“Mi productor Willie Mitchell me dio un mensaje para compartir con vosotros, con el mundo: Nada es imposible.”

En musicópolis hemos tenido el placer de poder entrevistar a Solomon Burke, una de las verdaderas leyendas de la música soul, autor de discos como Rock´n´soul (1964) o Don´t give up on me (2002), donde algunos de los más grandes artistas de nuestro tiempo (Dylan, Van Morrison, Brian Wilson…) componían canciones para este titán del soul, y entre cuyas canciones más importantes encontramos gemas como ‘If You Need Me‘, ‘Down in the Valley‘, ‘Got to Get You off My Mind‘ (una de las favoritas de Nick Hornby) o la archiconocida ‘Everybody Needs Somebody to Love‘. Así que pasemos a la entrevista con el Rey del Rock´N´Soul.

Empecemos con su nuevo álbum, ‘Nothing´s Impossible’, un disco producido por el gran Willie Mitchell de Hi Records, el mítico productor de los mejores discos de Al Green o Ann Peebles. ¿Cómo fue la grabación del disco?

Fue la realización de un sueño que, tanto Willie como yo, habíamos esperado 35 años.

¿En que se diferenció trabajar con Mitchell con respecto a otros grandes productores como Bert Berns o Joe Henry?

Cada productor es distinto, al igual que cada artista. Pero la confianza de Willie en lo que yo era capaz de hacer y en lo lejos que él me podía empujar era absoluta, pienso que eso es lo que hizo única nuestra relación. No había tiempo para la relajación en el estudio, había electricidad y excitación en cada canción y ambos estábamos centrados y motivados.

Mitchell murió el pasado enero, ¿habrá alguna especie de recuerdo para él en su gira ‘Year of the Dream Love Tour’?

Cada interpretación de aquí en adelante será un homenaje de una manera u otra a Willie, de la misma manera en que intento honrar a mis otros hermanos desaparecidos, Sam Cooke, Otis Redding, Joe Tex, James Brown… Doy lo mejor que tengo para que siempre estén conmigo durante las giras y para recordar a la gente su genio. En concreto Willie Mitchell me dio un mensaje para compartir con vosotros, con el mundo: Nada es imposible.

¿Incluirá algún material del que grabó en su mejor época para Al Green o Ann Peebles?

No, mi experiencia con Willie es lo que llevo conmigo.

Hace poco dio algunos conciertos por primera vez en Japón, ¿cómo fue la respuesta de la audiencia?

Me sorprendió muy gratamente el público oriental. No tenía ni idea de que tuviese tantos seguidores de mi música en Japón. Así que hubo una conexión emocional en esos conciertos cuando te dabas cuanta de que se sabían todas mis canciones, desde mi primera época en Apollo, pasando por el material de Atlantic y así hasta la actualidad. La verdad es que me gustaría volver a Japón lo antes posible.

Lleva usted grabando unos 50 años, ¿qué ha cambiado en la industria musical desde que empezó?

Todo y nada. La música ha sido analógica, luego digital, otra vez analógica. Además la gente de fuera, la que no hace la música, sigue siendo la misma. Es el mismo juego de siempre, quizás con una nueva tecnología mucho más avanzada. Pero si eres un artista, tienes que conocer los tejemanejes de la industria musical.

¿Echa de menos los tiempos de Atlantic o prefiere el presente?

Me gusta vivir en el presente y dejar el pasado en el lugar en el que está. Me gusta pensar que hubo un tiempo en mi vida en el que grabé para Atlantic e hice todos esos estupendos discos, trabajando con Ahmet Ertegun y Tommy Dowd. Pero también me gusta donde estoy actualmente, y saber que lo que hago hoy no podría existir sin el pasado.

Uno de sus primeros éxitos fue una magnífica versión de ‘Just Out of Reach’ y en el 2006 grabó un disco llamado ‘Nashville’ en el que participaba gente como Emmilou Harris, Dolly Parton o Patty Loveless, ¿qué tipo de música country le gusta y cuáles son sus artistas favoritos de ese género?

Me encanta la música country, desde la más comercial a la de raíces, pasando por el Americana. Me gusta porque cuenta una historia con la que todos nos podemos identificar y que normalmente tiene una resolución cuando la canción acaba. En el blues toda la canción puede ser sobre lloriquear en un bar mientras te bebes tu cerveza mientras que en el country eso es sólo el principio de la canción, y al final de la misma sales del bar con otra chica bajo el brazo. Adoro esa tradición de contar historias.

En cuanto a los artistas, no se me ocurre uno sólo que no me guste, empezando desde que era un niño y escuchaba a Gene Autry y Roy Rogers. Actualmente me gustan, por supuesto, Dolly Parton, Emmylou Harris, Gillian Welch, Johnny Cash, Buddy Miller, Jim Lauderdale, Steve Earle, Patty Griffin, Patty Loveless, Porter Wagoner, Merle Haggard… sinceramente, no podría nombrar a todos, escucho mucha música country.

Le preguntaba esto porque muchos críticos pensaron que el magnífico ‘Don´t Give Up on Me’ tenía el mismo sentimiento que los ‘American Recordings’ de Johnny Cash, ¿piensa usted igual?

No puedo decirte mucho sobre eso, no se si el sentimiento está relacionado con ‘American Recordings’. El sentimiento de ‘Don´t Give Up on Me’ era como cantaba las canciones que habían hecho para mí algunos de los más grandes compositores de todos los tiempos.

¿Qué piensa de la situación actual de la música negra?

Ahh… No contesto preguntas sobre música “negra” o “blanca”. ¿Qué significa eso? Mi vida ha sido un continuo camino para romper barreras y etiquetas. Míreme a mí, soy muchas cosas, soy un hombre, soy negro, soy muy grande (ndr: Solomon debe rondar los 150 kilos), soy el padre de 21 hijos y una persona puede mirarme por primera vez y ver sólo una de esas cosas. Nos han enseñado a etiquetar a la gente y a las cosas, ¿verdad? Pero eso no está bien. Cuando nos conozcamos mejor, podrá ver a través de mi corazón y de mi fé y a lo mejor olvide que soy negro o tengo sobrepeso… o simplemente no le importe más porque se de cuenta que soy más que una de esas cosas, así como usted es algo más que un periodista… Así como todos somos más de lo que simplemente se ve. Ese será el inicio del amor y es lo que busca la música.

¿No piensa que hay una falta de nuevos talentos?

Definitivamente no. Hay mucho talento, lo que pasa es que la prensa no le presta la suficiente atención, pero está ahí y está disponible. También pienso que el público se ha vuelto menos activo a la hora de encontrar nuevos artistas que les llenen. Es más fácil comprar lo que ponen en la tele o en el escaparate de la tienda pero el talento está ahí… y en abundancia.

Parece como si la actual generación sólo se dedicase al hip hop y al rap pero no hubiese nada de soul, no al menos como en los gloriosos días de Atlantic, Stax o Hi Records, ¿podría recomendarnos una nueva voz del soul?

Una vez más usted sólo mira en la superficie de lo que los grandes sellos ofrecen, pero si mira un poco por debajo descubrirá mucho soul, de todos los géneros y razas. Si un artista ofrece algo desde lo más profundo de su alma… pues eso es soul. Y se puede ver, gracias a Dios, en el hip hop, la música clásica, r&b, pop, country, blues, americana, polka… Hay muchas referencias en la música de hoy que vienen del soul clásico y está muy bien que sea así.

Dentro de lo que se puede definir como Soul clásico hay buenos ejemplos en Lalah Hathaway, Adele y, por supuesto, Joss Stone, Maxwell, Anthony Hamilton o Ryan Shaw.

Cuando hablamos de Soul clásico buscando en sus raíces siempre se me vienen tres nombres a la cabeza: Ray Charles, James Brown y Sam Cooke, en su opinión ¿cuál es el más importante en el desarrollo de esa música?

¿Conoce usted el dicho que dice que el todo es más importante que la suma de las partes? Pues así es, no puedes separarlos y decir si uno fue más importante, además habría que incluir muchos más nombres en esa lista. No creo que ninguno de nosotros hubiese desarrollado nada del modo en que lo hicimos sin las aportaciones de los otros.

Sus canciones han conocido miles de versiones, canciones como ‘Cry to Me’, ‘If You Need Me’, ‘Everybody Needs Somebody to Love’ o ‘Down in the Valley’, ¿tiene alguna favorita? Por ejemplo, a mí siempre me encantó la versión que realizó Otis Redding de ‘Down in the Valley’…

En realidad me gustan todas, me gustan las diferencias existentes y esos pequeños detalles que las hacen únicas.

Usted es una de las figuras más respetadas de la industria musical y tiene muchos admiradores dentro de ella, incluyendo a Bob Dylan, Brian Wilson, Eric Clapton o Van Morrison, ¿le han pedido alguna vez que realice un disco de duetos con alguna de estas figuras?

Van y yo hemos hablado seriamente sobre la posibilidad de realizar un disco juntos, pero nuestras agendas todavía no nos lo han permitido. Actualmente estoy grabando con Eric Clapton y Jools Holland, hemos escrito un par de canciones para el CD de Jools, una para su hija Mabel y otra llamada ‘A message to my sons‘.

Las colaboraciones en las que he tenido la bendición de participar han sido muy orgánicas, en plan “Eh, hagamos esto”, no una cosa corporativa para vender discos. También estoy en el nuevo disco de Jerry Lee Lewis llamado Mean Old Man y vino de un par de ocasiones en las que nos reunimos para tocar. Creo que esa espontaneidad se puede escuchar en los discos. Es algo excitante y divertido y tiene un punto de creatividad descarnada.

¿Cuáles son sus planes para el futuro? ¿Tiene algo en mente que le gustase hacer pero que todavía no haya hecho?

Mis planes son estar con mi familia, continuar trabajando tanto en la iglesia (ndr: Solomon es predicador) como en la música y finalmente sentarme a completar mi autobiografía.

Una última pregunta, si tuviese que irse a una isla desierta y sólo pudiese llevar diez discos con usted ¿cuáles elegiría?

Me llevaría mi iPod, ocupa menos que diez discos y me podría llevar mucha más música…

Gracias por todo señor Burke, ha sido un placer hablar con usted.

El honor ha sido mío, rezad por la paz.

Texto: Sergio Ariza Lázaro

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“El humor no es lo contrario de lo serio, es lo contrario de lo aburrido”

Detrás de El sobrino del diablo se encuentra el músico, escritor y monologuista Juan Gómez. El barcelonés nos habla de su último disco, donde combina música popular de todo pelaje con el humor gamberro y ácido por el que es conocido en nuestros escenarios.

Actualmente estás presentando tu quinto disco en estudio ‘Perder la dignidad’, llevando tanto tiempo en esto, ¿no la habías perdido ya?

En lo discos me gusta que el título sea un poco impactante y como mis canciones están llenas de antihéroes, perdedores y outsiders me pareció que era un título adecuado. Es un disco de perdedores y lo reivindico, yo soy el primero, y a mucha honra además. Por eso se llama así, como cura de humildad en el sentido de que cualquier persona siempre está a un centímetro de perder la dignidad en cualquier momento, desde los más humildes a los más poderosos.

La primera canción ‘Por la pasta’ ya presenta a un antihéroe, pero que se queja, ¿es autobiográfica?

Eso fue un pequeño guiño a Frank Zappa que tenía un disco que se llamaba así We’re Only in It for the Money. La compuse con Juako Malavirgen, un chaval de Zaragoza que hace un rollo parecido al mío, y explicamos cosas que nos han pasado de verdad, yendo a tocar a sitios chungos donde cobras poco, suenas mal y no te tratan bien. Es un grito de liberación de “oye, estoy en esto por la pasta. No soy un gran artista ni soy nadie superior, simplemente hago un trabajo y quiero que me pagues”.

¿Te perjudica en estos temas hacer música con humor, sin grandes pretensiones?

Depende de lo que entiendas por pretensiones, cuando yo escribo canciones las escribo para la gente, porque la música es comunicación, y entonces puedo ir a un bar, llenarlo y cobrar. Pretensiones de ser rico, de estrellato o de ser famoso nunca he tenido, y menos ahora que tengo 40 años, 6 discos y vivo de esto. Me doy con un canto en los dientes porque hay gente muy buena que nunca lo ha conseguido, igual que te digo que hay gente muy mala que vive de esto hace años, ¿no? (risas). Sobre esto pretensiones cero, ahora, explicar cosas en las canciones que lleguen a la gente y divertir, entonces pretensiones al máximo.

Vives de tocar y además haces televisión y radio…

Desde hace 8 años vivo de mis canciones, no de lo que generan las canciones en sí, derechos de autor, royalties, que es muy poco, pero sí de hacer un espectáculo compuesto por ellas. Tele hace tiempo que no hago, estuve año y medio en la televisión local de Barcelona con una sección de música y humor. En la radio ya llevo 3 temporadas, Comràdio a nivel de Cataluña es bastante grande y hago de todo, canto, analizo canciones, pincho…

En todos tus discos hay mucha variedad estilística, ¿la buscas a propósito o sale así?

Yo realmente más que músico soy un fan de la música, no me considero un buen músico, mi filosofía es aprendiz de todo maestro de nada. Hay algunos estilos que me gustan más que otros, llámale blues o rock setentero, pero tengo incluso un hip-hop y ritmos latinos. Toco muchos palos diferentes con la idea de no aburrir, como no soy suficientemente bueno en ningún género musical como para destacar en él, entonces lo que hago es concentrar todo en el tema de mis letras, que es lo que la gente recuerda más.

Otra de las canciones de tu nuevo disco es ‘Cantar no es bailar’, ¿no crees que el público mayoritario hoy en día lo prefiere así?, o como decía Zappa, “me cansé de tocar para gente que aplaude por las razones equivocadas”.

Me encanta esa frase. El público es el receptor y muchas veces está lleno de borregos, pero también es lo que tú le des, y si una serie de medios de comunicacion sólo ponen canciones que no dicen absolutamente nada y que están hechas sólo para bailar pues la gente se va a acostumbrar a eso. Lo que yo vengo a reinvindicar en clave de humor es que cantar trata de hacer sonidos con la boca, no hace falta ni bailar, ni maquillarse, ni poner caritas, ni tener vida privada que luego salga en las revistas del corazon. Todo lo que te venden los reality shows de música no tiene nada que ver con lo que es realmente el mundo de la música.

En la versión de The Who, ‘El buscador’ hablas de internet, ¿es internet para la música, como muchos dicen, un invento de tu tío?

Para mí es bueno. Para Alejandro Sanz es una putada que la gente se copie sus discos porque deja de ganar una serie de millones por ventas, pero para los artistas pequeños como yo internet es una gran cosa. A todos los sitios a los que yo no puedo llegar con publicidad, con cartelería, o con dinero invertido porque estoy en una discografica pequeña, a esos sitios sí que llego vía internet. Para mí que la gente se grabe disco míos y se los pasen unos a otros o que me vean en youtube es cojonudo, es promo.

Los grupos que utilizan el humor se han unido en el Festival Mundo Idiota, están los Petersellers, Mamá ladilla, los Mojinos, parece que sólo faltas tú…

Hablé con la organización, pero ya habían cerrado el cartel, igual el año que viene. En los 80 salieron grupos que mezclaban rock y humor, Siniestro total, Os resentidos, y de repente en los 90 viene todo este rollo del indie pop y el grunge y esa actitud de generación x de “soy un desgraciado aunque sea millonario” y resulta que el humor desaparece. El humor es un recurso tan válido como otro cualquiera y más para un escenario, porque el humor no es lo contrario de lo serio, es lo contrario de lo aburrido. Creo que es una buena iniciativa que los que hacemos música rock con humor nos podamos ir juntando en festivales y dar a la gente no sólo canciones sino también un cachondeo, ¿no?.

Además de tu trabajo como músico has publicado dos biografías sobre Thin Lizzy y Frank Zappa, ¿tienes alguna otra en preparación?

Tengo la idea de hacer un libro sobre Rush, una banda canadiense que me gusta mucho, y otro sobre Rory Gallagher, el irlandes que me falta (risas), lo que pasa es que no encuentro el tiempo. Escribo muchas canciones y éstas tienen un feedback inmediato, pero escribir un libro de 200 o 300 páginas se me hace más dificil, necesito una fecha de entrega para ponerme las pilas y como todavía no me los han contratado en ninguna editorial lo voy dilatando.

Entrevista realizada el 19/08/2010 por Pointer

Una de las grandes noticias de este año ha sido la aparición de Black Country Communion, una banda con cuatro componentes que aúnan un currículum de impresión: Jason Bonham (Led Zeppelin) a la batería, los teclados de Derek Sherinian (Dream Theater), Joe Bonamassa a las guitarras, y la voz y bajo de Glenn Hughes (Deep Purple, Black Sabbath, Trapeze). Éste último visitó Madrid, pudimos charlar con él y escuchar en acústico la canción de Trapeze Medusa con algún guiño a canciones de Rainbow.

La banda:

A finales del año pasado Joe (Bonamassa) y yo nos juntamos y decidimos que queríamos formar una banda. Bonamassa es un guitarrista de rock, aunque se ha hecho famoso como guitarrista de blues, cuando escuchas el album escuchas a un guitarrista de rock que toca un poco de blues. Joe es el único guitarrista que he conocido desde Jimmy Page en ir del blues al rock.

El disco:

Las primeras cuatro canciones las escribí yo, la banda quería que yo fuese el compositor principal. Estuve un tiempo en Brasil y compuse “One Last Soul”, luego se la enseñé a los chicos y la terminamos entre todos.

Al principio, a nuestro productor Kevin Shirley (ndr: también ha trabajado con Black Crowes, Aerosmith o Led Zeppelin) le preocupaba que no tuviéramos suficientes canciones y nos comentó que incluyésemos Medusa. John, el padre de Jason (Bonham) solía tocarla con Trapeze. Al final tuvimos suficientes canciones, pero sonaba tan bien que la incluimos en el disco.

Estilo musical:

Siento que era necesario volver a las raices. Me hice famoso por ser un cantante de rock y después de navegar por otras aguas probando otros estilos ahora vuelvo a casa, al hard rock.

Cuando hablamos de hard rock nos referimos a Deep Purple, Iommi… y ahora a Black Country Communion, continuamos con el rock duro tradicional británico. Si eres fan de Led Zeppelin, Who, AC/DC o Purple hay una gran probabilidad de que te guste nuestro disco.

El sonido de Led Zeppelin o Judas Priest tiene su lugar de nacimiento en el Black Country, la parte central de Inglaterra alrededor de Birmingham.

De gira:

Deseo girar con esta banda, cada uno tiene su calendario, pero me he tomado el verano libre para promocionar esta banda, únicamente haré lo de Iommi en Londres (ndr: se refiere al concierto homenaje a Dio en el High Voltage Festival). He dejado de promocionar mi propia banda por Black Country Communion, así que estaría muy disgustado si no sale adelante. El año que viene espero que estemos en todos los festivales.

Giraremos por todo el mundo, creo en este disco, amo esta banda y es mi deseo tocar en todas partes. Me gusta tocar en sudamérica y en España, estáis locos… “loco” (en castellano) (risas).

Ronnie (James Dio) era un gran amigo. No sé si haremos cosas sobre Ronnie o para Ronnie, pero sí estoy seguro de que le respetaré el resto de mi vida.

Rumores, mantener la voz y tópicos del rock:

No hubo problemas entre los miembros de la banda, fue un rumor de internet que salió de la nada y se magnificó. Pero bueno, fue divertido.

Para mantener mi voz duermo un monton, no bebo, no fumo, no tomo drogas, tampoco como comida que haga daño a la garganta, bebo mucha leche, hago ejercicio y hago yoga.

¿Sexo, drogas y rock’n’roll? en un trabajo de 9 a 17 no se puede beber, no puedes ponerte “a tono”. En el rock es diferente, pero no soy ni Keith Richards ni Lemmy, y estoy contento por ello. El sexo y el rock están bien, las drogas no.

La gente que usa drogas suelen ser muy jóvenes, que una vez que tuvieron acceso a tanto alcohol y tanta droga ya no pudieron parar. Tommy Bolin, John Bonham, Bon Scott, Phyl Linott… la lista sigue y sigue, algunos pudieron parar, pero otros no. No tienes que beber Jack Daniels para ser guay.

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Texto: pointer
Foto: Max Ilzarbe

 

 

El grupo vasco Riptus, formado en la actualidad por Xabi (guitarra y voz), Jose Fuentes (guitarra), Maikel López (bajo) y Daniel Zurizmendi (batería), se presenta en sociedad con, El Principio Del Fin, álbum autoeditado que apuesta por los perfiles del metal contundente. En la siguiente entrevista Xabi y Dani nos ponen al corriente de las novedades de la banda además de dar su opinión sobre determinados aspectos relacionados con la música rock.

Riptus, es un grupo joven pero, en poco tiempo, tenéis ya vuestro debut discográfico. Al contrario que otras formaciones, no habéis tardado mucho en poder sacar un disco. ¿A qué se debe?

Xabi:Lo único que hicimos a diferencia con los demás grupos, fue crear los temas y grabarlos antes siquiera de empezar a dar conciertos para así tener la oportunidad de ofrecer algo físico al público y, a la vez, poder presentar a la banda de manera más correcta por internet, antes incluso de dar ningún concierto.

Aclararme un asunto, ¿qué formación fue la que grabó el disco?, porque… Iñaki, Luis y Xomin, quienes figuran en los créditos, ya no están.

Xabi: La grabación del disco la hicieron los antiguos componentes pero, poco después de editar el disco tuvieron que dejarla por motivos ajenos a la banda.

La entrada de los nuevos componentes… ¿en qué puede influir de cara al futuro de del grupo?

Xabi: Mayor contundencia, complejidad de los temas, nuevas ideas, todo aquello que suele pasar cuando llega sangre fresca… ¡jajaja!
Dani: Si, la verdad es que lo hemos hecho más “contundente” entre todos los nuevos componentes. El disco está grabado con las guitarras en “MI”, y en directo las tocamos con la afinación en “RE”. Personalmente he metido mucho más bombo en todas las canciones y Jose (el nuevo guitarra), mete arreglos y punteos que llenan mucho más los temas. Las canciones nuevas, la verdad es que nos están saliendo más en la onda metal actual, más complejas.

Es evidente que sois una banda de heavy metal pero… ¿con qué formaciones se os podría asociar? Vuestro sonido me recuerda en ciertos momentos a Obús, ¿qué opináis? ¿Cómo describiríais vuestro sonido?

Xabi: Esa pregunta es un poco difícil de contestar puesto que es complicado autodefinirse pero, quizá, con grupos como Söber ,Skizoo, Hamlet y ese tipo de banda de metal actual que están en la palestra. ¡Ja ja ja¡… La verdad es que nunca me había parado a pensarlo pero toda comparación con grupos de ese nivel y con esa trayectoria histórica siempre es de agradecer. Música metal definida, contundente y con sentimiento.
Dani: Bueno… realmente no sabría decirte con qué banda nos podemos identificar. Söber ,Skizoo, Hamlet me suenan a “palabras mayores”. Ya que para mí son de lo mejor que hay en éste país ahora mismo (aunque alguna se haya disuelto). No creo que estemos a la altura de bandas como esas, la verdad. Nos queda mucho trabajo por delante, aunque es un buen objetivo tratar de llegar al nivel de esas bandas. ¡Ojalá! (jajaja…).

¿Cuáles son los temas que abordáis en las letras y quien es el encargado de escribirlas?

Xabi: Los temas abordados en este disco son bastantes variados, no sé… desde el problema con el medio ambiente como en “Madre Tierra”, pasando por la anorexia como intento explicar en “El Reflejo” o, el reconocimiento a toda la gente que sigue a las bandas, que sin ellos no tendría ningún sentido nada de esto y sería como gritar al vacio…
Dani: Las letras las ha escrito Xabi en este disco. Igual para el siguiente le echamos una mano (jajaja…).

Me ha llamado la atención el buen tratamiento que le habeis dado al bajo, por ejemplo, en Desolación y La Huída suena muy bien…

Xabi: En este disco queríamos dar más importancia a las guitarras, eso es cierto, pero tampoco queríamos olvidar el bajo haciendo así una línea sencilla pero acorde a la vez y creo que lo hemos conseguido.

¿Xabi, quiénes dirías que son los vocalistas y guitarristas que han influido en tu aprendizaje musical?

Xabi: En lo que se refiere a la voz, una de las influencias más claras ha sido Enrique Bunbury, sin duda, pero tampoco quiero copiar exactamente su forma de cantar porque, lo que quiero, es crear mi propio estilo. Aparte de eso, también Robert Flinn (Machine Head) es una gran influencia tanto como cantante como músico compositor.

Y, en el caso de Daniel, ¿qué baterías?

Dani: Pues, actualmente, me siento muy influenciado sobre todo por Thomas Scott “Flip” Phillips y Dave McClain. Pero se me ponen los pelos de punta cuando oigo tocar a bateristas como: Dani Pérez, Paco Sánchez, Horacio “El Negro” Hernández, Manu Reyes y el desafortunadamente desaparecido Alberto Madrid. Alto nivel de bateristas. Y, desde luego, por mi profesor actual, que me tiene muy motivado. (jejeje…).

¿Cómo observais la actualidad del rock estatal, pensais que evoluciona de forma positiva o creeis que son necesarios algunos cambios?

Xabi: Desde mi punto de vista, el panorama está estancado en las bandas de siempre; pero también es verdad que de aquí en nada las nuevas generaciones vienen fortísimas porque hay gente muy joven que con pocos años de carrera tienen un nivel altísimo, y eso promete. Con la tecnología que hay ahora se están poniendo las pilas y eso es bueno. Antes, si no tenías un amigo que te enseñase algún tema o pagabas clases no había forma de aprender pero, ahora, por suerte todo ha cambiado.
Dani: Bueno, creo que hay una gran cultura musical y muchas y muy buenas bandas que, al estar a nivel local, no tienen mucha proyección. Además, tal y como están las cosas con las discográficas, “o te autoeditas o te autoeditas”. No hay otra manera. Y si a eso le sumas que en muchas salas tienes que pagar por tocar… Si lo piensas fríamente… te desmoraliza un poco. Pero bueno, esa es la cara mala de todo esto de la música. Prefiero pensar en seguir haciendo lo que nos gusta, y si encima a la gente también le gusta… ¿qué más se puede pedir? No veo un mal panorama musical, creo que poco a poco entre tod@s vamos por buen camino.

En vuestro caso particular, todo el tema de Internet, las descargas ilegales, promoción, etc., ha resultado positivo o negativo.

Xabi: Desde nuestra experiencia, Internet es un gran salto para darse a conocer sin tener un manager o casa discográfica, que ahora solo apuestan por los grupos que ya están en lo alto de la palestra y, sobre las descargas, el que diga que no tiene un disco descargado o un video o incluso un video clip simplemente miente.
Dani: Creo que Internet es el mejor de los escaparates, es accesible a todo el mundo. Lo de las descargas me parece genial. Es una publicidad impagable. Soy un consumidor de música compulsivo, y si tuviese que comprarme todo lo que escucho, necesitaría tres trabajos para poder costearme todos los discos. Me compro muchos, pero como a cualquiera, no me llega para comprar todos los que quisiera. Y, como he dicho antes, es una publicidad inmejorable, porque, si me descargo el CD de “X”, y me gusta, te aseguro que “X” ya tiene vendida una entrada para su próximo concierto. Creo que no es mal negocio, no?

 

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ENTREVISTA LOCKY PEREZ – FOTOS: ANA PAMPIN

 

 

 

Olvido, proceden de la localidad catalana de Roses y Neurosis De Destino es su álbum debut. La formación está compuesta por Dani (teclados), Terry (guitarra), Nacho (guitarra), Ernest (bajo), Alfred (batería) y Néstor (vocalista). Hablamos con este último para conocer más a fondo las características del disco y las singularidades de una banda cuyos argumentos estilísticos encajan dentro del metal gótico.

Neurosis de Destino es vuestro debut discográfico. Cuéntanos las circunstancias que habéis tenido que afrontar desde vuestros inicios hasta conseguir entrar en un estudio. Supongo que requerirá un gran esfuerzo…

No creo que nuestra historia difiera mucho de la de otros grupos que ahora mismo están en nuestra situación o que esperan estarlo en breve: Llegar hasta donde hemos llegado supone una gran perseverancia (muchas veces conjurarse del modo “esto lo haremos por cojones, sí o sí…”), una gran capacidad de toma de decisiones, algunas dolorosas, otras a tumba abierta, tener fe en el proyecto, asegurarte esa fe con un gran control sobre el mismo, y luchar contra viento y marea en esos muchos momentos en los que parece que todo y todos se hayan puesto de acuerdo en hacerte fracasar… a pesar de que algunos de nosotros somos supersticiosos, somos del parecer de que cada uno se forja su destino y que la suerte no se encuentra sin buscarla. Creo que Neurosis de Destino es hijo de una mezcla de obcecación y visceralidad que ha llevado a Olvido a empezar a recorrer esta senda: A pesar de lo que algunos puedan pensar, el juego realmente empieza ahora y vamos a disfrutar con la partida.

¿Cómo se desarrolló el proceso de grabación. ¿Llegasteis con las ideas claras de lo que queríais o, una vez en el estudio, las madurasteis? ¿Quién tiene más peso específico en el aspecto compositivo? ¿Cuál piensas que es la parte más difícil del trabajo en estudio?

Llegamos al estudio con el 90 por ciento de las ideas muy claras: antes de entrar en Musiclan habíamos grabado todo el proyecto en una demo en el local de ensayo, a fin de pulir todos los detalles. El tiempo de grabación y el orden también fueron programados minuciosamente: fuimos concentrados y dispuestos a que, por nuestra parte, no hubiera ningún contratiempo. Para un grupo como nosotros, entrar en un estudio esperando la inspiración y amparándote en la capacidad de improvisación es un movimiento que puede costar muy caro, económica y mentalmente, y que puede repercutir muy negativamente en el producto final. El 10 por ciento restante sí lo dejamos al feeling del momento, sobretodo en el apartado de mezclas y post producción, y esa, sin duda, fue la parte más difícil: decidir cómo queríamos que sonara el disco globalmente. En cuanto al peso compositivo, Terry y Dani son habitualmente los que arman el esqueleto y los demás le ponemos las vísceras, la carne y la piel. Finalmente, entre todos lo dotamos de alma.

Parece ser que en la actualidad es necesario acudir a un estudio escandinavo para completar una producción con garantía de buen sonido…
Supongo que también depende, como en nuestro caso, de esa atracción e ilusión casi infantil de querer pisar el terreno que pisan nuestras bandas predilectas y, además, trabajar con gente de probado prestigio internacional. En su momento, surgió espontáneamente ponernos en manos de los Studio Fredman de Goteborg, y cuando tuvimos el master en nuestras manos ¡volvimos a ser felices adolescentes por un tiempo!
Desde luego Henke y Fredrik pusieron toda la carne (y suponemos que el vodka) en el asador y nos dieron un resultado mejor del esperado y del que estamos muy contentos. Años ha, existía la creencia de que en España sobraban buenos estudios y faltaban buenos productores de rock duro y metal, pero no creo que hoy en día sea ese el caso.

Describe cómo es la música de Olvido ¿dónde crees que encaja mejor vuestro estilo?

Para mi es un ejercicio bastante complicado intentar definir algo de lo que formo parte. Siempre he tenido la esperanza que fuera la crítica especializada la que resolviera este misterio en algún momento, algo así como “ah… de acuerdo: estamos dentro de este estilo”. Quizás sea el reflejo inconsciente de la incapacidad de los propios miembros del grupo por encajar en algún lugar definido en el mundo. Una de las gracias de formar parte de Olvido es que siempre queremos dar un paso más para poder averiguar de una vez por todas “qué somos”. Como podrás suponer odiamos las etiquetas aunque entendemos que son del todo necesarias, un mal menor. Creo que nos sentimos cómodos con la etiqueta de “rock metal gótico”, aunque haya mucho más. Olvido es una catarsis de sonido oscuro y melódico que bebe de muchas fuentes y tendencias, todas ellas nada festivas. Por decir algo.

Sois una banda en la que las letras tienen bastante protagonismo. Como vocalista, supongo que te encargarás de escribirlas, ¿cuáles son los temas que abordáis y cómo es tu forma de encarar su creación, cómo surge la inspiración?

Escribir las letras es una tarea compartida, aunque Terry y yo mismo seamos los que más contribuimos en ello, además de encargarme de dar los últimos retoques a las letras o pasajes que escriben los demás, con la confianza que nos une. Los temas que aborda Olvido son casi siempre complejos puesto que tratan de la propia complejidad humana, y no siempre una sola letra trata de un único tema: Sentimientos y sensaciones, intuiciones e introspecciones, espiritualidad y cierto grado de profecía, nostalgia, desamores, pérdidas irreparables, la resignación, pasiones oscuras y prohibidas, la culpa, la justificación de los medios por el fin, los secretos… desde luego no somos un grupo que hable demasiado de salir, beber, liarla y ese tipo de cosas (pero si alguien quiere acusarnos de beatos, va bastante desencaminado).
Personalmente soy incapaz de escribir algo que no sea digno de acabar en la papelera si no estoy cargado de motivación e inspiración: A veces es tan sencillo como impregnarme de la música a la que debo poner letra, otras veces basta con unas copas y una buena conversación al lado del fuego o en la intimidad de las sábanas; la lectura también me proporciona fuentes de inspiración (Neurosis de Destino incluye referencias a Poe, al texto sagrado hindú Bhagavad Gita, a la Bíblia y los evangelios apócrifos, e incluso al mundo del cómic, por poner solo algunos ejemplos variopintos…). Otras veces la inspiración aparece de la privación del sueño o, al contrario, de sueños. Con la idea en mente y algún verso suelto, todo empieza a cobrar forma y sentido: sin duda no hay mejor forma de escribir una letra que ser sincero con uno mismo.

Es evidente que vuestras letras buscan despertar la imaginación del oyente, no son nada directas. Intuyo ciertas connotaciones religiosas en algunas…

Intuyes bien. La religión y el culto a fuerzas cósmicas, intangibles más allá de los actos de fe y las causalidades, han acompañado al hombre desde mucho antes que éste tuviera la capacidad de poner sus dogmas por escrito. Hasta aquí nada nuevo bajo el sol. En la historia reciente la religión no sólo nos ha procurado siglos de conflictos cuyo único fin ha sido legitimar a uno u otro grupo en liza para poder imponer su propia denominación a una deidad universal conocida como Dios, Alá o YHW (conflictos que, dicho sea de paso, son mucho más materiales que la mera religión, a la que siempre resulta providencial y expiatorio culpar de todos los males del mundo), si no que ha hecho mucho más que eso: Ha esculpido nuestra moral a niveles muy profundos e inconscientes. Nuestra cultura occidental se nutre de la moral judeo-cristiana: Puedes apostatar, declararte ateo, colgarte un anticristo o hacer libaciones en honor a cualquier dios muerto y olvidado que te plazca, pero cuando tu conciencia llame a la puerta y te haga sentir culpable por algo que hayas hecho, podrás darle las gracias a milenios de cristianismo, judaísmo e islamismo, puesto que la inmensa mayoría de nosotros hemos sido educados diariamente, directa o indirectamente (no hace falta haber ido a la iglesia cada domingo, ni mucho menos…), sobre esas bases. Sustraerte de ello es harto complicado y jamás se consigue hacerlo en su totalidad, ya que para ello deberíamos reeducarnos partiendo de cero. Volver a nacer en un entorno totalmente diferente.
En definitiva, la religión nos ha hecho tal y como somos, “a su imagen y semejanza” y, por tanto, nuestros sentimientos, deseos, pensamientos y anhelos ocultos le pertenecen y de ellos somos esclavos. Puesto que Olvido ahonda en los sentimientos humanos, sobretodo en los más oscuros, es lógico que la religión tenga en nuestras letras un papel presente y que usemos diversas deidades como arquetipos de las conductas humanas, tal como fueron imaginadas en tiempos pretéritos.
Por otra parte nos encanta el misterio y el misticismo, las profecías y las verdades superiores y ocultas: ¿Qué mejor campo de cultivo que la religión y la espiritualidad para encontrarlas y reflejarlas? Actualmente la sociedad avanza hacia un futuro incierto, material y de alentadas conductas psicopáticas, aparcando los sentimientos, las intuiciones y la conciencia de manera burdamente violenta… las religiones organizadas están cavando su propia tumba y con ellas, desgraciadamente, han arrastrado la espiritualidad, una característica inherente y fundamental del ser humano.

¿Hay alguna canción del álbum de la que te sientas más satisfecho por algún motivo especial?

Mmmm… me siento como tener que elegir a qué hijo quiero más y hacerlo público. Quizás “Eterno”. Aunque supongo que no será uno de los temas más populares del disco me encanta su dureza, sus tintes decididamente underground, y su letra hermética y decadente. Guardo muy buenos recuerdos del momento de su composición, de la primera vez que lo tocamos entero y se nos quedó esa cara de “¡Uau! Esto es bueno, tíos…”.

Me ha llamado la atención, De Cadenas Lentas y Amores Caídos con esos teclados setenteros de sonido hammond que le dan un toque diferente…

Dani es un teclista y compositor muy polivalente y de un gran gusto musical. Nos apetecía mucho hacer un guiño a esos grandes grupos de los 70’s como podrían ser Deep Purple o Led Zeppelin (sin olvidar a los Black Sabbath: sin duda te habrás dado cuenta de lo sabbáticos que son algunos riffs de ese tema), puesto que a todos nos hechiza el feeling, el concepto, la imaginería y la musicalidad de esa época dorada del rock, así que propusimos usar hammond y a él le encantó la idea dándole forma. Luego Alfred le metió ese ritmo en shuffle bluesero al pasaje y fue providencial. Realmente estamos muy satisfechos con el tema, por lo evocador que es hacia esos tiempos pasados y por lo movido y divertido que nos resulta tocarlo en directo. No todo tiene que ser oscuridad y depresión.

¿Quienes dirías que son los vocalistas que han influido en tu aprendizaje, en tu forma de cantar?

Muchos cantantes nacionales e internacionales han puesto su granito de arena en mi forma de cantar desde que inicié mi andanza por el mundo del rock y el metal. Te podría citar a Nick Holmes (Icon es uno de mis discos favoritos), Bruce Dickinson (me encanta su discografía en solitario y, además, tuve oportunidad de conocerle junto a Terry en una anécdota de esas que se cuentan en una barra y nadie te cree), Phil Anselmo, Glenn Danzig, Eddie Vedder (sí, supongo que suena algo raro…), ICS Vortex (una verdadera epifanía) y el recientemente malogrado Peter Steele (tengo toda la discografía oficial, singles, directos piratas, promo tapes… incluso de la banda pre-TON, Carnivore; una verdadera lástima y un destino cruel para mi cantante y frontman favorito. Mi pregunta ahora es si aparecerá algún álbum póstumo con rarezas y temas inéditos… ¡tiene que ser mío!). Del panorama nacional Enrique Bunbury y Marc González han sido mis principales espejos.
Supongo que todas estas influencias, más algunos dejes personales que han ido surgiendo inconscientemente, son las que me han dado esta manera de cantar, curiosa según me cuenta la gente que nos escucha, aunque yo sea incapaz de verlo así.

¿Cómo observas la actualidad del rock estatal, piensas que evoluciona de forma positiva o crees que son necesarios algunos cambios?

Tengo el pálpito que, por fin, el panorama del rock y el metal estatal se está acercando a Europa y se está abriendo a las “nuevas” tendencias, caminando lenta pero inexorablemente hacia la meta de reducir esos diez años que históricamente nos separan de lo que sucede en el resto del mundo en ese aspecto. Por fin hay quienes son capaces de separar el rock urbano del metal, de no meter toda la música con guitarras distorsionadas en el mismo saco de “heavy metal”, de atreverse a escuchar letras en castellano que no tengan la protesta y la política como único argumento, de descubrir nuevos grupos y tendencias más allá de algunos dinosaurios que ya tienen poco o nada que decir pero siguen ahí ocupando un lugar en el panorama que le pertenece por derecho a nuevos grupos emergentes con ideas y conceptos frescos. Creo que, por fin, la gente empieza a ser selectiva y a buscar activamente grupos y estilos que satisfagan plenamente el gusto musical que persiguen… aún así, hay mucho camino por andar y eso no sólo implica a los seguidores, sino también y, especialmente, a medios, discográficas y a los propios grupos.

En vuestro caso particular, todo el tema de Internet, las descargas ilegales, etc., ¿ha resultado positivo o negativo?

Supongo que hemos llegado en un relativo mal momento, por tratarse de una época de cambio en que aún no logra imponerse un modelo claro y las formas de edición y distribución clásicas se solapan con las más actuales, con muchas preguntas sin respuesta y círculos viciosos: ¿Publicar LP’s, EP’s o retornar a los singles?, ¿En soporte físico, en la red, o ambos?, ¿Gratis, pagando… pagando qué y en qué suma?… etc…
No se si Neurosis… está colgado en la mula (prefiero no mirarlo), pero sí tenemos constancia de que a partir de cada disco que vendemos se generan varias copias piratas: Por un lado, como grupo novel, esto beneficia enormemente nuestra expansión pero perjudica seriamente nuestros medios para seguir componiendo y publicando música (por no hablar ya de la consiguiente pérdida de calidad de audio de las copias piratas); hay que tener en cuenta que no se trata de una demo para promoción, si no de un trabajo en el que además del grupo han participado varios estudios de grabación, técnicos, promotores… diversos estamentos de producción musical que tienen un coste monetario elevado, el cual es sufragado en parte gracias a la venta de discos.
Particularmente sería partidario de “liberar” la descarga gratuita de un trabajo una vez se han cubierto unas ventas y cargos mínimos que permitan al grupo seguir creando… en fin, se han vertido ríos de tinta sobre el tema y no tengo una gran historia o idea que contar al respecto. Confiaremos en que el mundo del metal siga plácidamente en crisis como hasta ahora y atesore entre sus seguidores a más compradores compulsivos, detallistas y coleccionistas que cualquier otro género musical (doy fe que yo mismo y los miembros de Olvido nos encontramos entre ellos). Amen.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Dweezil Zappa tomó hace años el testigo de su padre reinterpretando sus temas por todo el mundo y con el mejor material de esos conciertos publica el doble directo “The return of the son of…”. Dweezil no deja de insistir en que el legado de Frank, su padre, sigue siendo vigente, dejemos que nos lo cuente él mismo:

Tu anterior lanzamiento, “Zappa plays Zappa”, era un directo, y el que ahora presentas, “The return of the son of…”, también lo es, ¿por qué otro directo?

Por la evolución de la banda, de esta manera le damos la oportunidad a la gente de ver como ha evolucionado este proyecto. Llevamos 5 años tocando juntos y hemos cambiado mucho, el disco anterior era de 2006, lo sacamos tanto en CD como en DVD y las canciones se parecían más a cómo las hacía Frank. Ahora somos diferentes y queremos que el público lo disfrute.

Ambos discos son especiales, en el primer disco tuvimos un montón de invitados y para este han participado muchos otros. Quiero estar seguro de que la gente escucha esta puesta al día de las canciones, grabamos muchísimo, trabajamos sobre la base de 130 versiones grabadas y queríamos que todo lo que sacáramos tuviera su punto de novedad, que nunca hubiera sido grabada o filmada antes. Por ejemplo, “Billy the mountain” es una canción de media hora, como una mini rock opera y nunca había sido filmada cuando Frank solía tocarla, así que lo hicimos nosotros.

He observado que tocáis mucho material de mediados de los 70, Andy e Inca roads de “One size fits all” (1975), tres más de “Over-nite sensation” (1973) y que además en “Zappa plays Zappa” también había unas cuantas de “Apostrophe’” (1974), ¿son esos discos tus favoritos?

Todos los discos de mi padre son mis favoritos. Crecí con ellos, viví cómo se creaban… son parte de mi vida y de la de mucha otra gente también, porque en ellos participaron muchas personas. Frank tiene tanto material que no podría decantarme por ninguna época en particular, en todas ellas hay amplia variedad estilística.

Además de esos discos hay otros muy buenos en los 70, “The grand wazoo”, “Fillmore East” o alguno de los 80, como “Tinseltown rebellion. Considero que los 70 fueron una época de muy buena música en general, así que estuvo bien vivirla desde dentro.

Creo que tu canción favorita es “Peaches in regalia”, que salió precisamente el año que naciste…

Me encanta “Peaches in regalia”, esa canción la escuche muchísimas veces cuando era niño y tiene un significado especial para mi.

Ahora que comentas esto, considero que la música de Frank es muy buena para ponérsela a niños pequeños, ya que suelen tener mucha instrumentación, percusiones, arreglos de metales, ritmos vivos… ¡A mis sobrinas pequeñas les encanta “We are not alone”!

Claro, crecer estando expuesto a tanta música así con tanta intrumentacion y todo eso que dices es muy importante. Realmente crecí amando el sonido de esos instrumentos aunque no sonaran en otras músicas dentro del contexto rock, crecí siendo consciente de esa variedad y me gustaba el jazz. También estaban los arreglos para orquesta, Frank tenía mucha destreza para hacer esas cosas tan diferentes, y no sólo para el rock. Para un niño está muy bien vivir todo eso.

Dentro de poco harás una gira por Europa, ¿sabes por qué no hay ninguna fecha en España?

Probablemente volvamos a Europa en otoño, este tour es muy breve y especifico para algunos festivales. En los últimos años apenas hemos hecho 2 o 3 shows en España, pero suele ser cuestión de los promotores locales y no podemos hacer nada. Alguna gente se cree que somos una banda de versiones y no es así, ese no es el sentido de este proyecto, no somos una banda de nostalgia para antiguas generaciones, la música de Frank sigue siendo moderna y además ofrecemos a las nuevas generaciones cosas que no se han oído antes.

¿Tienes en mente algún proyecto con material original?

Últimamente escribo más de mi propio material y supongo que haré otro disco antes o después. Si sigue la evolución de “Zappa plays zappa” llegará un momento en el que el proyecto tome mi propio nombre, Dweezil Zappa, y continuaré de ese modo con mis canciones.

Siempre has sido fan del heavy metal de los 80, sobre todo de guitarristas como Steve Vai o Eddie Van Halen, ¿cuál es tu opinión sobre Ronnie James Dio?

Por supuesto que he escuchado a Ronnie James Dio, sus trabajos con Black Sabbath: Heaven and hell, Mob rules… y los anteriores también. Creo que fue un gran cantante, su voz era muy reconocible, poderosa, fuerte, con presencia, le aprecio mucho.

¿Sigues teniendo una guitarra de Jimi Hendrix?

Si, la sigo teniendo. La he usado en el estudio pero no en directo, ya sabes, realmente no puedes viajar con un instrumento así.

Tu padre revolucionó en su día el trato entre músicos y discográficas, renunciando a perder independencia y manteniendo todos sus derechos sobre las canciones. En los últimos años la industria musical ha sufrido un montón de cambios, ¿cómo crees que está la industria actualmente?, ¿tenéis los músicos más poder que antes?

No sé, realmente no creo que los músicos tengan más poder, siempre necesitas a la discográfica para hacer la promo y esas cosas. Un músico puede hacer un disco muy bueno, de acuerdo, pero ¿cómo llegaría a la gente? ¿cómo lo encontrarían?. Los sellos gastan millones de dolares para que lleguen a millones de personas a través de la radio, las revistas… el músico no puede hacer todo solo.

Mi padre siempre intentó crear un mejor entorno para el artista, incluso trabajó en un sistema de intercambio de discos en 1980 con conceptos similares a lo que es hoy iTunes. Frank pensaba más en el músico y en su público que en el negocio, pero los artistas todavía necesitamos un acuerdo con una discográfica.

El 9 de Julio sale a la venta “The return of the son of…”.

Entrevista realizada por: Pointer

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Francis Rossi, guitarrista de Status Quo, es un inquieto profesional de la música que se pasa media vida componiendo canciones y al que se podría catalogar como de compositor compulsivo. Si no es momento de hacerlo para el grupo, lo hace por cuenta propia y, al final, reúne la cantidad suficiente de material como para grabar un álbum, como ha sido el caso de One Step A Time, segundo trabajo en solitario que aparece tras 14 años de vacío. En la siguiente entrevista Francis, con su desenfadado estilo, nos pone al corriente de esta nueva etapa al margen de Status Quo. De paso, no desperdiciamos la oportunidad de hacerle algunas preguntas acerca de ciertos aspectos de la trayectoria del popular grupo inglés, además de algún que otro punto de vista personal.

¿Qué diferencian las canciones de One Step At A Time de las de un álbum de Status Quo?

No creo que haya muchas diferencias, realmente. Siempre he pensado que cualquier cosa que escribo o toco, no se aleja demasiado de mi propio estilo. Aunque sí es verdad que algunas personas dirían que estas canciones son algo más pop que el estilo que normalmente hacemos. No sé decirte, sólo veo que las escribo, las canto y las toco. Realmente, las diferencias no las expongo yo, aparecen durante la grabación, no es algo preparado de antemano, la identidad del propio estilo surge mientras lo tocas, es algo bastante más espontáneo.

Es tu segundo disco tras King For The Doghouse de 1996. ¿Qué ha ocurrido para que después de 14 años hayas decidido volver a grabar en solitario?

Bueno, es una larga historia. Me mudé hace unos dos años de la que había sido mi casa durante 35 años. En la nueva casa monté un estudio de grabación adosado a ella. Cuando el estudio estuvo acabado, necesitaba probarlo para ver qué tal sonaba, así que empecé a trabajar en él, tocando estas canciones, que algunas devinieron más cercanas al estilo pop como te he dicho, aunque yo no pienso realmente que sea así, pero hay gente que lo afirma. Bueno… entonces llamé a mi manager y le pregunté si le apetecía venir y escucharlo porque, claro, yo puedo escucharme a mí mismo, y pensaré que sueno genial. Pero ya sabes, la gente te proporciona otro punto de vista en cuanto a crítica, que es lo que necesito. Así que me dijo: “genial, lo miramos y podrías empezar a trabajar en ello. Puedo conseguir un contrato rápidamente para que te pongas en la carretera pronto, ir a México…” …que es algo que me encanta hacer, desde luego. Y entonces fue cuando se convirtió en un álbum, ahí es cuando empecé a tomármelo en serio y me dije: “ups, vamos a poner un poco más de atención en esto que estamos haciendo, que salga algo de más calidad…”. Así que, después de ese punto, sólo estaba yo trabajando en esas canciones. Porque me gusta hacer eso, lo haría de cualquier manera. Escribo canciones la mayor parte del tiempo y las grabo la mayor parte del tiempo también. Pero el desarrollo de cómo empecé a “enamorarme” de esto, a ilusionarme con ello, supongo que también tuvo que ver el enseñárselo a alguien y que le gustara. Eso afectó a mi ego de alguna manera, ya sabes, la necesidad de presumir cuando algo está bien hecho, y que te lo digan. Y cuando supe que les gustaba mi álbum… Es como si fueras a tu mamá y le preguntaras: “¿mamá, soy un buen chico? –claro que sí cariño- muy bien, gracias”. Creo que en el mundo de la música abunda mucho esta especie de contradicción entre inseguridad y presunción. Por esa necesidad de cubrir la inseguridad personal presumiendo de algo, yo necesito eso todo el tiempo. No quiere decir que yo piense que el mundo sería un lugar mejor, (risas) eso sería algo muy idiota… Es más en el sentido artístico que quisiera gustarle a la gente, supongo.

¿Qué otros músicos han colaborado junto a ti en la interpretación de las canciones?

Las canciones las he escrito todas junto a Bob Young, que ha estado conmigo todos estos largos años. Luego se unió otra persona más, Carl Johnson, con el que compuse otras dos canciones. Además, una canción está compuesta por mi segundo hijo, Nicholas. Conseguí que Andy Bown tocara el piano en unas tres canciones. Luego en una canción llamada “Sleeping on the job” toca otro bajista… y así; el resto somos, o yo, o mi hijo, tocando el bajo, básicamente. Yo toco casi todo en el disco. Pero la cosa es que esto no lo empecé como un “firmamos aquí y tú y yo hacemos un álbum”, no joder! (risas). Simplemente me puse con las canciones y las cosas iban surgiendo. No había ningún trasfondo de presión, ninguno de esos males que se sufren porque… “hey, estamos haciendo un disco”. Me gusta el hecho de, simplemente, hacer las canciones y terminar siendo, eso “un álbum, yujuuuhhh”, pero sin todo ese desarrollo bajo presión.

¿Por qué la necesidad de hacer una versión del tema Caroline?

Bueno, todo empezó con una charla con Robert Plant. Estábamos hablando y él me contaba sobre su nuevo disco… Y mi manager vino a verle así que hablamos de algunas cosas, yo le conté lo genial que es hacer un disco en solitario, y me dijo que sí, que efectivamente era genial, opinamos lo mismo. Entonces, mi manager fue a verle y, al parecer, tocó dos o tres temas de Led Zeppelin. Y me dijo: “deberías tocar un par de temas antiguos, de los clásicos, y bla bla bla”. Entonces recordé cuando estaba escribiendo “Caroline” con Bob. Fui al estudio, cogí la guitarra, me puse el tema, y me encantó como sonaba y dije: “tengo que poner esto en el set-list”. Me encantó porque es una de las cosas que no debes hacer, y bueno, mucha gente opina que nunca debería hacerse una versión de “Caroline”, pero a mí me encanta hacer todo lo que se dice que no ha de hacerse. Supongo que tiene algo que ver con el carácter, con ese rebelde que aún llevas dentro, aunque yo ya no creo ser un rebelde. Todos tenemos nuestra época y luego nos volvemos estables, la vida va así. Luego haces algo salvaje y pareces volverte rebelde otra vez, en contra de lo establecido, porque es algo que nadie haría a tu edad, nadie mayor. Y los mayores, son lo establecido (risas).

¿Puedes comentarnos el contenido del disco, un breve repaso a las canciones, cómo fueron surgiendo…

Bueno, cuando Bob y yo empezamos con el proyecto, quizá llegamos a tener unas 20 ó 30 canciones, de las cuales sólo 4 ó 5 acaban utilizándose, las otras se desechan, y esas eran las canciones en las que yo estaba trabajando. Pero la cosa es que yo no me senté con la guitarra y dije: “vale, ahora tengo que hacer un álbum”, no había esa presión sobre el tiempo, ni parámetros ni reglas acerca de cómo lo tenía que hacer. Digamos que me limité a hacer las canciones y otras cosas que normalmente no haría en las armonías. Cuanto más tiempo pasas con las canciones mejor te acabas llevando con ellas, o mejor te suenan y, al final, incluso llegaron a pasar seis meses y no había cambiado una sola cosa. Y todas esas canciones no encajarían normalmente en un proyecto normal. Supongo que el modo en que las mantengo es como me gustan… y si le gustan a mamá, no hay más que decir. (risas)

Después de tantos años de actividad ¿Qué momento de tu trayectoria te ha llenado más de satisfacción?

Buena pregunta…. Creo que entre todos ellos, si sólo tuviera que escoger uno sería muy triste. Pero, por ejemplo, un momento genial es cuando te oyes por primera vez en la radio. Fue un gran momento cuando “Pictures Of Matchstick Men” alcanzó en número 7 del top ten. Y el primer éxito que tuvimos con un disco, con Piledriver, que alcanzó el número 1, ése fue otro gran momento. Después tuvimos “Down, down” en el número 1; “In The Army Now” fue también número 1… Los momentos de éxito al fin y al cabo! Creo que estos momentos tienen que abundar, que apreciarse y perseguirse, porque de otra forma no tendrías una banda, no la trabajarías… Lo comparo con el momento en que una mujer tiene un hijo; es algo que una vez lo has pasado piensas que no volverías a tener un hijo en la vida (risas), pero algo te dice: “vuelve y hazlo otra vez”. Y esa es la razón de ser de estos preciados momentos y recuerdos en la historia de uno. Porque hay momentos realmente malísimos, horribles, pero luego están esos otros tan fabulosos, que te hacen olvidar aquellos que fueron muy malos, y seguir buscando siempre ese gran momento de éxito. Esa es la cuestión, olvidar lo malo; sabes que puede pasar, sabes que te estás arriesgando a que sea horrible otra vez… pero en cierto modo te tienta a pensar que puede haber mucho de lo maravilloso también, y la vida es siempre maravillosa al fin y al cabo. Así que, en conclusión, todos esos grandes momentos son los que recuerdo, y no podría elegir entre ellos un momento especial en nuestras vidas. He vivido 60 años, si es para elegir un solo momento, no compensa mucho, je, je.

¿Dónde encuentras la inspiración para sacar ideas y seguir componiendo después de más de 45 años de trabajo?

Pues yo creo que es el tema de la inseguridad o algo así, la inseguridad de uno mismo. Necesito poder presumir, tener algo que enseñar a alguien y saber si le gusta. E incluso en el pequeño campo que es el estilo de canciones que hago, hay una chispa… sigo sintiéndome vivo, sigo sintiéndome creativo. Porque, aunque ese estilo sea limitado es el mío propio. Así que me encanta lo que hago, las canciones con Status Quo me emocionan mucho y realmente es genial. A veces es como cuando tienes sexo con alguien, con la misma persona, el mismo momento, el mismo escenario, la misma ropa, todo lo que forma parte de ello es igual, y sin embargo no funciona como lo hizo la última vez. Y lo vuelves a hacer, y puede que funcione esa vez. Pues es lo mismo en la música y es lo mismo en las giras. Tratas de hacer escrupulosamente lo mismo, y no siempre funciona. A lo mejor no es una buena analogía, pero supongo que todo el mundo entiende que algo muy grande y maravilloso ocurre en el sexo. Y siempre buscas eso una y otra vez cada vez que lo haces, y cuando no lo consigues te preguntas: “¿qué habré hecho mal?” y entonces lo haces otra vez y de repente es maravilloso! Y no hay nada que lo explique. Pues bien, creo que es lo mismo con la música. Algunos shows pueden ser realmente fantásticos, y algunos pueden ser “mmmmhh… psé”. A veces piensas que es porque tocaste delante de miles de personas, y eso no tiene nada que ver. Pueden ser 400 y conseguir ese mismo momento de euforia, de “aarghhh..!”. Pues es lo mismo con el sexo.

Siempre el sexo, eh? (risas)

Sí, claro, bueno, todos tenemos esta inquietud por dentro, es una cosa maravillosa, por supuesto.

¿Es eso lo normal entre los músicos de rock? Porque, desde luego, la mayoría siempre lo tenéis como un tema principal…

Bueno, lo cierto es que a mí me da igual el tema ese de “músico de rock” o no, yo no creo en ese “estilo de vida de rock’n’roll”, no pertenezco a nada de esas mierdas. Quiero decir que, ese estilo de, “montones y montones de sexo con montones y montones de gente, montones y montones de droga, montones y montones de alcohol, etc…”, no es más que un comportamiento estúpido… Quiero decir, es el tipo de comportamiento que mucha gente puede tener en los fines de semana y, por alguna razón, no sé cual, la gente es incitada a hacer eso todo el tiempo. Y parecen estar conformes! Todos: “pues bueno, vale”… Pues no! De vale nada, es un comportamiento estúpido! Quiero decir, enciendes la televisión ahora y es jodidamente estúpido todo lo que hay! Maldita sea! Tendré que ir a la tienda y comprar una televisión nueva! (risas) Ahora en serio, por alguna razón, el mito alrededor del rock’n’roll es ese morbo de: “lo vamos a contar… ahora… vamos a entrar en la habitación del hotel… ¡oh dios mío está jodidamente ahumado! Las vírgenes abundan por doquier, ¡vamos a emborracharlas y a drogarlas!” y la situación normal es: “gracias por ahumarme el hotel, adiós buenas tardes, hasta otra!”. Y es que aquí tienes la razón para todo esto: dinero! Todo jovencito que vea estas cosas por la televisión haría mejor en tirarla por la ventana, porque dirá: “ohhh… Eso es lo que yo quiero ser!” ¡No! Lo que tienes que apreciar es todo el trabajo que hay detrás y que no se ve, la buena música, los buenos discos, las buenas actuaciones! Y creo que es por esto que me considero bastante diferente a la mayoría de este mundo, porque la gente dice: “Nah, es que eso es rock’n’roll” pues no, yo no lo creo.

Bueno, he de decir que estoy totalmente de acuerdo contigo…

¡Gracias!

No, gracias a ti, faltaría más! Es un honor poder contar con testimonios auténticos de verdaderos “rockstars” que no tratan de vender lo mismo que el resto, con una opinión diferente. Ahora bien, entrando en preguntas más concretas… Sin contar los de Status Quo… ¿Cuáles han sido tus discos preferidos en la historia del rock?

Mmmmmmmmm…………… alguno de los Beatles probablemente, los tempranos o, bueno, todos los de los Beatles, la verdad. Hotel California (Eagles), el primero o el segundo de Andy Bown, y me he olvidado del resto, pero estoy seguro de que hay muchísimos más. Ésta es una de esas típicas preguntas que te pide que hagas una especie de lista como esos programas con los que puedes llevar tus 10 o 5 discos favoritos contigo… yo, de verdad, que no puedo hacer eso, en mi vida he sido capaz. Creo que me tiraría meses para elegir una lista adecuada. Es como si te preguntan: “¿Cuál es tu canción favorita?” “¿Cómo que mi canción favorita? Es como, “Mira es ésta o tal otra, y el resto de las canciones a la mierda, no importan”… pero en qué cabeza cabe… Bueno, pero ahí tienes una breve idea de cuáles son mis álbumes preferidos. Oh, lo olvidaba! The Essential Pavarotti, porque crecí con ello! (risas.) Que no, que va en serio! Es lo que escucho siempre después de los conciertos en las giras! De verdad, me encanta tanto… ¿sabes? Debería haber sido mi padre…

Eso no entra para nada dentro de la historia del rock, pero bueno…

¡Ah bueno (risas)… lo puedes quitar si quieres! Pero creo realmente que el rock tiene bastante de eso también.

Y… siguiendo con las listas. ¿Cuáles son tus cinco canciones preferidas de Status Quo?

De Status Quo? Oh Dios mío, buff…pero si es que… he escrito tantas canciones buenas! (risas) Venga vale…”In the Army Now”, (yo no escribí “In The Army” así que… ¿puedo contar esa canción?), emm… “Pictures of Matchstick Men”, “Marguerita Time”…, una canción llamada “All We Really Want To Do” (o la que en la práctica llamamos “Polly”) y, probablemente, “The Oriental”….oh, no, no, no… lo que te dije, ahora me has puesto en un aprieto, ves? Ya no sé cuál elegir! (risas) Venga, vale, “The Oriental” ; “Electric Arena”, y “Tongue Tied”. Y si quieres quitar alguna de esas para hacer cinco, por mí perfecto (risas).

Y los discos de oro plata y bronce de Status Quo?

Mmmm… Para mí, pues… Heavy Traffic, “In Search Of The Fourth Chord, Rock ‘Til You Drop… bueno, y Hello! también lo incluiría, sí. Me has dicho cuatro o cinco?

Solo tres…

Ah! tres, es verdad. Bueno pues entonces… esos cuatro y alguno más por ahí que otra vez no recuerdo (risas) me pasa mucho, ¿verdad? Lo cierto es que no podría decir sólo tres, no quitaría ninguno de esos. Perdona que esté así, pero esta mañana me he despertado a las 02h00 de la madrugada y no podía dormir y hasta ahora… así que no te extrañen mis conclusiones ahora (risas).

Quo, ha sido, posiblemente, el disco más enérgico y potente de tu carrera, podríamos decir que es la contribución más cercana al heavy metal de Status Quo?

Pues sí, mira, la verdad me sorprende que me hagas esta pregunta pero sí, está bastante bien la apreciación, sí podríamos decir eso. Pero te darás cuenta en ese disco, bueno, yo entonces que era joven no me gustaban muchas de las canciones en ese disco, digamos que estaba en un momento más “pop” si se puede decir e intentaba introducir el “hard chord” en el estilo y ahora no encaja si lo toco con algo más suave, sin embargo, en su momento lo mezclaba… Así que sí, estoy de acuerdo en que Quo es el álbum más cercano al estilo psycho- heavy metal, más que a ninguna otra cosa.

Qué recuerdos te trae el primer disco en directo de Status Quo… Quo Live, pienso que no ha sido valorado lo suficiente…

Bueno, lo primero que se me viene a la cabeza pensando en ese álbum, y que no incluimos en la descripción del disco, es que lo grabamos en tres noches. La primera noche pensamos que fue increíble, la segunda estuvo aún mejor si cabría decir, y la tercera pensamos que estuvo realmente bien. Es como con tus tres primeros discos, el primero está bien, el siguiente crees que es mejor y con el tercero ya te olvidas de lo mucho que te gustó el primero. En el disco conseguimos mezclarlo todo un poco y dejarlo más o menos al mismo nivel, y bastante bien. De ahí que haya terminado siendo uno de nuestros álbumes más populares, aunque yo no lo incluiría como tal. Es que, realmente, no entiendo los discos en directo… Entiendo los conciertos en directo, vale, pero los discos… no pillo el concepto. Vamos a ver, los conciertos están para vivirlos en directo como su nombre indica, y si los grabas no me digas que es un “live!” porque solo es un disco más… “¡no pero es un directo!”… que no! Que es un disco! La gente dice, “no pero es que capta la “magia” del directo, blablabla”, pues no, el show, la gira, fueron mágicos, pero lo que está grabado, es una grabación y punto. Y realmente no puedes captar en una grabación lo que se vive en un directo.

¿Por qué dejó John Coghlan Status Quo tan pronto y en una época tan exitosa para la banda?

Bueno sabes que… en realidad, el desarrollo de una banda es una democracia. Es un triunfo a lo largo del tiempo, y es en las decisiones de esa democracia donde se encuentran, al fin y al cabo, las razones del éxito. Lo que pasó con John Coghlan fue que por aquel entonces, esa democracia no era tan importante como la razón del éxito, sino que, como mucha gente piensa, lo son el dinero y…, como hablábamos antes, es el comportamiento típico del “rock’n’roll”… y cuando esa mierda anda de por medio… que si muchísimo alcohol por aquí, sexo o lo que sea por allá, el desmadre… al final, el hecho de estar en una banda, de estar tocando esa noche, acaba volviéndose algo secundario. Y creo que eso acabó por tomar control de John Coghlan, al final, le gustaba darle a los porros demasiado y, encima, era muy bebedor también… Y… ya sabes que eso no mezcla nada bien. El que fuma porros, no va con borrachos o, los que están borrachos, no les gusta ir de fiesta con fumados. Pero él lo mezclaba todo y, en una noche de esas durante una gira, en uno de nuestros conciertos más cañeros, se desmayó. No sabíamos qué hacer, evidentemente, éramos muy jóvenes y, además, teníamos la presión de todo el trabajo que hacíamos junto a él. Una vez, estábamos grabando disco en Suiza y, de repente, en medio de la grabación, paró todo, tiró la batería a patadas y se fue. Le dijimos: “Bueno, esta es la última vez que vas a hacer eso”. Y fue la última vez. A veces la gente, al prensa, opina que habría que darle otra oportunidad pero, darle otra oportunidad supondría que acabara con el mismo comportamiento, así que… Estas cosas pasan en las bandas y es una pena pero es así… Precisamente hablé con Alan Lancaster esta mañana y, después de los años, se ha dado cuenta de las muchas cosas negativas que hubo durante aquellos tiempos. Ahora, a veces, preguntan si nos volveremos a reunir. Parece ser que para algunos, la reunión de Quo con Alan y John sería un hito en el universo, pero no… nada más lejos de la realidad, eso no sería así y simplemente algunas personas irían a vernos y ya está. No es lo mismo que si Status Quo no hubiese tocado durante 25 años y, de repente, se volvieran a juntar, hemos seguido tocando durante todos estos años con otros componentes y Status Quo ha seguido su curso, con lo cual, no hay esa especie de mito de “la banda que vuelve”, como alguna gente piensa que se diría si Alan Lancaster y John Coghlan volvieran. Es algo que podría pasar pero… probablemente no será así (risas).

Hablando de Alan Lancaster, él estuvo contigo desde los inicios… ¿Qué pasó para que dejara la banda. Si no me equivoco, su marcha estuvo rodeada de cierta polémica…

Pues, las razones principales por las que Alan dejó la banda fueron my similares a las de John Coghlan, bueno, no del todo quizás. Alan y yo nos conocemos desde el colegio y ya entonces empezamos como banda, Al cabo de unos doce años las cosas empezaron a irnos bien, y Rick Parfitt se unió en el 67. Entonces, parece ser que Alan se quedó más en segundo plano, por así decirlo. No porque nosotros hiciéramos algo, o así lo que quisiéramos, sino porque las cosas sucedieron así, simplemente. Principalmente fueron diferencias musicales. Por ejemplo, lo que hemos hablado del álbum Quo, que yo pienso que está muy lejos de ser nuestro mejor álbum. Pienso, sin embargo, que donde realmente llegamos a congeniar juntos fue en On The Level, hay una mezcla bastante rara, interesante diría yo, pero esta vez eran melodías más tipo “pop” digamos, y entonces fue donde más nos llegamos a entender. Pero, por lo general, Alan y yo teníamos diferencias musicales muy evidentes que nunca pensé que llegarían a tanto, al principio incluso era divertido y enriquecedor, pero bueno, las cosas pasan así. Y el caso es que nos conocemos desde que éramos niños, y hablar con él ahora es como… “vaya, qué raro”, pero en realidad, ahora nos llevamos muy, muy bien. Le conozco desde que tenía 11 años y ahora tengo 60. Y sé el tiempo qué es eso…

Bueno, eso parece ser un final feliz al fin y al cabo…
Sí, es un final feliz, de hecho, sí.

¿Cuáles son tus aficiones al margen de la música?

Pues… no sé qué decir. Bueno, suelo ir bastante a disparar, hago mucho tiro skeet pero, normalmente, o estoy en casa tocando o estoy toqueteando algo en el estudio o compongo o… ¡lo que sea! Lo que quiero decir es que siempre hay algo que hacer en este trabajo. Practicar es una de ellas, hay que tocar y practicar mucho todos los días, encontrar el sonido que buscas, etc… La verdad es que, si no necesitara tocar la guitarra, no sé en qué emplearía todas esas horas de mi vida! Así que para contestar tu pregunta… la verdad es que a penas tengo ningún hobbie. Bueno, normalmente cuando vuelvo a casa, me gusta meterme con el jardín, con el coche, me gusta pasar las Navidades con mi familia por supuesto… pero vamos, la mayor parte del tiempo me gusta tocar, me gusta exhibirme delante de la gente, jejeje.

Además del Reino Unido, ¿tienes pensado presentar el disco en directo en otros países?

Sí

¡Bien! ¿Cuáles?

Bueno, la primera idea era hacer unos 6 shows o algo así empezando por el Reino Unido pero, una vez empezamos, comenté con uno de los músicos que, la verdad, estaría bien hacer más porque el rollo es muy distinto a tocar con Status Quo y me encanta también. Así que hemos cogido unos cuantos shows en Escandinavia, se ha planteado ir a España, a París por septiembre y después haremos unas cuantas fechas más… Va a ser un poco duro porque mis rodillas se van a resentir, pero mientras aguanten… Me encanta ver a las chicas delante del escenario, me encanta tocar encima del escenario, y eso es una muy buena terapia para mí. Así que para responder a tu pregunta una vez más, sí.

¡Perfecto! ¡Entonces esperamos verte en España pronto!

¡Por supuesto! De hecho, el otro día lo comentaba con uno de los músicos… ¿dónde están las chicas morenas…? ¡en España! Es que a mí no me gustan mucho las rubias, ¿sabes? Y la comida española… Es que tampoco me gusta mucho la comida inglesa. Así que… seguro, pienso visitar España en este tour.

Estupendo, esperamos recibirte pronto. Muchas gracias por todo, ha sido un placer y hasta tu próximo show aquí!

NOTAS:

Bob Young, ha sido habitual colaborador en Status Quo desde 1968, ejerciendo de compositor en muchas de sus canciones.

Andy Bown, teclista y guitarrista, es miembro de Status Quo desde 1976.

 

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ENTREVISTA LOCKY PEREZ/ASTRID DE LERA – FOTOS: LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Después de escuchar su excelente disco What Doesn’t Kill Us…, llevábamos algún tiempo detrás de Gauntlet para que nos hablaran de su contenido y de las últimas novedades acerca de la banda como, por ejemplo, el cambio de bajista. Finalmente, los guitarristas Dani y Miguel, nos descubren algunos pormenores del álbum así como del entorno del grupo madrileño, con respuestas directas y, en ocasiones, apelando al humor que tanta falta hace para alegrar los momentos de crisis.

Gauntlet lleva más de una década en activo y aún sigue habiendo cambios en la formación. El último, la entrada de Juan Carlos por Santi García en el puesto de bajista. ¿Hasta qué punto ha condicionado esto vuestra trayectoria? ¿Por qué abandona un componente del grupo después de un álbum tan brillante como What Doesn’t Kill Us?

Dani (guitarra y coros): Pues la ha condicionado bastante, porque hasta el año 2005 no tuvimos una formación estable… Es por eso que aunque llevemos más de diez años, digamos que de carrera musical “profesional” solo son cinco. Pero bueno, todos esos años también nos han dado una experiencia y un bagaje que de otra forma no tendríamos; estamos ya acostumbrados a las piedras en el camino y a las dificultades de todo tipo.

Con respecto a lo de Santi, pues mira, al menos le honra que dejase el grupo en un momento álgido y no cuando las cosas van mal como pasó en otros casos de gente que mejor ni recordar… También es cierto que era el momento de máxima carga de trabajo, hasta ese momento, porque ahora es aún más. Pero bueno, fue una decisión personal suya y no hubo malos rollos, de hecho sigue siendo un gran amigo nuestro y nos vemos siempre que podemos.

¿Cómo fue el proceso de selección del nuevo bajista?, ¿qué decantó la decisión hacia la elección de Juan Carlos?

Miguel (Guitarra y voz principal): Sus ganas de involucrarse, su técnica, su afable carácter y su nariz. Para ser de la “G” hay que tener “narices”… jejeje.

Dani: Fue un tío que entendió desde el principio lo que es estar en una banda con el nivel de exigencia de Gauntlet. Exigencia en todos los sentidos, no sólo encima de un escenario, sino el curro diario que supone en tu casa con deberes musicales y “extramusicales”. La respuesta de Litos está siendo sensacional. Además se lo está pasando de puta madre con nosotros el cabrón, está viviendo una segunda juventud de rockstar, jajaja.

¿Ya sabemos que en estos tiempos el tema de la ventas está algo jodido pero, ¿qué respuesta habéis tenido de público y crítica respecto al nuevo álbum? Me extrañaría descubrir alguna crítica negativa del disco ¿La habéis tenido?

Dani: Pues que yo recuerde, negativa no hay ninguna. Las ponemos todas en nuestra web. Digamos que hay cierta unanimidad y que no suele bajar del notable alto y son unas cuantas las que llevamos, así que muy contentos en ese sentido. Lo mejor que nos pueden decir es que sonamos a banda internacional, que era nuestro principal objetivo, y que tenemos un sonido propio ya, que creo que es algo a lo que todos los grupos deberían aspirar, y no ser deudores de sus ídolos, porque para eso ya tienes a los originales.

¿Puedes explicar el concepto que queréis transmitir con la portada?, ¿de dónde surgió la idea para ese diseño cargado de misterio? y… ¿la intro inicial que da título al disco está relacionada?

Miguel: La idea era tener una portada impactante a la par que original. Iba yo dándole vueltas al tema un día en el bus, camino al estudio, haciendo diferentes bocetos en mi libreta y… después de dibujar unos cuanto me vino a la cabeza lo del depósito de cadáveres y me dije “¡¡Eurekaaaaaarl!! A estos les va a encantar…” y así fue. Una portada muy heavy, pero sin “muñecos”: ni calaveras, ni demonios, ni figuras humanas…nada. Sólo un sudario manchado de sangre seca. Sería todo lo contrario al “Horror Vacui”. Y nos quedó así de bien gracias al trabajo de Jorge Benedito y Jesh Martínez, nuestros artistas gráficos.

El concepto está claro: Es Gauntlet quien ha escapado de la morgue. Nadie puede darnos por muertos ya que, por muchas que sean las dificultades por las que hemos pasado, jamás nos hemos rendido y jamás lo haremos. Nietzsche tenía razón: Lo que no nos mata… nos hace más fuertes. Y lo estamos comprobando. Lógicamente la intro quiere reflejar todo este concepto. Ese terror claustrofóbico, la respiración entrecortada, la lucha interna por salir adelante y, finalmente, conseguimos romper el cerrojo, abrir la puerta y a saco con ese “peazo” riff de apertura.

Si tuvieras que asociar vuestra música con alguna banda en concreto, ¿a quién mencionarías? Inner Enemy, por ejemplo, es una canción que me suena a Megadeth, aunque hay ciertas cosillas por ahí que recuerdan a Pantera.

Miguel: Sin ninguna duda, estas dos que mencionas. Imposible citar una sola banda. Metallica, Machine Head, Testament, Anthrax… pero también Alice In Chains, Mötley Crüe, Black Label Society, Sepultura, Judas Priest o Thin Lizzy. Tenemos muchas influencias y muy diversas, tratamos de integrarlas todas y según nos dice todo el mundo, hemos conseguido un sonido propio. Sonamos a todos y a ninguno. Sonamos como… eeeeeh… ¡Gauntlet!

El disco fue remezclado por Mika Jussila en los estudios Finnvox de Filandia, ¿qué tal la experiencia, llegasteis a tener contacto personal con él?

Dani: Bueno, te corrijo un poco, Mika hizo la masterización. La mezcla la hicieron en los estudios New Life. Nosotros no tuvimos contacto con él, pero si los productores. Tengo que aclarar que nuestra masterización la hizo él personalmente, que es un proceso más laborioso y caro de lo que es la masterización en Finnvox, digamos “standard”. Su trabajo fue la guinda al excelente trabajo en los New Life.

Después de un álbum tan impresionante, ¿cómo se presenta vuestro futuro? ¿Creéis que puede abriros camino fuera de nuestras fronteras? ¿Habéis tenido algún tipo de contacto?

Dani: Llevamos ya muchos meses detrás de ello y es uno de nuestros objetivos a corto plazo. La gira ya lleva más de 30 conciertos, y nuestra intención es dar el salto. Pero esto hay que hacerlo con cabeza y mirando bien las condiciones. Desde luego nuestra música pensamos que tiene más salida fuera de nuestras fronteras, aunque nos pese. Las bandas de metal que cantan en inglés están directamente “censuradas” en algunos sitios de nuestro país, algo lamentable.

Evidentemente, para los grupos españoles, definirse por cantar en castellano o en inglés, puede marcar su destino. Si es en castellano, puedes tener más acogida aquí, pero te limitas internacionalmente. En cambio, el inglés permite una mayor proyección internacional pero puede frenar la trayectoria nacional. ¿Cuál es vuestro punto de vista?

Miguel: Seguir la máxima “haz lo que sientas”. Nosotros hemos cantado siempre en inglés porque hemos mamado música en inglés. No nos hemos planteado lo de triunfar más aquí o fuera. No es algo que hayamos hecho de forma premeditada, sino de forma natural. Eso no quiere decir que no nos gusten grupos que canten en español, alemán, japonés o euskera.

¿Cómo veis la actualidad del rock estatal. En qué se ha mejorado y por dónde seguimos estancados?

Dani: Lo que te comentaba antes. No hay apertura a grupos nuevos y si cantas en inglés ya entras con calzador… Mira los festivales estatales. Es un ejemplo de inmovilismo brutal. Luego está el tema del público. En algunas ciudades, como Madrid, hay tanta oferta que hasta bandas grandes se están dando batacazos. Por otro lado están los que ponen la excusa de que son muy caros los conciertos o los CD’s… Aunque luego los ves en los bares dejándose la pasta… No hay cultura de rock en directo en España, y así, pues lo llevamos claro.

Detrás de ese sonido tan profesional que habéis logrado, de esos solos imaginativos y ritmos desequilibrantes, supongo que habrá horas y horas de trabajo. ¿Cuánto esfuerzo se requiere hasta alcanzar ese nivel?

Miguel: Muchas gracias por el cumplido. Efectivamente, hay muchas horas de trabajo detrás, muchos momentos de frustración, donde te dan ganas de destrozar la guitarra contra el suelo o romper en mil cachos el papel en el que estás escribiendo las letras… pero, es una sensación maravillosa cuando cierras un tema o terminas de componer un solo al que has estado semanas dando vueltas y no te convencía, hasta que un día, de tanto empujar la inspiración, encuentras la forma de encajarlo perfectamente en la canción… al igual que pasa con una letra que se te resiste. Al cabo del tiempo, cuando lo escuchas todo mezclado en el estudio, es cuando recuerdas por qué estás metido hasta el cuello en esto. Eso es la hostia.

Una de las cosas que me gusta del disco es que la voz, sin perder protagonismo, permanece en un segundo plano a favor de una mayor fluidez instrumental. ¿Es así como querías que sonara?

Miguel: Efectivamente. Considero la voz como un instrumento más, por eso convencí a los productores de colocarla bien arropada por todos los instrumentos. Para nosotros tan importante es el riff como la línea melódica marcada por la voz.

En mi opinión… Makes Us Stronger, define de excelente manera el sonido de Gauntlet y, por otra parte, Winners Race tiene uno de los mejores riffs que he escuchado en los últimos tiempos procedente de una banda española de metal. ¿Qué me puedes comentar acerca de estas composiciones? ¿Alguna otra que quisieras destacar por un motivo especial?

Miguel: Toooootalmente de acuerdo contigo. El “Winners” es un temazo que nos dejó Santi, el anterior bajista, antes de pirarse. Con lo cual el riff principal está construido sobre su línea de bajo, que es vacilona que te cagas. Es uno de mis favoritos. Y el “Makes Us” otro trallazo que, como bien dices, refleja fielmente nuestro sonido: agresividad, groove y melodía. Por citar una de las “mías” el “In The Name Of ( )” me mola mucho. Esa línea de bajo (marca registrada de Santi, otra vez) que entra junto con la batería y el rollo hardrockero que le dan los golpes de cencerro y luego esas “guitarrazas” que rinden tributo a Zakk… buah! cada vez que escucho el comienzo de ese tema -está feo decirlo- pero lo flipo.

¿Con qué argumentos incentivarías a la gente para que acudiese a veros en directo?
Miguel: Sortearemos una muñeca hinchable. Y pitos de esos de colorines y formas imposibles para ellas…

¿Alguna reflexión final que desees transmitir a nuestros lectores?
Miguel: El alcohol no soluciona los problemas… pero la leche tampoco (he de reconocer que la cita no es mía…) Aunque si a esta última le echas proteínas en polvo, te pones cachas (término “antañil” donde los haya). Siempre que vayas al gimnasio, claro. ¿Os acordáis de la portada del primer disco de Kane Roberts…? Mola, eeeeeh?

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Queda poco más de una semana para que Los Straitjackets visiten de nuevo nuestro país. Será una gira pequeña, en la que van a ofrecer cuatro actuaciones en Gijón, Ferrol, Madrid y Bilbao. Con motivo de este tour hispano, hemos realizado una pequeña entrevista a Eddie Angel.

¿Me puede decir cómo se formó la banda?

Nos formamos en Nashville, Tennessee, en 1994. Danny Amis había tocado en la The Raybeats en Nueva York en la década de 1980 y se mudó a Nashville en 1985. Eddie Ángel había tocado en bandas de rockabilly en Nueva York, en 1981 lanzó su primer disco.eE 1986 se trasladó a Nashville y conoció a Danny y Jimmy. Jimmy Lester es natural de Nashville y estaba tocando con más Webb Wilder y también con Billy Joe Shaver. En 1994, nos juntamos para divertirnos, grabamos algunas demos y así comenzó nuestra aventura. En 1998, Pete Curry se unió a la banda en el puesto de bajista. Pete había estado tocando en bandas de surf del sur de California.

¿Cómo describirías vuestro sonido?

Instrumentales de rock and roll …. Tomamos todas nuestras influencias y las ponemos juntas. Sobre todo nos gusta el rock and roll, pero también el rockabilly, surf, punk, mambo, blues, country.

¿Cuáles son las influencias principales de Los Straitjackets?

Algunas de nuestras principales influencias son The Beatles, Link Wray, The Ventures, The Ramones, The Beach Boys, The Shadows, Chuck Berry, Henry Mancini, The Sonics, The Trashmen, el rock mexicano, ….

¿Por qué usan máscaras en sus actuaciones en directo?

Nos aporta un aspecto fresco. Queríamos ser entretenidos. Teníamos miedo de que la gente se aburiese al escuchar que nuestra música es completamente instrumental. Nosotros éramos fans de las momias y de su aspecto. Además, Danny también es un gran fan de la lucha libre y de la cultura mexicana en general.

Tenéis nuevo disco, contadnos, ¿qué diferencias hay entre la última entrega y las anteriores?

La principal diferencia es que estamos tratando de volver a lo básico. Queremos volver a lo que fue nuestro primer disco, The Utterly Fantastic and Totally Unbeliable Sounds os Los Straitjackets. Queríamos volver a sonar crudos y primitivos y también queríamos ser capaces de tocar las canciones en vivo.

¿Cómo convencería a alguien para asistir a un concierto de Los Straitjackets?

Es fácil. Tan sólo tienes que mostrarles una imagen nuestra.

En las próximas semanas van a tocar de nuevo en España, ¿por qué les gusta tanto venir a nuestro país?

Nos encanta la audiencia España! Es la mayor audiencia rock and roll en el mundo. Son entusiastas y nos ofrecen un gran respeto. Además, nos encanta su comida y el vino.

¿Hay muchas diferencias entre el público español y el estadounidense?

España es mucho más entusiasta y además muestra su entusiasmo. En España conocen mucho más y mejor la cultura del rock and roll.

Hace unos años hicistéis un disco de versiones en español, ¿habéis pensado hacer algo similar en un futuro cercano?

Sí, lo cierto es que nos planeamos hacer un volumen 2 de Rock en Español. Nosotros realmente disfrutamos al trabajar con el vocalista Big Sandy y tenemos muchos planes.

Hablando de planes, ¿cuáles son vuestras intenciones para lo que queda de 2010?

Girar y grabar. Hicimos un disco con Freddy “Boom Boom ” Cannon. Grabamos algunas canciones de Halloween. La Navidad pasada hicimos una gira con El Vez y tal vez podemos hacer otra de nuevo … Tenemos muchos planes que se irán conociendo en el futuro.

¿Últimas palabras?

Esperamos ver a todos nuestros amigos y fans en España, tomar buen vino y comida, y vivir buenas viesta de rock and roll. ¡Viva España!

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Texto: Carlos A.S.

 

 

El grupo catalán Elvandar publicó recientemente Nuevos Idolos, un disco con el que quieren iniciar una nueva etapa y en el que integran diversas influencias para confeccionar un compacto trabajo de metal. Para que nos relatase de primera mano el nuevo comienzo de la banda, así como el contenido del álbum, nos encontramos con Juan, uno de sus guitarristas.

Después de haber autoeditado vuestro primer disco Fin del Mundo, ¿Cómo se produce ese interés de Producciones Malditas para lanzar Nuevos Idolos?

Después de grabar Fin Del Mundo con una producción bastante escueta, tuvimos un trágico suceso al morirse uno de nuestros guitarristas y comenzamos a mirar hacia adelante y dejar un poco el pasado, volver a nacer. Se incorporaron nuevos miembros y así buscamos renovarnos para seguir adelante. El contacto con Producciones Malditas se produjo a través de Sara, de Backgroundnoise, que nos puso en contacto con el director del sello Emilio Gerique y empezamos a trabajar con ellos. Antes, contactamos con otras discográficas pero no llegamos a concretar nada.

Partiendo de la base de que habéis contado con más medios para grabarlo… ¿Qué evolución y qué diferencias tiene este nuevo álbum con respecto al primero?

Hemos evolucionado en todo en general. También ha entrado gente más preparada que han aportado nuevos puntos de vista y otras ideas que han hecho cambiar la vertiente del grupo para consolidarnos como banda en lo que respecta a sonido, forma de tocar y el resto de aspectos que rodean a un grupo de rock.

Háblame del proceso de grabación, ¿cómo se desarrolló?, quien lleva en la banda la mayor responsabilidad en cuanto a composición? Y, dentro del estudio ¿cuál es la parte que implica mayor esfuerzo? ¿La más complicada?

Al entrar Ramón en el puesto del bajo y José Ramón para hacerse cargo de la batería aportaron cosas nuevas, yo también compongo y Chepa, como vocalista se encarga de la letras, aunque José Ramón también le da su toque particular. Luego nos pusimos en contacto con los estudios La Sala Mecánica de Lorca, donde han grabado Skizoo, Romeo, etc. Fue un trabajo duro ya que teníamos que aprovechar el tiempo al máximo. Además José Ramón se había incorporado poco antes y entonces tuvimos que coordinarlo todo muy bien y llevar los temas preparados al máximo. Luego, ya en el estudio, con Manuel Torroglosa todo resultó fenomenal. Lo más complicado fueron las partes de batería, ya que requieren de ciertos retoques en un proceso largo y tedioso. En cambio las partes de bajo se grabaron en media tarde. Las guitarras también llevan más trabajo de producción, los arreglos, etc, nos llevó cuatro días. Mientras que las voces estuvieron en un par. En general fue una grabación bastante rápida gracias a la pericia de Manuel

¿Por qué os decidisteis por La Sala de Máquinas?

Porque Ramón en muy fan de Skizoo y nos comentó que su disco Incerteza tenía un excelente sonido y averiguamos que se había grabado en los estudios La Sala de Máquinas. Llamó Ramón, hablo con Manuel Torroglosa y llegaron a un acuerdo ya que el precio estaba bien, con alojamiento incluido. Pensamos las fechas para el verano, coordinando un poco las vacaciones y lo grabamos en dos semanas, concretamente once días.

¿Cómo lleváis el tema de las letras?

Todos aportamos ideas pero es Chepa quien les da la forma final como vocalista.

¿De qué canción has quedado más satisfecho? ¿hay alguna que te gustaría destacar por algún motivo especial?

Hombre, desde un punto de vista personal cualquier cosa creativa en la que te involucres siempre piensas que podrías haberlo hecho mejor. En este disco en concreto, todo tenemos nuestras preferencias. Por ejemplo, a Chepa le gusta mucho como ha quedado “Un Minuto”, porque es muy corta, directa y agresiva. A mí me gusta “Abre Tu Mente” que es más rollo alternativo; a Ramón le gusta “¿A Quien?”, mientras que a José Ramón la va “Perdido” que tiene mucho golpe de batería, algo lógico.

La intro, Poligénesis, ¿es para pillar desprevenido al oyente y sorprenderlo luego con A Quíen?… ¿Por cierto un tema que (con sus diferencias) me recuerda a Hamlet.

Pues tienes razón, es una canción tipo Hamlet, con un riff cíclico muy típico, con una voz muy agresiva que repentinamente cambia a un tono más suave. Precisamente, los cambios de ritmo son algo característico de este disco.
Nuestros Idolos, cuenta con unas canciones que son puro arrebatos de metal y otras muy suaves. Incluso, El Despertar es un tema con partes de voces agresivas y riffs vigorosos y otras de voces suaves y melodia… Pero no se os puede encuadrar dentro del death metal melódico.

¿Cómo definirías vuestro estilo? A qué clase de público crees que llegais mejor.

Bueno, tenemos tantas influencias distintas que puede haber algún ramalazo de death metal, como alguna parte de “Despertar”, que es muy extrema, pero también tenemos cosas que pueden llegar a rozar el pop o lo alternativo e incluso elementos progresivos, sin olvidar algunos momentos de verdadero hardcore. Como todo cambia y va evolucionando la idea es fusionar los distintos estilos y meterlos en un entorno al que podemos llamar metal. Hacemos música para gente que no tenga ideas preestablecidas. Si va a escuchar algo muy concreto quizá no le entre tanto nuestra música. Como dice la última canción del disco es rock para mentes abiertas.

Si alguien escucha Killerhordes, puede llevarse una impresión distinta de lo que es el grupo… ¿No puede significar un riesgo componer una canción así?

Quizá debimos ponerla al final del disco porque en medio corta un poco el rollo, pero está dedicada a Germán, nuestro guitarrista fallecido en 2008 de accidente de coche y le llamábamos Killerhordes. Es algo sentimental que quizá habría quedado mejor, como he dicho, al final del disco pero en ese momento no lo pensamos.

¿A quien va dirigida la letra de Verte Caer. A quién deseáis ver caer con tanta vehemencia?

¡Ja, ja! Es una canción de Chepa, el la inició con unas partes de batería y la letra y… bueno, seguro que está dedicada a alguien que le tenía manía.

¿A quién rendís homenaje en… “Ella Descansa”?

Es una canción complicada, es difícil meter la melodía de voces, nos costó componerla. Chepa, está muy sensibilizado con el tema de la violencia doméstica y consta de tres historias sobre las vidas de ciertas mujeres que terminan de forma muy trágica, como el título indica, ellas descansan por que eligen el camino del suicidio.

Y… ¿A quién le pedís que “abra su mente”

A los heavys y a todos quienes gustan del rock en general. Nosotros hacemos metal y podemos tener cosas heavys pero en base a una alternativa renovadora, como un solo de aire fresco. El mensaje es ese, de abrir la mente a lo que viene y no quedarte en el pasado. Todos cambiamos, hay que abrirse y aceptar lo que venga y no rechazarlo por prejuicios.

“Un Minuto”, es pura furia…

Es un caso curioso, Chepa nos dijo que le pasáramos una nota con todo lo que no nos gusta y él, con todos los datos que recibió escribió la canción. Todo lo que odiamos lo metió en un minuto de hardcore.

¿Qué se esconde detrás del título Nuevos Idolos y que queréis reflejar en la portada?

En sí es una crítica social hacia la gente que aún piensa que el rock es sexo drogas y rock and roll. “Nuevos Idolos” va de eso y la escogimos también para el título porque refleja lo que sentimos. Hay gente que no toca con los pies en la tierra y no se entera de cómo están las cosas en el mundo de la música. Todos trabajamos duro para seguir adelante sin necesidad de pisar a los demás. La portada refleja algo en ese sentido, es un sillón vació con el rey destronado y solo queda un cuervo como vestigio del pasado. Ahora es el resurgir de bandas más jóvenes con otras ideas y nuevas formas de vivir la música. Es como un cambio de era.

¿Tu formación musical ha sido autodidacta o has realizado algún estudio?

Todos en la banda empezamos como autodidactas pero llega un punto en el que te estancas y no avanzas. En mi caso, empecé a ir a una escuela de música que me vino muy bien para seguir progresando. Ahora tengo una base y sigo estudiando y me va fenomenal. Todos seguimos con nuestra formación según las necesidades de cada cual.

¿Como guitarrista, qué te satisface más, encontrar es riff molón o desarrollar un solo que deje a la gente con la boca abierta?

Creo que lo principal es que la idea global del tema esté por encima de un riff o un solo; eso es secundario. Nosotros preferimos que un tema quede compacto y no que prevalezcan las individualidades. Además uno tiene que ser consciente de sus limitaciones y buscar lo mejor para el grupo. Mejor no tratar de inventar cosas que luego queden fatal.

Si te diesen la oportunidad de tocar con una banda internacional de músicos de rock para un solo concierto ¿con quiénes la formaríais?

Pues por soñar, me gustaría estar con una de las formaciones que suele llevar Steve Vai en sus conciertos o, por pedir, junto a Dream Theater (ja,ja).

¿Con qué personaje de la historia del rock (vivo o muerto) te gustaría/hubiera gustado tener una conversación privada?

Soy muy admirador de Alberto Rionda de Avalanch, así que no me importaría tomar unas cervezas y charlar largo y tendido. Creo que es un gran productor y un excelente músico. Ya no se trata de ser un virtuoso sino de sentir la guitarra.

¿Qué cinco discos han marcado tu vida?

Black Album (Metállica), Back In Black (AC/DC), Brave New World (Iron Maiden), Muerte y Vida (Avalanch) y… Descanso Dominical (Mecano), ja, ja.

¿Con qué bandas internacionales te gustaría compartir cartel para un festival?

Dream Theater, por supuesto, luego una banda tipo Tres G con Steve Vai, Joe Satriani y Paul Gilbert, por ejemplo. Y algún grupo potente como Soziedad Alkoholica o Söber. Y claro… rescataría a Mecano también, je, je.

Y, para concluir, ¿Cómo observas la actualidad del rock nacional, piensas que evoluciona de forma positiva o crees que aún necesita algún cambio?

Yo creo que está en pleno cambio. Están surgiendo muchísimas banda nuevas con mucha calidad. Y de la vieja escuela queda muy poco… Barón Rojo, Soziedad Alhkoholica, Hamlet, que está en su mejor momento. De los grandes quedan cuatro o cinco que todavía funcionan bien. Pero, en cambio, bandas noveles y con capacidad surgen a montones. Lo que pasa es que se satura todo un poco y es difícil salir adelante, aunque pienso que hay sitio para todos si se saben organizar y coordinar las cosas sin pelearnos entre nosotros sino trabajando conjuntamente. Creo que el aficionado no debe centrarse solo en las bandas conocidas, no debe tener miedo de descubrir otras bandas que pueden resultar igual de interesantes.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Después de diversas circunstancias, los murcianos Darknoise han podido publicar su debut discográfico, Insomne, un trabajo cuyas referencias recogen influencias de amplios horizontes. Jesús Maciá, su vocalista, repasa en esta entrevista las características de la banda así como el contenido de su ópera prima.

Desde que Darknoise se puso en marcha en 2004, diversas circunstancias han impedido que el grupo se desarrollase creativamente. Ahora, por fin, tenéis listo vuestro debut discográfico. Esto del rock… ¿es cuestión de fuerza de voluntad, de insistencia?

Yo diría que más bien es cuestión de constancia y mucho trabajo. Hemos tenido dificultades, el no tener una formación estable impedía poder avanzar más rápido y frustraba en muchas ocasiones cualquier aspiración o intención de hacer algo importante y, con Insomne, hemos roto con todos esos problemas que hasta nos hacían perder el sueño en ocasiones.

¿Cuéntanos cómo fue el trabajo en el estudio y qué tal la experiencia con Carlos Escobedo y Alberto Seara?

Pues hay algo que caracteriza a estos dos pedazos de profesionales, y es que en el estudio te hacen sentir como en casa. Cuando estás por los suelos te levantan rápidamente y cuando los pies dejan de pisar el suelo, te bajan al instante, te hacen estar seguro del trabajo y no sentir ningún tipo de reparo a la hora de opinar o decidir. Es cierto que en Cube se han hecho los mejores discos del rock en Español, y la verdad que es de agradecer el hecho de que ellos hayan estado súper implicados en este disco, donde cada nota ha sido analizada para dar el mejor resultado.

¿Llegasteis con las ideas claras de lo que queríais o una vez en el estudio las madurasteis más?

Las canciones iban bastante trabajadas, grabamos varias maquetas y se las enviábamos a Carlos, que nos iba dando indicaciones, también estuvo en algún ensayo preparando los temas y a trabajar en ellos. Entonces, las canciones llegaron bastante terminadas al estudio ya que la preproduccion se trabajó muy en serio. Pero, es cierto que, por muy trabajadas que estén, en el estudio se siguen cambiando cosas, y ha habido alguna canción que ha cambiado bastante después de grabarla. El concepto del estudio te permite poder probar muchas cosas y analizar cual es la mejor opción.

Describe cómo es la música de Darknoise… ¿dónde crees que encaja mejor vuestro estilo?

Pues Darknoise siempre ha definido su música como una mezcla de bases contundentes y mucha melodía en las voces, nuestro estilo no se cierra a ningún público concreto, Insomne tiene algunas canciones que una persona que no está acostumbrada a escuchar rock estaría abierta a escucharlo y tiene temas que le encantarían a los rockeros más puretas, así que nuestro público es muy amplio, desde el niño de 12 años que empieza a escuchar rock a un señor de 60 fiel seguidor de ACDC, al fin y al cabo esto es rock.

Vuestras canciones contienen guitarras vigorosas junto a voces melódicas… potencia combinada con sutileza… ¿Una fórmula para atraer a un público amplio?

No tenemos ninguna fórmula para hacer música, yo siempre digo que cuando hacemos una canción, hacemos lo que a nosotros nos gustaría escuchar, independientemente de a qué nos pueda sonar, o a qué se pueda parecer. Pero sí, creo que el sonido de Darknoise tiene personalidad propia.

Como vocalista, supongo que te encargarás de las letras… ¿cuáles son los temas que abordáis en ese aspecto y cómo es tu forma de encarar la creación de las letras, cómo surge la inspiración?

Pues las letras las suelo hacer yo, aunque Alberto, nuestro batería, tiene un gran talento para hacer letras y siempre hace sus aportaciones, incluso hemos llegado a experimentar en crear letras juntos y nació “Cada Segundo”.

Me gusta mucho escribir de madrugada, aunque cualquier momento es bueno para escribir si uno tiene la cabeza en su sitio y, sí, es cierto que cuando la vida te da los palos mas duros y los sentimientos afloran, salen los mejores versos.

Las canciones de Darknoise tratan tanto los grandes problemas como situaciones o aspectos individuales, un tema como “Cada Segundo” cuenta una experiencia personal; “Límite” habla sobre el cambio climático; “Penitencia” cuenta la historia de las personas que buscan riqueza sin importarle a quien puedan pisar, o “Vital”, que habla de que a pesar de caer y estar por los suelos la vida tiene cosas que jamás debemos olvidar y que están por encima de cualquier circunstancia.

¿Hay alguna canción del álbum de la que te sientas más satisfecho por algún motivo especial?

Pues sí, hay dos temas de los que me siento realmente orgulloso, el primero es “Cada Segundo” porque, a pesar de no dominar ningún instrumento, hice la base musical que, luego, entre todos, dimos forma, y tiene un significado especial; y por otro lado, “Exiliado”, que me parece la canción más completa; tiene dos grandes versos, el mejor estribillo del disco (a mi parecer), tiene caña y tiene mucho feeling y por supuesto, German de Skunk DF dejó su sello que la hace ser especial.

No os complicais mucho a la hora de poner los títulos, todos son concisos y de pocas palabras ¿Es una seña de identidad?

Aunque puede parecer así, es todo lo contrario, trabajamos mucho los títulos y damos mucha importancia a esta parte de las canciones pero, porque buscamos que una sola palabra pueda definir todo lo que la canción quiere transmitir. Y sí que es un sello de identidad, porque nos gustan los títulos que tienen una o dos palabras nada más.

¿Quienes dirías que son los vocalistas que te han inspirado en tu forma de cantar?

Pues hay varios cantantes que me han inspirado o me han ayudado a encontrar mi propio estilo; James Hetfield (Metallica) o Chad Kroeger (Nickelback) son vocalistas que me gustan mucho y a los que he estudiado bastante; Russel Allen (Symphony X) y también españoles como Carlos Escobedo (Sober) o German Gonzalez (Skunk DF). Además, siempre he admirado a Freddie Mercury, pero mejor no intentar algo parecido para no frustrarme, je,je, es el más grande.

¿Cómo observas la actualidad del rock estatal, piensas que evoluciona de forma positiva o crees que son necesarios algunos cambios?

La verdad que la música en sí no está en su mejor momento, cada vez son más los músicos y las bandas que ellos mismos gestionan todo y los menos los que tienen el apoyo de una multinacional, mas que nada, por que están desapareciendo las grandes discograficas o se están quedando tan solo con los superventas. Pero sí que veo una nueva generación, una nueva remesa de bandas que están sacando discos de gran nivel y que están trabajando muy bien para hacerse un hueco en el panorama y a las que los compañeros de profesion tenemos un gran respeto, bandas como Shinova, Otra Cara, Sexma, Automotive, Romeo o nuestros paisanos de Maleek y Nudo, tienen trabajos de mucha calidad y es cuestión de tiempo estar entre los grandes nombres.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Jim Kerr, cantante de Simple Minds, saca a la venta su nuevo álbum en solitario: Lost Boy! A.K.A. Jim Kerr, que saldrá a la venta el 17 de Mayo. El líder de la banda recupera el sonido de los primeros discos de Simple Minds, explota con todo su ingenio y creatividad y lo que obtenemos es esta gran obra que posiblemente no hubiera podido crear sin la libertad que disfruta ahora de hacer lo que le gusta.

1. ¿Cómo surge la idea de este disco en solitario?

Pues la verdad es que necesitaba un aire nuevo, después de 15 años en Simple Minds quería crear algo propio, era mucha responsabilidad mantener el grupo, y he querido pasar esa responsabilidad a mi mismo. Quiero experimentar con nuevos sonidos, nuevos temas, ya sabes. Además Simple Minds es un proyecto que ya se ha convertido en un clásico, ya tiene sus fans y seguidores, con A.K.A Lost Boy quiero llegar a toda la gente que pueda, no solo al público de Simple Minds, darle un aire fresco y nuevo.

2. ¿AKA Lost Boy es un proyecto con mucha mas fuerza que en los discos anteriores de Simple Minds, arriesgas más en este disco al tocar en solitario que en Simple Minds?

Yo en todos mis proyectos doy el cien por cien, es simplemente diferente, es mas arriesgado en el sentido que no voy con el nombre de la banda, si no con el mío, pero tengo unos buenos músicos que me apoyan y muchas esperanzas en este nuevo proyecto.

3. ¿Sientes que empiezas con este álbum desde cero, o es una continuación de tus otros proyectos?

Realmente no es empezar de 0, llevo 30 años en la música y ya sé como funcionan las cosas. No es como al principio que no sabias muy bien donde te metías.

4. ¿Crees que A.K.A Lost Boy superará en ventas a Graffiti Soul?

No creo, es difícil, pero realmente no es lo que busco. Es un sueño que tengo y que intento llevar adelante, estaremos unos cuantos meses de promoción y luego veremos como se desarrollan las cosas.

5. No solo te dedicas a la música, si no que además tienes un hotel ¿La música da más dinero ahora o antes?

Da el mismo dinero, lo único que antes era en la venta de discos y ahora es gracias a la gran cantidad de conciertos que damos.

6. ¿Cómo ves el futuro de la música?

Ahora hay mucha más tecnología, es más fácil llegar a la gente, con las nuevas tecnologías yo auguro un buen futuro para la música.

7. Viviste una época de sexo, dogas y Rock and Roll, ¿qué experiencias te han marcado más en tu vida?

Realmente todas las experiencias que he tenido me han influido de una manera u otra, llevo muchos años tocando y de gira, y soy así porque la música me ha hecho así. Guardo muy buenos recuerdos de nuestras giras, y de todas y cada una de las actuaciones.

8. Tu hija a seguido tu ejemplo en la música, ¿crees que ahora los grupos, como el suyo, tienen más difícil saltar a la fama que en los años 80 y 90?

No, creo que ahora es igual que antes, solo hay que insistir y estar en el lugar adecuado.

9. ¿Qué música escuchas ahora?

Como todo el mundo tengo cientos de canciones metidas en mi Ipod, escucho desde música de rock clásico hasta étnica.

10. ¿Algún grupo en especial?

The Doors, Peter Gabriel…. Sobre todo grupos que me han influido a la hora de componer y de tocar

11. Si pudieras organizar un festival ¿qué grupos tocarían?

La cabeza de cartel serían Los Beattles, luego Elvis, The Doors…. sería un buen cartel.

12. Si pudieras crear un grupo nuevo ¿Quiénes lo formarían?

No buscaría más, los músicos con los que toco ahora son muy buenos.

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¿Qué se puede decir para presentar a The Skatalites que no esté dicho? Pues muy poco y como, seguramente, todos ustedes conocen a los denominados padres del ska, no vamos a sucumbir a la tentación de presentar a una de las formaciones jamaiquinas más conocidas y populares.

Antes de presentarles la entrevista que les hemos realizado, les recordamos que van a estar de gira por nuestro país. Su primer concierto será el viernes 7 de mayo en el Womad y después actuarán en Madrid -Joy Eslava. Lunes 10 de mayo-, Barcelona -Apolo. Martes 11 de mayo-, y Bilbao -Antzokia. Miércoles 12 de mayo-.

¿Cómo era el ambiente musical de Jamaica a finales de los 50 ’s/primeros 60′ s?

Éste fue el momento en que los jamaiquinos empezaron a grabar su propia música y todo el mundo estaba loco con los nuevos sonidos.

¿Cómo influyó en la independencia de Jamaica en los grupos de la isla?

Aumentó el orgullo nacional y los mejores deseos de la gente fueron puestos en la música ska.

¿Cómo nació el ska? ¿Fueron el r&b y el jazz las principales influencias del ska?

Sí, el r&b es la base de la música ska. Nos gustaba tocar la música de gente como Fats Domino o Louis Jourdan, pero pusimos nuestro sabor jamaicano propio y algunas otras influencias que aprendimos a tocar en las ‘big bands’, como el mambo o el cha cha cha.

¿Cuál fue la influencia de los sound-systems en la difusión de ska/reggae?

Fue fundamental ya que en Jamaica, la gente pobre sólo puede escuchar y bailar la música que les gusta en los sound-systems.

Entonces… el ska nunca hubiera sido tan popular en Jamaica de no haber habido sound-systems…

Por supuesto. Era la única manera que la gente tenía para disfrutar de la música, ya que nuestra música no era radiada en las emisoras de radio habituales.

¿Qué papel jugó la escuela Alpha Boys en el desarrollo de la música popular de Jamaica?

La escuela Alpha Boys fue crucial para darle una oportunidad a los niños pobres para desarrollar sus habilidades musicales, en lugar de estar en las calles, sin familia, lo que fácilmente les iba a llevar a convertirse en criminales.

¿Cómo fueron los inicios de The Skatalites?

La mayoría de nosotros solíamos tocar en las orquestas jamaicanas, otros lo hacían en los hoteles, como Eric Dean, y después, nos juntamos en Studio One. Aquí comenzó todo.

Entonces, el inicio de The Skatalites está vinculado a Studio One. ¿Puede contarme como fue trabajar para ‘Coxsone’ Dodd?

‘Coxsone’ tenía las ideas muy claras. Él sabía lo que quería y lo consiguió: el sonido de la joven Jamaica! (Risas)

¿Cómo recuerda su trabajo en el Studio One como banda de acompañamiento de otros artistas?

Fue realmente emocionante, pues era la época en la que grandes nombres estaban tratando de conseguir su oportunidad. Te hablo de gente como Delroy Wilson, Bob Marley con Peter Tosh y Bunny.

The Skatalites ha tocado con muchos artistas jamaiquinos, ¿cuáles son sus colaboraciones favoritas? ¿Quién le sorprendió más?

Me gustan todos esos chicos con los que hemos trabajado. Cada uno de ellos tiene su propia personalidad, su estilo, nosotros únicamente tratábamos de hacer un gran esfuerzo como banda acompañante para lograr lo que ellos estaban buscando.

Si no me equivoco, The Skatalites fueron la banda que grabó “One Love” o “Simmed Down” de The Wailers. ¿cómo fue trabajar con Bob Marley, Peter Tosh y Bunny?

Fue muy sorprendente ver la fuerza que tenían estos tres chicos y cómo querían ser estrellas desde ésta edad tan temprana.

Hemos hablado de vuestro trabajo en Studio One. Ahora le toca el turno a la competencia: ‘Duke’ Reid y Treasure Island. ¿Había mucha diferencia entre trabajar para ‘Duke’ Reid y hacerlo para ‘Coxsone’ Dodd?

Como sabes, Reid fue policía y el trabajo en Treasure Isle era más disciplinado, por decirlo de alguna manera. Reid no sabía tocar música, pero sabía lo que quería y cómo hacerlo. En ocasiones no fue fácil interpretar lo que tenía en su mente. Pero creo que le terminamos entendiendo.

The Skatalites definieron la música ska, y a partir de ésta, nació el reggae y otros sonidos. ¿Cómo vivistéis la explosión del reggae a nivel mundial?

The Skatalites nos separamos a principios de 1965 y algunos de nosotros emigramos mientras otros se quedaron en la isla. Algunos de nuestros músicos, como Tommy McCook, también fueron cruciales sobre la explosión del reggae. Como banda no te puedo decir cuáles fueron nuestras sensaciones porque no estábamos juntos.

Pero, a nivel personal, ¿no le sorprendió que el ska y otros estilos de Jamaica tuvieran éxito en el Reino Unido?

En el Reino Unido hay alrededor de dos millones de jamaicanos, así que, si lo pensamos bien, no es tan sorprendente que el ska o el reggae llegasen allí y triunfasen. Eran jamaicanos escuchando música jamaicana. No hay nada extraño o sorprendente.

¿Qué os ha parecido la evolución del ska? ¿Qué te parece la fusión de ska con otros estilos como el rock o el punk ?

Hemos tocado con un montón de estas bandas de ska-rock y creemos que es un punto de vista musical muy divertido y energético.

¿Qué le parece que os consideren los reyes del ska?

Es normal. Nosotros hemos creado el ska!!!

¿Cuál ha sido la mayor contribución de The Skatalites al ska y a la música popular de Jamaica?

Bueno, no somos nosotros los que deberíamos decir eso, pero cualquiera que lea una enciclopedia de la música jamaicana, verá que todo el mundo considera a The Skatalites como los músicos que empezaron la música popular jamaiquina. Es decir, el ska, el rocksteady y el reggae.

50 años tocando música, ¿qué es lo que te motiva para seguir haciéndolo?

Te voy a contestar con el título de una de nuestras mejores canciones: “Music is my occupation” ["La música es mi trabajo"].

En unos días, The Skatalites regresan a España para hacer varios conciertos, ¿cuál es su opinión sobre el público español?

Llevamos viniendo a España desde hace unos 16 años y siempre somos bienvenidos. Nos gusta sentir el calor del público, siempre es increíble ver como la gente canta … ¡nuestros arreglos de viento!

¿Últimas palabras?

Estamos muy felices por volver a España y esperamos ver a todos ustedes en los shows.

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Texto: Carlos A.S.

 

 

El grupo holandés ¡Pendejo!, en su apuesta por cantar en español con acento sudamericano dentro de unos esquemas de metal corrosivo con ingredientes sorprendentes como la trompeta, está recogiendo sus frutos después de un duro trabajo y de poner en circulación su debut discográfico Cantos A La Vida. Para conocer las interioridades de está peculiar formación, nada mejor que recurrir a su vocalista El Pastuso.

Puedes hacer un resumen de vuestra conexión latinoamericana… ¿Cuántos años pasasteis allí?

Monchito y yo hemos pasado nuestra infancia en varios países latinos, por el trabajo de nuestros padres. Él vivió la mayor parte de su juventud en el continente, mientras que mi familia regresó a Holanda cuando yo tenía 7 años. Pero siempre mantuve esa relación con Latinoamérica; por amigos latinos en Holanda, o por vacaciones allí, y más tarde por trabajo.

¿El grupo se formó en América o en Holanda?

En Holanda, en el 2006.

¿Qué os hizo decidiros por el idioma español para cantar?

En mi banda anterior, ya cantaba la mitad de los temas en castellano. Tenía la idea en la cabeza de que no importaba cual sea el idioma para cantar. Una “huevada” idealista porque, por su puesto, sí importa. O sea, cada idioma tiene su ritmo, su sonido, su ambiente, su sentido, etc. Eso influye en los temas y en castellano parecían mejores y, además, cantar en castellano me salió mucho mas fácil que en inglés. Entonces, hablando sobre nuestros planes con ¡Pendejo!, antes de que realmente comenzáramos con ello Monchito y yo decidimos que debería ser cien por cien en español.

¿Las letras, están basadas en experiencias personales o son pura imaginación? En El Taxista Limeño, mencionan Lima y Guayaquil… ¿Cual es la historia que hay detrás?

Esa fue una experiencia personal. Yo estaba trabajando en Quito, Ecuador, en esos tiempos. Estaba de vacaciones en Lima, y ese taxista que me llevó desde el centro hasta la casa de mis amigos, en 20 minutos se convirtió de ser una persona muy formal en un asesor de sexología, ¡jaja! Al inicio era muy reservado, hasta humilde, pero cuando se dio cuenta de que a mi no me interesaba demasiado la formalidad, se relajó y, al final, me explicó como “culear” a mi novia en Guayaquil, ¡nojoda!. Y, perdida toda la vergüenza, también me enseñó unos dichos groseros limeños, ¡ja ja!. Y los otros temas… la mayor parte es una mezcla de experiencias personales y de imaginación o, como en “Juanita” y “Nadadoras”, son canciones con alguna crítica.

Algunas letras son muy crudas pero… os gusta incluir ingredientes humorísticos…

Si. Y, de vez en cuando, ni para nosotros es totalmente claro si la intención es humorística o seria… Pues, el álbum se llama Cantos A La Vida y, si uno canta a la vida, de ley tiene que incluir el humor de vez en cuando, para que el canto no sea demasiado amargo.

¿De dónde surgen los conocimientos para tocar la trompeta? Y, lo de incluirla en vuestra música ¿es para no perder el contacto latinoamericano? ¿Un toque de exotismo?

Desde pequeño ya tocaba la trompeta, aunque sin muchas ganas, porque los estilos musicales donde normalmente se incluye trompetas no me interesaban mucho. Se puede decir que la cosa comenzó con Helmet, imagínate. Fue una noche, a los aaaaños, que yo regresaba a la casa, bien “pegado” y sin ganas de dormir. Puse un disco de Helmet y comencé a seguir los riffs con la trompeta para que mis vecinos sufrieran un poco más. Sonaba de “pinga”. Entonces comencé a tocarla en temas de rock, finalmente también usamos efectos para darle un toque más interesante. Incluimos la trompeta en ¡Pendejo! primeramente porque nos gustaba. Después, la gente nos comentaba que esa combinación de castellano y la trompeta daba un sabor latino y quedaba muy bien. ¡Pues perfecto¡

¿Cómo definirían el estilo de Pendejo?

Bueno, la mejor definición fue de un “man” en Metacry.com: “Stoner rock en castellano con cojones del tamaño de Danny de Vito”. Tremenda caracterización, ¿no? ¡jaja! Danny de Vito es pequeñito, ¡pero, imagínate caminando con huevos de ese tamaño! En serio, el estilo de Pendejo tiene sus influencias del stoner, aunque tampoco creo que sea puro stoner. Yo diría que es “Helmetstoner”.

¿De qué canción estás más satisfecho y por qué?

Pues, eso cambia, ¿no? La que más me gusta a mi ahora es “La Ola Negra”, tal vez porque salió más dura, más oscura que las otras canciones. Pero también podría ser simplemente porque no la tocamos tan frecuentemente como los otros temas.

Flotadores impresiona por ser muy directa y enérgica… un buen inicio para Cantos A La Vida…

¡Pues gracias! Fue el primer tema que escribimos y nos dio la dirección a seguir en este álbum.

Por su parte, Arrecho Vengo también es potente pero, además, tiene una dinámica rítmica seductora…

Si, ese tiene un poco más groove en el coro.

¿Cuál ha sido la reacción de la prensa y público holandés?

Al inicio, la reacción de la prensa holandesa fue positiva, aunque no tan positiva como la de la prensa de habla hispana. Al ser en castellano no entendían las letras y por eso tampoco se entendía el humor, lo latino, la totalidad del álbum. Sin embargo, poco a poco se realizan reseñas más positivas, escritas por periodistas que sí saben algo de español. Y cuando tocamos, se ven personas del público que cantan las letras sin tener ni puta idea de que se trata. ¡Chévere!

¿Piensan seguir cantando en español en los futuros discos?

Claro. ¡Pendejo! en inglés no existe.

¿Cuáles han sido los vocalistas que han influido en tu aprendizaje musical?

Joder… Pues te doy unos vocalistas que me gustan y que he escuchado mucho, ok? A ver… Bon Scott, Todd Ashley, Page Hamilton, David Bowie, Nick Cave, Maynard de Tool, Zakk Wylde, Mark Lanegan, Layne Stayley …

¿Y los bajistas que han influido en Monchito?

Pues a él le gustan los bajistas que tocan en servicio de la música o de la canción. O sea, odia los bajistas que tocan demasiadas “vainas” sin que le favorezca al tema, aunque pueden ser muy buenos técnicamente. Tiene razón, ¿no? A mi tampoco me gustan los bajistas que tratan de llenar cada huequito con su alta técnica. Bueno, eso va para todo los músicos que están enamorados con su propia técnica, ¿no? Al Moncho le gustan bajistas como Billy Gould, Rex Brown y, por supuesto, Cliff Burton.

Estuvieron abriendo para Fu Manchu en España… ¿Qué tal la experiencia?, ¿Cuándo los tendremos de nuevo por aquí?

Muy buena la experiencia, un honor el poder abrir para ellos en Barcelona y Madrid. En este momento estamos tratando de montar una girita pequeña promocional en agosto y, después, el plan es hacer una gira por los clubs en otoño. A ver que pasa…

Y… ¿para cuando una gira por Sudamérica?

Pues, todavía no sabemos. La idea es comenzar en México y si las cosas salen bien, bajar desde allí.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

Hace poco te contamos cómo se lo montan Hayseed Dixie en directo. La diversión que desparraman sobres las tablas a la hora de versionear a AC/DC y otros ídolos del mundo del hard rock. Sin embargo, ahora toca bucear en sus experiencias, inquietudes y proyectos futuros. Por ello, les hemos entrevistado.

¿Cómo se formó la banda?

Nos juntamos hace diez años para beber cerveza y tocar un poco de música para divertinos. Y eso es lo que todavía estamos haciendo.

Comentadnos, ¿cuáles son vuestras bandas o artistas favoritos?

AC/DC, Motorhead, Bill Monroe, Stanley Brothers,…

¿Cómo definirías vuestra música?

Somos una banda de rock que toca instrumentos que mayoritariamente son propios del country.

¿Por qué decidísteis hacer versiones de AC/DC y otros clásicos del hard rock?

Pensamos que era la música más divertida para tocar mientras bebíamos cerveza.

¿Por qué decidísteis dejar vuestra vida pacífica en Deer Lick Holler para pasaros al rock and roll como way of life, como estilo de vida?

¡Para salir y ver el mundo! Y para beber cervezas diferentes en diferentes países. Y también para perseguir a las mujeres.

¿Cómo elegís las canciones que vais a versionear?

Realmente no tomamos una decisión. Bebemos un poco de cerveza y empezamos a tocar. En realidad, no hay un plan predefinido y nunca lo ha habido.

¿Alguna veez habéis rechazado hacer la versión de una canción porque considerábais que no era lo suficientemente buena?

Sí. Cuando tocas una canción con instrumentos acústicos, se vuelve muy claro si es o no una buena canción. Y algunos registros tienen un gran “sonido”, pero realmente la canción no tiene nada.

¿Sois conscientes de que estáis acercando sonidos como el bluegrass al público del rock, del hard rock?

No lo creo. No creo que tengamos alguna gran misión. Sólo estamos tratando de montar una gran fiesta.

¿Cómo reacciona el público en directo ante vuestra propuesta? ¿Hay gente que se ha enfadado o todo el mundo sabe más o menos lo que va a oír y ver?

Algunas personas se lo toman demasiado en serio. Y lo siento por ellos, porque no están tomando una decisión acertada. La mayoría de las personas que vienen a nuestros shows, vienen a saltar y a divertirse.

Ahora estáis componiendo vuestras propias canciones. ¿Por qué?

Hemos escrito muchas canciones durante los años. Algunos de ellas eran divertidas de tocar mientras bebes cerveza. Y algunas de nuestras canciones originales, como “She Was Skinny When I Met Her” y “I’m Keeping Your Poop (In a Jar)“, se han convertido en nuestros temas más populares.

Acabáis de actuar de nuevo en España. ¿Cuál es tu opinión sobre el público español?

Los españoles son gente divertida, festiva, y nosotros somos una banda para disfrutar de una fiesta.

¿Cuáles son vuestros planes para 2010?

Vamos a estar de gira de España a Finlandia, tocando en todos los países que hay por el medio. Éste es nuestro principal plan para este año.

¿Cuando vamos a escuchar un nuevo disco vuestro?

Bueno, acaba de publicarse Killer Grass, nuestro nuevo álbum. Creo que vamos a tratar de grabar algunas canciones más en octubre, después de que termine este tour tan largo.

¿En el próximo disco vas a hacer de nuevo o cubre sus propias canciones?

Probablemente una mezcla. Nuestros últimos discos han sido una mezcla y eso parece ser lo que más la gente quiere escuchar de nosotros ahora.

¿Tienes un disco favorito para escuchar cuando vas de gira?

Reise Reise de Rammstein. Este álbum siempre está en mi iPod.

La formación sueca The Barbwires sólo han editado dos discos, pero con ellos ya se han ganado un sitio privilegiado en el olimpo del rock. Su guitarrista y compositor Mike Barbwire contesta a nuestras preguntas pocos días antes de su gira española, donde presentarán su última referencia, esa obra maestra de la música instrumental que es Searider.

Comparado con vuestro primer disco -Sounds Like Trouble-, en Searider hay una gran cantidad de arreglos y mucho trabajo de producción, ¿Tuviste más presupuesto para este disco o simplemente hiciste los arreglos que encajaban mejor con la música?

Todo el mundo se cree que Searider fue un disco muy caro, y en cierto modo lo fue. Cuando estás en una fase creativa no quieres tener limitaciones por falta de dinero, ya sabes, en el trabajo de elaborar una obra de arte es importante alcanzar tu visión sin que importen las dificultades que se cruzan en tu camino.

Pero bueno, todos sabemos que la industria discográfica hoy no es la misma que la de hace 10 años, ahora no hay dinero para que la música alternativa sea bien tratada, y este hecho ha generado una nueva generación de músicos realmente ingeniosos y creativos, que con poco presupuesto, o a veces sin presupuesto, crean música maravillosamente bien producida desde sus casas. Ya sabes, traes a un par de amigos para que añadan unas cuerdas, otros para unos vientos, steelguitars, timbales… y sumando todas las piezas construimos unos arreglos grandiosos.

Grabé Searider en 4 o 5 estudios durante un periodo de 12 meses. Casi todos los estudios eran de amigos, donde ellos me prestaban parte de su tiempo libre para colaborar en mi disco. Tienes que tener mucha paciencia, una mente sana y una visión clara de lo que quieres.

Los medios trataron muy bien a Sounds Like Trouble, y con la edición de Searider estás empezando a ser considerado como un auténtico genio de la guitarra instrumental, ¿esperabas este tipo de respuesta?

Es genial ver como Sounds Like Trouble obtuvo reseñas tan buenas, fue un álbum complicado de llevar a cabo cuando salió, hace 9 años, aunque la falta de distribución hizo que no saliera de Suecia los primeros años. Si con Searider la gente no hubiera reaccionado de esta manera probablemente hubiera dejado de hacer este tipo de música por un tiempo, hice el disco para que fuera el mejor disco de surf, el número 1, aunque luego no tuviera demasiado eco tenía que darlo todo.

A lo largo del proceso tuve dudas de que pudiera acabar el disco, y fue una experiencia tan dolorosa que me vino la idea de dejar de hacer discos en cuando hubiera conseguido sacar éste.

Me llena de orgullo ver en las reseñas que se me considera un genio, le viene muy bien a mi baja autoestima, pero prefiero trabajar desde la discrección. Lo malo de esas reseñas tan buenas es la presión que tengo para hacer el siguiente disco mejor todavía, así que necesitaré otros 7 años para terminarlo.

¿Al grabar el disco sabías exactamente lo que querías o fue todo un proceso de experimentación en el estudio?

Yo no diría que hubo experimentación, cada canción e instrumento lo tenía todo escrito antes de grabar. Durante el proceso de grabación tuvimos un retraso de 3-4 meses. Todas las pistas básicas están grabadas en una cinta de dos pulgadas, cuando añadimos la orquesta necesitamos más canales y grabamos con pro-tools, después tuvimos un problema con el disco duro donde estaban todas las pistas, se estropeó y perdimos todas las canciones. ¡¡Todo!!. Ya sabes, me sentía quemado, muerto y enterrado. En esta etapa estuve a punto de volverme loco, 6 meses de trabajo perdido y el disco nunca podría salir. Sin embargo, el tremendo Herman Söderström (ingeniero con Hives, Cardigans, etc) se las ingenió para recuperar toda la información con una super tecnología muy extraña. Lo recuperamos todo desordenado y nos pasamos 3 meses ordenando todo de nuevo para recuperar el trabajo original. Durante la grabación de Searider aprendí el verdadero significado de nunca darse por vencido, pero mientras lo pasé realmente mal.

¿De dónde sacas títulos como Sockitome, Son Of A Beach o La Caja Del Muerto?

Todos los títulos tienen alguna historia detrás que se refiere a algún momento en la historia de The Barbwires, en algunas canciones incluso apuntamos la historia para acordarnos, pero nunca nos hemos molestado en imprimirlas.

En Searider podemos escuchar muchos sonidos que nos recuerdan a las películas de James Bond…

Es muy sencillo, mi mayor héroe es John Barry, el compositor de todas las bandas sonoras de James Bond. Es mi homenaje a uno de los más grandes compositores en la historia de la música moderna.

¿Te inspiran las bandas sonoras a la hora de escribir música?
Escucho un montón de bandas sonoras de los 60, son una gran biblioteca con música excelente, mucha música que no nos ha llegado por el hecho de pertenecer a una banda sonora. Durante largo tiempo tuve la idea de combinar rock and roll con el sonido de las bandas sonoras de los 60, se ha hecho en el pasado, pero hoy en día nadie lo hace.

¿Ya estás preparando canciones para un nuevo álbum?

Ya tengo escrito el nuevo disco, va a ser un gran salto comparado con Searider, mis habilidades para escribir música han mejorado gracias al trabajo en ese disco y va a ser mucho mejor. Ya hemos grabado un par de esas canciones, probablemente acaben en un EP que editaremos a finales de año, pero antes vamos a lanzar un doble CD en Estados Unidos con nuestro primer disco, todos nuestros EP y algo de material inédito de nuestros inicios. De esta manera damos a conocer que The Barbwires llevamos juntos 15 años -se cumplirán en noviembre- y es que mucho material de nuestros primeros 10 años nunca ha estado disponible en Estados Unidos.

Detrás de los arreglos y las percusiones, Sounds Like Trouble suena mucho al rockabilly de los años 50, ¿te gusta este estilo de música?

He estado tocando rock and roll y rockabilly durante muchos años, sobre todo con Jan Svensson aka Wildfire Willie in the Orbitunes, y The Hi-Winders. Con ellos también he girado mucho. Tengo el sentimiento rockabilly en mis venas, lo oirás en todo lo que hago.

Habéis versionado Whiplash de Metallica, ¿te gusta el heavy metal?

Nunca la hemos hecho en directo, ni siquiera en los ensayos. La hicimos en 1996, imagínate, el ingeniero pensó que el sonido de la guitarra surf sonaba como Metallica sin la distorsión, nos dió la idea y la grabamos. Esa canción acabó en un recopilatorio a finales de los 90, y recientemente también ha salido en otro recopilatorio británico. La verdad es que no puedo decir que me guste el heavy metal, más bien al contrario.

¿Tocas mucho en directo con tus diferentes bandas?, ¿qué estilo te gusta más?

No tengo ningún estilo preferido, es genial cuando puedes combinar todo en un estilo, mucha gente prefiere que sólo toques rockabilly o surf, sin mezclas, y a cierto nivel estoy de acuerdo en eso. Durante 2010 y 2011 tocaré sobre todo con mi nueva banda The Dragtones www.myspace.com/thedragtones, vamos a ir a Los Ángeles a grabar el disco a principios de mayo, así que tendré que dedicarle más tiempo a esta banda.

Con Barbwires hacemos algún festival y conciertos en clubs de Suecia. Trabajo en la programación y promoción de conciertos para Debaser www.debaser.se por lo que no tengo demasiado tiempo para salir de gira, tengo que hacer todo los fines de semana.

¿Cómo tocáis las canciones en directo siendo tres personas? ¿usáis samplers con los arreglos?

En los viejos tiempos de Memphis en los 60, el sello de soul Stax creó discos fantásticos con todo tipo de maravillosos arreglos, el problema estaba en que no podían girar con las orquestas, por lo que se llevaban una grabación con las cuerdas y tocaban sobre ella. También he leído en algún sitio que The Hollies, en la época de su LP Butterfly en 1967, utilizaban un magnetófono para poder llevarse los sitares, la orquesta y algunos efectos de estudio al directo.

Cuando la banda instrumental sueca The Spotnicks giraron por todo el mundo en 1965 tocaban junto a un magnetófono de este tipo para recrear todos los efectos. Nosotros también salimos a tocar con una magnetófono de cinta, suena muy orgánico, aunque no deja mucho espacio para la improvisación, tampoco la habría si tuviéramos una orquesta interpretando una partitura, así que debería sonar igual de todas maneras.

Esto sólo lo hacemos en una parte del show, en las canciones que lo necesitan. La gente quiere oir La Caja Del Muerto con todos sus arreglos. En Suecia hemos hecho conciertos con cuerdas, sección de viento, percusión, etc. pero es muy caro llevarse a toda la gente a España, además, las salas de rock habitualmente no están preparadas para que las cuerdas suenen bien y a veces puede sonar realmente mal, si hiciera algo con orquesta sería en un teatro o en una sala de conciertos acondicionada.

He leído que eres como Brian Wilson en el estudio y como Dick Dale en directo, ¿qué sientes cuando te lo dicen?

Esa es la personalidad de Dr Jekyll y Mr Hyde que me gustaría ser, el problema es que no he encontrado la fórmula de la poción que me ayude con la transformación. Tuve esta idea de Brian Wilson produciendo un disco de Dick Dale, y de cómo sonaría. Esa fue la idea básica de Searider, los dos grabando en 1963 en los estudios Capitol de L.A. con Jack Nietzsche añadiendo bellas cuerdas. Como los primeros discos instrumentales de Glen Campell, pero con la crudeza de la guitarra de Dick Dale.

Eres uno de los dueños de la cadena de salas de conciertos Debaser, ¿a qué te dedicas exactamente?

Bueno, soy dueño pero de una pequeña parte. Debaser son 3 salas de conciertos en Suecia. En este negocio yo soy el que reserva, programa, coordina y promociona los conciertos, y hemos tenido desde Bob Dylan hasta Dick Dale. La mayoría de las salas en Suecia programan pop indie o electrónica, pero nosotros hacemos todo tipo de música.

Intento contribuir con un amplio espectro de estilos y promoviendo la buena música. Debaser es un negocio que se está convirtiendo en una de las mayores cadenas de salas de Suecia, pero trabajando con música alternativa, manteniendo vivo el rock and roll, aunque hoy en día sea un género marginal, lo que es bastante triste.

The Hives os ayudaron mucho, ¿cuál es vuestra relación con ellos?

Yo solía ayudar a The Hives cuando eran jóvenes y todavía vivían en la pequeña comunidad de Fagersta, compartimos un montón de shows a mediados de los 90, combinando el garaje y el surf. Entonces ellos eran desconocidos y The Barbwires ya estábamos más rodados, así que hacíamos cosas como repartirnos el dinero del concierto para que ellos no tuvieran pérdidas. Desde el principio fueron una fabulosa explosión garajera.

Ahora mismo ocurre al revés, ellos son los que nos han ayudado, y en algunos momentos ellos han sido la razón por la que hemos decidido seguir con la banda. Nos ayudan con todo, desde material para el estudio hasta para actuar de teloneros. Son muy buena gente con grandes corazones.

Descubriste la música instrumental a través de un trabajo universitario, ¿cómo fue?

Tenía 21 años y estudiaba en la univesidad de la música en Estocolmo, tenía que escribir un trabajo sobre el surf sueco, pero no había mucho de lo que escribir a excepción de The Daytonas, así que decidí que era hora de reescribir la historia de la música y a partir de ahí empecé con The Barbwires. Sé que si alguien tuviera que hacer ese trabajo en 2010 The Barbwires ocuparían fácilmente un capítulo o dos.

The Barbwires actuarán en la sala Gruta 77 de Madrid el próximo 7 de mayo, al día siguiente estarán en el Riverside Festival de Balaguer.

Entrevista realizada por: Pointer

 

 

MelQarT, es una banda de Valladolid que acaba de publicar un nuevo álbum, Libre, en el que han puesto todo su esfuerzo para dar un salto cualitativo en su trayectoria iniciada en 2000. Con un estilo influenciado por el heavy metal de los 80 y formados por Carlos Sanz (voz), Jaime Pelillo (guitarra), Roberto Parrado (guitarra), David Segura (bajo) e Iñaki Lázaro (batería), nos pusimos en contacto con los dos primeros para conocer algo más de su historia y su nueva grabación.

A modo de introducción… ¿Cómo definiríais el estilo de Melqart, con qué grupos se os puede asociar?

Carlos: Nos identificamos como una mezcla entre cualquiera de las bandas españolas que despuntan en el panorama del heavy metal y una ensalada de los grupos extranjeros de heavy metal de los 80. Luego, nuestro público nos ha llegado a comparar con una inmensidad de diferentes bandas como Saratoga, Warcry, Judas Priest… y una larga lista de bandas, te lo aseguro. Así que nosotros lo llamamos “heavy melqart”.

¿De dónde procede vuestro nombre y cómo surgió la idea de llamaros Melqart?

Jaime: El nombre proviene de una deidad fenicia, MelQarT, que era como su dios principal en aquella cultura y época. Y la idea de llamarnos así fue cuando Iñaki y David (batería y bajista) lo vieron en una exposición sobre el Mar Mediterráneo, les gustó el nombre, lo comentamos en el local y la decisión fue rápida.

Libre es vuestro tercer álbum, ¿Cómo ha evolucionado la banda desde vuestros inicios y qué diferencias se pueden encontrar en este disco con respecto a los anteriores?

Carlos: Creo que hemos evolucionado en la forma y en la calidad de composición, sobre todo porque seguimos siendo fieles al “estilo Melqart” desde nuestra primera composición con la banda al completo: Reinos de Gloria.

Jaime: La evolución, aunque no vertiginosa, ha sido constante en cada disco. Mejores arreglos, bases rítmicas, melodías vocales, etc., han sido la pauta a seguir. Pero aquí no se queda, seguimos mejorando día a día para complementar las canciones y ofrecer un producto más interesante en el futuro.

¿Quién tiene más peso específico en el aspecto compositivo?

Carlos: Jaime siempre ha llevado la mayor parte del peso de la composición, y después, alguno de los demás componíamos otros temas. En Libre, hay más variedad de composición, Jaime y yo hemos compuesto la mayoría de temas del disco pero, en cada composición, sobre todo musicalmente hablando, participamos ampliamente los cinco; por eso siempre registramos las canciones a nombre de los que formamos la banda.

Jaime: Este disco ha sido el más variado en el tema de composición. Aunque la mayoría de las canciones provienen de ideas mías o de Carlos, es en el local cuando se completa el trabajo. De hecho, si te fijas en los créditos, siempre firmamos todos los temas por MelQarT, no hay individualidades en esto. Las letras suelen ser de una sola persona, pero con la música, cada uno aporta su experiencia e ideas.

Living Alone y Masters Of Fire (además del bonus The Last Day), son canciones cantadas en inglés en un disco donde prevalece el castellano. ¿Es una forma de decir que os gustan los retos? ¿Os arriesgarías a grabar todo un disco en inglés en el futuro?

Carlos: En el caso de ser en inglés, todas las letras serían de Jaime porque es el único que se atreve a componer directamente en el idioma anglosajón. Pero, bueno, todo sería que nos apeteciera, puesto que todos tenemos influencias de bandas extranjeras. Pero en un futuro posiblemente lejano.

Jaime: No se trata de un reto. Es algo que surgió cuando empezamos hace ya 10 años. Como es un tema que no habíamos hablado, yo escribía letras en ambos idiomas y los demás en castellano. Aunque lo hemos discutido varias veces, al final creo que conseguimos enriquecer la canción aún más con ello, ya que al desarrollar un esbozo de una canción, enseguida me viene a la mente el idioma en que debe ser cantada. Mientras no exista una presión externa por decantarnos por uno de los dos idiomas, seguiremos así. Respecto a grabarlo íntegro en inglés, no tendría sentido por lo que comentaba antes (me refiero a regrabar temas anteriores ya escritos). Tendríamos que enfocar la composición hacia el idioma y creo que estaríamos ya condicionados de antemano para crear nuevas canciones.

Sois una banda con unas letras bastante extensas, ¿qué temas tocáis en ese aspecto en este disco en concreto?

Carlos: Como puedes observar, hay bastante variedad, no solo el amor mueve el mundo hay muchas cosas importantes e interesantes que contamos en el disco y que seguro en un futuro seguiremos la línea de ofrecer variedad en los discos. Creo que la composición no hay que buscarla sino ella te encuentra a ti, depende mucho de tu estado de ánimo.

Jaime: La temática, dentro del estilo, es bastante variada. Hay historias habituales del día a día, pero ambientadas en otras épocas, con otros personajes y situaciones dispares. Hay otros que son más épicos como “Sin patria” o “Masters Of Fire” con sus toques de fantasía; otros, como “Sobre El Asfalto”, cuentan una historia real y actual. No cerramos ninguna puerta de cara a contar nuestras inquietudes.

La voz de Carlos está muy presente en algunas canciones (por ejemplo, en Nada), su estilo me suena muy español. ¿Puedes decirme cuál ha sido tu aprendizaje musical y los cantantes que pueden haber influido en tu forma de cantar?

Carlos: Me he formado vocalmente en la lírica y he aplicado todo eso a la música que realmente corre por mis venas, el rock y el heavy metal. Desde que tengo 13 años escuchaba a Freddy Mercury y Michael Kiske a todas horas, y aunque esos son mis preferidos existen muchos más y de otros estilos muy diferentes.

Y ya que estamos en el tema, ¿Cuál ha sido el aprendizaje musical de Jaime y qué guitarristas te han influido?

Jaime: Mi aprendizaje ha sido totalmente autodidacta. Gracias a Internet hay una cantidad enorme de tutoriales, clases prácticas, videos, foros, etc., con los que puedes enriquecer mucho tu forma de tocar un instrumento. En cuanto a guitarristas que me influyen, pues no sabría decirte. Me gustan muchos, pero después no identifico su estilo en mi forma de tocar. Alberto Cereijo, Armando de Castro, Vivian Campbell, Ross The Boss, Adrian Smith, Glen Tipton…. Realmente creo que me influyen más en el momento de componer canciones que a la hora de mostrar la técnica o estilo personal.

¿De qué canción del disco os sentís más orgullosos y por qué? Particularmente me ha llamado la atención “Masters Of Fire”, tiene un sonido muy internacional y la voz encaja perfectamente…

Carlos: Creo que todos disfrutamos mucho de “Sin Patria” y de los diez minutazos de música sin publicidad (jajajaja). Y porque la canción tiene cambios bruscos en sus líneas, que es lo que nos gusta a la hora de tocar, pero reconocemos que el publico es más variado a la hora de elegir su favorita.

Jaime: En mi caso, creo que “Sin patria” y “Sueños sin alcanzar 3” son las que mejor resumen el espíritu del disco en cuanto a la evolución, composición y detalles de las canciones. Me gusta mucho tocarlas e improvisar sobre ellas.
Respecto a “Masters Of Fire”, es de los pocos temas con temática inventada, y su base musical es una combinación de heavy metal clásico en su estrofa y estribillo junto con los ritmos más power en su riff principal. Logramos unos buenos coros, que le dan ese empaque y fuerza que nos gusta escuchar.

Contarme la historia de la saga “Sueños Sin Alcanzar” en Libre incluís las partes II y III, ¿Dónde se encuentra la parte I?

Jaime: La parte 1 se encuentra en nuestra anterior grabación, Esclavo Del Destino. El conjunto global trata de una pareja que, aunque ya planean su vida juntos, se tiene que separar temporalmente por diversos motivos. La primera parte nos introduce en la historia y el protagonista explica que tiene que marcharse pero volverá. La segunda parte está enfocada desde el pensamiento de la chica, ya que el tiempo pasa pero él no regresa, por lo que se pierde en sus pensamientos y está en una constante tristeza, tratando de entender por qué ocurrió todo. Y por fin, en la tercera parte, se descubre que el chico estaba ‘prisionero’ en sus movidas, pero logra regresar. En el estribillo y solo de la canción se expresa esa fuerza renovada y alegría por el futuro reencuentro de ambos. Creo que se terminará ahí la historia,

¿Cómo veis la actualidad del rock estatal. En qué se ha mejorado y por dónde seguimos estancados?

Carlos: Creo que hay bandas buenísimas en España a las que no se apoya mucho, hay poco movimiento. En los grandes conciertos y festivales siempre aparecen los mismos nombres un año tras otro. Y cuando no es así, echamos mano de bandas míticas que aseguran el beneficio. Es como si en la selección española no entraran nuevos jugadores jóvenes y siguiéramos tirando de Julio Salinas o Butragueño y Michel, bueno algo parecido.

Jaime: En cuanto a los músicos, creo que la escena está sana, no deja de generar nuevos talentos, bandas, etc, con una calidad increíble. Además, cada vez es más fácil obtener una buena grabación con poco presupuesto y darse a conocer gracias a Internet (myspace, blogs, webs), revistas especializadas, radios etc. Pero luego está el problema de promocionarse haciendo giras, tocando en salas, etc., ya que la mayoría de las veces no puedes contar con el apoyo adecuado y los medios técnicos son escasos, por lo que económicamente no es viable. Y en cuanto al público, de nuevo Internet pone a disposición un montón de bandas que antes sería impensable escuchar, pero creo que ha convertido a la música en algo consumible sin más, ya no se valora como antes el tener un disco o esperar un lanzamiento durante semanas para ir a la tienda a comprarlo. En parte es normal, pues lo tienes a un “click” de ratón, pero estamos en un período de adaptación y el futuro dirá por donde seguirá esta tendencia. La afluencia a los conciertos es cada vez menor, debido a la cantidad de oferta que hay todas las semanas. Las salas tienen lista de espera y, como consecuencia, las entradas son más caras, se escatima en medios, etc.

Y, por último, para cada uno… Si os diesen la oportunidad de tocar con una banda internacional de músicos de rock para un solo concierto ¿con quiénes la formaríais?

Carlos: Elegiría a Bryan May y los suyos; Queen. Y dedicaría mi actuación al cielo por si alguien me estuviera observando (Freddy).

Jaime: Pues me lo pones muy difícil!! Ronnie James Dio ya consiguió algo así cuando grabó el tema “Stars“, hace muchos años. Vamos a ver que tal sale el experimento: A la voz pondría a Michael Kiske ó Eric Adams; a la batería a Scott Travis; al bajo Markus, de Helloween, y a las guitarras…. buff!! Por ejemplo, Glenn Tipton y, ¿qué tal lo haría junto a Dave Murray o Kai Hansen? La verdad es que mis favoritos se centran en 3 o 4 bandas, jejeje.

 

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Fue en el año 1997 cuando Sean Frutos (vocalista) y Jorge Guirao (guitarra) deciden formar un grupo de Rock y empezar a buscar músicos con gustos similares para expresar sus inquietudes musicales. Se fueron incorporando Nando Robles (bajista), Fran Guirao (batería) y Javi Vox (guitarra, teclados).

En el año 2000 después de foguearse musicalmente en diferentes salas de toda España, y después de grabar diferentes demos, el grupo se ven capacitado para registrar lo que fue su primer disco Private Life.
Con la modestia que siempre caracterizó a Second, el grupo sigue tocando y presentándose a diferentes concursos y certámenes musicales

Entrevistamos a Sean Frutos, cantante de Second:

Primero por si hay algún despistado que no os conoce unas preguntas cortas:

¿De dónde viene el nombre de Second?

A finales de los 90 teníamos una banda que quedó en segunda posición en algún concurso local, y decidimos crear un grupo llamado Second. Esto nos dio suerte, ya que empezamos a ganarlo todo.

¿Cómo unos chicos de Murcia deciden probar suerte en la música?

Y, ¿por qué no?…es tan lícito como empezar desde cualquier otro lugar. El padre de Fran (batería) y Jorge (guitarrista) tocaba la guitarra en un grupo de los 60, y mi padre cantaba en otro. Hay algo que te llama a hacerlo.

Sois ya unos veteranos de los concursos de bandas, ¿Cuándo os presentáis a nuevos concursos seguís teniendo nervios?

Desde el GBOB en Londres no nos hemos presentado a más concursos, hay que dejar espacio para los grupos que vienen detrás, los concursos son una oportunidad de salir del local y mostrar lo que tienes.

Para vosotros ¿Cuál ha sido el premio que más os ha marcado?

El GBOB, sin duda. Cuando lo ganamos apostamos por esto como nuestra forma de vida.

Ahora vamos con preguntas más difíciles:

 

Second nace como grupo independiente, con canciones en inglés,  y ahora nos encontramos con vuestro último álbum totalmente en Castellano, aunque ya podíamos oír alguna que otra canción así en “invisible”. ¿Cómo os sentís más cómodos: cantando en Español o en Inglés?

En este momento cantando en español. Las letras que me están saliendo son todas en este idioma. Esto no cierra la puerta a hacer alguna composición en inglés en el futuro, pero en este ciclo de Second seguiremos escribiendo en castellano.

¿Al cantar en Español dais más importancia ahora a las letras?

Siempre le hemos dado importancia a las letras. Lo que si tengo claro es que el oyente en castellano es más exigente.

En este disco contáis con Carlos Jean a la hora de grabar el disco, supongo que habrá influencia suya en vuestros temas, pero ¿ha habido alguna influencia o experiencia más a la hora de elaborar este último álbum?

Raúl de Lara ha coproducido el disco, y siempre está a nuestro lado en todo lo que hacemos a nivel de grabación y sonido. Para nosotros es muy importante tener a una persona que te conoce, y luego aprender de personas que se van agregando al proyecto, como Carlos Jean y su equipo.

El 22 de Abril dais vuestro último concierto de la gira en Madrid, como resumen, ¿qué anécdotas y conciertos os han marcado más?

Es el último de nuestra gira de salas, pero Second es un grupo que no para de tocar, no hay lugar para el descanso en este momento. En esta gira hemos agotado por primera vez las entradas en sitios como Madrid, Barcelona, Valencia o Granada…y anécdotas hay muchas, por ejemplo, la furgoneta nos dejó tirados en la vuelta de un festival en Talavera, y gracias a tener Internet móvil, lo comunicamos a nuestros amigos de facebook, que se prestaban a venir a rescatarnos. No hizo falta, vino antes la grúa, pero recibimos muchos mensajes de apoyo y se nos pasó mejor el tiempo. Hasta nos hicimos unas fotos y las colgamos, para que todos vieran como estábamos. El concierto del MTV Murcia Night fue el más concurrido, unas treinta y cinco mil personas.

¿Qué grupos habéis escuchar en vuestros MP3 durante la gira?

Muchos, Phoenix, The Sunshine underground, Two Door Cinema Club,…

Durante la gira también habéis participado en festivales como “Twoday festival” en Salamanca y Valladolid, donde compartisteis escenario con grandes como Ivan Ferreiro. ¿Compartís mucho tiempo con el resto de artistas? 

Todo el que podemos, concretamente con Iván nos gusta charlar cada vez que nos cruzamos. Le admiramos y siempre tiene una conversación interesante y animada. En Salamanca, Zahara, se subió a cantar con nosotros una canción. Hay que compartir experiencias y hablar con las personas que se dedican a lo mismo que tú.

Texto por Max Ilzarbe
Fotos Jaume De Laiguana

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Jeff Pilson, ha tenido la fortuna de trabajar junto a personajes importantes dentro de la música heavy. Sus más reconocidas participaciones nos traen a la mente, principalmente, los nombres de Dokken y Dio, aunque ha estado involucrado en otros muchos proyectos. El último, nada menos que junto a los remodelados Foreigner de Mick Jones, contribuyendo en el álbum Can’t Slow Down. Motivo suficiente para una toma de contacto que nos permita conocer algún dato de su colaboración y escusa para indagar en su excelente trayectoria como bajista.

Cuéntanos cómo se produjo tu vinculación con Foreigner. ¿Habías trabajado antes junto a Mick Jones?

Yo había trabajado en el 2000 junto a Jason Bonham en la película Rock Star (participó como miembro de una banda llamada Steel Dragon. NdR). Tuvimos una gran química entre ambos y cuando se unió a Mick Jones en 2004 para reformar Foreigner me llamaron. Fue genial desde el principio, nunca antes había tenido la ocasión de conocer a Mick.

Descríbenos el contenido de Can’t Slow Down.

Se trata de un set de 3 partes. Un CD con el nuevo material, que nos tiene bastante excitados; otro CD con remezclas de las grabaciones originales de algunos clásicos y un DVD en directo con escenas del backstage, fotos, etc.

¿Cuál fue tu nivel de implicación en el disco, aportasteis ideas el resto de los músicos participantes o Mick lo tenía todo listo para grabar?

Bueno, todos estuvimos involucrados pero la composición corrió a cargo de Mick, Kelly (…Hansen, el vocalista. NdR) y el productor Marti Fredericksen. Algunas partes fueron realizadas sobre la marcha en habitaciones de hotel. ¡Me encanta la tecnología actual!

¿Qué sensaciones te produce haber trabajado junto a profesionales tan impresionantes?

He sido muy afortunado por haber trabajado con grandes músicos durante mi carrera. Así que, estoy muy agradecido.

¿Alguna anécdota especial que se pueda destacar del proceso de grabación?

Bueno, puedo asegurar que grabar en las habitaciones de los hoteles es algo muy diferente de lo habitual. Pero, al fin y al cabo, ¡es trabajo!

¿En qué canciones de Can’t Slow Down te sientes más implicado?

Estoy muy orgulloso de tocar en Give Me A Sign. Es my homenaje al sonido Motown y a James Jamerson (bajista que tocó en la mayoría de los éxito de la Motow en los años 60. NdR). Fue toda una diversión.

¿Los músicos que habéis participado en Can’t Slow Down, también lo hicisteis en los clásicos de Foreigner que aparecen en la versión especial?

No, se trata de las grabaciones originales solo remezcladas y remasterizadas.

War And Peace, Lynch/Pilson… ¿Cuáles son tus planes dentro de estas formaciones?

Cuando tengo la ocasión voy componiendo y ahora dispongo material para un disco de War And Peace, solo es cuestión de encontrar el momento para grabar. En cuanto a Lynch, nos encantaría hacer algo, el asunto es encontrar el tiempo.

¿En qué banda has disfrutado más como bajista?

En todas las bandas en las que he estado he disfrutado tocando el bajo.

¿Ser bajista fue tu primera opción como músico o tuviste otras inquietudes?

La verdad es que me inicié directamente con el bajo. Durante un tiempo me tomé muy en serio lo de cantar y, además, me encanta realizar grabaciones en las que toco todos los instrumentos, pero siempre me vuelvo a enamorar del bajo otra vez.

¿Cómo conseguiste tu primer bajo?

¡Se lo compré a Eddy Ryan por 35 dólares¡

¿Cómo fue tu aprendizaje musical?

La primera canción que aprendí a tocar y cantar fue Born To Be Wild (Steppenwolf. NdR). Después continué con The Beatles y Led Zeppelin. Luego me lo tomé muy en serio con el rock progresivo, Yes, EL&P, Genesis, etc.

Se conoce muy poco de tu primer grupo Rock Justice. Cuéntanos algo de esa etapa.

Se trataba de un concepto tipo opera rock en la que Mike Varney y yo estuvimos implicados. Fue un proyecto encabezado por Marty Balin de Jefferson Starship y tanto Varney como yo formamos parte de la banda. Fue mi primera grabación para una discográfica importante y una valiosa experiencia.

En una sola frase, danos tu opinión sobre los siguientes músicos:

Don Dokken:
Mi gran hermano largo tiempo desaparecido. Podemos ser muy locos el uno con el otro, pero hay un profundo amor. Gran letrista.

George Lynch:
Como si fuera de mi familia. Uno de mis mejores amigos y mi alma gemela musical.

Michael Lee Firkins:
Un guitarrista genial

Michael Schenker:
Tampoco nada manco con la guitarra. Un tipo excéntrico.

Ronnie James Dio:
Una de las grandes voces del rock de todos los tiempos y uno de mis amigos más queridos.

Y sobre los siguientes bajistas

Jaco Pastorius:
Lo cambió todo. Muy melódico y con un excelente y poseedor de un tono asombroso.

Stanley Clarke:
El primer virtuoso real. Dejó a todos atrás con su estilo de chops (estilo característico del funky. NdR).

Phil Nynott:
Un músico completo.

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La joven formación madrileña Unsouled forma parte del cartel del Brutal Metal Fest, a celebrarse el próximo 24 de abril, donde compartirán protagonismo junto a varias fomaciones estatales. Además, tienen en el mercado su álbum debut, Start Over, de cuyas composiciones podrán disfrutar en directo quienes asistan al mencionado festival. Para conocer más a fondo a Unsouled, nos pusimos en contacto con José (guitarra y voz) y Javier (guitarra) quienes no tuvieron inconveniente en ampliar la información sobre la banda, además de ofrecer su punto de vista sobre diversos temas.

Unsouled es una banda con 6 años de actividad. Para quienes aún no os conozcan, ¿podéis contarnos cual ha sido vuestra trayectoria?

Javi (Guitarra): La banda comenzó su andadura hace 6 años, incluso algo más diría yo. Jose formó un grupo con 3 amigos del instituto sin más pretensión que tocar unas canciones y divertirse. Poco a poco fue tomando forma y fueron entrando y saliendo músicos hasta que, ya con una formación estable, decidieron grabar una maqueta, cambiarse el nombre en 2005 (el anterior era bastante feo ¡ja, ja!) , y así, sin hacer ruido, ha ido creciendo hasta lo que somos hoy día. Una banda seria y con mucho futuro. En 2006 ganamos un concurso de banda en Coslada. Eso, la grabación del disco Start Over y la correspondiente gira es lo más importante que nos ha pasado en nuestra carrera. Ahora, después de todas las buenas criticas que vamos obteniendo, tanto del CD como de nuestro directo, estamos muy satisfechos del punto en el que nos encontramos y con mucha ilusión de ver hasta dónde podemos llegar.

Jose (Guitarra y voz): Ha sido un periodo muy largo desde lo que es “la creación” del grupo hasta que hemos podido grabar nuestro primer disco. Entre medias de todo esto han ocurrido miles de anéctodas y experiencias que te van haciendo madurar y crecer como músico y como banda, pero es un buen resumen, está claro. Sin más que añadir (risas).

¿Cómo definirías vuestro sonido y con qué bandas se os podría asociar?

Javi: La base de nuestra música es el thrash metal , pero intentamos hacerlo un poco más original, añadiendo elementos que las bandas de este estilo no suelen utilizar , lo que dota a nuestra música de una gran riqueza para ser una banda cañera de thrash metal. En el disco se puede notar ya la evolucion que ha tenido el grupo en su trayectoria ya que hay temas como “Coldness”, ”Toy” o, ”Human Waste” que son de los inicios del grupo (incluso pertenecen también a nuestra primera maqueta ) y son mucho más directos que otros como “C. Elegans” o “Fire In The Wormhole” que son más técnicos y enrevesados. Sobre lo que comentabas de a que grupos se nos puede asociar… Bueno, pienso que a grupos como Metallica , Annihilator , Slayer , Death (sus últimos discos) algo de Pantera y, no sabría decirte, creo que uno de nuestros puntos fuertes es que tenemos nuestro estilo y no nos parecemos descaradamente a ningún grupo.

Jose: Es cierto que es evidente la relación, y que coño, la naturaleza de thrash metal que tiene la banda. Que muchas veces se hayan añadido matices poco utilizados en el estilo y eso. Lo diferente no es más que una cuestión estilística. La definición que ha utilizado mucha gente en algunos medios y en gran parte de las críticas recibidas no es tanto thrash metal progresivo, sino thrash metal moderno ¿?¿?(risas). Autodefinirse y demás es complicado, las etiquetas son sólo corsés y marcos en los que quedarse atrapado de no ser que sólo las utilices para dar una idea por ejemplo a alguien que no haya escuchado algo y necesite tener alguna referencia. En el resto de casos no soy muy partidario de usarlas. En fin, tenemos nuestra personalidad y nuestra manera de hacer las cosas, pero está claro que el sonido thrash metal es nuestra naturaleza.

Start Over es vuestro debut discográfico, ¿habéis tenido que pasar muchas dificultades hasta alcanzar el sueño de todo grupo, poder grabar un disco?

Javi: Pues no lo sabes bien , supongo que no más dificultades que cualquier otro grupo; muchísimas. Lo primero es componer un buen puñado de canciones que merezcan la pena para poder incluirlas en un CD con sonido profesional. Eso, para unos chavales que están empezando es difícil (de ahí que pase tanto tiempo). Una vez las tienes, toca ahorrar la pasta suficiente para grabarlo, y esto ya depende del modo que lo quieras hacer. Nosotros hemos decidido ir a lo grande, a tope dentro de nuestras posibilidades. Esto dificulta mucho más las cosas ya que hemos necesitado juntar el dinero y, después, el nivel de exigencia a la hora de grabar era muy alto.

Jose: La cuestión “dinero” en una banda que no recibe ningún apoyo ni inversión de terceras fuentes se convierte en un gran problema para una formación joven. Con cierta edad no tienes aún la independencia económica necesaria como para meterte en proyectos del nivel, calidad y exigencia como ha resultado ser Start Over. Que en el interior de la banda las cosas vayan bien es algo importantísimo también. En nuestro caso, en los años anteriores a la grabación tuvimos cambios dentro del grupo, y hasta que la banda no está al cien por cien y la gente con la que cuentas tiene la mentalidad e ideas adecuadas para tirar un trabajo con seriedad es muy arriesgado meterse en ello.

¿Cómo se desarrolló el proceso de grabación y quién se hizo cargo de la producción?

Jose: El disco se grabó en los estudios New Life de Madrid. De la producción se hicieron cargo Daniel Melián y Jose Garrido. Después de evaluar su trabajo en anteriores discos decidimos hacerlo con ellos. Observar la calidad de anteriores resultados es algo que tienes mucho en cuenta, si no lo que más, antes de decidirte por un estudio u otro. Sin embargo, una vez estás dentro aparecen otros factores que descubres en el momento y que además tienen una importancia enorme como, por ejemplo, el feeling entre los productores y la banda. La música que has creado es tu sentimiento y sensaciones más personales, y cuando tienes que dejar esto en manos de alguien que va a ayudarte a darle forma a todo, el trabajo gana enteros por el hecho de que haya conexión entre las personas. Después de la experiencia somos muy buenos colegas de Jose y Dani, a quienes no conocíamos de nada. En cuanto a las sesiones, las fuimos cuadrando con nuestros trabajos para que cada uno pudisese grabar sus partes de la manera más cómoda.

Javi: Una vez que nos dieron la mezcla lo llevamos a masterizar a Finlandia en los prestigiosos estudios Finnbox (Children Of bodom , Nightwish, Lordi) donde Mika Jussila hizo un gran trabajo (como siempre) y le puso la guinda al pastel. El master es el último toque que se da a un disco y puede condicionar de manera positiva o negativa el resto del trabajo, así que, enviarlo a profesionales que ofreciesen buenas garantías tenía que ser nuestro objetivo. A mi modo de ver creo que el disco suena como un cañonazo, estamos muy satisfechos.

¿De dónde surgió la idea para vuestro nombre?

Javi: Se le ocurrió hace ya bastante tiempo a Carlos Ayuso (batería), la idea gustó, la sonoridad también y luego quedó un logo muy acorde con el grupo. En realidad en inglés no tiene traducción (sería desalmado, pero no existe en inglés); el significado viene de la falta de humanidad que hay entre las personas de este mundo que, a nuestro modo de, ver va in crescendo y no sabemos hasta que punto puede llegar.

Jose: Después de cambiar varias veces de componentes en el grupo y de tomar una dirección concreta en un momento dado de nuestra historia, pensamos que era el momento de “re-crear” el grupo. Ya no eramos la misma gente, las cosas comenzaban a apuntar hacia otra parte etc. Era el momento y buscamos. Desde luego el nombre encajaba perfectamente con nuestra música y nuestro concepto.

¿Cuáles son los principales temas que tocáis en vuestras letras?

Jose: Son letras abiertas, que dejan que cada oyente le aporte su significado. Evidentemente al escribirlas tengo una idea concreta, me baso en situaciones, siempre personales y cuyas sensaciones conozco perfectamente. Luego le quitas los nombres propios a esos determinados momentos y solo te quedan los sentimientos y las sensaciones. De ahí que otra persona en su experiencia personal, identificándose con ese tema, lo lleve a su terreno. También pensamos que escribir de esta forma es más bonito, ya que cuando haces tuyo algo, lo vives de manera diferente. De todas maneras en las letras sí se aprecia un mensaje claro. Principalmente tratan de las personas y las relaciones entre ellas en el mundo actual, y nuestra visión sobre éste. Pensamos que la primera impresión, la superficialidad, el transimitir una idea, la necesidad de identificarse con algo… todo esto son los motivos con los que la gente actúa. Hay mucha falsedad en el interior de las personas. Encontrar alguien en quien realmente veas la sencillez, el honor, la fidelidad, la naturalidad es muy, pero que muy complicado. Se va a la mierda esto (risas). A raíz de ahí las canciones tratan por ejemplo de esa frialdad y superficialidad, deterioro de las relaciones entre amigos, traiciones y desengaños que vas sufriendo etc.

¿Cómo observáis la actualidad del rock nacional, pensáis que evoluciona de forma positiva o creéis que aún necesita algún cambio?

Javi: Bueno yo creo que en España hay muy buen nivel en cuanto a bandas de todo tipo de rock y metal, creo que evoluciona a un nivel aceptable. Pienso que lo único que falta es que salga alguna banda grande a nivel mundial y se demuestre que España también sabe exportar bandas punteras al resto del mundo y así poco a poco las grandes discográficas extrajeras a nivel mundial apuesten por bandas españolas.

Aparte de todo esto, los fans españoles también miran con cierto recelo a las bandas de aquí por el simple hecho de cantar en inglés aunque poco a poco esto se va corrigiendo. Pero aún queda un larguísimo y arduo camino por recorrer. Como te digo, a nivel de bandas es cuestión de tiempo que salga alguna puntera y, a nivel de publico, poco a poco se irá creando tradición en España como la hay en otros países. Aquí sabemos que el tipo de música que hace Bisbal y las bandas tipo El Barrio, es lo que más tira a la gente y ese es el legado de nuestro país pero, poco a poco, el rock y el metal deberán hacerse un hueco a base de buenas bandas y de buenos conciertos y ofrecer alternativas musicales de calidad.

Jose: Efectivamente, el problema no está en la calidad de las bandas. Ya han pasado años y aquí hay gente a un nivel por encima del de grupos que vienen de fuera. El único problema es que algo rompa el hielo y se deje de tener siempre ese escepticismo con los grupos de aquí. Cuántas veces observas situaciones en las que el propio oyente español tiene sus prejuicios con bandas de su país. Por ejemplo, una misma noche en la que se quiera salir a ver un concierto. Echas un ojo y ves varias posibilidades. Un grupo de fuera cuya música es más de lo mismo, formulera y demás puede costar 18 €. En cambio, un concierto de gente de aquí, bandas con frescura, que están dándolo todo por hacer oir su visión musical está entre 6 y 10 €. Siendo sinceros, ¿cuánta gente tomaría la primera opción, solo por el hecho de que si algo viene de fuera, será de mejor calidad? Entre nosotros este concepto tenemos que cambiarlo y, desde luego, en las bandas recae la responsabilidad de hacerlo a base de dar buenas razones con buenos trabajos y conciertazos en directo.

¿Qué produce mejores sensaciones, el lanzamiento de un disco o actuar en directo?

Javi: A mi, personalmente, lo que más me gusta es tocar en directo, aunque eso lo haces muchísimas veces más que lanzar un disco, así que, no sabría que decirte. La sensación de escuchar los temas que tantas veces has tocado bien grabados y con calidad de audio profesional también es muy gratificante y escuchar las críticas de la gente y de los medios es muy positivo, en este caso, al ser el primer álbum es aún más emocionante ya que es tu carta de presentación y la expectativa es mayor. La siguiente vez ya no será igual porque ya habrán oído el primero (algunos jejeje) y la gente más o menos sabe lo que va a escuchar. Aun así, la adrenalina de un concierto y la conexión con el publico es una sensación que no se puede explicar. Yo prefiero tocar en directo.

Jose: Son conceptos diferentes. Siempre hemos oido hablar de bandas que en directo “ná de ná”, pero que en estudio se marcan unos trabajos que flipas escuchándolos. Y al revés, bandas con trabajos en disco que se quedan mediocres, pero que asistes a un concierto suyo y te cagas. Yo creo que el directo es el momento de mayor contacto y comunicación con la gente a través de tu música. Es “El Mometo” (risas). Sin embargo a la hora de grabar tus temas, de saber que ese es el momento de plasmar tu trabajo de tanto tiempo, probar cosas, darle forma… es una experiencia cojonuda, aunque diferente. Yo me quedaría con ambas (risas), pero si tuviera que decantarme por una, sería el directo.

¿Qué significa para vosotros la oportunidad de participar en el Brutal Metal Fest del próximo 24 de abril?

Javi: Bueno, es un concierto especial para nosotros en el aspecto de que vendrá mucha gente que no nos ha visto nunca tocar en directo o que ni si quiera nos conoce. Es un buen momento para que se enganchen al grupo y nos sigan la pista. Por otro lado, es un concierto más de nuestra gira y en todos y cada uno de ellos damos el máximo, da igual si tocamos con Koma o con otra banda underground o si hay 40, 100 ó 1000 personas, nosotros tratamos de divertirnos dando el máximo y que el publico disfrute de un buen concierto y se vaya satisfecho a casa. Y, si puede ser, con nuestro CD entre las manos para seguir disfrutándolo.

¿Alguna reflexión final que deseeis transmitir a nuestros lectores?

Javi: Que ha sido un placer contestar a esta entrevista y enviarles un saludo muy fuerte de toda la banda y, si quieren escuchar algún tema nuestro o quieren algún tipo de información, visiten nuestro wyspace. Os esperamos en el Brutal Metal Fest. ¡!!!!

Jose: Muchas gracias por vuestra entrevista y a vuestros lectores por interesarse y pasar un rato conociéndonos. Decir que si tenemos oportunidad de conocernos y de vernos las caras en directo, estáis todos invitados y no os los podéis perder. Estamos tocando en todas partes para no dejar ni un sitio sin visitar. ¡Nos vemos en los conciertos!

 

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ENTREVISTA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

Coincidí con Carlos Raya en la XIV Edición de los Premios de la Música. Allí mismo, y mientras me enseñaba el premio a mejor productor, apalabramos la entrevista que ahora les presento.

AMADO STORNI: ¿Qué está  haciendo actualmente Carlos Raya?

CARLOS RAYA: Acabo de terminar el disco de Vicky Gastelo y arrancamos ahora mismo con el de M-Clan y Señor Mostaza. Me gusta reencontrarme con amigos. En mis ratos libres me voy a  tocar con Fito donde él me lleve. Vamos, una gozada.

A. S.: ¿Qué factores posibilitarían la vuelta de Sangre Azul a los escenarios?

C. R.: La verdad es que nos plantean que nos juntemos a menudo pero quizá todavía no sea el momento. Pero bueno, nunca se sabe.

A. S.: Se llegó a decir que teníais un cuarto álbum ya grabado y que nunca vio la luz. ¿Es eso cierto?

C. R.: Sí, teníamos todos los temas. Cuando oigo las maquetas todavía creo que habría sido todo un discazo. Por diversas circunstancias nunca se llegó a grabar.

A. S.: En qué faceta te encuentras más a gusto, ¿en la de productor o en la de músico?

C. R.: Estoy cómodo siempre que se trate de hacer música. Me da igual desde qué punto de  vista.

A. S.: ¿Qué tiene que tener un disco para que lo produzca Carlos Raya?

C. R.: Que me guste. Me parece muy  importante hacer sólo cosas en las que creo musicalmente.

A. S.: ¿Qué piensas acerca de la situación actual de la industria de la música?

C. R.: La industria tendrá que replantearse algunas cosas. Me parece que la más importante es mantener el nivel más alto posible artística y creativamente. Creo que durante un tiempo se ha bajado el listón. Por supuesto que hay cosas muy buenas, pero hay un exceso de música hecha sin cuidar la calidad.

A. S.: La  música, ¿es más negocio que pasión?

C. R.: Me imagino que cada uno se dedica a esto por diferentes razones. Por supuesto que habrá de todo, aunque quiero pensar que es un hobby-negocio apasionado para la mayoría del gremio.

A. S.: ¿Lo comercial está reñido con la calidad?

C. R.: Los artistas más vendedores de la historia, Led Zeppelin, AC/DC, The Beatles, Michael Jackson, creo que demuestran que no. Hay a veces una tendencia a criticar a la gente que tiene éxito.

A. S.: Recomiéndame un disco que te haya impactado.

C. R.: “Consolers Of The Lonely” de The Raconteurs .

A. S.: ¿Y una canción?

C. R.: A mí la verdad que me gusta todo tipo de música pero sería feliz oyendo sólo AC/DC. Bueno, quizá sea un poco exagerado pero me gustan tanto.

A. S.: ¿Con quién te gustaría compartir escenario?

C. R.: Ya que  estamos, con AC/DC.

A. S.: ¿Y a quién te gustaría producir?

C. R.: Espero poder hacer muchos discos más.

A. S.: Por último, ¿qué consejo darías a los grupos que están empezando?

C. R.: Creo que lo más importante es que hagan lo que les guste de verdad. No hay fórmulas para el éxito. Es la mejor forma de conseguir lo que uno quiere. Además, a la larga te hará más  feliz.

Carlos habla con la voz que dicta los postulados de la experiencia y la pasión. Son tantos años de carretera, de disfrutar y hacer disfrutar con la música que la propia música habla por él. Muchas gracias Carlos.

Entrevistar a Jorge Martínez es enfrentarse a una charla que puede no acabar nunca, siempre hay lugar para hablar de sus temas favoritos: el sonido de sus guitarras, la caja que recopila todas sus canciones, la absoluta convicción sobre la superioridad de Ilegales en el panorama musical en castellano o su nuevo proyecto, Jorge Ilegal y los Magníficos, que ha provocado el suicidio por necesidad de la mítica formación asturiana, pero dejemos que nos lo cuente él mismo:

Para todos ha sido una sorpresa que los Ilegales vayan a disolverse para ser parte de otra banda, y sin embargo, tú me acabas de comentar que es una jugada que lleváis planeando desde hace 16 años…

Es una fantasía que al final hemos decidido llevar a la realidad, esas cosas que piensas cuando vas en la furgoneta: “lo que sería la ostia sería montar un grupo con instrumentos de época, como una orquesta” y todos en la furgoneta “¡¡¡sí, sí!!!” y aportando cada vez más cosas “y con unos trajes elegantes”, “y unas guitarras Paramount”, “y un contrabajo de los que tienen la madera seca, que vibre muy bien”, “y un vibrafonista”…

Así empezó la cosa, con música de época, tangos, boleros, chachachas, justo hasta la época anterior a los Beatles, el twist de las guitarras eléctricas, y al final dijimos, vamos a intentarlo. El bajista se convierte en contrabajista, el batería se pone a estudiar técnicas antiguas, ya olvidadas, de percusión, y yo me puse a conseguir guitarras, ya estaba en ello, pero en guitarras de los 30 y los 40 tenía un gran bache, son guitarras españolas de alta gama, de alta calidad. También conseguimos un vibrafonista que tenía un Musser del año 37, de los más potentes, marimbas, cosas de esas, y empezamos a tocar en un estudio y joder… es la ostia.

¿De dónde sale el nombre de los Magníficos?

Toqué en una orquesta de gente muy mayor que se llamaba Los Siete Magníficos, pero nunca éramos 7, éramos 6 en las temporadas de invierno, o 9 u 8 en verano, que se hacían más conciertos, así que lo dejamos en Los Magníficos y he recuperado ese nombre. Es un intento de recuperar las orquestas antiguas, que eran realmente dignas, vestían elegantemente y no utilizaban sonido pregrabado, como los payasos de las de ahora.

¿Cuándo empezásteis con esta aventura musical?

En julio o agosto del año pasado empezamos a grabar nuestro primer LP, que todavía no queremos sacar, ahora estamos con lo de Ilegales, pero bueno, el proceso fue largo para llegar ahí… son muchos obstáculos, la gente dice: “si jamás voy a conseguir una guitarra de esas” y nosotros lo hemos conseguido y suena… (Jorge se emociona) es muy excitante. El problema es que ahora nos vemos obligados a aparcar el proyecto de Ilegales porque es inviable mantener en la mente más de 50 canciones y ejecutarlas bien, con cierta fidelidad. Es una cuestión de salud mental, llevar la promoción de dos grupos también sería muy dificil, tenemos que dejar los Ilegales para hacer Jorge Ilegal y los Magníficos.

¿No pensásteis en hacer como otras bandas que están una temporada con una y luego con otra? por ejemplo Sex Museum y Los Coronas…

Esto es más denso y más difícil técnicamente de tocar, infinítamente más difícil, no tiene nada que ver. Esto es otra cosa, es un nivel que no creo que pueda alcanzar mucha gente, tal es el nivel que nos exigimos.

¿No te entra un poco de miedo el tener que “matar” Ilegales?

Pues no hay más remedio, me duele más por América que por España. Aquí nos hemos prodigado bastante, mucha gente ha tenido la oportunidad de vernos, y si después de mil y pico conciertos no lo han hecho ya ves… en América hemos dado menos conciertos, aunque son masivos, de mucha gente. Vamos a hacer una gira exhaustiva por España y, antes de que empiece el 2011 nos vamos a América donde haremos un montón de conciertos: Colombia, Venezuela, Ecuador, Argentina, Estados Unidos…

Vamos a visitar un montón de paises donde tenemos una gran aceptación, y hay que corresponder a la gente y nos vamos a esforzar mucho, nada de hacer una gira de despedida alimenticia, eso me parece una bajeza. Haremos conciertos muy largos, a pesar de que van en tonos muy altos las canciones de Ilegales, tocaremos hora y cuarto, descansar, y tocar otra hora y cuarto, dos horas y media en total.

Siempre habrá algún cabrón que diga, falta tal canción (risas), hemos sacado 126 canciones en la caja y no vamos a interpretarlas todas en una sesión, seria malsano (risas).

Parece que la caja se está vendiendo muy bien, las entradas de los conciertos de despedida también… ¿tienen que desaparecer para que la gente se acuerde de Ilegales?

No, yo creo que es algo que iba a ocurrir igual, este proceso estaba lanzado ya desde hace 10 años, haber mantenido el tipo hace que a la larga ganes, pero somos así de locos los humanos, las dificultades son una necesidad y por eso nos vamos a un proyecto con más dificultades.

Ahora mismo disfrutaremos de este momento dulce, si es que la oferta es muy buena, como no se va a vender por 60 y algo euros una caja con 126 canciones de… bueno, para mí es el grupo de habla española más grande de la historia, y Vince Power, que lleva el festival de Glanstonbury y el de Benicassim piensa así, parece que esta opinión es general fuera de España, donde impera menos el chupa y mama. Muchas bandas que son alguien aquí fuera no son nada, el filtro es totalmente diferente.

En este momento sería muy cómodo quedarse como estamos con un producto tan bueno y sin dar actuaciones de baja calidad… no digo que todas las actuaciones de Ilegales hayan sido perfectas, de miles de actuaciones puede haber habido cuatro que no hayamos estado a la altura de las circunstancias, por demasiado alcohol, alguna causa externa o algo así, pero generalmente son actuaciones muy buenas y la gente que sale del concerto lo comenta. El público de Ilegales se engancha y nunca lo deja, lo contrasta con otras cosas y se da cuenta de que tanto los textos comos las canciones, las armonías, tocar palos distintos…

Ni siquiera nos repetimos, si hasta nos hemos traicionado a nosotros mismos para no repetirnos, cuando introdujimos el saxo y teclado para poder acceder a una paleta de sonidos más amplia. Al principio los conservadores ponen cara seria pero luego… hay que hacerlo, es una cuestión de congruencia abordar ahora los Magníficos.

En todos vuestros discos las producciones son atemporales, no se puede adivinar de qué año es el disco por la producción, cosa que sí les pasa a muchísimos artistas, ¿nadie intentó que sonárais de otra forma para vender más?

Nos decían todo tipo de tonterias pero nuncas les hicimos mucho caso, las producciones las hacía yo todas y el sonido era muy natural. En los 80 la gente estaba enferma de modernidad y nosotros les curamos la enfermedad, además Ilegales ya veníamos muy preparados, sabíamos como manejar mesas de mezclas y los aparatos de cualquier estudio, era muy difícil engañarnos porque nos habíamos preparado muy a fondo. Con los Magníficos ha sido un proceso muy largo, pero con Ilegales estaba claro que íbamos a pegar, aparte éramos unos desarraigados, los desarraigados siempre triunfan porque no dejan nada atrás.

Han pasado ya casi siete años del último disco de Ilegales, y ahora que me comentas lo de los Magníficos, en algunas canciones sonábais muy años 50…

Cualquier sonido nos interesa, sea de la época que sea, años 30, 40, 50, todo. Fagocitamos hasta las nuevas tecnologías, de hecho, desde el 89 Ilegales no utlilizamos amplificadores en directo, creo que somos el único grupo español que lo hace, tocamos en un previo y directos a mesa. Eso agiliza mucho todo y tienes mucho más control sobre tu propio sonido, el efecto que tiene un técnico exterior se minimiza. Eso ya es muy técnico, incluso a muchos grupos se lo explicamos y no lo entienden. Para tus lectores puede ser un coñazo, vamos a tener un poco de consideración (risas).

Hace casi 30 años cantabas “Nuevos cantantes hacen el ridículo en viejos festivales como eurovisión”, ¿hay algún mensaje tuyo que no siga vigente?

Mira, me acuerdo una vez que estaba hablando de esto mismo con Sabina, “Jorge, está muy bien esa canción, me gusta, sólo hay una frase que no tiene ningún sentido, ¿quién cojones va a prestar atención a eurovision en estos momentos?, eso ya no le importa a nadie…”, (risas), “mira Joaquín, el público es lo bastante estúpido como para volver a oír eurovisión, no desestimes la estupidez del público español”, ¡y ha ocurrido!, me jode ser profeta, pero siempre lo he sido.

Ahora mismo la crítica social en la música es el insulto fácil, el fuck you de rigor, ¿tan difícil es hacerlo en castellano?

En absoluto, yo nunca he encontrado dificultad en ello, pero bueno, parece ser que sí, que el “fuck you” se está sobreutilizando.

La última vez que pude veros en directo tocásteis Trouble de Elvis, la letra es muy tuya…

Muy ilegal, por eso decidimos hacer esa versión, también la hacemos con los Magníficos. Te va a gustar el disco (de los Magníficos), te va a llamar la atención, es grabar con nuevas tecnologías el sonido primitivo, se va a oír como no se ha oído nunca, como siempre tenía que haberse oído.

Cuando buscas en internet Jorge y los Magníficos lo primero que aparece es un reportaje en una revista femenina, ¿Eres como tantos otros que empezaste en esto para atraer a las mujeres?

(risas) No, sin lugar a duda, no. Empecé por la música, me parece excitante, es algo que me pone muchísimo. La música es lo que más nos aproxima a los ángeles, el problema es que hay muy poca gente que consigue ese acercamiento, hay muy pocos Mozart, Beethoven o Lennon. No hay ninguna motivación sexual. Además, mira, como digo en una canción, mi atrevimiento suple mi total falta de belleza, me resulta muy fácil el acercamiento al otro sexo, conseguir aventuras venéreas no me cuesta nada.

¿Cuáles fueron las primeras bandas en las que tocaste?

Estuve en muchas, al principio siempre se cambia hasta encontrar el sonido, y es necesario, porque aprendes mucho. Toqué desde con bandas instrumentales, orquestas con ningún musico menor de 60 años de los que aprendí mucho, estuve con grupos en la epoca psicodélica y postpsicodélica… probé todo tipo de sonidos. Con ese bagaje, una vez que has probado todo lo de otros, ya puedes acceder a un sonido personal con muchas más facilidad.

¿Querías sonar como algún guitarrista en particular?

Quería sonar como todos y como ninguno, estaba buscando mi sonido. Me gustaban desde Charlie Christian, cuya grabación más moderna debe ser del año 40 o así, hasta Johnny Winter, Hendrix, Jimmy Page, también me gusta mucho el solo de Get Back de Lennon. David Gilmour me parece fantástico, probablemente es el que más me gusta. Hank Marvin de los shadows, el de los Ventures… es que me gustan miles de guitarristas, Lonnie Johnson tanto haciendo jazz como blues… te daría un listado de la virgen.

¿Algún grupo español te ha llamado últimamente la atención?

Escuché el otro día una canción de un gruipo que se llama Gallina, Tuercas y tornillos, una cancion pop muy buena y que no está exenta de cierta profundidad también. Hay otro tipo con el que te puedes reír y pasar un buen rato, El Sobrino Del Diablo, tiene frases ingeniosas. Hay muchas cosas, oigo música constantemente, nueva y antigua. Me escucho siempre los discos de la revista Mojo, del Uncut…

¿Cuál fue el primer disco que te compraste?

Creo que “Black is black” de los Bravos.

¿Y el último?

Sí, soy de los tipos que todavia compro discos (risas), ¿sería de Stone Temple Pilots? (se queda pensando), no porque los tengo todos, pues no recuerdo cuál fue, lo que sé es que todavía no lo he oído (risas).

Los Ilegales han editado la caja 126 Canciones Ilegales y están de gira de despedida.
www.jorgeilegal.com

Entrevista realizada por: Pointer