Tracklist:

1. After All
2. Primadonnas
3. Lean On Me
4. Not Your Man
5. Thanks For The Young Idea
6. Shiftless
7. Danger
8. Love/Trouble
9. Better Times
10. You Don`t Always Want What You Get
11. Against It
12. Boring
13. Stuck Again
14. Little Worlds
15. Not Listening

Hace una semana me congratulaba de que en mis manos hubiese caído el último trabajo de los suecos The Knockouts. Hablaba de su sonido a medio camino entre el rockabilly, el psychobilly y el punk rock. Pues hoy, con After All [People Like You, 2010] de The Peacocks también me alegro de haber recibido el disco y estoy seguro de que va a ser uno de los mejores álbumes de la temporada, y eso que aún quedan diez meses por delante. Además, los ingredientes de la propuesta de The Peacocks son similares a los de The Knockouts, aunque sin tanta potencia punk.

Su propuesta: psychobilly, con un bajo -en realidad contrabajo- anfetamínico propio del punk, como en “Leon On Me“, “Shiftless“, “Danger” o “Stuck Again“. Todo ello aderezado de un buen trabajo tanto vocal como en coros y melodías, a lo que hay que añadir unas composiciones realmente adictivas. De hecho, después de escuchar los 15 temas de los que consta After All es raro no caer en la tentación de pulsar el botón de ‘repeat’, porque es imposible no querer escuchar de nuevo “Thanks for the Young Idea“, “You Don’t Always Want What You Get“, “Against It”, “After All”, “Lean On Me”, …

En esta ocasión nos encontramos con un grupo que practica un heavy metal de poderosos grooves al estilo Pantera, con cierto regusto stoner y con un cantante cuyo timbre de voz parece “pirateado” del mismísimo Ozzy Osbourne.

El grupo tiene una protohistoria con nombres distintos hasta asentarse en 2002 como Hellfueled y está compuesto por Andy Alkman (voz), Jocke Lundgren (guitarra), Kent G. Svensson (batería) y Henke Lönn (bajo). A su lado, Rikard Löfgren, ejerce de competente productor así como de ayudar en las tareas de composición.

Un tono más desenfadado lo aporta “Lost Forever”, de cadencia asimilable pero sin perder el norte hacia horizontes comerciales, al igual que sucede con “For My Family And Satan”, donde siguen presentes los riffs vigorosos pero menos persistentes, en beneficio del trabajo vocal y las armonías de guitarra.

“In Anger”, constituye la incursión más notable en terrenos accesibles, con la presencia de teclados y coros de fácil digestión pero también con la atrayente presencia del bajo. “End On The Road” también tiene su gancho rítmico y una parte final de brillantes guitarras melódicas.

Sin darnos cuenta, hemos pasado de los perfiles pesados y demoledores a un encuentro con el hard rock de aristas sleaze tipo Hardcore Superstar, una muestra de la versatilidad de Hellfueled, quienes se despiden, a su estilo, con un auténtico homenaje a Eddie Van Halen, con el tema “Moving On”.

Una gozada de grabación, que ganaría nivel mejorando las partes de batería, de una banda que debería ser más conocida y reconocida.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: Hellfueled
TITULO: Emission Of Sins
DISCOGRAFICA: Black Lodge Records
AÑO: 2010
PAIS: Suecia

El ritmo de un bajo cual pulsación del corazón, nos introduce en Asylum el álbum con el que los toledanos Dulcamara ambicionan dar un salto cualitativo en su carrera. Desde luego, argumentos no les faltan en un contenido musical encuadrado en los parámetros del death metal melódico de horizontes abiertos.

Se trata de un álbum conceptual basado en una historia para una obra de teatro creada por el vocalista César Arroyo quien convenció al resto de la formación: Rufo J. Cantero y Rafael del Olmo (guitarras), Fernando del Olmo (teclados), Sergio Fraile (bajo) y Carlos Barba (batería), para adaptarla musicalmente.

La narración en cuestión, se adorna con guitarras de riffs musculosos y armonías sugestivas, teclados en su justa y convincente medida y una vocalización de registros guturales e irascibles integrados en un dramatismo visceral de auténtico espanto; un esfuerzo casi sobrehumano a cargo de César, por otra parte, excelentemente arropado por la poderosa presencia de la batería dando cuerpo y consistencia a las composiciones.

Asylum, ante todo, es un trabajo de conjunto, una apuesta arriesgada de la que Dulcamara han salido vencedores por las cualidades demostradas y por la creatividad exultante que desprende la obra en su totalidad.

Contribuye al enriquecimiento del sonido la experta masterización de Mika Jussilla previa brillante coproducción del grupo junto a Carlos Santos.

El disco se redondea con una excelente presentación en digi-pack incluyendo librito con letras con comentarios adicionales sobre cada personaje presente en la historia.

Una banda a tener en cuenta en sus pasos futuros.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: Dulcamara
TITULO: Asylum
DISCOGRAFICA: CD Music
AÑO: 2009
PAIS: España

Tracklist:

01. Heat for the Hunted
02. Under the Light
03. A Lie Like in Natalie
04. Queen of the Underground
05. The Chimneys of Chemnitz
06. Faith Avenue
07. Ever Been Hurt?
08. Another Second, Another Minute, Another Day
09. Rotten and Obsessed
10. Streets of stockholm
11. Time and Motions
12. Here´s a Song

The Knockouts no se caracterizan por ser una banda que se prodigue en estudio. Su carrera comenzó en 1996 y Among The Vultures [Sound Pollution, 2010] es tan sólo su tercer larga duración. Sin embargo, el trío sueco sí que ha empleado gran parte de su carrera musical en recorrer las carreteras tanto de Suecia natal como de gran parte de Europa. A lo que hay unir que Johan Frandsen -guitarrista y cantante- estuvo durante dos años enrolado en The GoGetters, una formación sueca de rockabilly.

Sin embargo, lo que más destaca del trío sueco es su propuesta rockabilly bajo el ritmo punk, y en ocasiones psicótico como en “A Lie Like a Natalie“, ” Another Second, Another Minute, Another Day” y “The Chimneys of Chemnitz “, que impone el contrabajo de Ken Stone . Además, la producción afilada de las guitarras y los coros, que en canciones como “Here’s a Song” o “Queen of the Underground” tienen un cierto aire cervecero y cockney, es decir, similar al de las bandas del East End londinense; contribuyen a crear este espíritu punk en la música de The Knockouts.

Y todo ello dotado de un estilo alegre, festivo y desenfadado, en el que en ocasiones también se infiltra la presencia de una sección de vientos, como en “Under the Light” o en “Rotten and Obsessed“. En definitiva, un disco de rock and roll que, probablemente, encantará a los punk rockers del lugar. Una de las sorpresas agradables de la temporada.

Dicen por ahí los sabios que de tal palo tal astilla… Sería complicado permanecer impasible a la música que suena en tu propia casa día y noche, hacer oídos sordos a una pasión que viene de familia sería renegar de nuestra propia esencia.
Quizás por ello, o porque alguien lo marcó así en su libro de actas, Ópal absorbió todo el arte y la música que de manos de su padre y sus hermanos, formaron la banda sonora de su vida desde su más tierna infancia. Es por eso que, a los cuatro años, esta mujer, por entonces niña, se subió por primera vez al escenario para cantar su propia versión del “Cocouaua“, una tierna y divertida forma de empezar en esto.

Mientras que otros niños pedían a sus padres su primera bicicleta, una muñeca, una vuelta en el tiovivo… Ópal tuvo claro que lo que ella ansiaba y deseaba era dedicarse a la música que, desde niña, corría por sus venas en un vaivén acompasado, deseoso de expresarse a través de sus cuerdas vocales. Fue así como, con apenas ocho años, nuestra protagonista comenzó sus estudios de música en el Conservatorio y, unos pocos años más tarde inició su carrera musical cantando en grupos de pop-rock, versiones y grupos a-capella.

Los textos que dejó olvidados en su día en un cajón, aquellos que ansiaba cantar en su propio concierto, fueron descubiertos por V. Roca, ese grandísimo músico y guitarrista al que debemos el momento en el que Ópal rescató sus temas del olvido al que habían sido condenados y le dio ese empujón que le faltaba para que iniciara su carrera en solitario. Temas nuevos, otros escritos hace tiempo… todos ellos fueron parte de un primer trabajo que en 2003, producido por V. Roca, grabó bajo el título de Sueños, unos sueños que poco a poco dejaban de ocupar su cabeza y su pensamiento para convertirse en la realidad cotidiana de ver materializados los proyectos y esos sueños mágicos que desde niña ocupaban su cabeza.

La madurez, la interacción con el público, una banda consolidada y un proyecto llamado Ópal que empezó a dar resultados, llevaron a que los temas cogiesen fuerza por sí mismos. Canciones mucho más maduras, más enérgicas y, esta vez, con un sello más marcado que nunca, (la música crece a la par que la creadora de sueños) son las claves de un último trabajo en el que Ópal se describe como la mujer fuerte y luchadora que es y, con esa fuerza mezclada con la ternura de su voz, nos ofrece un disco lleno de historias convertidas en canciones, todo bajo un título que lo dice todo de esta artista: Pienso Distinto.

Once temas en los que la frescura, la fuerza, la sencillez y la fusión de ritmos, son los apellidos de un disco redondo (y no sólo por su forma). Escucharlo es una mezcla de sentimientos que no deja impasible a nadie. De pronto nos sirve para cargar nuestras pilas con energía positiva como te sorprende con una balada que pone los pelos de punta o, en otro caso, se marca un tema bajo el manto de los ritmos árabes que la han llevado a expresarse también a través del baile.
Este disco se resume en una historia que habla de una “Dulce Princesa” que está “Atrapada en el Tiempo“, con los “Recuerdos” que le quedaron “Después de Ti” y que se alimenta de “Agua y Pan” bajo las “Hojas de Otoño” que caen por “El Viento” que genera esa “Nube Negra“. Y se oculta bajo el seudónimo de “Aïcha” aquella que dice: “Pienso Distinto“, una historia de una princesa que está “Conectada a ti” y que ve, cada día, “En tus ojos (la Luz)“.

Hacedme un favor. Si tenéis la oportunidad de escuchar su disco hacedlo con los cinco sentidos y, en segunda instancia, cerrad los ojos y dejaros llenar los tímpanos de su voz, de su música, de la magia que encierra cada uno de los temas que nos regala.

Y no quiero dejar de escribir sin lanzar la pelota al tejado de quien corresponda, que se dé por aludido quien se lo tenga que dar, dicen que qué más da Madrid o Barcelona… lo cierto es que, de momento, las puertas de la capital se han cerrado a su música, volvemos a ser esa ciudad de pandereta que sólo se da cuenta de lo que tiene cuando lo ha perdido o se ha marchado (como es el caso) a otros países a ofrecer la música que, de momento, no abre las puertas de un directo esperado por muchos. Al menos nos queda seguir rayando, aún más, ese disco que no para de sonar en la mini-cadena, a la espera de que, algún día, sean Ópal y su guitarra, en directo, quienes nos deleiten con su música en esa que dicen es la capital donde se cumplen los sueños…

Su propuesta se anuncia como power metal made in USA, sin embargo, se trata de un combo encuadrado en los parámetros del heavy metal con ciertas desviaciones power que, ni mucho menos, llegan a alcanzar la pomposidad europea. Aquí hablamos de un sonido más directo y crudo como descubrimos desde el inicio con “Our Sentence”, donde las armonías guitarreras se funden con un fondo de teclados y un vigoroso riff, además de una marcada presencia del bajo, al igual que sucede en “Purgatory Child”, tema que tiene su impronta pegadiza y una parte final de guitarras muy competente.

Las huellas de Judas Priest también quedan impregnadas en alguna composición. Posiblemente, “Mechanichell” sea la más cercana al conjunto británico, con Dan ejerciendo las veces de Rob Halford en cuanto a tonos agudos aunque con una garganta mucho más poderosa que la que posee en la actualidad “Mr. Metal God”. A decir verdad, Ainlay proporciona cierto toque característico al sonido de Burning Black. Su registro desgarrado pero a la vez de tonos altos, da como resultado un híbrido entre el desaparecido David Wayne de Metal Church y el propio Halford. De hecho, en el medio tiempo “Dust And Rain” y en “Messengers Of Hell”, uno de los temas más agresivos e impactantes del álbum, recuerda bastante a Wayne.

Si se quiere, un trabajo poco innovador, aunque con partes arrebatadoras de guitarras incisivas y voces intensas. Convincente y entretenido, al fin y al cabo eso es lo que cuenta.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Burning Black
TITULO: Mechanihell
DISCOGRAFICA: Limb Music
AÑO: 2009
PAIS: Estados Unidos

Una vez dictada sentencia a su favor por parte del juez, aludiendo a su condición de único miembro fundador de la mítica formación noruega, toda una institución dentro del black metal, Infernus entrega a sus seguidores Quantos Possunt Ad Satanitatem Trahunt, un álbum que, seguramente, causará polémica entre los defensores del sonido clásico porque, ¡señores! estamos ante un cambio que, posiblemente, atraiga a nuevos adeptos pero que cabreará a muchos.

Lo cierto es que Infernus ha apostado por desacelerar las estructuras habituales para darles un perfil más pesado y cadencioso, además de introducir injertos guitarreros en los que se adivinan interesantes juegos armoniosos, como los que aparecen en el tema inicial “Introibo ad Alatare Satanas”, por unos instantes envueltos en el espíritu de Slayer.

Es evidente que la atmósfera blackmetalera sigue vinculada a la formación; la tenebrosidad y el espíritu maligno sigue impregnando un ambiente ahogado por una producción opaca a cargo del mismo Infernus y de Tomas, que desemboca en un clima claramente opresivo y estremecedor, no exento de magnetismo y, en ocasiones, algo épico, con “New Breed” y “Human Sacrifice” como ejemplos.

Quantos Possunt Ad Satanitatem Trahunt, constituye un viraje inteligente hacia fórmulas menos extremas sin que ello determine la pérdida de identidad. El “pacto con el diablo” sigue vigente aunque algunos consideren que se trata de una traición.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Gorgoroth
TITULO: Quantos Possunt Ad Satanitatem Trahunt
DISCOGRAFICA: Regain Records
AÑO: 2009
PAIS: Noruega

En este caso, no estamos hablando de un trabajo de típico power grandilocuente sino de una banda que apuesta más por los sonidos orgánicos, sobretodo de las guitarras, dominadoras en todo momento con sus vigorosos riffs y sus, por momentos, intrincados desarrollos.

Se trata de un sonido orientado hacia los perfiles del heavy metal, apostando más por la crudeza que por la tecnología excesiva, como queda plasmado en la mayoria de composiciones: “Walk Of Pain”, “Art Of Deception”, “Eclipse Of The Sun-Cult”, “Armaggedon Forever”, o “Broken Soul (Virgin Mary)”, siempre prevaleciendo la instrumentación sobre las voces de Freddy Persson quien, por otra parte, realiza un excelente trabajo en la última de las mencionadas de más de 10 minutos de duración y envuelta en un especial dramatismo. Mención aparte para “The Mariner”, con una brillante aportación del guitarrista Jake Fredén.

Un disco entretenido, robusto en sus formas y con argumentos eficaces. No cambiará la historia pero mantiene las constantes vitales de Nostradameus a un nivel más que aceptable.

CALIFICACION: 7,00/10

GRUPO: Nostradameus
TITULO: Illusion’s Parade
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2009
PAIS: Suecia

Tracklist:

1. The Trouble Is (03:23)
2. Fraud (03:15)
3. What’s Going On? (02:28)
4. Two Heads (02:19)
5. 99% (03:11)
6. Bring The House Down (02:43)
7. These Boots Are Made For Walking (02:27)
8. For Better Or For Worse (02:13)
9. Sorry I Was Late (03:33)
10. Shout It Out Loud (02:38)
11. Thorn In My Side (03:23)
12. Na Na Na (01:03)
13. Breakdown Baby (03:45)

Hemos tenido que esperar tres años para tener en nuestras manos un nuevo disco -el quinto- en estudio de Deadline, que estará en las calles el 15 del próximo marzo. Bring the House Down [People Like You, 2010] es el fruto de cinco semanas de trabajo en los estudios La Cartonnerie de Reims, Francia, y de la masterización en Flow Mastering de Brighton, Inglaterra. Además, también es el resultado de la llegada de un nuevo miembro a Deadline, el guitarrista Doudou, que se ha encargado de la producción y que fue el promotor de la idea de grabar en Francia, donde, en su opinión, está “el mejor equipo de grabación del mundo”.

Sin embargo, estas versiones y guiños no será lo que más sorprenda a los seguidores de Deadline. En Bring the House Down, la voz de Liz suena mejor que nunca al igual que sucede con el lado más melódico de la formación británica. Algo apreciable en composiciones como “Sorry I Was Late“, “Shout It Loud“, “Breakdown Baby” y “For Better or For Worst“. Bring The House Down demuestra que Deadline han perdido parte de la potencia de los primeros discos y en algunas canciones carecen de fuerza, incluso se atreven a hacer una balada -”Thorn In My Side“- con guitarras acústicas y violines incluidos.

A pesar que en algunos cortes se echa de menos mayor fuerza y garra en las guitarras, para ser honestos, Deadline siempre se han caracterizado por representar al sector más dulce y amable -por no decir vendible y comercial- del street punk; aún así el punk sigue muy presente en Deadline. Lo podemos comprobar especialmente en la primera mitad del álbum y en temas como “The Trouble Is“, “Na Na Na“, “Fraud” o “99%“.

La presencia del grupo barcelonés The Eyes en la primera edición del Sonisphere fue determinante para que su trayectoria tuviera un impulso en el sentido de que muchos aficionados se dieron cuenta de su calidad y de que un
grupo estatal podía compartir cartel con bandas de renombre internacional sin que desentonar en absoluto.

Lo mismo sucede con su nuevo álbum, Insignis, una grabación de excelente death metal melódico de virulentos perfiles al estilo de formaciones como In Flames o At The Gates, aunque con variaciones hacia el metalcore.

Después de unos esperanzadores inicios con álbum debut Pursuing The Misfortune (2004) la marcha de algunos de sus componentes frenó la proyección de la banda hasta que en 2008 inician una nueva etapa que toma consistencia con el fichaje por Kaiowas Records (filial de Roadrunner) y la posterior grabación del álbum que nos ocupa con una alineación compuesta por, Jordi (voz), Wero y Edgar (guitarras), Christian (bajo) y Guillem (batería).

Quizá, el álbum contenga partes de estructuras rítmicas recurrentes y algo saturadas, sin embargo también es justo reconocer que dentro de sus abigarrados parámetros se reconoce un intrincado entramado de requiebros melódicos de exquisita técnica así como abruptos giros esquemáticos.

No estamos ante un álbum de riffs asimilables al instante sino frente a un compendio de composiciones de compleja elaboración entre las que destacan, “Grey Light”, “Above The Real Pain”, “The Sight Of Weakness” y el aplastante final con “Endless Night”.

Un disco que pone a The Eyes en la órbita de las formaciones españolas con posibilidades de abrir brecha en el mercado internacional si logran estabilidad en cuanto a componentes y mantienen su progresión ascendente.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: The Eyes
TITULO: Insignis
DISCOGRAFICA: Kaiowas Records
AÑO: 2009
PAIS: España

De entrada, el tema que abre y da título al disco, parece introducirnos en el universo Pantera, con unas agresivas guitarras “marca de la casa” pero cuando entran en acción las voces ya nos damos cuenta de que no es precisamente Phil Anselmo, sino Benjamin Sotto, cantante cuyo registro poco tiene que ver con la agresividad del texano.

Tras el desconcierto del principio Heavenly se centran en lo suyo que es un power metal grandilocuente donde confluyen los tradicionales esquemas de combos tipo Helloween, Gamma Ray, Edguy y demás portentos del estilo, hasta alcanzar los horizontes neoclásicos de los Rapsody Of Fire de Luca Turilli.

Sin embargo, no se debe olvidar que la excelente labor de Charley y Olivier dotan al álbum de un plus de consistencia. Sus devaneos con las seis cuerdas son verdaderos ejercicios de motivación. Repartidos con generosidad, destacan sobre todo en “Ashen Paradise”, la mejor muestra de su virtuosismo en un entorno marcado por el desenfreno rítmico. No le va a la zaga “Ode To Joy”, la famosísima composición de Beethoven aquí transformada convenientemente, aunque con los versos característicos fusionándose entre exhuberantes armonías

Capítulo aparte para “Farewell” y “A Better Me”, donde Benjamin “juega” a ser Freddie Mercury en sendos y declarados homenajes a Queen, con todo lo que implica, voces a capella, notas de piano y dramatismo en generosas cantidades, además de unas guitarras al inconfundible estilo de Brian May.

Una muestra más de la creatividad de los franceses y su capacidad para readaptarse y no perder frescura.

CALIFICACION: 8,00/10

GRUPO: Heavenly
TITULO: Carpe Diem
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2010
PAIS: Francia

Aún adolescentes, comenzaron a tocar en el circuito colegial y en algún que otro club canciones de sus grupos preferidos así como algo de material propio, pero sus caminos se dividieron y el proyecto de banda quedó adormecido indefinidamente, mientras Kip Winger volaba a Nueva York para vincularse a la banda de Alice Cooper y, posteriormente, formar Winger en plena eclosión del air metal y, a su vez, Peter viajaba a Los Angeles para montar Pigmy Love Circus, banda que incluía al batería de Tool Danny Carey. Por su parte, Nate prestó sus servicios a numerosas bandas, Ratt, Kix y Europe, incluidas.

En 2007 los tres músicos reactivaron sus viejas ilusiones y pusieron de nuevo en marcha a Blackwood Creek cuyo debut homónimo de 2009 nos invita a un viaje regresivo a las texturas setenteras de aromas sureños, apasionados chispazos guitarreros, aportaciones acústicas, concesiones melódicas y altas dosis de sentimiento.

El inicio “Out In Outer Space” es puro Led Zeppelin, con unos sugestivos fraseos de guitarra y momentos en los que aparece la sombra de Robert Plant en cuanto a actitud vocal.

Tras un enérgico inicio, el álbum se encauza por texturas más armoniosas aunque, “Nothing But The Sun” todavía esconde latigazos de guitarra en apoyo de unas pegadizas y atractivas partes vocales, al igual que sucede en “Your Revolution”.

Los esquemas hard rockeros de orientación accesible y el buen y variado tratamiento vocal, así como las demostraciones de Peter a las seis cuerdas se mantienen en “Dead Stung” para, acto seguido, dar paso a las incursiones acústicas de tonos romáticos como “Aftert Your Heart”, un corte que en ciertas partes puede recordar a Boston. En “Albatross”, mantienen la misma dinámica y, con “Jimmy And Georgia”, vuelven a remontar el vuelo hacia posiciones vitalistas para entrar en el tramo final con ímpetu y los suficientes recursos como para transmitir una positiva sensación de variedad como lo demuestran, la energética “Rack Of Greed”, con un excelente cambio de ritmo; la corrosiva (tanto en voces como en guitarras) “Love Inspector”, y la adictiva “Joy Ride” y su marcado compás.

El disco se despide con “Wooden Shoe”, una balada también con toques acústicos.

Un álbum brillante facturado por tres tipos curtidos y experimentados que han sacado sus mejores esencias para destilar un producto de sabor añejo que, a través de su creatividad, transmuta en atemporal.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: Blackwood Creek
TITULO: Blackwood Creek
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2009
PAIS: Estados Unidos

Tracklist:

1. Fortune Teller (3:37)
2. Take It (2:10)
3. Open Up Your Heart (2:24)
4. Emily (2:44)
5. Laughing Stock (2:38)
6. Countdown to Breakdown (3:54)
7. Changes Everywhere (3:24)
8. Hollow Grove (2:53)
9. No Mas (2:15)
10. Mikita (2:41)
11. Scorpio (3:08)
12. Secret of the Twisted Flower (5:32)

De un grupo que se llama Baby Woodrose -nombre popular por el que se conoce a la planta alucinógena Argyreia Nervosa- no podríamos esperar menos que cierta inclinación hacia la psicodelia y otras hierbas. Y Baby Woodrose en su sexto disco en estudio no iba a defraudar a sus seguidores. Aunque, como viene siendo habitual en la trayectoria del trío danés -ahora reconvertido en cuarteto en directo-, ha dado un pequeño giro de tuerca a su propuesta, alejándola un poco del garage psicodélico de Chasing Rainbows [Bad Afro, 2007] para centrarse en el rock y en el pop aunque sin abandonar la psicodelia.

Como decíamos en el primer párrafo, Baby Woodrose han abandonado ligeramente su propuesta de garage psicodélico para adentrarse en una senda más cerca al rock y también más sensible al pop. A pesar de ello, siguen ofreciendo pinceladas de garage salvaje, como en “Take It” -que cuenta con un riff de guitarra al estilo The Kinks-, “Laughing Stock” o “No Más“.

Pero, sobre todo, Lorenzo Woodrose y su proyecto ha destacado por sacar partido al trabajo en estudio. En directo suenan más directos, prescinden de buena parte del instrumental psicodélico que desfila por sus trabajos, acercándose a los ‘power trio’ de la década de los años 70. En estudio, la actitud es diferente, más concienzuda y abierta a la hora de conjugar diversos elementos. Desde las guitarras acústicas a los instrumentos de viento o el órgano -aunque estos prácticamente han desaparecido en la última entrega- pasando por coros y efectos de voz. De esta forma, Lorezo Woodrose es capaz de construir maravillosas composiciones de alta sensibilidad pop, como “Countdown to Breakdown“, “Changes Everywhere“, “Secret of the Twisted Flower” y, en especial, “Emily“, problablemente su composición más comercial, tan atractiva como melancólica.

Valoración: 7
Texto: Carlos A.S.

Para ello, se nutren del folklore autóctono sin menospreciar ninguna procedencia; de esta manera, a las influencias propiamente judías añaden melodías árabes sin ningún tipo de restricción. Sobre las raíces ancestrales, la formación añade perfiles modernos que encajan con el rock progresivo y determinadas derivaciones hacia formas de estructuras propias del metal.

Ciertamente, una combinación exótica cuyo sofisticado concepto nos muestra composiciones de compleja elaboración y variopinto recorrido, donde tienen cabida pasajes rítmicos de abigarrado enfoque junto a continuos cambios de dinámica.

Aquí, el choque de civilizaciones se utiliza en pos de una creatividad exuberante que factura estructuras en las que convergen dos universos distintos. Uno, aporta la energía y el vanguardismo y el otro la sutileza y lo arcaico. El resultado es un largo y exquisito recorrido (más de 78 minutos) en el que armonías y voces sugestivas conviven con ramalazos guitarreros de poderosa contundencia.

Es cierto que semejante mezcla puede acabar desorientando a los oídos clásicos pero escuchar la fusión de tal disparidad de elementos es, asimismo, una experiencia enriquecedora.

La obra, producida por el visionario Steve Wilson (Porcupine Tree), consta de tres partes, Godfrey’s Cordial – An ORphan’s Life, donde se incluyen seis canciones; Lips Acquire Stains – The WarriOR Awakens, con otras seis, y Barakah – Enlightening The Cimmerian, que abarca los tres últimos cortes del álbum.

Todo un alarde de ingenio canalizado de forma magistral en los momentos vitalistas aunque algo adormecedor en momentos puntuales. A destacar temas como el inicial “Sapari”, así como The Path Part 1-Treading Throug Darkness, Disciples Of The Sacred Oath II o Barakah, aunque la fuerza del álbum radica más en su homogeneidad que en sus individualismos.

Por cierto, las fotos promocionales no tienen desperdicio. Pura provocación para los radicales religiosos.

CALIFICACION: 8,25

GRUPO: Orphaned Land
TITULO: The Never Ending Way Of ORWarriOR
DISCOGRAFICA: Century Media
AÑO: 2010
PAIS: Israel

Poca cosa se sabe de ellos, son franceses y practican, según su propia definición “terrorthrash”. Y razón no les falta ya que, a su imagen, suman unos perfiles musicales que encajan en gran medida con el thrash, aunque habría que añadir que sus esquemas también se acercan a parámetros más radicales de los habituales en el estilo. En todo caso, su visceralidad tiene elementos vinculantes con el grind y el hardcore.

Su álbum debut C.I.A. (Contraband International Audio), se nutre, ante todo, de agresivas y desequilibrantes guitarra de riffs incendiarios. Sobre esa base, descargan vozarrones de consistencia apocalíptica y una batería primitiva de sonoridad cruda.

En total, son 18 canciones abrasivas, envueltas en una exuberante brutalidad en su fondo, pero con ciertas formas que dejan entrever un trabajo consistente en lo que se refiere a las partes guitarreras. Es decir, la primera impresión puede transmitir cierta sensación de anarquía, no obstante, al profundizar se descubren atributos más selectos. Obviamente, no estamos ante una banda melódica pero si ante un grupo con ideas con un cierto grado de penetrante viveza.

En definitiva, Pitbull Terrorist muestran mejores cualidades que algunas formaciones del género con mayor tiempo de actividad. Supongo que eso dice mucho en su favor. Habrá que ver si hay continuidad.

CALIFICACION: 7,25

GRUPO: Pitbull Terrorist
TITULO: C.I.A.
DISCOGRAFICA: Anstalt Records/Pias
AÑO: 2009
PAIS: Francia

Sello: Volcom Entertainment

Fecha de edición: Noviembre 2009

Más información: web/myspace

Tracklist:

01 – Rtten My Casiopea

08 – So We Died

Hace unas semanas, tuvimos la oportunidad de conversar con Mikel Larratxe, vocalista de SextySexers. El cantante de la formación de Bera nos contó que Hero Mantra [Volcolm Entertainment, 2009] era un disco de ocho canciones y 43 minutos de duración. Y, además, nos dijo que a Hero Mantra “no le falta ni le sobra un tema“. Después de estar un mes y medio a piñón con el disco, no sólo debemos darle la razón, sino que, además, debemos añadir que el grupo ha alcanzado su madurez, lo que le ha llevado a firmar un gran disco de hard rock.

Destaca la variedad de registros empleados por su cantante. Si en algún momento llegamos a hablar de la influencia que sobre él ejercía Ian Atsbury -The Cult-, la comparación deja de tener sentido tras escuchar Hero Mantra. Un disco que ha sido grabado junto con Karlos Osinaga y producido por el propio grupo de Bera y por Joseba Irazoki. Además, SextySexers han contado con el apoyo de sello estadounidense Volcolm Entertainment, hogar de, entre otros, Birds of Avalon, Valient Thorr, Year Long Disaster y Guttermouth.

SextySexers han conseguido plasmar todo su potencial en un disco. Lo han hecho con Hero Mantra. Buena fe de ello dan cortes como “Rotten My Casiopea“, “Zyklon Birika“, “Kaktus Rock” o “Tetsuo Edo Melquiades“. Canciones que son una apisonadora rockera, con riffs sólidos, acertados solos de guitarra y una potente base rítmica. Ahora, sólo falta que la formación comience a dar buena cuenta de sus directos y empiece a forjarse un nombre en todo el estado.

Grupo: The Magnetic Fields
Título: Realism
Discográfica: Nonesuch – Warner
Fecha de publicación: 26 enero 2010
Web oficial del grupo: The Magnetic Fields

Existe un halo característico en la música de The Magnetic Fields que se había perdido en la espesura, contradicción y dispersión que provocó su desafortunado “Distortion”, por más que muchos hicieran acopio de reflejar los sonidos de este trabajo con los primeros The Jesus and Mary Chain. Quedaba así paralizado el trasfondo estilístico del grupo.
Pero quedaban ecos de “Get lost” y su obra magna, esa Biblia de la música independiente contemporánea que firmaron en el año 1999 y que dieron en llamar “69 love songs”, cuyas finas láminas se pegaron como calcos a “I” y se trasladan inexorablemente (¡y menos mal!) a este magnífico “Realism”.

El siempre activo Sthephin Merrit que ha firmado varios discos con su nombre y bajo el de The Gothic Archies un álbum con canciones inspiradas en la serie de libros “A series of unfortunate events” de autor Lemony Snicket más The 6 ths y Future bible heroes, firma aquí otra de sus obras más características de una sonoridad auténtica y nada autocomplaciente con sus trabajos anteriores. De aquí que cada disco de los estadounidenses quede agrupado bajo un concepto que arrastra las preciosas letras y, a veces, las cálidas voces de las canciones (como ocurre en la maravillosa “Walk a lonely road”); es así donde mejor se macera, escucha tras escucha, la simpleza de este trabajo, donde las voces femeninas y el acompañamiento de los instrumentos de viento que tan bien han tratado al grupo se degustan hacia uno y todos los inviernos posibles. Escuchen, si no, mil veces la nana colorista “Interlude”. O cualquier estación donde uno quiera acomodarse en sus mejores trabajos, como éste “Realism”. Y es que, ¡cómo se identifica, rápidamente, su sonido en canciones como “From a sinking boat”!).
Lo escuchas una vez y te viene a la mente los Magnetic Fields de siempre; lo haces tres veces y descubres la verdadera razón de cómo el grupo ha madurado. Haciendo lo que mejor saben hacer; conduciendo las voces y los instrumentos en base a ajustarlos milimétricamente con voces que no suben el tono (“Seduced and abandoned”), para hacer del desamor algo que deja a uno inmensamente sólo (“I think I might drink a few…and maybe the baby will too”). Creciendo y haciéndose inmenso.

Adorados por unos cuantos de nuestros grupos señeros de la escena independiente (Astrud, que tocaron con ellos en un magnífico concierto en Madrid hace unos años, o La buena vida), The Magnetic Fields han vuelto a crear confianza y decisión en ganarse a todos los que les acompañábamos desde aquel “Get lost”. Donde la sencillez se dispara hacia el infinito y estalla en mil pedazos de luz. Es la esencia pura del Synth-pop en su estado puro. Escuchen, escuchen mil o dos mil veces más, por ejemplo, “We are having a Hootenanny”. Y sí, es una obra maestra de este 2010. Y punto.

The Mirage, es una banda de Vigo, formada en 2001, integrada por Mandi García (voz), Suso Valcárcel (batería), David Estévez (guitarra), Fran Almodóvar (guitarra) y Tito Pardo (bajo), que nos presenta su segundo álbum rEVOLUCION, autoproducido igualmente que su predecesor Viviendo Rock & Roll, editado en 2005.

Estamos ante una banda identificada plenamente con los sonidos propios del hard rock de influencias setenteras con un amplio espectro de matices, desde los perfiles envueltos en delicada sutileza hasta los tropezones de energía reconstituyente.

Producido en Londres por Will Maya en los Albert Studios, el disco es un compendio de esquemas de lo más variado cuyo eclecticismo se convierte en el fundamento principal del contenido.

A continuación, el álbum cambia de registro con el pegadizo y accesible “Cuando El Mundo Pare”, vinculado claramente en los perfiles del rock melódico, algo que repetirán posteriormente con “Páginas En Blanco”. Acto seguido, la balada “Extraños” confirma el perfecto acoplamiento de la garganta de Mandi a las distintas tesituras, demostrando que cuando se poseen condiciones no importa haber elegido la opción del castellano para expresarse.

Las buenas vibraciones guitarreras toman de nuevo la iniciativa en “No Soy Diferente A Ti”, respaldadas por una precisa sección rítmica. De repente, la energía muta en elegancia con “Lo Mejor De Ti”, canción de sentimiento bluesero y final de trazos gruesos, al igual que el medio tiempo “Días De Lluvia”, donde todos los componentes aportan su parte de protagonismo; solidez en bajo y batería, fraseos de guitarra determinantes y sensibilidad vocal.

Y para cerrar, “Mirando Al Cielo”, con delicados acordes iniciales de guitarra slide que poco a poco van derivando hacia el mencionado ambiente acústico de orientación “zeppeliniana”.

Un disco sobresaliente de horizontes abiertos y chispeante creatividad que permite a The Mirage situarse en un lugar privilegiado dentro del rock estatal.

CALIFICACION: 8,50/10

GRUPO: The Mirage
TITULO: rEVOLUCION
DISCOGRAFICA: Autoeditado
AÑO: 2009
PAIS: España

Si es que por el mundo hay mucho crítico carnicero esperando despedazar la continuación de un disco de éxito. Y es que el primer largo de Vampire Weekend fue un auténtico pelotazo de crítica (se encuentra en todas las listas de la década) y de público (medio millón de copias despachadas), y para la esperada continuación muchos esperaban que se dieran un buen traspiés, de los que demuestran que su debut solo se trataba de un certero golpe de efecto. Cuanta mala gente, con lo agradables y buenos chicos que parecen. Para felicidad del resto, estos cuatro neoyorquinos les han hecho callar con una secuela que si bien no cuenta con el factor sorpresa de su debut, sí que está a la altura de lo esperado. Y el público lo ha recibido con las manos abiertas: número uno en la lista global de ventas. La crítica también ha sido benevolente, sin tanto entusiasmo como con su antecesor, pero sí con buenas palabras. Como las mías, porque aunque he de reconocer que no soy un apasionado de la banda, sí que les encuentro frescos y con ganas de hacer lo que más le gusta, indie-pop brillante y divertido por encima de etiquetas o modas.

Y hay que empezar con la inevitable comparación con su obra magna, aclarando un par de cosas. Los que esperen encontrarse un “A-Punk” o un “Oxford comma” en versión 2.0 que se quiten esa idea de la cabeza. Como mucho disfrutaran de la inmediatez en “Cousins”, el single de presentación que cumple como gancho, pero que no representa la verdadera esencia de Contra. Este LP es más reposado, menos accesible de primeras, convirtiéndose en una pieza que necesita de varias escuchas para cogerle el gustillo (pero no de tantas como algunos predican). Así que resulta evidente que el elemento punk ha sido relegado por un mayor peso de los teclados y los sonidos afro, su mayor seña de identidad, por lo que The Ramones pierden terreno frente a Peter Gabriel.

En general es un álbum bastante compacto, tan breve como su antecesor, que funciona mejor como un conjunto que por separado, porque singles claros en realidad hay muy pocos (lo que por otra parte no supone ningún problema). “Horchata” da el pistoletazo de salida con unos aires muy Animal Collective (aunque siempre he creído que son dos bandas que se retroalimentan mutuamente). El tema cuenta con unas percusiones y arreglos electrónicos muy adictivos y con un inusitado protagonismo, lo que le hace ser la introducción perfecta para engancharse al disco. “White Sky” suena a Paul Simon en sus momentos más étnicos, al igual que “California english”, que finaliza con unos coros y cuerdas que elevan la canción hasta la emoción más absoluta. En “Run” te das cuenta que las melodías en general no son tan rotundas, pero que la instrumentación se erige como uno de los puntos fuertes de Contra. El festín concluye con un postre en forma de balada, “I think ur a contra”, donde la voz Ezra Koenig se convierte en el alma de la canción, acompañada de unos preciosos violines y piano que la convierten en una delicatessen. No hay duda: han superado con nota la maldición del segundo disco.

VALORACIÓN: 7

Artista: Vampire Weekend
Álbum: Contra
Discográfica: XL
País: EEUU
Año: 2010
Más información: web oficial, myspace

Sin embargo, Keel, en su mejor etapa, facturó un álbum sensacional vinculado a los cánones establecidos dentro del heavy metal, el disco en cuestión es The Right To Rock, el segundo de su carrera, y editado en 1985. Tras una corta reaparición en 1998 la banda volvió al anonimato hasta que en 2008 tomó forma la reunificación con casi la totalidad de la alineación original, salvo la ausencia del bajista Kenny Chaisson, sustituido por Geno Arce. De esta forma, a Ron y Marc, se unieron Brian Jay (guitarra) y Dwain Miller (batería).

El tema título, con su riff pegadizo y sus coros accesibles, era determinante para entrar en situación, luego en “Back To The City”, ya se descubría la excelente labor de Marc Ferrari a la guitarra.

La apuesta de Keel no era nada nuevo para aquellos tiempos pero supieron asimilar cierta influencia de algunas bandas clásicas del heavy metal y dieron en la diana aportando su propia singularidad. Así, tenemos canciones como “Easier Said Than Done” y, en menor medida, “Get Down”, que suenan a Kiss (recordemos que este fue el primer disco que produjo Gene Simmons para su nuevo sello Gold Mountain Records). Otras tienen un regusto a Judas Priest, como “Electric Love”, aunque el grupo que más cercano estaba en cuanto a parámetros estilistas era Quiet Riot.

De un disco tan carismático y completo como este, también se pueden destacar “So Many Girls, So Little Time”, con su brillante solo de guitarra o, la acelerada despedida, “You’re The Victim (I’m The Crime), con Ferrari saliéndose de madre y un excelente bajo marcando el compás. No podemos olvidar la apañada y efectiva revisión del clásico de los Rolling Stones, “Let’s Spend The Night Together”.

Fue, en definitiva, el disco que lanzó a la fama a Keel porque poseía una magia singular, desprendía energía a borbotones y sus melodías enganchaban con suma facilidad.

Se incluyen un par de bonus tracks, una remezcla de “Easier Said Than Done”, así como una nueva versión del tema estrella “The Right To Rock”, que incluye coros aportados por los fans de Keel, con participación, asimismo, de algunas lumbreras como, Paul Shortino (Rough Cutt, Quiet Riot), Lez Warner (The Cult), Ron Mancuso (Beggars & Thieves) y Graham Russell (Air Supply) entre otros.

CALIFICACION: 8,25/10

GRUPO: Keel
TITULO: The Right To Rock
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

Grupo. Tindersticks
Título: Falling down a mountain
Discográfica: Constellation
Fecha de publicación: 26 enero 2010
Web official del grupo: Tindersticks

El sabor característico de Tindersticks, si no vuelve por la puerta grande, dejará igual de inquieto al seguidor acérrimo de sus últimos trabajos. Y eso que había que buscar con más trabajo lo más descarnado de sus primeras canciones últimamente. El grupo británico, mucho más acomodado en sonidos cercanos al soul y al jazz que en sus inicios como pulcros representantes de un rock marcadamente asentado en la suavidad de un sonido característico cuyos reflejos crooner señalaban al amor bajo la partitura vocal de Stuart A. Staples, ahora estira sus claves entre los suaves mantos vocales (“Falling down a mountain”) y los quejidos siempre amargos de su vocalista. Y no deja de imaginar el desaliento a través de, incluso, sus temas más positivos, como lo fue antes en “Can we start again?” y aquí en “Harmony around my table”.

Si bien no están en la misma forma que en por ejemplo “Curtains” ni igual consiguen que sus canciones se queden a la primera escucha, su arrabalera imagen (escuchen “She rode me down”) no quedará dañada en sus nuevas composiciones, donde su saber hacer “marca de la casa” encienda la máquina que como un gran chorro de agua a presión, inunde de gracia lo mejor y más identificable del grupo. Ahí está, entonces, ese gran tema llamado “Peanuts”, donde con sus buenos propósitos, canta Staples acompañado de la excelente cantante canadiense Mary Margaret O’Hara. Con canciones como ésta no hay duda que valga.

Tindersticks ha embellecido, a lo largo de estos años, un pasado que ha hecho de sus canciones grandes clásicos sin posibilidad de fenecer y ahora siguen esforzándose en tratar de hacer permeable lo poroso de sus últimos temas. Lo consiguen y miente aquel que intente buscar cansancio en su impecable trayectoria. Igual ya cansan a muchos, pero otros siguen agarrando con inflexibilidad las cuerdas que sujetan las grandes composiciones que aún realiza este grupo. Y como no tienen a nadie con quien compararse, Tindersticks pueden enorgullecerse de iluminar sus álbumes con las mismas sintonías que han hecho de estos británicos un grupo sin parangón. Buen trabajo del grupo, que sigue en la misma línea. Suma y sigue dando lo mejor de sí mismo.

Mastedon es una banda creada por el que fuera en 1981 teclista y vocalista de Kansas, John Elefante. Como su título indica, este ya es el tercer álbum de la formación, integrada también por dos grandes guitarristas como Dave Amato (Reo Speedwagon) y Kerry Livgren (Kansas), además de Anthony Sallee (bajo) y Dan Needdham (batería). Asimismo, cuenta con colaboraciones del propio hermano de John, Dino, en guitarras adicionales y coros, así como Tim Smith que se hace cargo del bajo en “Slay Your Demons” y Jr. McNeely, que aporta la guitarra en “Questions”.

Un equipo de calidad incuestionable que interpreta una serie de composiciones enmarcadas de lleno en el rock melódico de suaves texturas y exquisita filigrana. Una invitación a degustar los sonidos más sofisticados, impregnados de voces angelicales, teclados refinados, guitarras de armonías domesticadas y atmósferas de melodías cautivadoras, como se puede comprobar desde el inicio con el preciosismo de “Revolution Of Mind” y “Slay Your Demons” o, en el extenso, variado y fantasioso, “One Day Down By The Lake (See You Real Soon)”, sin menospreciar otros instantes como, “The Western World” y “That’s What You Do”, esté último con presencia distinguida de bajo y guitarra.

El álbum, también cuenta con algún momento energético como el caso de “Water Into Wine”, con un riff potente encuadrado en una estructura orientada hacia el hard rock, incluyendo un vibrante solo de guitarra.

Aséptico, accesible y técnicamente irreprochable, el disco transpira un plus de esplendor adulto; no ofrece sorpresas ni osadías estructurales, la apuesta es por el exhibicionismo de perfiles elegantes y la delicadeza como maniobra de seducción, ratificada en la despedida con el mega hit de Kansas, “Dust In The Wind”, una de esas baladas eternas, aquí con notas de piano diferenciadoras.

En definitiva, 3 es un trabajo que seduce por sus esquemas suntuosos, su magnetismo melodramático y su emotivo ambiente.

CALIFICACION: 7,75

GRUPO: Mastedon
TITULO: 3
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2009
PAIS: Estados Unidos

Tracklist:

1. California Queen
2. New Moon Rising
3. White Feather
4. Sundial
5. In The Morning
6. 10,000 Feet
7. Cosmic Egg
8. Far Away
9. Pilgrim
10. In The Castle
11. Phoenix
12. Violence Of The Sun

2006 fue el año de Wolfmother. Disco de debut con gran éxito entre crítica y público. Un regreso a los 70’s. Una banda practicando un sonido retro pero con frescura y capacidad para desatar pasiones con temas como “Woman”. Un éxito que les llevó a las partes altas de los carteles de los festivales, a estar permanentemente de gira, a participar en las bandas sonoras de los films más taquilleros –como el caso de Spiderman 3-, a formar parte de la selección de canciones de Guitar Hero y a colar dos de sus temas en anuncios televisivos. Incluso en 2007 ganaron un Grammy a la mejor Actuación Hard-Rock.

Después del éxito, empezaron a surgir las dudas sobre si su fórmula retro, heredera de los grandes grupos de la década de los años 70, como Led Zeppelin o Black Sabbath, daría para mantener al trío australiano en la cumbre o simplemente sería el efímero sueño de una noche de verano. Dudas que incrementaron esponencialmente cuando Andrew Stockdale –guitarrista y vocalista- partió peras con sus compañeros: Chris Ross –bajista y teclista- y Myles Heskett. El motivo esgrimido para la separación no era menos perturbador: “diferencias creativas”.

La música de Wolfmother tiene las virtudes y defectos del rock de los 70. Virtudes y defectos que también mostraron sus ídolos. El disco comienza de forma inmejorable, con “California Queen”, “New Moon Rising”, “White Feather” y “Sundial”, en la línea del primer disco. Canciones con guitarras contundentes, con ritmo y sin excesos que alarguen los temas. Ninguna llega a superar los cuatro minutos de duración.

Pero según avanza el disco, empiezan a aparecer esos defectos del rock setentero. Ese conjunto de males que llevaron a la desaparición de los grandes dinosaurios del rock de los 70’s: composiciones intrincadas, devaneos instrumentales, grandilocuencia, tendencia a la megalomanía y, en definitiva, estancamiento y aburrimiento. Y, según avanza Cosmic Egg, la frescura desaparece y el aburrimiento crece de la mano del desinterés. A pesar de ello, encontramos momentos álgidos, como “10.000 Feet” –con un riff pesado como un mamut que está en la línea del mejor stoner rock-, “Cosmic Egg” o la movida “Pilgrim”. En general, se puede decir que Wolfmother han superado la prueba del segundo disco, aunque se esperaba más de ellos.

Los fundamentos en los que se asenta la propuesta de Mnemic se mantienen firmes pero, en un nuevo paso por pulir su sonido y definir su personalidad, se pueden encontrar algunas diferencias con respecto a su anterior grabación. Por un lado, han optado por desacelerar algo los ritmos para decantarse hacia los medios tiempos contundentes. No por ello han dejado de incluir momentos con las suficientes dosis de velocidad, tal como sucede en el potente y visceral inicio con, “Sons Of The System”, seguido del aplastante “Diesel Uterus”, tema dominado por una atmósfera saturada de guitarras corrosivas, coros melodiosos y voces iracundas.

Por otra parte, se nota una pronunciada inmersión en los vértices grooves, dominando las guitarras de afinación baja durante toda la grabación, como podemos constatar en los perfiles abruptos y machacones incluidos en “Mnightmare”, a modo de ejemplo representativo.

Unidos todos los vértices estilísticos, conforman un trabajo sólido en el que se vislumbra una madurez creativa y una resolutiva capacidad para conjuntar elementos con los que siempre han tratado y que ahora encajan de una forma natural, fruto de la experiencia adquirida a través de sus diez años de trayectoria.

Se podría decir que Mnemic han acabado de moldear su evolución musical y que Sons Of The System es el punto de partida hacia horizontes aún desconocidos. Es decir una fórmula implantada con buenos resultados y que ahora solo necesita retoques y algunos riffs de esos que marcan la diferencia para catapultar al grupo hacia mayores cotas de éxito. El camino está construido, solo es necesario ir perfecionándolo en futuras entregas.

CALIFICACION: 8,75/10

GRUPO: Mnemic
TITULO: Sons Of The System
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast/Pias
AÑO: 2010
PAIS: Dinamarca

Este hombre es que no para; que si ahora me vinculo a Journey, que si después me echan, que luego resucito durante un tiempo a Talisman, que más adelante me enrollo con Robert Säll (Art Of Work) y Erik Martensoon (Eclipse) para grabar un disco como W.E.T., que si en mitad de todo esto reactivo mi carrera en solitario con un nuevo disco en estudio después de cinco años… Además, sin contar con sus vinculaciones a lo largo de su carrera junto a los guitarristas Alex Masi, Yngwie Malmsteen y Axel Rudi Pell o, en proyectos varios como, Panther, Kuni, Eyes, Takara o Soul Sirkus… Vamos que ha estado metido en más movidas que un enlace sindical en tiempos de crisis. Naturalmente, hablo del polifacético cantante Jeff Scott Soto y sus más de 25 años de trayectoria cuya culminación, de momento, es este doble álbum en directo denominado, One Night In Madrid, registrado en a capital de España en abril del pasado año, en la sala La Riviera, teniendo como acompañantes a Jorge Salán en la guitarra solista, al bajista Fernando Mainer, al batería Edu Cominato y a BJ en la guitarra rítmica.

El sonido no es perfecto pero si lo suficientemente bueno como para disfrutar de un directo con todas sus virtudes y defectos.

También se edita en versión DVD.

CALIFICACION: 7,75

GRUPO: Jeff Scott Soto
TITULO: One Night In Madrid
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2009
PAIS: Estados Unidos

Lo primero que se descubre al ir escuchando Miserere Nobis es lo indefinido de algunas de sus composiciones, envueltas en giros estructurales que llevan a la desorientación. En otros momentos, el excesivo protagonismo vocal desluce el trabajo instrumental. Tomás Quilez, tiene un más que sobrado caudal de voz pero su registro no está dotado para según qué situaciones. No es una voz para dejarla sin respaldo, resulta más eficaz cuando está apoyada por la música, que es cuando el grupo gana en consistencia y vistosidad.

La presencia de los teclados a cargo de Alejandro Campos se antoja imprescindible para realzar la sonoridad de los temas así como la importante aportación de José Manuel y Sergio a las guitarras, dotados de recursos y buenas intenciones, como se descubre en “Falsa Creencia” y “Jack”, posiblemente los momentos más inspirados y coherentes del álbum.

El disco termina con el clásico de Survivor “Eye For The Tiger”, con buena instrumentación pero con una voz en inglés fuera de lugar por tono y pronunciación.

CALIFICACION: 6,75

GRUPO: Lux In Tenebre
TITULO: Myserere Nobis
DISCOGRAFICA: Molusco
AÑO: 2009
PAIS: España

Sandstone, es una joven banda procedente de Irlanda del Norte fundada en 2003 por el guitarrista Stevie McLaughlin y el cantante Sean McBay, a quienes se unen David McLaughlin (bajo) y Paddy Flemming (batería). En 2006 debutaron con Tides OF Opinion y ahora nos entregan Purging The Past, una grabación cuyo contenido abarca disparidad de estilos.

Estamos ante una formación que ha absorbido influencias que proceden tanto del hard rock como del metal melódico con aditamentos progresivos. Sus composiciones pasan de la delicadeza a la furia con un perfecto sentido camaleónico. En diversas partes del álbum puede recordar, en puntuales instantes, a ciertas bandas de “relumbrón”, sin encajar totalmente en los esquemas de alguna en concreto.

Según como se mire, esa asimilación de elementos ajenos podría ser su pecado pero, en el fondo, es su redención porque poseen la virtud de sacar un excelente rendimiento al reciclaje de las formas. Quizá no se trate de una propuesta original (difícil de encontrar en la actualidad) pero es que, Sandstone, tampoco es el reflejo de nadie y ese es un buen punto de partida.

Se debe reconocer que hay piezas que suenan convencionales como “Hiding In The Shadows” y, más aún, el medio tiempo, “Karma”; posiblemente los cortes más discretos y menos arriesgados del álbum, junto con la balada titulada “Y”, sin obviar, de todas formas, el buen trabajo de guitarra que incluye.

Por suerte, la pluralidad del contenido nos regala con canciones más desequilibrantes como, “Son Of Carthage”, tema de acelerado ritmo, estructuras variantes y eficientes guitarras de sublimes melodías o, la más oscura “The Road To Guantanamo”, muy potente y con un riff cortado que suena a Megadeth.

“Fingerprints”, es otra aportación decantada hacia el heavy metal de aromas power melódicos con la guitarra como gran protagonista. En cambio, “Division”, “D.O.A”, “Enigma” y “Happy Birthday”, nos muestran el lado más progresivo de Sandstone, mezclando ingeniosamente texturas energéticas con elementos sutiles dentro de una estructura de dinámica cambiante. Sin duda una muestra evidente de la creatividad del grupo norirlandés que hace subir el nivel general de la grabación.

Una formación que transmite excelentes sensaciones y que puede ofrecer interesantes grabaciones en el futuro.

CALIFICACION: 8,25

GRUPO: Sandstone
TITULO: Purging The Past
DISCOGRAFICA: Limb Music
AÑO: 2009
PAIS: Irlanda del Norte

Grupo: Adam Green
Título: Minor love
Discográfica: Rough Trade/Beggars Group (Indigo)
Fecha de publicación: 11 enero 2010
Web del grupo: Adam Green

Ni pretende sorprender con canciones grandilocuentes ni pierde el tiempo en dar vueltas sobre sus influencias. Cuando uno escucha el corto y, a veces intenso, último álbum de Adam Green, se da cuenta de que el cantante sigue pasándoselo igual de bien grabando sus canciones que cuando ha presentado sus anteriores trabajos en directo. Composiciones de poco más de dos minutos, donde el ex Moldy Peaches sigue divirtiéndose con el indie rock que tanto le gusta y contagia sus temas de una nada indisimulada tendencia hacia el folk en sus baladas y el country suave (“Don’t call me uncle”) y alejado de lo sofisticado que arrastra todo lo que hace. Llano y sin florituras. En eso consisten sus canciones.

Con Adam Green va a estar pasando continuamente lo mismo: hasta que llegue otro momento de gloria, sus canciones van a pasar por la comparación odiosa de ser repasadas con su obra magna de hace seis años, ese excelente “Friends of mine” que arrastra la memoria de esos cronistas que no ven más allá de su pasado anclado en el menguante paso a paso que ha recorrido el creciente trabajo del cantante norteamericano. Quizá muchos encuentren la mejor característica de su estilo en temas como “Give them a token”, pero eso da lo mismo. El disco ni pretende ser una obra que rompa esquemas ni falta que le hace.

Pero, igual que la cara vista de la luna, Adam Green no esconde el reflejo de ese Sol que nadie duda que esté, por lo menos, muy cerca de sus mejores composiciones; ejemplo de ello podría ser “Castles and Tassels” u otras tres o cuatro canciones de este último y nada desdeñable álbum. Sólo es cuestión de escuchar tres o cuatro veces “Minor love” para no dejarse llevar por la añoranza y darle un voto de confianza a este juerguista y afirmar, sin lugar a dudas, que ninguna de las canciones de este disco sobra. Que no es mucho; es todo lo que esperábamos de Adam Green, sin más. Mientras nos deleite con cosas como “Goblin” ó nos deje noqueados con otras con las que digamos que aún es capaz de hacer grandes canciones, ahí está la deliciosa “Bathing birds”, todo está hecho.

Y cuidado con darle un par de cervezas al chico cuando cante en directo. Se puede soltar con alguna canción “chapurreada” en castellano y quedarse tan ancho. Mientras ve el doble de la gente que esté en frente suyo, el resto puede divertirse de lo lindo. Porque ni tiene canciones aburridas ni un directo al que dé pereza asistir. No se lo pierdan cuando nos visite en marzo. Quedan avisados. ¡Ah!, y sus directos tampoco son los mejores del mundo ni entran en las estadísticas de mejores cantados, tocados y con mejores músicos de la historia: ¿Quién busca eso en Adam Green?. Los que le hemos visto y volveremos a verle tocar en directo, nunca.

En esto del black metal, todos quieren adjudicarse el mérito de ser la banda más maligna del planeta tierra. Pero, después de escuchar Angelus Exuro Pro Eternus, el último álbum de Dark Funeral, no queda ninguna duda, los suecos adquieren ese derecho sin paliativos.

Han pasado cuatro largos años desde su último lanzamiento, la formación ha vuelto a registrar cambios, Dominator sustituyó a Matte Modin en la batería en 2007; antes, una vez grabado su cuarto disco, Gustaf Hielm abandonó el barco para ser reemplazado por B-Force, sin embargo, lo que no cambia es la propuesta y la actitud de Dark Funeral.

Aferrados a sus demoníacos principios, la palabra renovación no tiene cabida en esta nueva entrega. Los planteamientos se centran en la dinámica turbulenta de unas guitarras saturadas dirigidas por Lord Ahriman, único componente fundador que se mantiene en supuesto, y secundadas por Chaq Mol; además de los aporreamientos de batería de Dominator basados en una reiteración casi enfermiza, y una vocalización desarrollada por Emeror Magnus Caligula, cuyo parangón podría ser una destilería de azufre.

Angelus Exuro Pro Eternus, es el triunfo de la insistencia rítmica rociada de gritos endiablados, de la condensación instrumental y del delirium tremens provocado por los excesos sonoros. Una grabación pétrea, que no da descanso a los tímpanos y cuyos protagonistas la interpretan “como alma que lleva el diablo”, nunca mejor dicho.

Así como otras formaciones de metal extremo intentan ofrecer nuevas perspectivas dentro de unos esquemas excesivamente herméticos, como han hecho en sus últimos discos Vader o Belphegor, por ejemplo, en el caso de Dark Funeral la consigna parecer ser, “lo tomas o lo dejas”, en lo que puede ser un peligroso inmovilismo.

CALIFICACION: 6,75

GRUPO: Dark Funeral
TITULO: Angelus Exuro Pro Eternus
DISCOGRAFICA: Regain Records
AÑO: 2009
PAIS: Suecia

Tracklist:

01. Carry On The Flag
02. We Are All We Have
03. Hearts Bleed Black
04. Rise And Fall
05. Apocalypse Today
06. War Is Business
07. In The Tombs
08. Stand Against Them All
09. Depression – Unemployment Lines
10. Looking Thru Bloodshot Eyes
11. Lonely On The Streets – Jersey City
12. Life Clone
13. Clockwork
14. Rockers Reggae (Working Man’s Dub)

Séptimo disco en estudio de The Casualties. Séptimo disco y como en las dos últimas entregas, han vuelto a contar con Bill Stevenson -miembro de All/Descendents y reputado productor de punk- en la producción. Por ello, deberíamos pensar que todo se mantiene intacto en la música de The Casualties aunque We Are All We Have [One Side Dummy, 2009] también presenta alguna novedad con respecto a anteriores discos.

Fundamentalmente la inspiración les ha llegado desde Jamaica. Y es que The Casualties han hecho un par de guiños a la tradición musical de la isla caribeña. En “In the Tombs”, donde la base musical -al más puro estilo Bad Brains- oscila entre los compases del reggae y su tradicional hardcore/punk, y “Rockers Reggae [Working Man's Dub]“, que utiliza compases de “In the Tombs” en un corte de clara inspiración reggae/dub.

Por lo demás, The Casualties sigue siendo The Casualties, algo que esperábamos después de 17 años de carrera y siete discos a sus espaldas. A excepción de “In the Tombs” y de “Rockers Reggae”, ninguna de las otras doce canciones a penas supera los tres minutos de duración. Rápidas, directas, y con letras que parecen balas de francotirador. Con verbo afilado repasan el negocio de la guerra de Irak -”War is Business”-, el problema del desempleo originado por la crisis económica global que padecemos -”Depression”-, o el patriotismo de la defensa de la bandera que lleva a muchos jóvenes a la línea del frente.. y a la muerte -”Carry on the Flag”.

Tras 17 años de carrera y siete discos, The Casualties siguen con cresta y a lo loco. Y si no te lo crees, puedes escuchar We Are All We Have o bien ir a uno de sus conciertos ya que en unos días están de gira por nuestro país.

Von Benzo, es una banda procedente de Helsingborg, que se suma a las numerosas formaciones surgidas de forma continuada en Suecia, muchas de ellas con una propuesta fresca y renovadora como es este caso.

En activo desde 2005 e integrada por Jay Smith (voz y guitarra), Nicke Svärd (guitarra), Magnus Hoff (batería) y Attila Terek (bajo), su eslogan es “tocar rock sin compromisos”, una frase que, por si sola, define el contenido de su debut homónimo, todo un alegato a la libertad de formas y a la creatividad sin ataduras de ningún tipo.

Sumergirse en la música de Von Benzo es emprender un viaje de ida y vuelta por la historia; de pronto suenan setenteros, al siguente tema rescatan de sus cenizas los olvidados esquemas del grunge para, acto seguido, irrumpir con los aromas del rock más añejo, sin dejar de lado los parámetros del metal actual y los injertos vanguardistas. En el fondo, hard rock pasado por filtros mutidisciplinares.

Después de una concesión baladística de accesible asimilación como, “Sad Dead Me”, Von Benzo nos sorprenden con “I’m On My”, canción de ritmo marcado, voluptuosa distorsión, guitarras de exquisita desafinación y teclados psicodélicos. Sin duda uno de los puntos fuertes de los muchos que incluye el disco. Entre ellos, “I Don’t Give A Good God Damn”, corte de guitarras estilo hendrixiano, impreganado de cierto sabor a típico rock americano, algo que se refleja en diversos momentos como, por ejemplo, en “Medicine” y su guiño a Steppenwolf.

Con la balada acústica “Bad Father Bad Son”, en la que destaca el quebrado tono vocal de Jay, vuelven a asomar las esencias post-grunge, aunque la supera “Die Beautiful” y su regusto “nirvanoso”. Luego retoman los arrebatos enérgicos con el dinamismo de “Aint it December” y “Black Eyes On Saturday Night”, la primera con un comienzo que recuerda a Nazareth, la segunda con unos reiterativos y pegadizos acordes.

El dúctil recorrido sigue asombrando con nuevos acercamientos a la distorsión y los sonidos eclécticos con “MTV Killed Rock N’Roll”, “Move To Detroit”, y “Jona Song”, para despedirse en gran forma al estilo Alice In Chains con “Demolition Man”. Para no perderles la pista.

Una banda joven que, aun reconociendo que todo está inventado, ha sabido reinterpretar los conceptos bajo un tratamiento con pautas de originalidad.

Solo espero que en su próximo trabajo el diseño de la portada tenga mayor inspiración y esté a la altura de su contenido.

CALIFICACION: 8,75

GRUPO: Von Benzo
TITULO: Von Benzo
DISCOGRAFICA: Orange Haze/Sound Pollution
AÑO: 2009
PAIS: Suecia

Radical Peace, es su nueva obra, un trabajo en el que, siguiendo con su política de poner música a ciertos acontecimientos que por su importancia y trascendencia han marcado el devenir de la civilización, incluyen “The Oswald File”, una composición dividida en varios capítulos, cuya temática lleva como hilo argumental el asesinato del presidente estadounidense J. F. Kennedy y en la que exponen las interrogantes ya sabidas, si realmente fue solo Lee Harvey Oswald el único implicado en el trágico incidente. La narración, de tintes melodramáticos, se inicia con parte del discurso que el malogrado presidente ofreció en su mítica visita a Alemania y describe los sucesos del asesinato apoyándose en las grabaciones de los medios de comunicación de Estados Unidos, alternando momentos intimistas adornados de notas de piano con subidas de tono impuestas por la irrupción de guitarras potentes, sin olvidar el sentimiento vocal que imprime Klaus Dirks, un cantante que, por otro lado, derrocha intensidad al estilo de portentos como Bruce Dickinson o Geoff Tate.

Todo un muestrario de eficacia que responde a la consistente pegada de batería a cargo de Nikolas Fritz, los descriptivos desarrollos guitarreros fabricados por Matthias Mineur y Sven Ludke y las refinadas incrustaciones de teclados obra de Sasche Onnen.

Sofisticados y metódicos, Mob Rules exponen en Radical Peace, sus habituales y pulidos esquemas instalados en una voluptuosa majestuosidad, sin dejar de lado los perfiles energéticos y unas arremetidas instrumentales cargadas de armonías que inundan los sentidos de emoción. Un trabajo continuista y pletórico aupado en una fórmula de rentabilidad asegurada.

CALIFICACION: 8,00

GRUPO: Mob Rules
TITULO: Radical Peace
DISCOGRAFICA: AFM Records
AÑO: 2009
PAIS: Alemania

De la formación original, en la actualidad permanecen en sus puestos el vocalista Bobby “Blitz” Ellsworth y el bajista D. D. Verni, el resto de posiciones ha sufrido algunas variaciones a través del tiempo. Posiblemente la ausencia más destacable se la de Bobby Gustafson; desde que dejó el grupo en 1990 las guitarras han pasado por diversas manos hasta llegar a la actualidad, con Dave Linsk (solista) y Derek Tailer (rítmica), una pareja que, a tenor del contenido, ha inyectado al grupo una efectiva y revitalizante energía. Otro tanto ha sucedido con la batería, de cuya responsabilidad se hace cargo desde un lustro Ron Lipnicki.

Uno de los aciertos de la banda ha sido aportar composiciones que no se limitan a los ritmos de “piloto automático” sino que buscan el cambio de dinámica como elemento diferenciador, algo verificable en los primeros temas del álbum, “The Green And Black”, “Ironbound” y “Bring Me The Night” (esta última con unas guitarras de auténtico vértigo), en un fantástico y demoledor inicio en el que Bobby demuestra mantener una garganta poderosa, mientras Dave y Derek ofrecen un repertorio de riffs vigorosos así como la inclusión de solos desequilibrantes, capaces de llamar la atención por su creativa construcción. Tampoco podemos pasar por alto la vigorosa pegada de Ron a los tambores ni la notoria presencia del bajo de Verni en momentos tan puntuales como efectivos. Estas premisas inciden en un óptimo rendimiento global que destaca a Ironbound como uno de los mejores álbumes de Overkill de los últimos tiempos.

Tras el impactante comienzo, la energía y las buenas vibraciones mantienen un alto nivel de eficiencia, con temas como “Endless War” y sus resolutivas armonías; “The Head And Heart” y su contagiosa dinámica o, “In Vain” y su intrínseco frenetismo.

Definitivamente, unos Overkill inspirados y en gran forma.

CALIFICACION: 8,75

GRUPO: Overkill
TITULO: Ironbound
DISCOGRAFICA: Nuclear Blast/Pias
AÑO: 2010
PAIS: Estados Unidos

Trashnos, es una banda gallega formada por, Markos (voz y guitarra), Mou (guitarra), Raúl (bajo) e Iván (batería), en activo desde 1995 y con dos grabaciones publicadas anteriormente, Tiempo (2001) y Alén (2004), a las que sucede ahora Recuerdos Del Futuro, un trabajo en el que, de los perfiles power metal de sus inicios, solo quedan ciertos residuos dentro de unos parámetros más decantados hacia los vértices del thrash, aunque sin perder el “cordón umbilical” que los conecta con las raíces del heavy metal.

Podríamos situarlos en el contexto de lo que ofrecen en la actualidad Megadeth, salvando las diferencias en cuanto a estilo y calidad, con el añadido de ese toque heavy, identificativo de los grupos españoles.

El tema, pone en evidencia lo que va a ser una constante, predominio de las guitarras, voces colocadas en su justa medida, sin posicionarse de forma excesiva sobre la instrumentación, un sonido de batería orgánico de pegada cruda (quizá se hubiera podido sacar un mejor rendimiento en la producción) y la presencia del bajo como un elemento con mayor protagonismo de lo habitual en el estilo, como podemos testimoniar en el siguiente corte, “Guerra”, con momentos de entretenidas armonías y un pequeño guiño a Metallica.

Las constantes aceleradas se mantienen en “El Cielo Se Borró”, “Cae El Invierno”, y “Me Cuesta Reaccionar”, de nuevo con un brillante trabajo de guitarras combinando melodías y ritmos orientados hacia el thrash, sin olvidar el buen hacer de Markos en la parte vocal y la participación del bajo inyectando músculo a los esquemas.

La mencionada referencia a la banda de Dave Mustaine queda reflejada en mayor medida en un tema como, “Un Segundo Más”. A partir de ahí, Trashnos bajan el frenetismo guitarrero y buscan los tiempos menos embalados, para ir mutando las composiciones hacia texturas influenciadas por el heavy más tradicional, caso de “Cuando Todo Arde”, “Llueve Ceniza” y “Rendición”.

Ya en la parte final, “Desterrado De La Luz”, aúna ambas vertientes posicionándose en una “tierra media”, de nuevo con Megadeth en el horizonte.

Un álbum entretenido donde confluyen dos maneras de enfocar un mismo producto, con mejor resultado en las partes metálicas aunque sin desentonar en líneas generales, fruto del buen criterio a la hora de construir las canciones.

CALIFICACION: 7,25

GRUPO: Trashnos
TITULO: Recuerdos del Futuro
DISCOGRAFICA: Molusco Discos
AÑO: 2009
PAIS: España