álbum gana en consistencia, en riesgo y en imaginación, con un riff que recuerda al “Hot Blooded” de Foreigner mezclado con ritmos marcados al estilo AC/DC y un desequilibrante solo de guitarra como culminación.

Seguidamente, con “Blind Patrol” se apropian del espíritu de Ritchie Blackmore para facturar una canción intensa y repleta de dinamismo, con nuevas y desestabilizadoras contribuciones solistas de guitarra.

El disco continua ganando méritos con “Don’t Bring Me Down” y su sensible inicio de guitarras acústicas, sus fraseos grooves y su emotivo cambio de ritmo.

Y si hablamos de momentos emotivos con carisma, “Gonna Go Blind”, con su pegadizo estribillo y sus flirteos blueseros, los refleja con suficiencia.

Para terminar de distinguir lo más atractivo de Facemelter, “One Life” aporta interesantes momentos de batería a juego con nuevas intervenciones guitarreras de calidad contrastada.

Finalmente, mencionar el excelente desempeño de Dave Meniketti en el apartado vocal, con un registro que con los años ha ganado en madurez y versatilidad.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Y&T
TITULO: Facemelter
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ozzy Osbourne – Scream

Parecía increíble, pero Ozzy ofrece ahora su versión más gamberra y juvenil, cuando cuenta con 61 años. El disco Scream, que llegaba como el enésimo golpe discográfico de la estrella aún viva más caótica de la Historia del rock, sorprende por la frescura que aún es capaz de ofrecer este mito del heavy.

Sonido duro, como en Black Rain (2007), pero con mejores temas en conjunto, y mucha originalidad para ofrecer una serie de temas excelentemente producidos e interpretados. Lo cual da dos comentarios: uno, el evidente… Ozzy conoce a los mejores productores y las mejores formas de sonar, así como a estupendos músicos de estudio que le acompañen -como Adam a los teclados, hijo del mítico Rick Wakeman-. Y dos… ¿cuántos arreglos pueden llegarse a realizar para que parezca que aún tiene voz?

Porque a nadie se le escapa que Ozzy está maltrecho, mal de salud y con una voz casi inaudible. Al menos en directo. Pero las maravillas del estudio son las maravillas del estudio… Es lo que se aprecia en este Scream, que echando cuentas sorprende porque es tan sólo su disco número 10 en 30 años de carrera en solitario. A una media de álbum cada trienio, vaya.

Su tono gamberro y enérgico se vive y se demuestra con los 2 temas que abren el álbum, muy contundentes y cañeros, cercanos al estilo de toda su vida, un heavy marcado por el doom de los Sabbath pero también renovado para sonar muy industrial en las guitarras. Hablamos de las canciones “Let It Die” y “Let Me Hear You Scream”, un subidón de adrenalina con toque y espíritu teen, como les decía. Muy gamberro y con el viejo lema del género de rockanrollear, gritar y botar toda la noche.

Con temas como “Soul Sucker” ya reconocemos un viejo Ozzy, con cadencias más pesadas y temas menos dinámicos, aunque con guitarras sucias y metalcores al estilo industrial rock. Su voz, además, suena definitivamente más grave, monstruosa, no buscando tantos guiños sonoros como cuando sus cuerdas vocales se lo permitía.

No hay un segundo de paz hasta el tercer tema, “Life Won”t Wait”, que aunque tiene un estribillo con fondo de cuerda muy eléctrico y tipo stoner, se trata del primer medio-tiempo. Muy bello, por cierto. Yo le veo claras alusiones a “Solitary Shell” de Dream Theater. La sigue “Diggin” Me Down”, que vuelve a suponer un respiro simplemente con su entrada, con guitarras acústicas, dibujando una bella melodía romántica, renacentista, aunque sin dejar la esencia tétrica. De hecho, evoluciona hacia un ambiente de misterio y siniestro. Buen trabajo en esta canción. El más sabbath de todos, quizás, aunque fíjense… me suena a la etapa con Dio más que a la suya.

Con “Crucify” continúa mezclando momentos machacantes con respiros ambientales de aire misterioso, valiéndose de una estupenda interpretación en las guitarras del griego Kostas Karamitroudis, más conocido como Gus G. Muy buenos solos en este tema que coronan una actuación estupenda para crucificarse y después… caminar sin miedo en “Fearless”, otra tétrica y canción doom que olvida el fresco inicio del disco, no por ello mejor ni peor. Es cuestión de gustos.

Sin embargo, lo mejor de Scream es, sin duda, el medio tiempo-balada “Time”, octava canción del álbum. Bella melodía de hard rock con coros épicos al tiempo que rockeros, que recuerdan en exceso al rock wagneriano de Meat Loaf y Jim Steinman. Lo bueno es que descubrimos aquí a un Ozzy muy distinto, en una cara que nunca había mostrado. Todo ello, adornado con un excepcional estribillo, muy pegadizo y conseguido.

Para rematar el álbum, un poco más de metal contundente con “I Want It More”, siguiendo con el clima siniestro y sabbathero aunque con una base de cuerda muy bien producida, como en su anterior LP. Ozzy sigue siendo un maestro en lo que es más importante: sonar bien. El penúltimo tema es “Latimer”s Mercy”, que ofrece más de lo mismo, pero sin conseguir tanto atractivo en su sonar y en la composición.

A modo de despedida, un minuto sonoro llamado “I Love You All”, con acordes beattleianos y una pequeña estrofa cantada a modo de poema sinfónico, ambientado de forma que parece un cuento de brujas.

Como conclusión hay que decir que mala hierba nunca muere. De hecho, el disco ha alcanzado los primeros puestos de ventas en muchos países y arrasa en el sector el rock. Adiós Ozzy, y encantado de comprobar que sigues vivo. Esperamos tu próxima sacudida, viendo que, de alguna forma inexplicable, estás en forma…

CALIFICACION: 7/10

GRUPO: Ozzy Osbourne
TITULO: Scream
DISCOGRAFICA: Epic
AÑO: 2010

 

 

Tres años han pasado desde que Black Majesty nos sorprendieran con aquel excelente Tomorrowland, donde exponían sus virtudes dentro de un marco de power metal de vinculaciones clásicas pero, a su vez, dotado con ciertos ingredientes desestabilizadores que les otorgaban un adicional toque de distinción.

Bien, pues, los australianos, mantienen aquellas premisas en su nuevo álbum, In Your Honour, título dedicado a todos sus seguidores quienes han sido, a fin de cuentas, los que han permitido que una banda procedente de aquellas lejanas tierras haya podido tener una repercusión a nivel internacional sin ajustarse a los parámetros del sonido AC/DC, camino que han seguido la muchos de sus compatriotas.

Black Majesty, han optado por otras premisas, por referencias ligadas a bandas como Iron Maiden, Queensryche, Helloween o Judas Priest, aprovechando el potencial de la garganta del vocalista John Cavaliere, muy en la onda de Bruce Dickinson o Geoff Tate, junto con las habilidades guitarreras de Steve Janevski y Hanny Mohamed, a quienes se añade la contundente labor del batería Pavel Kornvalinka.

Apoyados en la excelente producción de Roland Grapow (Masterplan, ex Helloween), quien de power metal sabe un mundo, Black Majesty desarrollan unas composiciones repletas de mágicas armonías, sugestivos solos, intrépidos ritmos y voces de sobrado caudal, como demuestran desde la inicial “Far Beyond”, ligada irremediablemente a los mencionados Iron Maiden aunque aquí sin protagonismo del bajo, algo que cambia en el último tramo de “God Of War”, donde sí se nota la presencia de las cuatro cuerdas, aportadas de forma anónima ya que no cuentan con un bajista fijo.

Puede ser que al álbum recoja los tópicos inherentes al estilo pero, si en algo se desmarcan Black Majesty de muchas de las bandas de similares características es en aportar un sonido más crudo de lo habitual.

“Break These Chains”, por ejemplo, abraza las atmósferas épicas dentro de una dinámica de marcado acento power, con un sensacional aporte de Cavaliere, mientras que en “Further Than Insane” nos muestran su lado más colérico con veloces riffs dentro de un entorno frenético con pausas para dejar que las guitarras dibujen intrincados entramados; mientras que “End Of Time” diversifica argumentos de uno y otro lado, con un potente riff haciendo de puente entre ambientes enérgicos a la vez que armoniosos.

Epica, contundencia y, de nuevo el espíritu Maiden, encontramos otra vez en “Wish You Well”, además de un giro estructural de ingeniosa creatividad.

Vibrante y repleta de exhuberancia, “Follow” es una recopilación de todas las excelencias de los australianos… voz pletórica, guitarras afiladas y baterías resolutivas, mismas características que se aprecian en “Witching Hour”, la despedida con un John más intenso que en el resto de canciones y unos fraseos de guitarra desequilibrantes.

Un álbum de power metal en el que la agresividad y la sutileza se fusionan con evidente eficacia.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Black Majesty
TITULO: In Your Honour
DISCOGRAFICA: Limb Music
AÑO: 2010
PAIS: Australia

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

Kylie, la diva gay por excelencia (más que Madonna diría yo) vuelve con nuevo trabajo después de dos décadas llenas de altibajos. Por supuesto que deseamos que le vaya fenomenal, pero con su irregular carrera nunca se sabe. Y es que quien pensaba en 2001 que volvería a la vida con aquel inolvidable Fever (aunque Light Years fue un buen aperitivo). Y quien pensaba que se la pegaría con aquel interesante pero falto de gancho Body Language. El mundo del pop es así, un día en la cima y al siguiente compitiendo con popstars de segunda mientras las grandes divas te pisotean sin compasión. X no cambió una situación algo decadente, a pesar de ser un trabajo divertido y variado (algo incoherente también). Con este Aphrodite dudo que disfrute de otro Fever, pero por las primeras cifras de ventas y críticas parece que no le va a ir del todo mal. Detrás de una portada a la que solo le falta un frasco de colonia se esconde un tour de force cien por cien bailable. Muchos lo comparan con el Confessions de Madonna, y algo de razón no les falta, ya que, aparte de por el espíritu dance, cuenta con Stuart Price como artífice principal de su sonido.

Nunca se ha tomado así misma demasiado en serio, en el buen sentido. Mientras otras invierten (o malgastan) su tiempo es hacernos creer lo profundas que son o lo dura que es su vida por culpa de la prensa, la australiana siempre ha querido hacérnoslo pasar bien con su pop desenfadado para todos los públicos. Y se agradece. Por suerte con Aphrodite ha maximizado esta premisa y nos devuelve a la Kylie que quiere reventar las pistas de baile, pero siempre con buen rollo y una gran sonrisa (nada de dramas ni sexo guarro). “All the lovers” abre el disco de manera más que decente, con un puente que conduce la canción hasta el éxtasis y del que el estribillo final se beneficia considerablemente. “Get out of my way” y “Put your hands up (if you feel love)” son temas bastante facilones pero muy efectivos, con melodías infecciosas y ritmos acelerados para bailar como si no hubiese un mañana. La canción mas interesante por estilo y sonido es “Closer”, con un riff muy similar al de “Aerodynamic” de Daft Punk. “Aphrodite” se encuentra muy en la línea de sus años oscuros (los noventa), incluso en el tono de voz, pero al final queda aparente (aunque quizás no para tener el honor de dar nombre al álbum). “Too much” y “Can’t beat the feeling” se alimentan de su clásico “Love at first sight”, sin tanta gracia pero con suficiente soltura para disfrutar de ellas sin contemplaciones. Tampoco hay que olvidarse de “Looking for an angel”, con un bonito juego de voces y un estribillo marca de la casa.

El resto de canciones son bastante planas, y en el caso de “Everything is beautiful” (momento ‘me gusta ser mujer’) Kylie nos aburre soberanamente con un medio tiempo que rompe con el ritmo del disco y que parece producida por un Timbaland en horas bajas (es decir, en la actualidad). En realidad todo el conjunto resulta un tanto plano, porque, como ya pasaba en el Confessions de Madonna, ninguna canción sobresale especialmente debido a una producción bastante homogénea. Y es que Stuart Price siempre se ha caracterizado por sus producciones cuidadas pero con falta de personalidad, con trucos un millón de veces utilizados y que explota hasta la saciedad. Agrada pero no sorprende, algo que por otra parte también resulta aplicable al resto de elementos. Éste posiblemente sea el mayor lastre de un álbum ligero, frívolo (en el buen sentido) y sin pretensiones, muy Kylie, y del que las pistas de baile se irán aprovechado hasta bien entrado el invierno.

VALORACIÓN: 6,5

Artista: Kylie Minogue
Álbum: Aphrodite
Discográfica: Parlophone
País: UK
Año: 2010
Más información: web

Artista: Psicotropia
Disco: Psicotropia3
Sello: Luna Negra / Nooirax Prod.
Fecha de publicación: mayo 2010
País: España

Tracklist:

1. Space Habanera (4:36)
2. Piedra (7:23)
3. Tinta (6:33)
4. Country Grog (2:07)
5. Patos (6:39)
6. Los Espectros De Kronstadt (5:53)
7. Oigo Silencio (6:43)
8. Bella (7.54)

Y el rock español ya tiene su power trio… lo tenía desde hace mucho, realmente. Ya en 2002, cuando tuve la suerte de conocerles, funcionaban bajo esa estructura tras un complejo álbum de debut casi coral en cuanto a su composición de la banda. Pero en Grog, hace ya cuatro años -cómo pasa el tiempo-, su segundo disco, evolucionaron hacia esta fórmula.

Ahora, en 2010, podemos afirmar que Pablo, Jaime y Juan son un referente en nuestro país. Junto a otras bandas minoritarias, encabezan la nueva generación del rock progresivo en España. Y lo tienen merecido, porque este Psicotropia 3, al cubo, cumple todas las expectativas y cierra un fantástico álbum.

Hoy por hoy, casi todas las mejores canciones de Psicotropia están en este álbum, y no por desmerecer a sus predecesores. Grog fue, para mí, un auténtico discazo, casi para encumbrarlos dentro de la Historia del rock progresivo de nuestro país. Pero faltaba escuchar su nuevo trabajo. Impresionante.

Ya desde el inicio se ganan la atención y la admiración del escuchante. “Space Habanera”, que la habían presentado anteriormente con vídeoclip incluido, es quizás, junto a “Tinta”, su mejor canción de siempre. También cerca de temazos ya inolvidables del pasado como “Vÿ”, “Quasar” o “PQTQ”.

“Space Habanera” lo tiene todo. No olvida sus raíces crimsonianas, pero evoluciona, como se vio en Grog, en su idea de grog-rock, un rock de sonido sucio en sus guitarras, con ritmos muy vivos y originales en la percusión -muy Bill Bruford- un bajo que tiene su propia línea y la guitarras y las voces creando un climax envolvente e intenso. La idea de meter un extracto de la ópera Carmen es un guiño que encaja a la perfección, sobre todo si decimos que a continuación llega una secuencia de punk-rock sucia e intensa. Más tarde el tema evoluciona a una especie de poema musical, donde las letras y la forma de cantar de Pablo Tato se comen la “Habanera”. Y es que no es casi hasta el final que llega lo que se podría considerar estribillo de la canción. Grandísimo tema.

“Piedra” está tan bien insertada e integrada en este increíble arranque de canción que apenas el oyente nota el cambio de corte. “Piedra” incide en esa idea de poema cantado con acompañamiento musical, como en toda la discografía de Psicotropia se ha podido escuchar. La voz de Pablo da mucho juego para esto y por eso el grupo lo explota como es debido. En esta ocasión, se trata de una composición con trama filosófica y creacionista, con tantas diferencias musicales en sus tramos instrumentales que entendemos por qué Psicotropia decían de este disco que era tan ecléctico. A veces suenan a Van der Graaf, otras a King Crimson, otras a bandas de metal progresivo e incluso se ven influencias de Triana y Jesús de la Rosa a la hora de dar cancha al expresionismo musical en las partes cantadas: ese “soy la piedra, soy la piedra, estoy hecho de tierra” nos evoca, inevitablemente a Triana cuando cantaban aquel incomprensible y esquizofrénico pasaje sonoro y vocal al final de “Sombra y luz”.

Después llega “Tinta”, que escribe de su color una impresionante música llena de sentido, emoción y talento. Además de unas letras excepcionales, la calidad de sus instrumentos y las melodías de la sección de cuerda interpretada por los violines y violonchelos de Micaela Tocino y Aurora Aroca llevan a una de las mejores composiciones del rock español de todos los tiempos. Comprendo que es difícil de asimilar así, y que la complejidad del tema, así como el lenguaje del rock progresivo, que llega poco al público, hacen casi imposible que esta opinión se comparta en demasía. Pero basta con escuchar “Tinta” para entender por qué digo todo esto.

Sintonizando con la última parte de “Tinta”, más dura y menos melódica, llega un tema de 2 minutos, “Country Grog”, que más que un tema instrumental se podría considerar un intermezzo, un pasaje de transición con el resto del disco, con sonido punk en las guitarras y espíritu metalero, así como de space rock.

Y digo resto del disco porque a partir de aquí, comienza otro Psicotropia3. “Patos” sigue jugando con ritmos más cadenciosos y partes muy melódicas, aunque siempre en su atmósfera tétrica, teatral y expresionista. El hecho de que vuelvan las partes de cuerda con violines y violonchelos majestuosos le dan una categoría suprema a este tema, que quizás no termine de enganchar por la complejidad de su estructura y sus cambios continuos de atmósfera. Lo que no quita para hablar de un espectacular despliegue de talento para interpretar este tema. Uno de los más crimsonianos de todo el álbum, con un final bluesy que desconcierta a los oídos menos acostumbrados al progresivo complejo y cambiante. La melodía guitarrera cierra el tema con menos paz que en el resto de la canción.

Y tras los ‘patos’, “Los Espectros De Krons”. Suena muy a Robert Fripp en su inicio, para luego evolucionar a su grog-rock habitual, ecléctico, con líneas vocales dramáticas, tristes y su habitual aire complejo. Atención a la parte final de la pieza, que sorprende por su frescura como contraste al resto de la composición. Sus últimos 40 segundos me recuerda a los mejores Porcupine Tree: atención a la batería de Juan. Impresiona.

El disco se cierra con “Oigo Silencio” y “Bella”. Mientras que la primera incide en la línea de los temas anteriores, de temática existencialista y creacionista, muy filosófico en letras y la forma de narrar musicalmente estos conceptos, aunque dando prioridad a la calma, recordando al Vivaldi de las partes más calmadas de Las cuatro estaciones, “Bella” cambia las tornas. Se trata del tema más largo del disco y aunque vuelve al sonido guitarrero del inicio del álbum, y suena como a “Grog” de hace 4 años, es una preciosa canción de amor, sentida y expresada como hace el buen rock, desde la furia de las guitarras, el bajo libre e intenso, y una línea de batería con vida propia. Ojo al estribillo tan bello de “Bella”, haciendo un juego de palabras, porque el trío psicotrópico vuelve a disparar a nuestro corazón al tiempo que no olvida componer un gran tema de rock.

Estamos tan hartos de superficiales músicas y chicos y chicas que exhiben sus cuerpos a ritmos de música de baile, que encontrar este remanso de talento, calidad y paz vuelven a creer en el camino. El camino del buen rock y la buena música en definitiva. Porque Psicotropia no acepta etiquetas. Y nosotros no queremos ponérselas.

Más información: Página oficial de Psicotropia

 

 

Solventadas las diferencias entre Roland Grapow y Jorn Lande, que provocaron la salida de este último de Masterplan en 2005 y, tras una experiencia no del todo positiva con el vocalista de Riot Mike DiMeo quien puso las voces en MK II su anterior disco, guitarrista y cantante han unido fuerzas de nuevo para sacar adelante el cuarto álbum de la formación alemana de power metal, en la que también figuran el portentoso Mike Terrana (batería), Axel Mackenrott (teclado) y Jan S. Eckert (bajo).

El disco, se ciñe a los parámetros habituales del grupo, atmósferas de relativa grandiosidad, sin llegar a lo pomposo, excelentes aportaciones de teclados, la hábil intromisión guitarrera del ex Helloween y, por supuesto, la inconfundible presencia de Jorn desparramando su colosal caudal de voz con grandes dosis de generosidad, sin olvidar la experimentada participación de Terrana dando consistencia con su dura pegada.

El disco, abarca composiciones de distintos perfiles aunque siempre dentro de los cánones inherentes a la trayectoria de la banda. El comienzo, con “Fiddle Of Time”, es trepidante y desestabilizador, con Jorn exhibiendo su registro más cercano a Ronnie James Dio, unos teclados sumamente expresivos y un riff de vibrantes formas. Seguidamente las revoluciones bajan algunos enteros con “Blow Your Winds”, pieza más encauzada hacia el medio tiempo de vértices melódicos. Algo más movido pero continuando la estela del anterior, aparece “Far From The End Of The World”. Con “Time To Be King” el disco recupera emociones más intensas repartiendo dinamismo junto a giros más marcados, así como un atractivo fraseo obra de Roland.

Por otra parte, “Lonely Winds Of War” nos envuelve en un ambiente más épico, con ritmos algo densos y voces cargadas de dramatismo, el mismo que impregna “The Dark Road”, tema que alterna momentos sosegados con irrupciones energéticas. Cuando la cosa parece ponerse algo aletargada, el grupo despierta los sentidos del oyente de vuelta al tremendismo con una sensacional, “The Sun Is In Your Hands”, donde la maquinaria de Masterplan retoma su senda más intensa.

Ya en el tramo final “The Black One”, sin perder potencia, contribuye a colocar algo de magnetismo además de rescatar del anonimato a Jan, quien demuestra que el bajo también tiene sus posibilidades de explotación si se le deja el espacio suficiente.

“Blue Europa” y “Under The Moon”, igualmente consistentes y cargadas de energía a la vez que sensibilidad, ponen punto final a un álbum que, como ha quedado dicho al principio, destaca por su versatilidad y por el equitativo reparto de protagonismo (salvo el bajo) incluyendo a un Jorn Lande más oculto de lo habitual entre las partes instrumentales. Cosas de la producción, supongo, que no desvirtúa el resultado final.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: Masterplan
TITULO: Time To Be King
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2010
PAIS: Alemania

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

El trío canadiense Triumph, formado por Rik Emmett (guitarra y voz), Mike Levine (bajo y teclados) y Gil Moore (batería y voces), se suma a los regresos gloriosos que, periódica e inexorablemente, se vienen realizando en el mundo del rock.

Después de disfrutar de un notable éxito en la década de los 70 y parte de los 80, con álbumes tan representativos como Rock And Roll Machine (1977), Just A Game (79), Progressions Of Power (80), Allied Forces (81) o Never Surrender (83), Rik abandonó en 1988 dejando al grupo algo “tocado”, aunque continuó sus actividades con el guitarrista, y también teclista, Rick Santers, incorporado en 1984, así como con el guitarrista Phil X, quien estuvo durante el último año de funcionamiento de la banda hasta que en 1993 cesó sus actividades.

En 2008 la formación original se reunió de nuevo para participar en el Sweden Rock Festival y parece que la química funcionó porque, ahora, bajo el apoyo de Frontiers Records editan esta colección de grandes éxitos con la particularidad de haber sido remezclados con el consiguiente mejoramiento de su sonoridad.

Así, Greatest Hits (Remixed), nos ofrece la oportunidad de disfrutar de un puñado de canciones de lo más representativas en la trayectoria de los canadienses, aunque se note determinada preferencia hacia los tema más melódicos con dominio de los medios tiempos y las baladas dotadas de cierta movilidad, como, “Lay It On The Line”, “Follow Your Heart”, “Magic Power”, “Hold On”, “Just One Night”, “Fight The Good Fight”, “Somebody’s Out There” o, la carismática “Never Surrender”, con el brillante aporte del bajo así como de la calidad guitarrera de Rik, quien deja muestra de sus reconocidas virtudes a lo largo del disco.

Aunque en menor cantidad, también aparecen piezas con mayor poder energético como la indispensable y “marchosa” “Allien Forces” junto a las rockeras “I Live For The Weekend” y “Spellbound”.

Mención especial para la resplandeciente “When The Lights Go Wown”, con su atractivo inicio de slide, además de la posterior filigrana guitarrera distorsionada como nueva muestra de la habilidad de Rik.

No falta su himno por excelencia “Rock And Roll Machine”, como el resto de composiciones, realzada de forma cualitativa por la nueva producción.

Un disco para redescubrir las facultades de estos tres tremendos músicos, rescatados del anonimato en el que estaban inmersos tras años de silencio.

El álbum se completa con un tema ajeno, la balada “Love Hurts”, original de los Everly Brothers y versionada por diversas formaciones a través de los años, en ocasiones con importante repercusión como en el caso de Nazareth.

Una pena que se haya quedado fuera la desequilibrante “Too Much Thinking”.

La edición especial cuenta con un DVD en sonido 5.1 y 11 videos, algunos inéditos.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Triumph
TITULO: Greatest Hits (Remixed)
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Canadá

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

With Flesh Unbound, es el debut de Syn:Drom, una banda sueca de corta trayectoria, formada en 2005, y alineada con los parámetros propios de formaciones como Morbid Angel, Nile o Vader, es decir death metal con ciertos rasgos de la escuela clásica a los que añaden ingredientes contemporáneos que podríamos catalogar de vanguardistas, sobre todo, en lo que respecta a las partes de guitarras, con vinculaciones al estilo de los polacos Decapitated.

Jonny Pettersson, se encarga de dotar al disco de la necesaria “mala leche” aportando la correspondiente ira vocal; mientras que Daniel Mikaelsson, contribuye a solidificar las estructuras en base a un continuo y demoledor aporreamiento de bombos y tambores, ayudado en la parte rítmica por el bajista Daniel Asén, en la medida de lo que la producción le permite,.

Pero la fuerza intrínseca de With Flesh Unbound radica en los recursos guitarreros de Roger Bergsten y el solista David Karlsson. El primero surtiendo a la grabación de corpulentos riffs y el segundo haciendo auténticos malabarismos con las seis cuerdas en su sentido más retorcido y envenenado, con momentos suficientemente inspirados como para ofrecer algo de variedad en unos esquemas bastante rígidos. En este aspecto, “The Marked One” destaca por los requiebros dinámicos de las guitarras y sus hirientes injertos chirriantes.

Todas estas premisas unidas, conforman un compacto tratado de metal desestabilizador no exento de abundante técnica y perfiles desquiciantes que se distribuyen equitativamente de principio a fin, sin apenas concesiones melódicas, en todo caso, alguna que otra armonía asociada a la brusquedad del entorno genérico, como se puede apreciar en cortes como “Obsolete Gods” o “Trapped Beyond”.

En conclusión, un desenfreno total canalizado a través de brillantes dosis de tecnicismo instrumental.

CALIFICACION: 7,75/10

GRUPO: Syn:Drom
TITULO: With Flesh Unbound
DISCOGRAFICA: Vicisolum Productions
AÑO: 2010
PAIS: Suecia

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

---

Fígaro

Todos nos conocemos la historia de Robyn: chica sueca que triunfa con su euro-pop noventero fresco y desenfadado y que con los años decide romper con todo y seguir sus propias reglas. Y aquí es cuando lanzó el álbum por el que todos comenzamos a pensar que una popstar no tiene porque enseñar carne, ser guapísima y cantar sobre como le gusta bailar en plan guarra mientras una jauría de tíos se la comen con la mirada (cosa que también nos encanta, por supuesto). Su disco homónimo lanzaba una propuesta moderna y hasta cierto punto arriesgada, que no nos llegaría de manera más patente hasta su reedición en 2007, que incluía la enorme (y me quedo corto) “With every heartbeat”, su tema más conocido y celebrado. Después de casi tantas reediciones como el Tubular Bells, nos llega por fin material realmente nuevo, por partida triple por si fuera poco. Body Talk Pt. 1, como dice el título, es la primera entrega en forma de EP, y durante los próximos meses aparecerán los dos siguientes. No se sabe hasta que punto esta estrategia surtirá efecto comercialmente, si saturará al público o si por el contrario estas pequeñas dosis servirán para poder asimilar mejor su trabajo. El tiempo dirá.

Hablando del disco, se compone de ocho pistas, pero la primera no es más que una intro, excesivamente alargada aunque divertida, y la útlima se trata de una canción popular sueca, por lo que el interés es practicamente nulo. El verdadero corazón de Body Talk Pt. 1 lo encontramos en los seis temas restantes, más que aprovechables. “Dancing on my own” toma a “With every heartbeat” como modelo, con un ritmo más techno, y una historia por la que todos hemos pasado: aguantar con estoicismo como tu ex o similar se da el palo con una cualquiera delante de tus narices mientras tú ahogas las penas en alcohol de garrafón. Tan dramático como cotidiano. Era de suponer que Royksopp le devolverían el favor de Junior, por lo que han aportado su maestría en “Non of dem”, que sin tener una melodía rompedora cuenta con un sonido hipnótico y minimalista muy elaborado, con ecos de Fever Ray (los suecos, expertos en retroalimentarse). “Dancehall”, pegadiza y veraniega, podría considerarse un tema electro-reggae en el cual se demuestra una vez más la versatilidad de Diplo como productor. “Cry when you get older” es una bofetada de realidad, vitalista y descarada, y “Fembot”, aunque vuelve a reivindicar la feminidad y el respeto (no, no estamos en 1994), destila simpatía con sus cómicos aires sci-fi. Por último destacar “Hang with me”, una preciosa balada acústica a piano, sencilla y vibrante.

De primeras Body Talk Pt. 1 no es un disco que convenza del todo, algo que ya sucedía con su predecesor (un grower en toda regla), quizás porque Robyn no es una popstar al uso que se conforma con canciones facilonas y manidas. Como puntualización personal, quizás eche de menos un poco más de drama, ya que ella sabe sacar partido a su voz e interpretación cuando saca a relucir la caja de kleenex (solo hay que recordar temazos como “Be mine”). Puede que en resultado no sea tan gratificante como en Robyn (esas son palabras mayores), y sin embargo ha sabido arreglárselas para regalarnos un buen puñado de canciones que hablan por si solas sobre su talento, con producciones cuidadas y sofisticadas, variadas pero coherentes. Por ello estamos ansiosos ante el lanzamiento de las dos próximas entregas, de las que esperamos algo aún más grande.

---

dyorch

 

Artista: Eli ‘Paperboy’ Reed
Álbum: Come And Get It
Sello: Parlophone
País: Estados Unidos
Fecha de publicación: 10 de mayo de 2010

Más información: Web/Myspace/Facebook

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

01. Young Girl
02. Name Calling
03. Help Me
04. Just Like Me
05. Come And Get It
06. Pick A Number
07. I Found You Out
08. Tell Me What I Wanna Hear
09. Time Will Tell
10. You Can Run On
11. Pick Your Battles
12. Explosion

A veces es imposible sentirse mal. Y escuchando a Eli ‘Paperboy’ Reed and The True Lovers me pasa eso. No puedo sentirme mal. Este chico de Massachusetts representa la alegría y su música es un paseo por el lado optimista de la vida. Tan sólo hay que escuchar la canción que da título al álbum, y que ha sido elegido como primer single, “Explosion”, “Tell Me What I Wanna Hear” o “You Can Run On” para darte cuenta de la alegría que transmite. Pero también, Come and Get It [Parlophone, 2010] presenta esos temas de bailar pegados o, como dice un buen amigo mío, de soul ‘baja-bragas’, como “Pick Your Battles”, “Name Calling”, “Just Like Me” y muy especialmente, “Pick a Number”.

Su soul, el ritmo de sus canciones, la sección de viento, sus gritos -de los que en mi opinión abusa demasiado y termina cargando-, y el feeling que desprende Come and Get It hacen imposible que te sientas mal al escuchar la docena de canciones que componen su esperada nueva entrega.

Con la anterior, Roll with You [Q Division, 2008], Eli ‘Paperboy’ Reed se convirtió en la gran esperanza blanca masculina del soul. Curiosamente, en los últimos años, son los blancos los que llevan la voz cantante en el soul y en el r&b de vieja escuela, retro si prefieren llamarlo. Y, en lo personal, ha sido Eli ‘Paperboy’ Reed el que más me ha impresionado.

Por eso mismo, por la impresión que me causó su segundo larga duración -el primero que conocimos la gran mayoría de nosotros- se hizo difícil la espera de la llegada del segundo. Si encima, después del éxito llega la firma con una multinacional, la espera viene acompañada de cierta inquietud y sí, uno es un mal pensado y considera que las grandes compañías discográficos son el diablo.

Sin embargo, después de escuchar Come and Get It se puede decir que Eli ‘Paperboy’ Reed sale bien parado. El de Boston se ha marcado un disco que sigue la senda de Roll with You. Derrochando buen, simpático y agradable soul, aunque haciendo algunas concesiones a la comercialidad. Sobre todo por esa producción al estilo Phil Spector y por algunos cortes como “Name Calling” o “Pick Your Battles”, con una orquestación tan preciosa como ñoña.

---

Valoración: 6

---

Texto: Carlos A.S.

 

 

The Frozen Tears Of Angels, el nuevo álbum de Rhapsody Of Fire, viene a ratificar las consabidas virtudes de la formación italiana comandada por Luca Turilli (guitarra) Alex Staropoli (teclados) y Fabio Lione (voz), todos con determinado peso específico dentro de las grandilocuentes estructuras que suelen presentar sus grabaciones. Sin olvidar el competitivo trabajo complementario de Patrice Guers y Alex Holzwarth al bajo y batería respectivamente.

Ya con la sólida experiencia adquirida tras más de una docena de años de trayectoria, y sus reconocidas habilidades, un nuevo disco de Rhapsody Of Fire quizá no sorprenda pero tampoco defraudará, a sus seguidores en particular, y a los aficionados el metal sinfónico en general.

Y es que The Frozen Tears Of Angels cuenta con todos los ingredientes inherentes a las propuestas que han ido entregando durante sus años de actividad.

De esta forma, cada composición tiene unas perspectivas en las que, dentro de un entorno general de abrumadora exquisitez, destaca algún punto en concreto. En el inicio, por ejemplo, con la intro “Dark Frozen World” seguida de “Sea Of Fate”, al mismo tiempo que redescubrimos el potente registro vocal de Fabio, reconocemos las huellas de identidad de Luca en diversos e inspirados momentos, con un pequeño lapsus de protagonismo a cargo de Patrice, algo que también notaremos en “Crystal Moonlight”, aquí, además con una potente pegada a cargo Alex, unos sugestivos inicios de teclados y unas vibrantes armonías de guitarra.

En “Reign Of Terror” siguen presentes las mismas premisas, con Turilli exhibiendo facultades en considerables cantidades, dentro de una atmósfera cargada de grandilocuencia operística y unos coros de sublime grandiosidad

Después de una ración de suprema intensidad el panorama cambia por completo con “Danza Di Fuoco E Ghiaccio”, un divertimento de ambiente medieval, con la delicadeza de las flautas apoyando a Fabio en sus desarrollos vocales en italiano y posterior entrada de unas sensibles guitarras acústicas.

“Raging Starfire”, restituye los esquemas suntuosos, las vibraciones rítmicas y las melodías sofisticadas donde teclados y guitarras se fusionan con creatividad, mientras que en “Lost In Cold Dreams”, bajan la intensidad para introducirnos en un momentáneo dramatismo lírico de tramos pausados que desembocan en la versátil “One The Way To Ainor”, canción de contrastes y cambios de ritmo continuos, con un Luca Turilli inspiradísimo en la parte final; para acabar con “The Frozen Tears Of Angels”, que engloba todas las características mencionadas anteriormente.

En la versión especial digipak se incluyen dos bonus, “Labyrinth Of Madness y “Sea Of Fate” (versión orquestada).

Por lo demás, sonido impecable producido por los propios, Luca Turilli y Alex Starapoli, y mezclado por el refutado Sascha Paeth.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Rhapsody Of Fire
TITULO: The Frozen Tears Of Angels
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast
AÑO: 2010
PAIS: Italia

 

---

CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Grupo: The Dead Weather
Álbum: Sea of Cowards
Sello: Third Man Records
Fecha de publicación: 11 de mayo de 2010
País: Estados Unidos
Más información: Web/Myspace/Facebook

Escucha Sea of Cowards en Spotify

Tracklist:

01 Blue Blood Blues
02 Hustle And Cuss
03 The Difference Between Us
04 I’m Mad
05 Die By The Drop
06 I Can’t Hear You
07 Gasoline
08 No Horse
09 Looking At The Invisible Man
10 Jawbreaker
11 Old Mary

Hay gente que tiene un don. Hace unos días, os comentaba que Paul Weller tiene el don de la elegancia. Hoy toca el turno de Jack White y de The Dead Weather, otro de esos proyectos en los que el guitarrista va sacando a relucir su talento a las seis cuerdas. Aunque, siendo justos, el buenhacer de The Dead Weather no sólo se debe al señor White, también a Alison Mosshart [The Kills], Dean Fertita [Queens of the Stone Age] y Jack Lawrence [The Rancoteurs].

Cuando hablo de talento, no sólo me refiero a las once canciones que componen Sea of Cowards [Third Man Records, 2010]. También hablo de Horehound [Third Man Records, 2009]. En menos de un año, The Dead Weather han vuelto a sacarse otro gran disco de la manga. Mr. White no sólo hace buenos álbumes sino que los factura en serie, como si se tratase de una factoría de montaje de su Detroit natal. Es decir, tiene dos ‘dones’, el del talento interpretativo con la guitarra y el de la productividad.

Sea of Cowards es un disco de un gran nivel, que ha sido publicado 10 meses después de que apareciese el debut discográfico de The Dead Weather. A pesar del corto espacio de tiempo transcurrido entre uno y otro, les ha dado tiempo a hacer algunos ajustes. Especialmente en el apartado vocal, donde Allison Mosshart lleva la voz principal pero no tiene la exclusividad, ya que Jack White ha aumentado su contribución en este apartado.

Sea of Cowards está basado en riffs y punteos de blues/rock de inspiración setentera que emanan de las seis cuerdas. Pero Mr. White no está solo. Está perfectamente secundado por la voz de Mosshart y por los teclados que han ganado presencia respecto a la primera entrega.

La aportación del teclado se antoja fundamental. En momentos ayuda a esa dimensión electrónica que se avista en la trastienda de The Dead Weather, como en la inicial “Blue Blood Blues”, en “I’m Mad”, “Looking at the Invisible Man” o en el sampleado de “Smells Like Teen Spirit” de Nirvana que se utiliza en “The Difference Between Us”. En otros pasajes, los menos, sigue la tradición del hammond, como en la arrolladora “Gasoline”, que, por cierto, en una parte recuerda levemente al tema que Jack White y Alicia Keys interpretaron en la BSO de Quantum of Solace -”Another Way to Die”-.

---

Valoración: 8

---

Texto: Carlos A.S.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Artista: Paul Weller
Disco: Wake Up the Nation
Sello: Island
Fecha de publicación: 19 de abril de 2010
País: Reino Unido
Más información: Web/Myspace/Facebook

Escucha el disco en Spotify

Tracklist:

01. Moonshine
02. Wake Up The Nation
03. No Tears To Cry
04. Fast Car/Slow Traffic
05. Andromeda
06. In Amsterdam
07. She Speaks
08. Find The Torch, Burn The Plans
09. Aim High
10. Trees
11. Grasp and Still Connect
12. Whatever Next
13. 7& 3 Is The Strikers Name
14. Up The Dosage
15. Pieces of a Dream
16. Two Fat Ladies
17. Wake Up The Nation [The Crackhouse Remix]

Hoy voy a empezar por el final. En la conclusión de la crítica de Wake Up The Nation [Island, 2010] de Paul Weller debería añadir una nota de advertencia. Debería señalar algo así como que la misma ha sido escrita por “un fan incondicional del ‘Modfather’”. Una señal de alerta sobre que el abajo firmante considera que Paul Weller es uno de los mayores talentos compositivos de las últimas tres décadas.

Creo que esta afirmación no presenta dudas. Para darse cuenta tan sólo hay que repasar la evolución emprendida por The Jam desde In The City hasta The Gift; la elegancia de The Style Council; o la minuciosidad y dedicación que desprenden sus trabajos en solitario. Es complicado encontrar a un artista que toque tantos géneros musicales en un mismo álbum y que además, logre salir airoso del intento. Y no una vez, ni dos, ni tres, en innumerables ocasiones. Mejor dicho, en todas ellas. Creo que éste debe ser el gran valor y el mayor legado que deje atrás Paul Weller.

Wake Up The Nation es otro ejercicio de talento supremo por parte de Weller. Es complicado encontrar un disco de 40 minutos de duración, con 17 temas que cumplen a la perfección la máxima de que una buena canción no debe superar los tres minutos; un despliegue compositivo tan variado y acertado. Hay muy pocos que puedan hacerlo, y el ‘Modfather’ es uno de ellos. Wake Up The Nation es otro apasionante viaje por el océano de influencias que maneja Mr. Weller. En esta ocasión, una brava aventura ya que destaca la potencia rítmica de su décimo trabajo en solitario.

Este alquimista musical sabe dotar a sus obras de una característica que le define: no se echa en falta nada. Baladas de soul orquestado -”No Tears to Cry”-; sonoridades negroides -”Aim High”-; elegancia pop -”Grasp and Still Connect” o “Find The Torch, Burn The Plans”-; inspiración ’sixtie’ -”Two Fat Ladies” o “Wake Up The Nation”-; pinceladas arabescas -”Up the Dosage”-; las inevitables referencias a David Bowie -”Andromeda”-; rock and roll con piano al uso de Jerry Lee Lewis -”Moonshine”-; placenteros interludios -“In Amsterdam” en clave jazz y “Whatever Next” con aire folk- ; e incluso música electrónica -”Up the Dosage” o el segundo cd de remezclas que acompaña a la versión deluxe de Wake Up The Nation-.

Pero todavía mejor es que no sólo no falta nada, sino que no sobra, algo tan difícil de conseguir en canciones tan elaboradas como las que factura el ‘Modfather’. Sobre una potente base rítmica, Paul Weller nos deslumbra con su trabajo de cirujano de alta precisión, donde cada instrumento, cada golpe de voz, cada orquestación, cada nota, aparece en el momento oportuno y en la dosis exacta.

Y por no faltar, en esta décima entrega en solitario, no ha faltado ni un ex compañero de The Jam. Bruce Foxton toca el bajo en “Fast Cars/Slow Traffic”. Además, también participan Kevin Shields, de My Bloody Valentine, que ha colaborado en “7& 3 Is The Strikers Name”; Bev Bevan, de The Move; y el batería Clem Cattini.

---

Valoración: 8

---

Texto: Carlos A.S.